LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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EN CARTELERA: Interstellar

Queridos y queridas:

Hoy, noviembre de 2014, a punto de que el año reciba el dulce beso de la muerte, escribo estas líneas sumida en el desconcierto que me provoca la ola de alabanzas que está recibiendo ese esperpento llamado Interstellar.

Interstellar-vida
Me parece que vi un lindo gatito, Murph.

Ajá, rotulé como esperpento a la última película de Nolan, la que es tomada como biblia de la diversión y profundidad cinéfila en algunos agujeros negros de la red, la que hará que me putee a los gritos con los nolanbelievers, y la que supuso, para mí, el punto de inflexión con el trabajo de Nolan.

Este despelote, bien analizado, ya se lo veía venir. Nolan ha tenido una carrera plagada de excesos pero siempre sobresaliendo por la magnificencia de esos excesos, siempre dejando que obviemos la estupidez, la dejadez narrativa, en pos de una experiencia en la butaca que resulte a grandes rasgos satisfactoria.

Nos pasó con El gran truco, en la última Batman o en Inception donde los enrevesados tejes y manejes de la trama dibujaron un signo de interrogación en la cara de más de uno, y claro, lo que se ignora solo puede dar pie a dos actitudes: Poner altares y flores, hincarse de rodillas y rezarle a una imagen hecha de madera o tratar de entender, ver qué no cuaja, qué no se explica, qué no funciona para mirar hacia otro lado luego de la disección.

Interstellar resume todos los vicios y mañas vistos a lo largo de la filmografía Nolan (hermanos Nolan) y ojo, a mí me gustan los Nolan: Peca de excesiva, pretenciosa, intenta meter tramas sobre subtramas para disfrazar el vacío de la premisa principal, y tiene situaciones que desafían cualquier grado de sentido común e inteligencia.

No voy a ser mentecata y a decir que lo que no me gusta de Interstellar es la falta de precisión científica, creo que da lo mismo si el agujero negro rota, se revuelca o escupe galletas con la cara de Hello Kitty, o si el agujero gusano lleva a otra Galaxia o a Porongo, da exactamente igual.

Lo que me emputó fue la falta de coherencia de los personajes y de las situaciones, y una sensación de tomadura de pelo general que me distrajo de los momentos “ñoños-sobrecogedores” en los que debía sumergirme cual si fuera una piscina de leche de burra.

Y aquí Matthew haces esto, aunque no lo entendás
Y así Matthew, vos que hiciste papelazos, que el año pasado ganaste un Oscar, harás de Cooper

Voy a pasar a contar la película tal como la viví, voy a soltar spoilers como lluvia de confetti.

Será largo y pajero, como corresponde a una película larga y pajera.

SPOILERS (recalco porque nunca falta un despistado)

DE CÓMO UN ACTORAZO COMO McCONAUGHEY HIZO EL PAPEL DEL BOLUDO COOPER

Estamos ante un escenario distópico. El ser humano sobrevive como puede. Los cambios climáticos han dado paso también a tormentas de polvo/arena/loquecarajossea y eso hace que el alimento esté en los últimos toques y despegues.

Cooper (Matthew McConaughey) un ex ingeniero espacial/piloto devenido en granjero, quedó viudo y con dos hijos pequeños (chico y chica). A la familia disfuncional en un futuro distópico acompaña el suegro de Cooper interpretado por Trinity (John Lithgow).

Pasan los primeros minutos en onda contemplativa para contarnos la vida de estos crispines y su difícil día a día. No se ahonda mucho en política ni en aspectos sociales de cómo se mueve esta sociedad moribunda porque como no hay ejércitos, ni nada de nada, el disparate que supone el argumento llegaría a niveles de abandono de sala.

Murphy, la hija menor de Cooper (la adulada, la preferida, porque el otro pobre hijo está de adorno), empieza a percibir fenómenos extraños en la casa y dice que hay un fantasma que le envía mensajes. Sí, sí, I see dead people. Luego de unos cuantos bailoteos alrededor de esa idea, OH!!!! SORPRESA!!! Cooper interpreta (así nomás) que unas marcas de polvo que quedan después de una tormenta son coordenadas de un lugar misteriosísimo al que (OBVIO) hay que ir.

