LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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cine americano - page 6

CINE: Gravity

Complaciendo los mails que nos llegaron, cumpliendo con el sagrado deber hacia el lector y a pesar de que ya sacaron a Gravity de cartelera, aquí la reseña:

«You’ve got to learn to let go»

Que seres tan diferentes como Michael Moore, Santiago Segura y James Cameron estén de acuerdo en lo “maravillosa” que es Gravity ya daba para llamar la atención. Santiago Segura lo dijo fuerte y claro a través de twitter: “Cuarón es el puto genio” y yo estaba como que “sí, capaz que sí”.

Me gusta Cuarón, me gusta más que Iñárritu, haciendo comparaciones al pedo/odiosas/inútiles.

Tampoco es que Cuarón  tenga una extensa filmografía, pero no sé, me gusta.

Después de una espera que se me antojo eterna (más larga que mi vuelta al blog) pude disfrutar de Gravity en 3D, como tiene que ser.

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La primera secuencia es poderosa, las voces que se perciben casi en off, la presentación de los elementos, de los personajes, el 3D que pocas veces es tan bien usado y tan adecuado, todo hizo que hundida en la butaca susurrara: “Qué hermosa”.

Cuarón nos traslada al espacio. Literalmente. Sandra Bullock es la Dra. Ryan, George Clooney es Matt y hay un tercer tipo que anda por ahí.

Los primeros minutos están dedicados más o menos a que nos quedemos apantallados por lo visual y que a nivel narrativo entendamos que la Bullock es pajarito nuevo, que Clooney es el gringo campechano y veterano en su último viaje,  y el otro (el que orbita/gravita/whatever) seguramente será el primero en morir.

Muere intrascendente personaje, muere!

A Clooney lo quería matar yo misma, sehhh. El gringo buena onda, despreocupado que puede cambiarte una llanta en medio de la carretera es un papel que le he visto muchas veces, y más en entrevistas personales (insertar emoticón de Heisenberg).

La película avanza dos pasos y el drama estalla como piñata mexicana. Nosotros, en la butaca, empezamos a temer por la vida de los personajes y a sufrir con ellos.

Lo inhóspito y lo irreductible del espacio te golpea frame a frame.

A ojo pelado podemos decir que Cuarón es el puto genio y que Segura tiene toda la razón del mundo. Lubezki es el encargado de la dirección de foto. A Lubezki lo amamos desde El árbol de la vida y su fotografía unida a una muy buena colección de efectos especiales garantizan el “viaje” que los lentes 3D y todas las reviews previas prometían. Suntuosos planos secuencia aparecían y desaparecían. Hay partes que hasta marean y dan la sensación de vértigo o por lo menos así se sentía desde la fila 5.

Sandra Bullock George Clooney

Sin embargo, en mi mente resonaba lo que dijo James Cameron, cagándose un poquito en Kubrick, y cito: “Creo que es la mejor película del espacio que se ha hecho nunca”.

Este…Momentito Cameron, momentito!

Luego de ver la obra de Cuarón, esa afirmación dicha por Cameron o por cualquier otro da como para que nos trencemos a manazos y a hijueputazos alegremente y si la cosa se caldea mucho elegir las armas al amanecer.

Porque Gravity funciona como espectáculo, como película pipoquera destinada al entretenimiento vacío y autocomplaciente, como una historia del género thriller-survival harto ya vista, en la que sabemos que a Cuarón  –ALERTA DE SPOILER– le va a temblar el pulso para liquidar a su personaje y hacerlo arder en una llamarada infernal al contacto con la tierra o no va a querer que ese diálogo imposible/onírico de Bullock con el personaje de Clooney sea simplemente una manera poética de decirnos que la doña murió, claro que NO. Cuarón va a poner a Ryan como la súper heroína, más resistente que Kenny (el de South Park) y nuestro amigo Clooney se sacrificará en pro de la supervivencia de Sandrita, sin que se le encojan los huevos ante la inminente muerte espacial FIN DE SPOILER y todo eso ESTÁ BIEN!

No hay que confundirnos. Cuarón no promete una película de autor. Cuarón hizo una película producida por David Heyman (productor de todas las Harry Potter), protagonizada por Sandra Bullock y George Clooney, con un presupuesto de más de 100 millones de dólares, y vuelvo a decir: está muy bien.

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Que el guión se ponga como quinceañera cursi believer a mitad de camino, y que después tengamos que ver a Ryan en posición fetal para preparar su “renacimiento”, y conversaciones religiosas de por medio, escuchar su lacrimógena historia con el objetivo de que nos de penita y le gritemos a la pantalla: “DENLE UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD A ESA COJUDA DE SER FELIZ”, tampoco lo podemos negar, porque para qué mentirnos a estas alturas de la existencia. Somos grandes.

Aún así, Cuarón lleva su película a un nivel más que aceptable.  Los reflejitos en los cascos, los momentos de tensión, la pesadilla espacial, el miedo, la soledad, lo jodidamente buena que está a nivel visual, artístico y estético, una dirección que consigue que no me empute tanto Clooney y que Sandrita haga un digno papel, sí, es un festival para los sentidos.

Memorable por lo que se queda en tu retina, y absolutamente prescindible si te ponés a reflexionar sobre su contenido. Ni modo. Estamos en una época en que la forma se come a la sustancia.

Pero en el caso de Cuarón, QUÉ FORMA!

Lo mejor: Lo visual

Lo peor: A partir de la mitad, el guión se pone muy choto

La escena: Me quedo con el inicio y cuando cosito se tiene que desamarrar (happy moment)

Lo más falsete: La escena Wall-e de la Bullock con su improvisada turbina

El mensaje manifiesto: Hay que lucharla hasta lo último

El mensaje latente: Querubines, en la vida no hay un guionista que te salve irrisoriamente de las desgracias

El consejo: Si todavía está en cartelera vela en 3D y con subtítulos, eso sí …sin esperar la revelación del cine de autor.

El personaje entrañable: Marvin, el marciano

El personaje emputante: un poquito Clooney, un poquito Bullock

El agradecimiento: Por los planos secuencia, por Lubezki, por lo bello y lo triste.

CURIOSIDADES

–       Dura solo 91 minutos

–       En una conferencia de prensa en México, un periodista de farándula le preguntó a Cuarón qué tan difícil fue filmar en el espacio, aquí el link de youtube: http://www.youtube.com/watch?v=ipoH7iRUo-o

–       El guión es escrito por Cuarón y su hijo de 29 años Jonás.

–       Como era de esperarse, Cuarón trabajó en estrecha colaboración con la NASA.

–       Además, la NASA proporcionó mucha documentación para el éxito de la película: “Tuvimos la gran oportunidad de que la NASA estuvo de acuerdo en enviarnos sus documentos, incluyendo fotografías y filmaciones de archivo” dice Tim Webber, el supervisor de los efectos visuales en la película.

–       El director James Cameron, dijo que ‘Gravity’ era “la mejor película jamás hecha sobre el espacio” En ella exclamó su admiración por el film: “Me quedé de piedra, totalmente anonadado por la película. Creo que es la mejor imagen jamás vista del espacio”.

–       Por otra parte, en la habitual lista de Tarantino de sus películas favoritas, ‘Gravity’ ocupó la posición número siete.

–       La estación espacial china en la vida real se llama Tiangong (palacio celestial). Su lugar en la película consistió en un pequeño módulo habitable. El objetivo del programa Tiangong en la vida real es la construcción de una estación espacial muy similar a la de ‘Gravity’ para el 2022.

–       Originalmente el papel de Sandra Bullock habría sido pensado para Angelina Jolie. Luego de que ella abandonara el proyecto, una serie de actrices pasaron a ser consideradas para el rol. Entre ellas estuvieron Scarlett Johansson, Blake Lively y Natalie Portman (que fue eliminada por su embarazo).

–       Bullock tuvo que pasar por seis meses de entrenamiento físico. Bullock y Cuarón trabajaron minuciosamente en un detalle crucial de la película: la respiración de Ryan.

–       Los ensayos de las escenas, según señala Cuarón, se convertían en una especie de sesiones de baile: “Una vez que empezamos a preparar la sesión, era casi más como una rutina de baile donde estábamos ‘uno, dos, tres a la izquierda, uno, dos, tres a la derecha’”.

–       Por su parte, Robert Downey Jr fue el primer candidato para tener el papel que terminó interpretando George Clooney. Así como Jolie, el actor decidió abandonar el proyecto y Cuarón se dio cuenta de que el estilo de Downey Jr no era tan compatible con el personaje como el de Clooney. Algunas fuentes citaron que Downey Jr. resultó demasiado informal con el proyecto.

–       A continuación, les dejamos el cortometraje Aningaaq, dirigido por Jonás Cuarón que originalmente iría a parar en los extras del Blu-ray de Gravity. Warner Bros. decidió lanzarlo antes en aras de conseguir una nominación al Oscar en el rubro de Mejor Cortometraje de Ficción, cosa que no ha logrado, pues la Academia ya dio a conocer a un filtro de diez finalistas de entre los 120 que competían; para ahora intentar limitar la terna a entre 3 y 5 trabajos. En el video spin-off, de casi siete minutos de duración, se ve la otra cara de la conversación que el personaje de Sandra Bullock mantiene con -ahora sabemos-, un pescador, de nombre Inuit, en Groenlandia, mientras intenta pedir auxilio a través de una radiotransmisión desde el espacio.

TRAILER: 12 years A Slave

Nada para animar el espíritu como la promesa de algo que parece ser memorable.

Steve McQueen que ya nos noqueó la vida con Hunger y dejó un hueco en el corazón con Shame, regresa este año con su tercer filme: 12 years a Slave.

(espacio para el suspiro y el momento de embeleso)

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Todo en esta producción hace pensar que será excepcional: la presencia de Michael Fassbender, uno de los mejores actores del momento, en un papel de villano, nuestro amigo Benedict Cumberbatch cuya popularidad obtenida por ser el Sherlock Holmes de la BBC le está granjeando dividendos muy merecidos, Paul Giamatti que nunca decepciona, y la adorable actriz Quvenzhané Wallis que nos hizo creer que una vez existió una Hush Puppy y vivió en La Tina con su padre, son parte de un gran elenco en el que también está incluido Brad Pitt .

Sin embargo, el peso dramático recaerá del todo en Chiwetel Ejiofor, conocido actor con una sólida carrera en cine y teatro, al interpretar a Solomon un hombre de color nacido libre que es engañado, dopado y vendido como esclavo al Sur. La historia es basada en la autobiografía de Solomon Northup escrita en 1853 y es adaptada por el guionista John Ridley, único nombre preocupante de todo el equipo, ya que su currículo es bastante discreto.

No importa, lo demás es tan perfecto que hace que nos hagamos los de la vista gorda.

El proyecto suena ambicioso, aunque la historia parezca la típica historia de redenciones en periodos oscuros como la esclavitud. Sí, suena típico, pero McQueen no lo es.

Se estrena comercialmente en Octubre, aunque ya está haciendo su camino en festivales cosechando ovaciones.  Ojalá podamos apreciar el filme en pantalla gigante.

Mientras tanto, he decidido rendirme a la decepción que chorrea de nuestras salas de cine y ver, finalmente, STOKER este fin de semana en pantalla plana y DVD…esperemos que McQueen corra mejor suerte.

EN CARTELERA: El Conjuro – The Conjuring

Conjuros de la vieja escuela

A James Wan le sigo los pasos desde Saw (2004), la primera, la única, la que digan lo que digan los detractores revitalizó el género. La que hizo que buscara un muñeco Jigsaw por toda la red para usarlo en cenas, reuniones, etcéteras y atormentar a los invitados,  sembrando la turbia sensación de que se me soltaron algunos tornillos y había decidido imitar al cine al decirles:

Live or die, make your choice

Seh…eran otros tiempos. Wan tenía 27 años y eso a mis ojos lo convertía en alguien para respetar, teniendo en cuenta que el cojudo se creó una franquicia con una buena película inicial, y unas seis (siete?) al pedo.

Además, al verlo, lo último que te imaginás es que ese malasio, de nacionalidad australiana, flaquito, con cara de niño, sea la mente siniestra detrás de la dirección de Saw. Como tampoco imaginás que su compañero de aventuras, el australiano Leigh Whannel, también veinteañero (¡!) pudiera ser el guionista.

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Wan y Whannel en el 2011

Después del éxito de Saw, Wan filmaría Dead Silence (2007), película que de toda su filmografía sería la más decepcionante, eso a pesar de estar bien filmada y de contar con muñequito tétrico y gore por montones. Fue tan más o menos que llegamos a pensar que su ópera prima fue un golpe de suerte.

A esa huevada le siguió Sentencia de muerte(2007), que OH! Sorpresa! nos mostraba a un Wan que se alejaba del género que le dio fama y nos presentaba un filme en el que nuestro siempre amado Kevin Bacon interpretaba a un padre de familia que pierde a su hijo en un violento asalto. Al personaje de Bacon no se le ocurre mejor idea que aplicar aquello del ojo por ojo, y decide cazar a los asesinos como a liebres del bosque. Película entretenida, simplona en su premisa pero efectiva.

Luego vendría Insidious (2010), que en Bolivia ni siquiera llegó a la cartelera, pero que no estaba nada mal y fue un preámbulo de El Conjuro. Preámbulo porque también era una historia sobre casas embrujadas y extrañas maldiciones. En Insidious, Wan volvería a hacer mancuerna con Leigh Whannel, y sí, la historia del niño que luego de llegar a vivir con su familia a una nueva casa queda en coma sin explicación, tuvo sus grandes momentos e hizo que me replanteara la reproducción, la medicina moderna y el valor de mi alma.

Ahora, el 2013, El Conjuro se vende como la película de terror del año y bebe de  clásicos de los 70s como The Amityville Horror y en algunas partes El Exorcista.

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Basada en hechos reales y con un guión de los gemelos Chad y Carey Hayes, Wan dirige otra trama de casas embrujadas y extrañas maldiciones (recuerden lo del preámbulo).

Estamos a principios de los 70s, Carolyn y Roger Perron que no están familiarizados con el control de natalidad, se mudan a una vieja casa de Rhode Island acompañados de sus 5 hijas.

La casa, como toda casa de película de terror que se precie, está alejada de la ciudad y tiene sus misterios. La pareja llega ñoña e ilusionada a su nuevo nidito de amor. Las hijas juegan por los vericuetos y descubren un extraño sótano que estaba escondido.

También, como toda película de terror que se precie, todos los mensos bajarán al sótano y hurgarán los cachivaches hasta poner en curso los fenómenos paranormales.

Después de MUCHOS indicios, y de que lo más lógico era correr como Forest Gump lejos del boliche, finalmente papá y mamá Perron llaman a los demonólogos Ed (Patrick Wilson) y Lorraine Warren (Vera Farmiga).

Aquí entra en acción una parte más oscura de la película, los Warren tienen un nexo directo con el Vaticano, pero adivinen qué, después que descubren que la casa efectivamente está habitada por espíritus malignos y demoniacos y que además necesita (everybody) un exorcismo, hay que ESPERAR el permiso de la Iglesia Católica.

Bello.

Los fenómenos paranormales siguen su curso, pero en esta ocasión, toda pregunta/queja/ que yo le susurraba a compañero de butaca sobre la estupidez de ciertas cosas, la película las respondía (SI, A MI) cuando avanzaba un poquito, ejemplo de comentarios que pueden surgir y que encontrarán respuesta.

–       ¿Cómo puede ser que estos pelotudos no dejen esa casa maldita?

–       Ay, sí, ahora los fantasmitas se entretienen jugando a tironear los pies.

–       ¿Y pa qué van a esperar que esos curas desgraciados les rocíen agua bendita?

Sí, las cosas se ponen densas mientras la película avanza, para rematar con un final que prefiero no comentar dejándoles la curiosidad de ver qué pasa después de tanto despelote y visitas del más allá.

THE CONJURING Tanta cháchara y no entro directo a responder la pregunta obligada que se está haciendo el lector de esta reseña: ¿El conjuro es tan buena como dicen que es?

 A ver. El filme no es una revelación dentro del género, de hecho se nutre de los elementos más bien tópicos de este tipo de historia: Casita embrujada, posesiones, objetos malditos, espíritus sedientos de almas y vos en la butaca atragantándote de pipocas.

Wan tampoco apuesta a un terror apoyado en el gore o en lo sádico, sino que se asienta en un terror más psicológico, así que los que esperen ver chorros de sangre, esta no es su película. Para esos chiveríos están Posesión Infernal, American Mary, Frontiere y cosas de ese estilacho.

Aparte, podemos decir que pierde gran parte de su empuje en los últimos 40 minutos, aunque tenga una escena con Lili Taylor que cumple las expectativas y que salva el arroz de que se queme. No vamos a negar que tenés que tragarte algunos mensajitos a la conciencia sobre las hijas de los Perron que no están bautizadas (oh, qué grave) y que aparentemente los demonios y espíritus del mal son todos católicos y se conocen la Biblia al dedillo, pero en definitiva James Wan sabe lo que hace.

61YhStygpDL._SL1000_Quizás a él se deba que el filme resalte en el género, a su correcta dirección, que con sus travellings, planos secuencia, oportunos silencios, enrarecidos climas, sacando partido de la oscuridad, de los ruidos, consigue contarnos la película de manera amena y que incluso en un momento dado nos esperemos lo peor, deseando que NO suceda.