“Hermosa” epifanía.

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Hola, soy Murph, decodificadora de mensajes de aquí, de allá y de más allá.

Porque se le cantan los huevos a los guionistas (hermanos Nolan) el don parte en busca de resolver esa inquietud acompañado de Murph (la hija) que se da maneras para colarse en la aventura.

Después de manejar un buen rato, llegan a una verja, y pa dentro curiosos e impertinentes visitantes.

Resulta ser que en medio de la hambruna, la pobreza y el caos que supone el fin del mundo, Estados Unidos mantuvo en “secreto” una instalación de la NASA, desde donde se creaban misiones y se despachaban cohetes como si nada y la gente de los alrededores no se daba cuenta de que había “cosos” volando por el aire ni se preguntaban acerca de la gigantesca instalación que se necesitaría para crear bichos de ese tipo, poner una pista de lanzamiento e infinitos etcéteras.

Ok, estaba alejado, había preocupaciones más importantes del campesino promedio y bla bla bla. OK.

Corte. Vemos a Cooper siendo interrogado por el robot-estante más pelotudo que he visto en la vida, lo siento amantes de TARS/CASE/KIPPER, pero la escena me recordó vívidamente a ese capítulo choto de Friends en el que Joey está emocionado por una serie de televisión en la que es protagonista junto con un robot, la serie se llamaba Mac&Cheese (espacio para asumir que sí, que el robot-estante se creó para nada más que tener a quién botar al agujero gusano y hacer el pase de datos).

Nosotros sí sabemos que sos un robot trucho
Nosotros sí sabemos que sos un robot trucho

Por si ya no hiciera ruido la llegada mesiánica y de ribetes divinos a dicha estación de la NASA, el menso de Cooper se topa cara a cara con el Profesor Brand (Michael Caine), que OH!!! sorpresa de nuevo!! y jugarreta del destino, era su mentor antes!!

Ahí también está una bióloga, hija de Brand (Anne Hathaway) que se la pasa con las manos en los bolsillos y haciéndose la cariñosa con Murph.

Luego interrogan a Cooper, le preguntan que qué hace ahí, él cuenta lo de las coordenadas, nadie ahonda sobre eso ni se pregunta cómo el universo conspiró coelhianamente para llevar a Cooper y a su hija a tan recóndito escondite. Nadie dice: “Oye, qué raro ese temita de las coordenadas ¿no? Qué raro que este don aparezca de la nada”

Acto seguido, deciden que ya que está ahí y vio la luz, sea el piloto de la próxima e importantísima misión que están pensando llevar a cabo para salvar a la humanidad. Porque sí, porque han interpretado que el agujero gusano cerca de Saturno es un MENSAJE de unos seres pentadimensionales para que podamos salvar nuestros polvorosos cuerpitos humanos. Gracias, oh, seres quintadimensionales. Gracias por darnos ese mensaje y no decirnos cuál planeta era el que servía.

WTF.

Sí, de la nada (enésima repetición de la palabra nada) le ofrecen el puestito a Cooper que ni pestañea y el fulano Brand le explica con pelos y señales plan a y plan b. Plan A, volver al planeta Tierra y salvar a sus habitantes, plan B colonizar con embriones (que llevan consigo) otro planeta y dejar que la Tierra se las apañe. Y claro, Cooper tampoco reflexiona mucho qué onda, porque oh! Qué divertido volver a pilotar, oh! Qué interesante el plan de salvar el mundo! Oh! Por ahí no vuelvo a ver a mis pobres hijos ya huérfanos de madre, por ahí no veo crecer y/o morir a Murph mi hija predilecta, la niña de mis ojos, pero VOY! Claro que voy, mañana mismito me voy con ustedes desconocidos científicos que hasta la fecha no han hecho nada por nosotros.

Así, cual héroe de fina estampa, Cooper decide partir no sin antes comunicarles las “buenas nuevas” a sus hijos. El hijo adorno lo despide como si estuviera yendo a comprar Marlboro y Murph se pone histérica para luego decirle que ha descubierto OTRO mensaje del supuesto fantasma en clave Morse que dice STAY (quédate), Cooper que creyó en los mensajitos de la arena y las coordenadas pelotudas de la estación de la NASA, no se problematiza ni ahí con ese dato. No.