Su solvente elenco es otra cosa a favor, un Patrick Wilson y una Vera Farmiga convincentes en el papel de pareja que lidia con las fuerzas del mal, y la familia Perron con Lili Taylor (mamá) como mayor exponente de los terribles ataques de los espíritus.

El Conjuro, entonces, es una película cumplidora y superior a lo que solemos ver en su nicho, aunque no novedosa. Nos cuenta algo ya visto muchas veces, pero su plus está precisamente en que cuenta algo muy cliché y logra atraparte.  No por nada la película ha seducido a la taquilla y con un modesto presupuesto noqueó a otras como Pacific Rim y Superman.

Veremos si el chicle da para estirarlo y en la secuela, ya confirmada, pueda mantener la atención del público.

Mientras tanto, el último trabajo de Wan es ese tipo de película que vas a ver con la esperanza de llegar a tu casa y dormir con miedito, con la luz encendida. Si lo hace o no, dependerá del espectador.

Lo mejor: muy bien filmada y un airecillo a clásico de los 70s.

Lo peor: demasiado tópica y típica, y gran parte de los últimos 40 minutos.

La escena: la de la niña y alguien detrás de la puerta, y la de mamá Perron casi al final con su hija

Lo más falsete: bueno, April era un poquito grande para su papel de niña boluda.

El mensaje manifiesto: el poder divino nos salvará

El mensaje latente: si no sos católico, cagaste

El consejo: No es para que la vean niños pequeños. Lo digo porque en la función a la que entré se escuchaba a una pobre criatura llorar (o sería un fantasma? UHHH)

El personaje entrañable: la muñeca Annabelle…sehhh

El personaje emputante: el papá Perron, era un poco inútil, la verdá.

El agradecimiento: que antes de estrenarla le quitaron como 40 minutos en el corte final. Gracias, gracias, gracias. Ya dura casi dos horas, así que gracias por recortarla.

CURIOSIDADES

–       En la vida real, los Warren investigaron los fenómenos de la casa de los Perron en un periodo comprendido entre 1973 y 1974.

–       Una de las hijas de los Perron escribió una trilogía sobre su experiencia llamada Casa de oscuridad, Casa de luz. Algunos de sus pasajes también sirvieron para la película

–       8 generaciones de familias vivieron en esa casa antes de que los Perron la ocuparan.

–       La muñeca Annabelle realmente existe, al igual que el museo de objetos malditos.

–       Los actores principales viajaron hasta la casa de Lorraine Warren para conocerla antes de filmar la película.

–       Es la primera película de James Wan en la que Leigh Whannel no participa en ningún aspecto.

–       Fue filmada en orden cronológico, durante 38 días y con un bajo presupuesto de entre 20 a 30 millones de dólares.

–       Es la tercera película en la que Wan trabaja con Patrick Wilson, tomando en cuenta que la secuela de Insidious también se estrena este año con el mismo actor.

–       Lorraine Warren hace un cameo dentro del filme, es la señora mayor que aparece en los primeros asientos de la clase que escucha el personaje de Lilly Collins cuando va a buscar a los Warren.

–       En la escena final en que Lorraine le dice a su marido que tienen que discutir otro caso de Long Island, se está refiriendo a Amityville.

–       Lorraine Warren y “Andrea Perron” trabajaron como consultores con Wan.

EN CARTELERA: Killing them softly

MUERTE LENTA

América no es un país, es un negocio”, afirma Jackie Cogan, personaje interpretado por Brad Pitt en Killing Them Softly. En ese parámetro de crítica al sistema se mueve todo el filme.

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Andrew Dominik, director neozelandés conocido en el gremio por El asesinato de Jesse James, dirige esta descafeinada película que intenta ser transgresora, coyuntural y pendeja y lo único que logra es dejarnos casi moribundos del aburrimiento.

Con los lauros de ser seleccionada en Cannes el 2012, podríamos pensar que algo bueno tendrá, y sí: cada hoja de esas palmas de oro que adornan el poster tienen que ver con la presencia del blondo Brad Pitt, de Sam Sheppard, James Gandolfini en una de sus últimas apariciones antes de morir y Ray Liotta.

Nadita más se rescata de una película plagada de mensajes (literalmente) sobre la mala economía que vive el torturado norteamericano promedio y la corrupción de un sistema que exalta la unidad en un país completamente dividido.

Ray Liotta es Markie Trattman, el propietario de un tugurio donde se juega y apuesta. En el pasado, Markie cometió un auto-robo que luego fue perdonado o pasado por alto por sus colegas. Sin embargo, años después, el avispado Squirrell (otro mafioso) contrata a un par de boludos para que vuelvan a asaltar el lugar asumiendo que las sospechas recaerán por ósmosis en el tal Markie.

Aquí la palabra clave es BOLUDOS. Si vas a cometer un hecho delictivo tan peligroso, contratá puej profesionales no a ese par de mensos que al primer trip (cortesía de aerolíneas Heroína), se van de lengua champando a todo mundo.

"Cogan's Trade"

Yo diría que contratés alguien más o menos como Jackie (Brad Pitt), que es llamado , a su vez, para arrasar con los crispines involucrados en la matufia.

Lo peor es que mientras la película se desarrolla y los personajes, ya de por sí, tienen unas líneas aburridas, sin chiste, pretenciosas, cada cierto rato escuchás la radio con noticias sobre que la economía esto  o aquello, los bancos, las leyes, la campaña 2008 de Obama y lo que sea. Si no es la radio es la tele, y en ese momento deseás que Jackie mate a todos RÁPIDAMENTE y que la huevada termine en un baño de sangre sin precedentes. Digo, para justificar la inversión de tu tiempo y tu entrada.

La gente empieza a emigrar de la sala, y vos te quedás por Brad, que siempre luce impertérrito en su papel de matón a sueldo.

Dominki se pajea en estilismos varios, en slow motions que nos dicen: “sé usar la Phantom”,  en el desperdicio de un Gandolfini merecedor de mejor suerte y mejores recuerdos.

La secuencia del asalto es lo más logradito. Se siente la tensión, no sabés qué va a pasar y todavía no te has aburrido/emputado con la sucesión de largas charlas al pedo que tienen el resto de los personajes, en una pobre imitación de Tarantino, Guy Ritchie o similares.

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Basada en una novela de los setenta llamada Cogan´s Trade, de George Higgins y guionizada por el mismo Andrew Dominik, Killing Them Softly es un neo-noir filme, que quiere ser una película seria que dice cosas serias, pero lo serio no tiene por qué estar envuelto en papel regalo, con moño y purpurina.

La forzada metáfora va y viene, explicando la podredumbre de los cimientos de la sociedad gringa a través del desencanto, vacío y frialdad de sus personajes con unas muy bien seleccionadas canciones. Desgraciadamente, el género ha dado mejores y más efectivos filmes.

Desencanto y agresividad pasiva en la butaca, mientras en la pantalla se rompen vidrios y se chorrea sangre como si fuera una instalación artística. Para en otra será.

Lo mejor: estéticamente impecable y la violencia explícita, cuando la hay, está muy conseguida

Lo peor: demasiada metáfora y pretensión

La escena: el asalto y un par de muertes que siguen casi al final de la peli

Lo más falsete: sí, sabés que te cazarán como una rata asquerosa y te quedás esperando que te metan el cajón

El mensaje manifiesto: los gringos están jodidos

El mensaje latente: qué jodidos están los gringos

El consejo: podés verla en DVD o no verla, no pasa nada, no te perdés nada, si la ves…lo mismo

El personaje entrañable: Gandolfini, pero porque todos los muertos producen simpatía

El personaje emputante: el que contrata a Pitt

El agradecimiento: que no dura las casi tres horas que supuestamente iba a durar.

CINE: Bestias del Sur Salvaje y Rebelle

Bestias vs Bestias

Olvidándonos un poquito de esos asquerosos blockbusters que estridentemente andan pringando la pantalla de cine, me animo a hablar de dos películas que son más o menos similares, más o menos hermanitas, jodidas a su manera, controversiales a su manera. A una se le critica la ingenuidad, liviandad, exasperante optimismo, a otra se le critica su dureza, su no concesión con la desgracia y el estrujarle al espectador esa desgracia en la cara. Ambas, me parece, son películas inolvidables y tienen cierta magia  o poesía que hacen que valga la pena verlas, masticarlas, digerirlas. Ambas, al verlas, se quedarán levitando en tu memoria.

HUSHPUPPY

Una niña. 6 años. Una infancia. 6 años. La tina. Una voz en off. 6 años. Solo los animales más fuertes sobrevivirán.

“Estoy escribiendo mi historia para los científicos del futuro. En un millón de años, cuando los niños vayan a clases, aprenderán que existió una Hushpuppy”

Esa es una de las frases que dan inicio a Bestias del Sur Salvaje, una de las frases que presenta a Hushpuppy, la protagonista.

Bestias del Sur salvaje es una película que puede encender pasiones. Puede ser amada como despreciada, ambos sentimientos justos. En mi caso en particular, amé a la pequeña protagonista, amé su tono lírico, su tono mágico, su estilo algo naif, pero a la vez conmovedor.

Beast of the Southern Wild poster

Hushpuppy vive en La Tina, separada del resto del mundo por un descomunal dique. La zona es un vertedero, es el aislamiento de la miseria, de los pobres, de aquellos que no tienen nada. La Tina es eso que los que viven detrás del dique no quieren ver y no quieren conocer.

“La tierra se hizo para nosotros”, dice una Hushpuppy que siempre muestra una presencia de ánimo envidiable. La niña vive, literalmente, en medio de la basura. A pesar de vivir con su padre, un hombre errático que cuando el filme comienza se encuentra con una enfermedad aparentemente terminal, Husspuppy es un ser solo y abandonado a su suerte. Sin perspectiva, ni escape posible.

Además de la inminente muerte de su progenitor, la naturaleza también se ceba con la zona y se presume que se viene una tormenta que barrerá con todo.

Bestias del sur salvaje puede tranquilamente posar como una suerte de filme apocalíptico-social.

Es verdad que la pequeña Hushpuppy parece no darse cuenta de la enormidad de las desgracias que se le avecinan, o al darse cuenta de ellas su espíritu es tan estoico que consigue convertir esos golpes en sanadoras fábulas. Es verdad. Las Bestias que acosan a la protagonista se vuelven metáforas de enormes animales que arrasan y destruyen.

El joven director Benh Zeitlin construye una propuesta cuya visión puede exasperar a aquellos que consideran que la vida miserable no es digna de exaltación y que los pobres solo sufren, sin espacio para las fiestas fraternales, la alegría sincera y etcéteras, exasperará (también) a esos otros que sientan que Zeitlin manipula a la platea con sus bellas imágenes que enmascaran un discurso en líneas generales, vacío. Para otros, las sanadoras fábulas, el supuesto estoicismo son el hilo que consigue que Hushpuppy no sucumba a su entorno, que sus ojos infantiles no naufraguen en la desesperación de una existencia que en la práctica no tiene un futuro.

A pesar de lo que podés criticar o amar, siento que el filme pierde gran parte de su empuje inicial cuando la historia sale de La Tina, la escena del barco, la del improvisado hospital, se siente demasiado artificial como para que uno se pueda conectar. La salva el maravilloso personaje de Hushpuppy, cuya representación es tan poderosa que deseás seguirla hasta el final, deseás acunarla en tus brazos y darle el amor que en su corta vida no ha recibido.

Una inolvidable fotografía, muy muy hermosa, con la mejor selección de música sureña hacen que Bestias del Sur salvaje sea algo más que el bocadillo indie destinado a desaparecer.

Zeitlin, amén de ser un dotado o un posero, muestra un talento real en su ópera prima. Un talento a la hora de contar la historia, a la hora de filmarla, a la hora de dirigir o elegir a su protagonista, la gran Quvenzhané Wallis.

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Recuerdo que cuando la niña fue nominada a los Oscar como Mejor Actriz, se alzaron unas cuantas voces que no estaban de acuerdo con la nominación. Decían que Quvenzhané era solo una niña, que no estaba actuando, que no era conciente de que actuaba, y que por lo tanto no entendía el valor de la nominación y la nominación en sí misma no era justa.

Difiero completamente, trabajar con niños es más difícil que trabajar con adultos, y mientras más chicos son, más complicado lograr que ellos hagan lo que un guión dice. Quvenzhané, a pesar de tener solo 5 años, dotó a su personaje de una pureza y una profundidad que no se encuentran a la vuelta de la esquina. No importa si no repite la hazaña, su papel como la poética Quvenzhané es para reconocerlo.

Cuando los créditos salen, sentís que viste algo donde primaba la belleza, y es raro que esa belleza se perciba en tanta inmundicia.

La aniñada voz en off tenía razón, hemos aprendido que una vez existió una Hushpuppy que vivía con su papá en La Tina.

 Lo mejor: hermosa en su factura, poética

Lo peor: cuando salen de La Tina

La escena: no sé por qué se me quedó muchísimo cuando habla de los animales y de los latidos y se pone el pollito en la oreja. La de la cocinera del barco, y cuando habla de su madre, también.

Lo más falsete: cuando salen de La Tina

El mensaje manifiesto: las desgracias suceden y se enfrentan

El mensaje latente: enfrentar no quiere decir superar

El consejo: tenés que saber que existió una Hushpuppy

El personaje entrañable: Hushpuppy, obvio

El personaje emputante: el padre

El agradecimiento: por la belleza

CURIOSIDADES

–       A partir de su presentación en el festival de Sundance, la cinta no paró de cosechar premios y elogios. Ahí consiguió el Gran Premio del Jurado. En el de Cannes se llevaría el FIPRESCI de la sección Una cierta mirada y una mención especial del jurado. Nominada a los Globos de Oro y a los Oscar, entre muchos otros galardones y festivales.

–       Ben Zeitlin, el director, es también coguionista y el que compuso la hermosa banda sonora.

–       Fue inspirada por algunas comunidades de pesca independientes amenazadas por las aguas en Luisana, en particular la Isle de Jean Charles.

–       La película fue filmada en el pueblo de Montegut

–       Zeitlin tiene apenas 30 años

–       La película se basa en la obra homónima de Lucy Alibar, quien también colaboró en el guión

–       Fue filmada en 16mm

–       Tuvo un presupuesto de casi 2 millones de dólares

–       El casting era para niños de 6 a 9 años, pero la personalidad de la pequeña niña de 5 años hizo que el director se decidiera por ella.

–       Hay cosas dentro de la película que han sido incorporadas por los actores, ejemplo cuando Hushpuppy dice que puede eructar, la actriz Quvenzhané le contó al director que había aprendido a eructar y se lo mostró, al director le pareció que sería una linda escena para la película.

KOMONA

Una niña. 12 años. Una infancia. 12 años. Un embarazo. 14 años. Una voz en off. 14 años.

“Tengo que contarte mi historia, porque cuando salgas de mi vientre no sé si Dios me dará fuerzas para amarte”

 Esa es una de las frases lapidarias que dan inicio a Rebelle, una de las frases que presentan a Komona, la protagonista.

Rebelle es ese tipo de películas que se te meten dentro. Que se quedan en tu mente y en tu corazón por mucho tiempo, que te sacuden de tu rutina, que te hacen ver tu vida con nuevos y llorosos ojos.

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Rebelle te muestra un mundo sucio y ruin, un mundo donde se rompen infancias y se destruyen sueños.

Komona vive en algún lugar del África Subsahariana, su aldea la cobija a ella y a sus padres. La cámara presenta el lugar sin mayores comentarios, casas de caña de bambú elevadas sobre el suelo para evitar las inundaciones, paredes hechas de los restos de cajas de anuncios publicitarios, de productos que usan la gente con dinero para mejorar su vida, una paradoja del siglo XXI. La pobreza y la precariedad saltan a la vista.

Esa situación, ya desgraciada, empeorará. Un día, el hogar de Komona es invadido por un ejército rebelde, los rebeldes del Gran Tigre.

Además de la masacre que perpetran en la aldea, los soldados reclutan a los niños, entre ellos Komona, para que sirvan a su causa. Komona se convierte en una niña soldado, que debido a distintas circunstancias será venerada en las filas por su “sobrenatural” capacidad para anunciar el peligro.

Será la bruja de la guerra.

A su lado, solo contará con un niño albino de 15 años apodado Mago, que se enamorará de ella e intentará construir un futuro en donde no hay futuro, solo un oscuro presente. Las bestias, en este caso, son la depravación, la violencia, el abuso, lo inhumano.

El filme es una dura fábula sobre los niños que matan, los niños que empuñan un fusil, los niños que ya no son niños.

El director franco-canadiense Kim Nguyen, trabajó la historia durante una década y se inspiró en una noticia que vio en el periódico sobre dos hermanos gemelos que con apenas diez años eran considerados figuras sagradas para un grupo de rebeldes africanos a quienes guiaban en sus ataques y luchas.

Rebelle está llena de los ritos propios de África, Rebelle te susurra que dentro de ese desgarrador mundo se mueve una fe que va más allá de la violencia. Será frecuente que la película muestre tradiciones o supersticiones en torno a cada cosa que sucede. La misma Komona condiciona al Mago que solo se casará con él si captura un gallo blanco.

El gallo blanco será símbolo de amor, esperanza y milagro. En el mundo real, no hay espacio para las concesiones, para la esperanza, para los milagros. Komona pasará por un montón de experiencias, que no son solo las de Komona, sino la de los miles de niños que habitan un tercer mundo golpeado por el infortunio y olvidado de la piedad divina.

En su periplo angustiante y teñido de lirismo, la vida de Komona es relatada en un tono semi-documental y con una hermosa/sobrecogedora fotografía del también canadiense Nicolas Bolduc.