Adiós, Murph. Nos vemos en 123 años.
Adiós, Murph. Nos vemos en 123 años.

Tampoco le dan una clasesita de pilotaje, porque a pesar de los años pasados y de los avances de la ciencia, Cooper es tan talentoso como para lidiar con la ENDURANCE (nave espacial) y MÁS.

Todo este dramita familiar es la primera parte de la película.

DE CÓMO UNA PELICULA CHOTA COMO INTERSTELLAR ES PUESTA A LA PAR DE 2001 ODISEA EN EL ESPACIO

Sí.

En serio, sí.

Hay naves espaciales, hay robots, hay astronautas y paren de contar. Kubrick debe estar pateando el cajón con ganas de prendernos fuego a todos, para eso uno se muere con obras maestras sobre la espalda.

Mientras que la suya fue una película que rompió moldes, que en narrativa, en arte, en vestuario, en música, en todo lo que uno pueda mencionar como elemento de cine está a años luz de cualquier otra con temática similar, Interstellar se estrella en el lugar común, en lo ya visto:

– Héroe abnegado, rebelde, antisistémico que al final no seguirá las reglas sino que hará las suyas, y que sacrifica familia por un bien común

– Personaje que era bueno vira en malo para que haya un antagonista sorpresivo

– Chota historia de amor a la fuerza

– Resentimientos familiares producto de la acción heroica que luego serán subsanados en un glorioso y emotivo encuentro.

Prosígome.

En el espacio la trama girará alrededor del objetivo a cumplir que es salvar la tierra y de lo triste/atormentado que está Cooper por el tema de sus huérfanos, esos que abandonó sin mucha reflexión.

Veremos el viaje, el “aventurero” viaje de esa abnegada tripulación, contaremos con el personaje de Amelia Brand (Hathaway) que al principio se la ve con aires de mucha eficiencia pero que luego resulta absolutamente inoperante a excepción de la parte en que salva la vida del boludo de Cooper y cuyo macabro futuro es de incubadora/madre de las nuevas generaciones humanas.

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Está Romilly, el físico que al partir se fatiga por el encierro y la posibilidad de pasar años ahí y luego cuando ocurre el desfase temporal y Brand-Cooper regresan 23 años después, está en onda zen casi casi haciendo origami. Seh…seguro. También vemos al pobre Doyle, un geógrafo cuyo único fin en la película es morir de la manera más inoficiosa del mundo. Y ya para rematar: TARS/CASE con su dosis de humor, sarcasmo igual a -0.

Ya puestos en materia, luego de fallar en la elección del primer planeta (el de las olas gigantes) vuelven para decidir ir al planeta del Dr. Mann (Matt Damon). Solo les queda algo de combustible y deciden ir al planeta de ese fulano por encima del Edmunds, novio de Amelia que tenía mejores datos. ¿Quién decide esa huevada? Cooper, claro.

Llegan ahí y resulta que Damon se nos había tronau y él que lideró a un equipo de 11 personas, que era un capo de capos, que era el héroe del boliche, que era una de las mentes más brillantes, el que prácticamente era el papi chulo de la ciencia junto con Brand, él que era un sensei del pilotaje (más avanzado que Cooper), muere tratanto de acoplar su nave a la otra, también, de la manera más estúpida del mundo no sin antes llevarse consigo a Romilly, en otro episodio de 1001 maneras estúpidas de morir.

¿En serio moriré así?
¿En serio moriré así?

Los baches argumentales son tan hondos como los pozos que encontrás de ida a las Lomas de Arena.

Murph ya creció y desperdician a esa gran actriz que es Jessica Chastain en su versión adulta. La fulana nunca perdonó la escapada del padre pero cuida con mucho mimo a Brand, el hombre que se lo llevó de su lado. Ahí descubre que lo del plan A nunca existió porque Brand siempre supo que solo había Plan B (jódanse terrícolas) y Murph se lo dice en mensajito virtual al padre y a la Amelia.

Más baches argumentales de por medio, muere el profesor Brand, el tiempo sigue pasando y Murph va a pasearse por su vieja casa donde ahora vive el hermano-hijo adorno con su mujer/hijo adornos y encuentra un reloj que su padre le dio antes de partir.