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Al director/guionista Nguyen se le ha criticado que Rebelle está plagada de golpes bajos, como la escena de la muerte de los padres de Komona, o como lo del Mago, o como lo de la espina en el vientre, o ese aura de seriedad que reviste un filme que cuenta cosas serias.

Desgraciadamente, el horror existe, y la película se queda corta al retratar la existencia de esos seres que un día son niños y al otro se convierten en máquinas de matar. ¿Qué nombre se le puede dar a esos niños? Ya no son niños, tampoco son adultos, no son asesinos a pesar de que asesinen…el diccionario todavía no tiene una palabra que defina eso.

Rachel Mwanza, la increíble actriz que interpreta a Komona, fue descubierta en las calles del Congo cuando se filmó un documental llamado Los niños de Kinshasa. Rachel es huérfana desde los 6 años, y desde entonces alternaba su sobrevivencia entre la casa de su abuela y la vida en la calle. Al hacer el casting para Rebelle, se la recomendaron al director y Nguyen supo que era la actriz ideal para el papel.

Rachel construye una Komona querible, con la que el público empatiza y a quien se desea proteger. Su voz en off nos relata su vida.

Cuando salen los créditos, te quedás mirando tontamente la pantalla, y luego algo te sacude más cuando te enterás que en una conferencia de prensa le preguntaron a Rachel qué le gustaría hacer en el futuro, la tímida adolescente congolesa respondió ilusionada: Aprender a leer.

Lo mejor: bellamente filmada

Lo peor: la desgarradora realidad que describe

La escena: la del inicio fue muy chocante por lo que significa y el final

Lo más falsete: …

El mensaje manifiesto: hay un lado del mundo que lleva una vida que ni siquiera podemos imaginar

El mensaje latente:  esa vida es vida igual

El consejo: para verla en un momento de estabilidad emocional

El personaje entrañable: Komona, la valiente Komona

El personaje emputante: el Gran Tigre, por sanguinario

El agradecimiento: que exista

CURIOSIDADES

–       Compitió en los Oscar como Mejor Película Extranjera

–       Rachel Mwanza ganó el Oso de plata a Mejor Actriz en el Festival de Berlín

–       Kim Nguyen nació en Montreal en 1974, de padre vietnamita y madre de Quebec. Estudió cine en la Universidad Concordia, además de fotografía y guión para películas. Profundizó sus conocimientos en manipulación de imágenes con computadora al mismo tiempo que ejercía como profesor en el Instituto de creación artística y de investigación en gráficos por computadora (ICARI), donde enseña guión y lenguaje cinematográfico.

–       Las visiones que luego Komona explica con detalle, en forma y fondo, son producto de una leche mágica que les daban de beber a todos los rebeldes, y según se sobreentiende, también se generarían por la cercanía, amorosa y amistosa, de Komona y el más aguerrido y experimentado joven soldado de su batallón, aquel que conocen como Magicien.

EN CARTELERA: World War Z

WORLD WAR Z o hay que comprar el shampoo de Brad Pitt

world-war-z-bannerDespués de ver Titanes del Pacífico he cambiado drásticamente mi parecer sobre la nueva película de Brad Pitt. Así, a la distancia, un tibio recuerdo me sume en la nostalgia: aprendí a valorar su entretenimiento plástico, anti-neuronal, pero efectivo.

Marc Forster dirige la gran apuesta de zombies del año.  Forster es el mismito que dirigió Monster´s ball, Más extraño que la ficción, Descubriendo Nunca Jamás, Cometas en el cielo y Quantum of Solace. Las primeras me gustaron, lo de Quantum of Solace fue la prueba de que el señor no debería dedicarse a la acción/suspenso/loquesea.

Contrario a todas las predicciones acá lo tenemos.

Nuestro amigo Brad Pitt, que también produce la película, fue el que luchó a brazo partido para que Forster ocupe la sillita de Director. El pobre soñaba hacer una película de zombies con profundidad dramática, seguramente en esa ensoñación un pony alado surcaba los cielos.

Al final,  consiguió lo que quería, un director al que le salen bien los dramas dirigiendo una superproducción que le quedó grande.

Como pueden suponer, se desató la hecatombe, la sangre llegó al río más rápido que los zombies de la película. La filmación fue descrita como un infierno en el que Forster no tenía idea de dónde estaba parado y días antes de empezar el rodaje ni siquiera tenía claro qué iba a hacer con los zombies a nivel visual. Creo que lo único claro era la blonda cabellera de Brad.

Cosito vio cómo el trabajo se iba al carajo y se cabreó tanto que hasta le retiró la palabra al tal Forster. Yo también se la retiré a él, además de a Forster y a Angelina y a los quichientos hijos que tienen.

Forster y Pitt. Una película de zombies hecha, una amistad rota
¿Brad, y si los zombies tienen súper poderes?

Volviendo al filme, si me hablan de zombies espero ver mucha sangre, gore, emociones fuertes, y algo parecido a lo que fue The Walking dead hasta que Sofía sale del granero.

Sí, quiero ver al ser humano destruido por el apocalipsis. Con la esperanza aniquilada y el corazón hueco por las pérdidas.

Pero lo de Brad Pitt y su cabello no es una película de zombies, no, es solo una película de acción condimentada, así como quien le pone una pizca de perejil a la sopa, con zombies.

World War Z nos narra las blondi-aventuras de Gerry (Brad Pitt). Todo comienza cuando él y su familia están desayunando tranquilamente mientras se dicta una ley marcial.

El día que fui a verla una doña se sentó a mi lado, atendió su celular y se puso a hablar sobre si le dolía esto o aquello. En el momento en que me paré para cambiarme de asiento, pasé a la fila de atrás y me volví a poner los pinches lentes (no más de 10 segundos), ya Gerry estaba en su auto, huyendo y los zombies llovían como granizo.

Pero esperen, hay que darle contexto a ese chiverío. En primer lugar, la huevada se basa en un best-seller escrito por Max Brooks. Los que quieran ver que aquello de “basado en…” es simple cháchara para atraer a los fans de la novela, pueden ver las hondas diferencias aquí. La culpa, entonces, no es de Brooks, sino del crispinismo que se apoderó de la pre-producción y la producción del filme.

Esta película tenía un presupuesto de 120 millones de dólares, el guión fue boceteado en un principio por Michael Straczynski, de quien no podemos esperar mucho, su obra consiste en Thor, Underworld: El despertar, El Intercambio, capítulos de series de tv como Babylon y (AGARRENSE) episodios ochenteros de She-ra y He-Man. Luego llaman a Matthew Michael Carnahan, siendo el responsable de La sombra del reino, Leones por corderos y La sombra del poder. Este don es quien pule la cosa y entrega un guión final que, dicen, ya adolecía de muchos problemas.

Los sujetos filmaron en un caos tal que el director de foto Robert Richardson (ganador del Oscar), consternado por el curso de los acontecimientos intentaba poner orden en el rancho (cuentan las fuentes chismosas que de MUY mala manera), a lo que le solicitaron amigablemente que “se vaya un poquito a la mierda”, finalmente Richardson se larga porque tenía que filmar Django desencadenado y en su lugar queda Ben Seresin (habitual colaborador de Michael Bay) que es quien aparece en los créditos. Hay que gregar que Richardson pidió que lo retiren de los créditos si es que se les ocurría la brillante idea de convertir la película en 3D, que fue lo primero que hicieron. En tu FACE, Richardson!!

Mientras tanto, la pinche post-producción de la película se termina y hacen un focus group. El público la odió. El estudio y Pitt se asustan, así que toman la decisión de refilmar el último tramo. Llaman a Lindelof (NOOOOO) que es el mismo que reescribió Prometheus e hizo esa bosta al infinito llamada Cowboys vs Aliens, y este a su vez llama a Drew Goddar (co-escritor en Lost) y sacan lo que nosotros vemos en la sala.

"No te asustés, actriz que sale brevemente de mi esposa"
“Así son las cosas, actriz que sale brevemente de mi esposa»

Estamos hablando de mes y medio de re-filmación. El presupuesto se va de 120 a 170/200 millones de dólares y todos están cabreados. Todos.

Y con razón. Brad Pitt contrató a Forster porque quería que la historia sea humana, y que el público conectara con los personajes. Desgraciadamente, sucede lo opuesto.

Gerry (Pitt) huye con su familia y llega a un barco de la U.N. donde hay un montón de refugiados, ahí lo chantajean para que ayude a los que quedan a averiguar cómo funciona el contagio de los zombies y encontrar una cura.

De la forma más tonta del mundo mandan a Pitt con unos cinco o seis soldaditos dizque a una base militar en Corea con la que no tienen contacto alguno para ver si “encuentra algo”.  Hermoso.

En un momento dado llegamos a Israel, que es cuando la historia fue reescrita. El tramo que cambiaron apunta a un mayor impacto emocional, pero nada alcanza para rescatar esta película de la etiqueta “una más del montón”, y de la sensación de haber visto algo muy desordenado.

A continuación una lista de SPOILERS (datos reveladores de la película) que nos hicieron maldecir a Lindelof y a todo aquel que participó en el guión. El que no la haya visto salte al párrafo siguiente: 1) Cuando agarran el remolque y nadie más lo había agarrado antes, estaba ahí para la especial familia Lane 2) El niño latino que ve morir a sus padres de la manera más salvaje y cruel mientras el mundo se cae a pedazos a su alrededor con una pandemia, sube al helicóptero tan pancho, como uno más de la familia Pitt-Jolie 3) Lo de las bicicletas en Corea, qué onda…dizque no hay que hacer bulla, y los dones en unas bicis todas cacharras y chirriantes 4) En el muro de Israel, esteee…hay helicópteros sobrevolando esa huevada y nunca se dan cuenta que los bichos están trepando la muralla? 5) Sí, si explotas una granada de mano en un avión, a pesar de que el avión se parta en dos y se estrelle: vos y la manca sobrevivirán.6) salís del avión, caminás un poquito y te encontrás con la central que estabas buscando 7) lo del celular con su esposa, lo del celular con el jefe, lo del celular en la central de la U.N.. y así. Obviamente de una película de acción no hay que esperar un contenido coherente, PERO, si vas a poner cosas tan tontas, mínimo que la peli lo valga. FIN DEL SPOILER

La familia es meramente adorno, y todo personaje que llega a la pantalla lo mismo. La excepción es Segen (Danielle Kertesz), que aunque no dice casi nada, en su corta participación consigue que deseés que sea la ÚNICA sobreviviente.

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«Tranquila Segen, yo estoy aquí»

A su favor diré que World War Z entretiene, no es aburrida, aunque todo el tiempo sabés qué va a pasar y nada sorprende. Los efectos especiales que prometían ser algo novedoso, se quedan hasta ahí nomás.

Gerry sobrevive a todo y a todos, con su hermosa, rubia, resplandeciente cabellera casi intacta, las hordas de zombies atacan tan rápido que no hay mucho tiempo para asquearse o fatigarse. Solo importa que sobreviva ÉL, un mesías moderno que arriesgará su vida por detener la pandemia.

(suspiro)

La guerra prometida en el título contra los zombies, no es tal, aquí no hay guerra, y tampoco zombies-zombies. Max Brooks, en el libro en el que se basa estito, narraba un apocalipsis-zombie donde desnudaba con sarcasmo algunos puntos de la política exterior americana y la miseria del ser humano, esa misma miseria que mandó a Laika a morir al espacio. La película de Brad, Forster y todos aquellos que salían despedidos a cada rato durante el caótico rodaje, narra la historia de un tipo buscando una cura, y su encuentro ocasional con el peligro. Nada más.

Si hacemos un balance de calidad-presupuesto, debe ser el fiasco más grande del año. En todo caso, le damos la medalla al esfuerzo, ese que hizo que re-filmaran una buena parte de la historia y ese que dejando de lado sus ausencias de contenido, logró que uno se entretenga un rato en el cine.

Al final del día, entre tanta destrucción y bichos bípedos corriendo, algo nos quedará implantado en la memoria: la necesidad de ir hacia la máquina expendedora de sodas y tomar una PEPSI. Gracias Brad.

Lo mejor: entretiene nomaj

Lo peor: es ese tipo de entretenimiento similar a cuando estás en tu casa haciendo zapping

La escena: lo del muro y la de la Pepsi.

Lo más falsete: los zombies y la familia de Pitt, ambos de adorno

El mensaje manifiesto: no hay lugar para los débiles

El mensaje latente: se puede tener la plata y el talento, y a veces las cosas salen mal

El consejo: para verla en una tarde lluviosa con un ataque de sinusitis

El personaje entrañable: Segen (no te mueras, SEGEN!!!)

El personaje emputante: el del pobre Matthew Fox en la base de Corea

El agradecimiento: intentaron salvarla

CURIOSIDADES

Puede que salga una trilogía de este desastre, incluso se ha confirmado ya una secuela

En un alto contrato de seis cifras, Paramount Pictures adquirió los derechos de la pantalla para la novela de Max Brooks “Guerra Mundial Z: Una Historia Oral de la Guerra Zombie.” el seguimiento de la sátira “La Guía de Supervivencia Zombie” Brooks “desató una batalla de ofertas, con Warner Bros. y Appian Way de Leonardo DiCaprio en el otro lado de la mesa  la Paramount y de Brad Pitt Plan B

Ed Harris y Bryan Cranston fueron considerados originalmente en la película, pero ambos se retiraron debido a conflictos de programación.

El rodaje tuvo lugar en varias zonas del Reino Unido, incluyendo Cornwall, Inglaterra, donde la escena de la sala de control de la ONU fue filmada junto a escenas en el Ministerio de Defensa Primary Cárcel de siniestros (PCRF), RFA Argus (AS en la cubierta de vuelo). El rodaje también tuvo lugar en Glasgow, Escocia, con las calles hechas para parecerse a los de Filadelfia con muchos coches americanos, camiones, taxis y señalización de calle envían desde los EE.UU.. También el rodaje tuvo lugar en La Valeta, Malta.

Un total de 85 ametralladoras, rifles y pistolas que se utilizarían en las escenas de rodaje en Hungría fueron confiscadas por funcionarios de aduanas contra el terrorismo en Budapest, Hungría, después de haber volado desde Londres. Los apoyos, que son propiedad de una empresa inglesa iban a ser utilizados en la filmación. Las autoridades húngaras dijeron que las armas podrían ser activadas por la simple eliminación de los tornillos de llenado al final de los barriles. El supervisor de armas, Bela Gajdos, en la película, comentó que el permiso de las armas había sido emitido por la policía húngara. Los informes sostienen que el principal actor Brad Pitt estaba “furioso” en la crisis.

El filme estaba previsto estrenarse en diciembre, pero debido a todos los conflictos tuvo un retraso de seis meses. En la premier cantó el grupo Muse.

El personaje de Matthew Fox estaba previsto que sea un villano humano, era un personaje súper importante en el primer tratamiento de guión, con la reescritura de la trama, Fox se quedó con solo 5 palabras en toda la película.

La versión alternativa que fue eliminada porque no gustó, narraba que después del periplo en Israel, Gerry llega Rusia, los rusos eliminan a las mujeres, niños y heridos que están en el avión y meten presos a los demás. Hay una elipsis temporal, Gerry tiene barba y está en malas condiciones. Se da cuenta que los bichos/zombies son menos fuertes en el frío, así consigue escapar en un momento dado para regresar a buscar a su mujer, pequeña batalla de por medio y darse cuenta que la misma inició un romance con el tipo del helicóptero que los rescata al principio.

EN CARTELERA: Man of steel (El Hombre de Acero)

Un filme de criptonita

Ahora sí. Ha pasado tiempo suficiente para que una buena parte de ustedes haya visto Man of Steel y gracias a eso podamos mandarnos a la mierda con propiedad. Se abre el debate de lo que nos gustó y no nos gustó de esta descafeinada versión del hombre de acero.

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Oh! Puedo volar

Si bien nunca he sido fan de Superman, le tengo un respeto/cariño especial al Superman de Christopher Reeve, así paupérrimo  y todo marcó generaciones convirtiéndose en un clásico.

Varias veces intentaron recuperar la mítica figura y hacerla acorde a los ajetreados tiempos en los que vivimos, pero siempre el fracaso puso a los crispines en su lugar y les escupió en la cara que los clásicos no se tocan ni se mejoran, solo se imitan pobremente.

Este 2013 nos bombardearon hasta decir basta con un hermoso tráiler que prometía una reinvención, una revisión, un orgasmo narrativo, un tecito con leche y fritos de almidón, un…bueno…prometía algo diferente.

Debimos sospechar que algo iba a salir mal cuando decidieron que el nuevo héroe no lleve sus tradicionales calzoncillos por fuera, eso debió prepararnos para lo peor, pero uno se ilusiona, el pinche tráiler era tan épico y la historia tenía en sus créditos a Christopher Nolan, que la esperanza brotó en medio del estiércol y arrojó una tímida flor.

El director Zack Snyder saltó a la fama con 300 (2007), que particularmente disfruté aunque ya desde entonces brillaba una característica en su estilacho: los excesos. A ese cromado experimento, le siguieron Watchmen (2009) donde tendrías que ser muy hijo de puta para arruinar una historia del gran Alan Moore, y en la que Snyder bordeó  la delgada línea que separa lo aceptable de lo estridente. Luego vino la bizarra Ga´Hoole (2010), y finalmente Sucker Punch (2011), filme en el que todos los defectos de Snyder se metieron mano en la oscuridad.