En ese punto, Cooper ya es parte de la quintadimensión y es el ser pentadimensional. Eso previo sacrificio del robot y escena similar a la del personaje de George Clooney y Sandra Bullock en Gravity (el combustible no alcanza para los dos, mejor me dejo ir y vos sobreviví Amelia, sobreviví por mí, por ellos, por nosotros).

Bueno, está Murph queriendo que su hermano y su familia abandonen la casa y para eso le prende fuego a su cosecha, brillante decisión. Mientras se pasea dentro de la casa con el maldito reloj ve que las manecillas se mueven e INTERPRETA-porque la película es una oda a la decodificación de mensajes escondidos- que es SU padre diciéndole en MORSE un montón de huevadas.

Murph sale reloj en mano como una poseída diciéndole a su hermano lo del mensaje y luego CORTE.

Elipsis temporal, la criaturita del señor terminó una teoría que salvaría a la humanidad, corre por los pasillos de la NASA con los papeles en su mano y los bota por un balconcito al grito de EUREKA.

Mil veces cojudos.

Hola, soy Murph. Ya crecí y sigo decodificando mensajes de acá, de allá y de más allá
Hola, soy Murph. Ya crecí y sigo decodificando mensajes de acá, de allá y de más allá

Cooper que está en la quintadimensión derrepente despierta y OH! Murph había conseguido sus coordenadas y envió a un equipo a rescatarlo.  Claro que el desfase temporal hace que Cooper siga igualito y Murph ya esté anciana a punto de morir. Nadie se pregunta por el hijo adorno y su respectiva familia adorno. NO ES NECESARIO.

Cooper va a ver a Murph a su lecho de muerte en un cuarto de hospital y Murph le dice que vaya a buscar a Brand con discursito lacrimoso incluido. Mientras Coop se va con esa nueva misión, ingresa al cuarto todo el familión de Murph (hijos/nietos/bisnietos/whatever) que seguro deben haber crecido escuchando las historias sobre ÉL, el abuelo perdido en el agujero gusano que ayudó a salvar el mundo y que ha sido rescatado y que está igualito que cuando se fue, pero nadie al entrar saluda al don, ni dan muestras de ser seres humanos medianamente normales. En caso de que NO sepan quién es, nadie dice nada acerca de ese extraño que llora junto a la vieja. Escena coreografiada al pedo y que no tiene ningún ápice de sentido.

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Según la rocambolesca historia, para Cooper han pasado más de 100 años, sehhh! Y para la tierra deben ser unos 70 u 80. Nuevamente, no importan los grandes adelantos científicos, COOPER está en condiciones de ir a la NASA y robarse una nave espacial, manejarla como si fuera una bicicleta-triciclo e ir a buscar a la mamerta de Brand que anda deshojando margaritas en su colonia.

FIN.

Planeta Tierra, Santa Cruz Bolivia, sala de cine, 2014, seres tridimensionales: unos cuantos llorando a moco tendido, otro porcentaje con cara de haberse dormido en varias partes de la película, otros con cara de quécarajospasóaquí y otros con cara de haters.

Porque así es la vida y el mundo, hay para todos los gustos.

En un accidentado y no menos pajero resumen:

Para no decir que todo está impregnado de mierda:

Interstellar sigue siendo una película cuya factura es superior a la media. Buena fotografía del suizo Hoyte Van Hoytema (Her, Let the right one in, Fighter, El topo), aunque no arranca ningún asombrado suspiro. No vi nada a nivel fotografía que me apantalle. No alcanza ni la fastuosidad de 2001, Odisea en el espacio ni lo visto en Gravity, por decir algo.

Una banda sonora de Hans Zimmer que muchos alaban, y que a mí me pareció hasta por ahí nomás. Semi-eclesiástica edulcorando momentos ñoños y enfatizando momentos «intensos».

Actuaciones cumplidoras dado el disparate de guión. Había líneas de los diálogos que me causaban risa porque me imaginaba cómo los actores las ensayaron.

Hay que reconocer también que hay momentos que sí son «emocionantes» como por ejemplo cuando regresan y el negro está viejo, o cuando pasa lo de las olas gigantes, o cuando Matt Damon casi asesina a Cooper, o cuando éste se lanza al agujero gusano, situaciones que están diseñadas para eso.