Con esos antecedentes era muy difícil que el tipo surja entre las cenizas y haga que mi flor nacida entre el estiércol, crezca, se convierta en árbol y encima provea unas cuantas cestas de mandarina. Sin embargo, lo dicho, tenía en sus créditos como productor a Christopher Nolan, autor de la trilogía de Batman y de Inception, así que uno se imaginaba que el uno con el otro y el otro con el uno harían algo bueno.

Tanta cháchara para decir que el mentado día de estreno lo que podía salir mal, salió mal.

Snyder se decanta por contarnos los orígenes de Superman. Krypton se encuentra a un paso de sus destrucción, el científico Jor-El (Russel Crowe) decide enviar a su hijo recién nacido, Kal-El, a la Tierra, con la idea de que sobreviva y lleve en sus células el código genético que preserve la raza kriptoniana. En Krypton andan enfrentados por la necesidad de iniciar un éxodo y por “diferencias irreconciliables” dirían en Hollywood. El malo maloso es el General Zod (gran Michael Shannon) que bien mirado, no deja de tener razón cuando da su golpe de Estado. Digo, esos viejos mamertos estaban esperando la muerte con piñata y mariachis.

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Después de Take Shelter, tener que hacer este papel me cabrea

Luego de esa laaaaargaaaaa introducción donde todo es explicado detalladamente, vemos qué paso con el niño, con Kal-El. Pues el don cae en Smallville y ahí lo adoptan los Kent (Kevin Costner y Diane Lane).

Señores, ese es el nacimiento oficial de Clark Kent.

Cuando termina el aburrido desarrollo que nos lleva a los Kent, se intercalan momentos del presente (Clark ya es grandecito, musculoso y bien plantau) con la infancia traumática y “bullyngeada” del protagonista.

Clark ha crecido algo acomplejado (podemos decirlo) y creo que gracias al sonso del padre que siempre lo llenaba de discursos boludos. La escena de papá Kent y el tornado es lo más choto que he visto desde la muerte de Marion Cotillard en Batman: el caballero de la noche asciende.

A eso sumémosle que el pobrecito actor Henry Cavill (Clark Kent/Superman) es realmente el hombre de acero: tieso, sin expresión, frío.

Gracias a sus complejos galopantes, Clark anda vagando por la vida sin trabajo fijo ni rumbo definido, eso sí, en excelente estado físico. Ajá. No voy a revelar más de la trama, solo decir que suceden los encuentros más tontos del mundo, claro, porque hay que ver a Luisa Lane (Amy Adams), y entender cómo ese tipo traumado y algo estúpido se convierte en un súper héroe.

Cuando ya lo vemos con el trajecito, el puchichi estalla y la hecatombe de efectos especiales arrasa con todo. Secuencias de acción e-t-e-r-n-a-s, una destrucción de edificios tan larga que es como si no tuvieran más que poner y quisieran alargar la trama con tanto vidrio y cemento roto. En realidad, es una escena muy parecida a la de Transformers (2 o 3, ya no recuerdo) con la diferencia que en esa Transformers por lo menos había la escena del edificio inclinado y aquí es solo el boludo dando tumbos por todos lados.

SPOILERS

Quizás lo que más me emputó aparte del holograma de la conciencia del papá Rusell Crowe, es la estupidez de relación entre Luisa y Clark Kent, cómo se conocen, la doña escalando un risco de hielo en medio de la noche o el amanecer con su camarita, el don entregándose a Zod y Zod pidiendo a la doña pa llevársela a la nave. Encima, los dos tienen nula química, si el futuro de la raza humana dependiera de las chispas entre esos dos, sería la extinción segura. Hay elementos  muy muy pobres. La forzada escena del final, cuando cosito ya es el Clark Kent hipster que se anunciaba, y el texto de la soldadita diciendo lo que pensamos pero que no había necesidad de remarcar, son solo algunos de los momentos en que te preguntás cómo pueden gastar tanta plata al pedo.

FIN DEL SPOILER

El hombre de acero relata el nacimiento de Superman y el encuentro con su veta heroica. Lo “oscuro” que prometía el tráiler queda limitado a la corrección de color y lo “íntimo”, “espiritual”, se diluye entre tanto escombro y la cara de estreñimiento de Cavill.

Esperame, Amy. Voy al baño
Esperame, Amy. Voy al baño

Por momentos, sentís ese halo épico que quisieron impregnarle, pero al final todo se derrumba y queda más aburrido que mono en bonsái.

Destinada al entretenimiento mínimo, plagada de textos clichés y escenas cursis que provocan ganas de meterse un lapicero a los ojos, Man of Steel decepciona.

Eso no quita que la parte técnica sea aceptable, la fotografía del iraní Amir Mokri tiene sus momentos, recordemos que Mokri también ha fotografiado Transformers, el lado oscuro de la luna, Coyote Ugly, El señor de la Guerra, entre otras, los efectos especiales están bien conseguidos aunque no haya momentos wow y la música de Hans Zimmer cumple con su labor de acompañar las escenas, a pesar sonar algo repetida.

¿Vale la pena el 3D? No. No hay motivo alguno que haga que pagar extra por verla en 3D se justifique.

La prometida reinvención de Superman y la mayor espiritualidad quedan a medio camino. Desgraciadamente, Snyder cae en los excesos que han caracterizado su filmografía.

Los fans de Christopher Reeve pueden descansar, en el reino de Krypton, Reeve seguirá cómodamente sentado en el trono.

Lo mejor: el trailer

Lo peor: que el trailer nos mamó

La escena: diré que la de la soldadita y su calentura, por tonta

Lo más falsete: el tono épico

El mensaje manifiesto: el tráiler no siempre tiene la razón

El mensaje latente: no es fácil hacer una película memorable

El consejo: para verla mientras jugás Candy Crush

El personaje entrañable: Mamá Kent y perro Kent

El personaje emputante: La conciencia de Russel Crowe

El agradecimiento: que no hice la cola de medianoche y no salí a las 3 de la madrugada rayada

CURIOSIDADES

Darren Aronofsky, Duncan Jones, Ben Affleck, Tony Scott, Matt Reeves y Jonathan Liebesman fueron considerados para dirigir el filme antes que Snyder haya sido elegido.

Ben Affleck rechazó dirigirla porque no tenía experiencia en la filmación de escenas con VFX (efectos especiales) y dijo que la experiencia le ha enseñado a no agarrar películas basándose en el presupuesto sino en lo él puede aportar a la historia.

Matthew Goode, Armie Hammer, Matt Bomer, Joe Manganiello, Zac Efron y Colin O’Donoghue fueron considerados para interpretar al súper héroe.

De acuerdo a distintas fuentes, debido al éxito de la franquicia de Batman, se habló con Nolan y Goyer para que sean consultores de guión de A man of Steel, dicen que cuando Snyder quedó como director, Nolan decidió tomar control de toda la historia y él mismo junto con su equipo creativo (Goyar) manejar la historia. La esposa de Nolan lanzó este lindo y tierno comentario: “Ellos (Nolan y Goyar) entregaron un guión apropiado y ahora es la película de Snyder”.

Vigo Mortensen fue considerado para el rol de Zod.

Henry Cavill actuó en Prueba de Vida como extra, en ese entonces era un niño y Russel Crowe le dio su autógrafo y lo animó a que continúe en la actuación.

Henry Cavill tuvo un riguroso entrenamiento para alcanzar la musculatura que deseaba la producción.

Al Zod original (de las pelis de Reeve) Terrence Stamp, la película no le gustó mucho y así la debatió en un baño con algunos fans de la saga que no podían dar crédito de que se encontraban con el mismísimo Zod.

EN CARTELERA: Iron Man 3

Los héroes nunca lloran

Y luego de una cacareada y larga espera, llegó Iron Man 3. Encima, llegó con el fardo de ser la mejor de la saga y la primera que no era dirigida por Happy (John Favreau).

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Para ser honestos, mi affair con Iron Man duró hasta su debut, que disfruté como perro en camioneta. La secuela y todas las Sherlock Holmes hicieron que crea que Stark es un pobre pelotudo, con poco que admirar y mucho que rechazar.

A pesar de esos resquemores, el gancho de esta nueva entrega era la posibilidad de ver como villanos a un casi desaparecido Guy Pearce y al gran gran Ben Kingsley. Gloria a Ben Kingsley.

A los que les da flojera leer toda la chorizada de cosas que vendrán, ahorro el tiempo y esfuerzo con una línea: NO es la mejor de las 3, es larga, tonta y por ratos aburrida.

Esito sería, gracias.

Ya. Desarrollaremos.

Tony Stark (Robert Downey Jr.) quedó traumadito luego de los sucesos vividos en Avengers, ¿se acuerdan? Cuando Loki se nos alocó y sin dos dedos de frente atacó la tierra y todos los súperhéroesfashionslindos se juntaron para salvar al mundo en nombre de la bandera con franjas y estrellitas. Bueno, ahí lo que más destacaba era el cabello de Thor ondeando al viento y las ganas de cachetear hasta la muerte a Capitán América. Pues Tony Stark con su trajecito blindado de Iron Man casi casi se nos pasó al otro lado, estuvo con los dos pies en el cajón y nadie sabe cómo consiguió sobrevivir, pero sobrevivió. Y claro, se traumó, porque en el fondo de su egocéntrico, mercantilista, hedonista corazón hay espacio para el sufrimiento, y el estar tan cerca de la muerte hizo que ahora en Iron Man 3, lo asalten violentas pesadillas y casi casi moje los calzoncillos recordando tan truculentos eventos.

La pobre Pepper (Gwyneth Paltrow) le aguanta a Stark cosas que ninguna mujer con los ovarios bien puestos le aguantaría, ahí está Stark sumergido en la creación, perfeccionamiento de sus trajecitos y sus chécheres, atacado por el insomnio y las pesadillas, mientras Pepper pasa las noches sola, leyendo 50 sombras de Grey.

Entonces aparece Aldrich Killian (Guy Pearce) y también tiene su pasado oscuro. Parece que fue víctima del bullyng y Stark le hizo un desplante en otras épocas, en que era más egocéntrico, más mercantilista, más hedonista. Pero el tiempo pasa, y esos seres golpeados por la vida y la humanidad del ser humano se levantan de entre los escupitajos y quieren venganza.

Mientras eso sucede, USA está siendo asolada por un cruel y despiadado terrorista: El Mandarín (Ben Kingsley), que resume las fobias americanas en un personaje que parece venir del Medio Oriente, que tiene nombre asiático y al que nadie conoce pero todo el mundo teme. Poético.

los haré talco a toditos
«los haré talco a toditos»

Ahora batan todo ese sancocho por dos horas y tenemos Iron Man 3.

El guión se lo encargaron a Drew Pearce un tipo que ha escrito series de televisión casi desconocidas como: Lip Service y No Heroics. Supongo que por eso Shane Black (el director) tuvo que meter sus manitos y colaborar en una historia flojita flojita.

Pero no seamos malos, ruines y exquisitos, igual tiene sus puntos a favor: Una linda fotografía de John Toll, responsable de La delgada línea roja, Vanilla Sky, El Atlas de las nubes, Casi famosos, Braveheart y muchísimas más.

También podríamos decir que la primera hora es bastante entretenida, y que en realidad el problema es que por la larga duración la cosa se va desinflando y termina sin mayores emociones.

A nivel argumental digamos que tiene sus cositas interesantes como ALERTA DE SPOILER (el que no la haya visto pase al siguiente párrafo) el concepto de un enemigo creado a medida desde adentro del sueño americano, un enemigo que no es tal y que es una manipulación mediática hábilmente ideada por intereses financieros y la sed de poder de Aldrich. Sí, eso en manos de otra gente sería oro en polvo. Desgraciadamente, ese punto a favor no es correctamente llevado por el resto de la trama. Por ejemplo: La tal Maya Hansen (Rebecca Hall) que después de años de estar gozando y usufructuando del proyecto de Aldrich, y de además ayudarlo a secuestrar a Pepper y a agarrar a Stark, de pronto tiene ataques de conciencia por dos cositas que le dijo Stark, un fulano con el que pasó una noche en toda su vida y al que no ve hace quichicientos años. Otra cosa bastante falsa es cuando Pepper supuestamente muere consumida por el fuego y Stark la ve caer, morir ante sus ojos, hace un gesto de “OH, se murió” y eso fue todo. Carajo, Stark!!! Se ha muerto tu pareja, tu concubina, tu sirwiñaquy y vos nada. Le comentaba a compañero de butaca lo eunuco emocionalmente que es el tal Stark, y lo único que provoqué fue risas. «¿Qué esperabas?” me dijo. “No sé, un poco de llanto histérico acorde con los temblores, sudores y ataques de sus fobias», dije.

FIN DEL SPOILER

Iron Man 3 dura casi dos horas que parecen un poquito más.

En este momento quiero pensar en ese algo wow o súper divertido que producto de su visionado se me haya implantado en la memoria y no lo encuentro.

Shane Black conocido guionista de Arma Letal, Una pandilla alucinante, El último gran héroe y director de Kiss Kiss, Bang Bang, dirige por segunda vez en su carrera al tomar la batuta en Iron Man 3. ¿El resultado? Una película predecible desde la escena 1, larga, entretenida por ratos, que no te va a pesar ver, que seguramente para el público promedio es una buena opción, pero que definitivamente no destaca en el género, ni en la saga.

“Apartate Tony. Yo me encargo"
“Apartate, Tony. Yo me encargo»

Robert Downey Jr. dota de vida y carisma a uno de los personajes más antipáticos de los cómic o, seamos justos, de las adaptaciones a la pantalla gigante de cómics. Un personaje que solo mira su ombligo. Downey Jr. intenta darle vulnerabilidad con el trauma vivido en Avengers, su pasado parrandero, su amor por Pepper, y consigue hacer que la platea pase por alto lo ya mencionado. Bien por él.

La película termina y luego de uno excelentes créditos de cierre,  y otros kilométricos créditos finales existe una yapita que clarifica lo expuesto en el párrafo anterior.

Mientras, mi mente dibujaba una pregunta en neón fosforescente: ¿Dónde está Watson? 

Lo mejor: Happy y que bajaron la duración de la peli de 3 horas y 15 minutos a casi dos. Ah, y los créditos.

Lo peor: que resulta bastante intrascendente

La escena: todas las de Ben Kingsley

El mensaje manifiesto: el enemigo existe

El mensaje latente: el enemigo sos vos mismo

El consejo: para verla mientras esperás que seque la ropa

El personaje entrañable: Happy

El personaje emputante: Stark, Pepper, Iron Patriot, el presidente, bue…varios

El agradecimiento: que Stark sea Downey Jr.

 CURIOSIDADES

–       Es la primera entrega que no dirige John Favreau

–       Favreau interpreta a Happy, fiel guardaespaldas de Stark.

–       Jessica Chastain iba a interpreta el papel de Maya, pero debido a conflictos de cronograma desistió y la tea encendida pasó a Rebecca Hall.

–       Jude Law fue considerado para el papel de Aldrich.

–       Es la primera película de Iron Man en la que no aparece el personaje de Samuel L. Jackson: Nick Fury.

–       De acuerdo al productor de Iron Man 3, Kevin Feige, el personaje de El Mandarín fue inspirado por el mítico Coronel Kurtz de Apocalipsis Now.

–       Robert Downey Jr. y Ben Kingsley se conocieron en el rodaje de Iron Man 3 y el primer día que se encontraron, se tomaron una foto para enviársela a Richard Attenborought, un amigo en común.

–       Fue idea de Robert Downey Jr. que Pepper se meta en el traje de Iron Man, él y el productor estaban algo aburridos del cuento de la dama en desgracia y quisieron ponerle más emoción.

–       El presupuesto inicial era de 140 millones de dólares y luego lo subieron a 200 para que Shane Black haga la mejor película que pueda hacer.

–       La película fue severamente recortada en China, especialmente las tomas en las que aparece el Dr. Wu.

–       La idea de que el show favorito de Happy sea Downton Abbey fue de John Favreau que es un fanático de las series inglesas.

–       Stan Lee hace un cameo como juez de concurso.

–       La escena de la gente cayendo del avión fue grabada con la ayuda del equipo de paracaidismo de Red Bull, y con una meticulosa planificación. Para rodar la escena se realizaron 630 saltos durante 10 días, sin un solo inconveniente.

–       Las tomas nocturnas en Rose Hill, California, donde se recreó la pequeña ciudad donde Iron Man termina tras la destrucción de su residencia, fueron agotadoras para el equipo.Durante cinco semanas corridas, el equipo de producción luchó con los veranos boreales y sus días más largos, trabajando a contrarreloj para terminar el trabajo antes del amanecer.

–       En Japón se podrá ver en cines con la tecnología 4DX.  Esta nueva tecnología permite otros efectos como oler! Los japoneses podrán, mientras ven Iron Man 3, disfrutar con efectos como los olores, vibraciones en las butacas, burbujas, luz estroboscópica, ráfagas de aire o niebla.

–       Las escenas del Mandarín se rodaron en Miami. El diseñador de producción Bill Brzeski creó el recinto del Mandarín rodando los exteriores en los jardines de 10 acres del Vizcaya Museum and Gardens, un edificio considerado monumento histórico construido en 1916. Los interiores se rodaron en una residencia privada al borde del mar en South Beach.

–       Se contrató a Bask (Bask Hostomsky), el artista pop art de Florida para que creara obras de arte originales para la oficina y el dormitorio de la residencia del Mandarín que encajaran con el personaje del malvado.

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