Agreguemos los huevos de Nolan para hacer una trama tan enrevesada sin despeinarse/ni ruborizarse y lograr el asesoramiento  de uno de los grandes científicos contemporáneos Kip Thorne (padre de la teoría del agujero gusano) aunque en  global, ante mis resentidos ojos, haya sido en vano, más o menos echarle margaritas a los chanchos.

También destaco que a Nolan no le guste el asqueroso 3D y no nos haya sometido a la tortura que me supuso su película con los desagradables lentes.

No todo está impregnado de mierda, pero lo que sí está impregnado apesta

Al final es una película lenta y  tonta, que no termina de ser ni el puto blockbuster ni una película de autor.

Es engañosa, y por eso permite ene pajeos de las interpretaciones del agujero negro, gusano, y del asterisco más si les da la gana. Ni siquiera quiero meterme en esa bañera séptica que supone la paradoja de Cooper, ELLOS, y  el círculo de acciones y la imposibilidad de que la acción inicial que da razón al resto se produzca sin otro evento catalizador. Eso me da igual, yo vi una obra de 3 horas llena de baches en el guión que no voy a intentar tapar bajándome manifiestos de internet.

Respeto que existan seres tridimensionales que la encuentren emotiva, divina, hermosa, espectacular. No es mi caso. La encontré aburrida por ratos, irritante la mayor parte del tiempo, y un desperdicio de plata y grandes actores. No la vería de nuevo ni pescándola en el zapping.

No puedo creer el sinsentido!
No puedo creer el sinsentido!

Lo mejor: cuando termina Lo peor: las tres largas y eternas horas que te tortura La escena: lo de eureka fue un poquito too much Lo más falsete: todo, desde el inicio hasta el final El mensaje manifiesto: podés ver mensajes en las grietas de tu baño o en cómo se caen tus libros y nadie pensará que estás loco El mensaje latente: lo tópico no cansa a la platea El consejo: vela, igual puede que seás del porcentaje de seres tridimensionales que no la odian El personaje entrañable: ninguno, esta vez quería que todos mueran en una sangrienta explosión planetaria El personaje emputante: el más, más? Cooper, seguido muy de cerca por Murph El agradecimiento: por no sufrirla en 3D.

CARTELERA: Guardianes de la Galaxia, El amanecer del planeta de los Simios, Tortugas Mutantes Ninjas y un extra

Señorit@s, es Blockbuster Time! repasaremos la cartelera local y esos regalitos que Hollywood nos deja en los pocos cines que hay en el país. Regalitos que, esta vez, no es abrirlos y destapar el fétido aroma de Transformers, ajá, ahora podemos hacernos coronitas de flores y cantar en el bosque porque no, no están mal. Es decir, hay en cartelera algunas películas de entretenimiento masivo muy dignas de ver y que hacen que renueve mi fe en la humanidad, en Hollywood, en los Doritos, en la cerveza Heineken y en toda marca que aparece camuflada en ellas.

1) Guardianes de la galaxia o mi perro se parece a Rocket

No esperaba un peso partido al medio de esta nueva película basada en comics. Cero. El desconocido James Gunn que había escrito huevadas como Scooby Doo y dirigido Slither (La Plaga) no era garantía de calidad. Grande fue mi sorpresa y dicha, cuando fui al cine, me senté en la butaca y me divertí como cuando trepaba a los árboles de palta en mi infancia. Sí.

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Guardianes de la galaxia tiene todos los ingredientes para pasar un rato ameno en el cine: buenos personajes, está bien dirigida, efectos especiales notables y un sentido del humor del que acuso recibo: RECIBIDO GUNN, RECIBIDO!

Chris Pratt se puso a dieta para interpretar a Peter Quill. Peter es el típico personaje un poco atarantado y pagado de sí mismo que en otras películas se hace muy detestable y lo querés matar a lapos, pero que aquí lo mirás como se mira a un gatito dormir. Obviamente que parte de ese encanto está en la abnegada troupe que lo acompaña: un divino Rocket con la voz de Bradley Cooper, un adorable Groot con la voz de Vin Diesel, Zoe Saldaña haciendo de Gamora, y la presencia de Benicio del Toro y Glen Glose que se campean por ahí.

El mismo director (Gunn) y una debutante Nicole Pearlman se encargaron del guión que se basa en el comic de Dan Abnett y Andy Lanning (la nueva generación de GDLG), en él Peter es un saqueador de poca monta que se topa con un objeto que será la manzana de la discordia. Tras de su cuerpito irán Rocket y Groot tratando de ganar una recompensa por su captura y Gamora será la que le pondrá la onda Rome/Julieta la asunto. Claro, el romance NUNCA puede faltar (gracias, Carrusel)

No me jode ni que Ronan (Lee Pace) actúe tan mal, ni que Drax (Bautista) parezca hecho de las piedras incaicas de Samaipata o que las acciones de Nebula (Karen Gillian) no tengan ningún sentido, da igual. Lo compro.

Una hermosa banda sonora con su Awsome Mix Vol. 1 y Awsome Mix Vol.2 con temazos como Hooked on a feeling de Blue Swede, I want you back de los Jackson 5, y uno de mis favoritos de siempre Aint no mountain high enough de Marvin Gaye y Tammi Terrel, logran llevar la película a momentos de clímax emotivo.

La huevada termina, y una sonrisa estúpida sigue pegada en tu cara.

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Lo mejor: dura dos horas y no las sentís pasar Lo peor: que vamos a tener que esperar harto pa la secuela La escena: hay varias: la de la pierna es un cague de risa, la de las luces es muy bonita, la ñoña de agárrense de las manos como en el spot de Doria Medina está cute Lo más falsete: …. El mensaje manifiesto: la unión hace la fuerza El mensaje latente: No hay montaña suficientemente alta El consejo: para verla en su idioma original con subtitulitos y quédense porque después de toda la chorizada de créditos HAY YAPITA El personaje entrañable: todos amamos a Groot y a Rocket El personaje emputante: Nebula, por pelotuda El agradecimiento: la plantita final.

CURIOSIDADES

El luchador Dave Bautista rompió en llanto cuando le confirmaron que su papel sería el de Drax, el destructor y firmó el contrato inmediatamente.

Según Vin Diesel la línea I´am Groot, fue grabada más de 1000 veces y que además la grabó en varios idiomas (español, ruso, francés, mandarín) para que sea siempre su voz la que se escuchara.

Pratt perdió cerca de 30 kilos para interpretar a Peter Quill, su audición fue tan buena que el director le dijo que el papel era suyo siempre y cuando se pusiera en forma.

Diesel ha afirmado que interpretar a Groot lo ayudó a lidiar con la muerte de Paul Walker. Su amigo acababa de morir cuando la filmación comenzó, y el personaje que es una celebración a la vida lo ayudó a salir del lugar oscuro en el que estaba.

El creador de Rocket, Bill Mantlo, fue atropellado en 1992 en un hecho nunca esclarecido, Mantlo estuvo en coma mucho tiempo y al despertar sus capacidades cognitivas no eran las mismas, ha pasado los últimos 22 años institucionalizado en un hospital con enfermeras especiales, se hizo una presentación especial para él de la película.

Lee Pace (Ronan) audicionó para el papel de Peter Quill, y al final quedó como el villano.

El perro que aparece con el casco de astronauta es el perro del director James Gunn.

2) El amanecer del planeta de los simios o la triste historia del mundo

Sí, mis amadas gotas del rocío boliviano, después de ver El amanecer del planeta de los simios, algo se te queda en el corazón, una triste sensación de que así nomás es.

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La historia continúa lo dejado por el despelote que armaron James Franco, Trinity y César en la anterior Planeta de los Simios. Pasaron los años y el virus desarrollado por los humanos barrió con casi todos los humanos (bella redundancia).

César y los suyos (los otros simios) se unieron y crearon una sociedad con reglas, con un líder, con rutinas, que viven pacíficamente en medio del bosque.

Como no puede ser de otra manera, llega un grupo de humanos y se les meten al rancho. Estos humanos necesitan trabajar en territorio de los simios para poder generar electricidad en el refugio humano. Si no lo hacen, los humanos igual atacarán a los simios para conseguirlo.

César, que es un líder en todo su esplendor, decide hacer un pacto con ellos para ayudarlos y a sabiendas de que sin ese pacto habrá un enfrentamiento que derramará sangre de ambos bandos.

Pero no todo es criterio, ni entre los simios, ni entre los humanos, en ambos bandos nunca falta un loquito inestable que cagará los esfuerzos por llevar la fiesta en paz.

Una clara alegoría de la historia del mundo, una fábula de lo humano, en donde los procesos de paz se ven siempre interrumpidos por aquellos que odian tanto a su enemigo que no les importa el baño de sangre con tal de hacer lo que se les canta.

Explosiva, y con momentos que alguna lagrimita arrancan, El amanecer del planeta de los simios cumple con la estela que promete una historia donde la máxima es: Simio no mata a Simio.

Matt Reeves es la mano que mece la cuna y hace lo suyo dignamente. Un director que tiene películas como Cloverfield y la versión americana de Let me in.

Rick Jaffa y su esposa, Amanda Silver, que también participaron en la película anterior, y en The Relic, y en la peli con Sally Field esa de Ojo por ojo  entregan un guión en el no hay grandes sorpresas pero que funciona. A ellos los acompaña Mark Bomback cuya expertise se ha visto en películas como Duro de matar 4, Wolverine, y The Night Caller, entre otras.

Andy Serkis dándole vida al imponente César, Nick Thurson como Blue Eyes, Toby Kebbell como el atormentado Koba, Karin Konoval como Maurice, hacen un trabajo que eleva el filme a algo más.

Por el lado de los humanos: Jason Clarke como Malcolm, Gary Oldman como Dreyfus y la siempre recordada Felicity: Keri Russell como Ellie, tampoco decepcionan ni desentonan.

Mención aparte merecen los efectos especiales, esas tomas multitudinarias de simios, los primeros planos en los momentos emotivos o tensos, estamos ante una película trabajada con esmero y que merece reconocimiento por haber puesto la técnica al servicio de una historia.

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Lo mejor: bien filmada y emociona Lo peor: es bastante predecible La escena: cuando César le dice a su hijo la gran verdad, rompe el corazón y también la de los simios a caballo y también la de Koba y su tomadura de pelo y la del final Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: Simio mata a Simio El mensaje latente: Hombre mata a hombre El consejo: para verla en su idioma original con subtitulitos El personaje entrañable: Koba, demasiado dañado El personaje emputante: el hijo de pooh que estaba de ayudante de Felicity y su marido, ese que casi los hizo botar del campamento El agradecimiento: por Andy Serkis. Hay que dar gracias a Dios todos los días por ese hombre.

CURIOSIDADES

Koba, el nombre del simio que es la mano derecha de César, es un guiño a Stalin, así se llamaba a sí mismo el famoso dictador ruso.

Matt Reeves fue co-creador de la serie Felicity, de ahí que casi 15 años después, le hiciera casting a Keri Russel a quien le dio el papel protagónico de esa serie.

Es la primera Planeta de los Simios en ser filmada y lanzada en 3D.

Otros directores que fueron considerados para este proyecto fueron: Carlos Fresnadillo, J.A. Bayona, Guillermo del Toro y Jeff Nichols

3) Las tortugas Ninjas o alimenten a Megan Fox

Y bueno, ahora nos toca ocuparnos del retorno de Megan Fox a las grandes lides o de nuestra mancha en el mantel de los buenos blockbusters.

Pobrecita Megan, después de su desafortunado comentario en el que comparaba a Michael Bay con Hitler, prácticamente la borraron del escenario hollywoodense. Michael Bay se quejó de que, además, la tipa andaba prendida al blackberry y que ponía cara de estreñimiento en todo el rodaje, sí. Pues ese mismito Bay es el productor del nuevo intento de lanzar a las Tortugas Ninjas a la pantalla de cine.

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Parece que todo ha sido perdonado y ahora Megan Fox interpreta a April O´Neil una periodista en ciernes que está cansada de reportear huevadas y que quiere hacerse con una gran historia.

Por casualidad, la desnutrida April presencia la aparición de las tortugas ninjas como vigilantes de Nueva York y decide ahondar en esa investigación.

Ese es el meollo. Chica linda quiere ser periodista seria y se topa con la súper historia. Tortugas normales, usadas para experimentar, con nombres de grandes pintores se convierten en súper héroes y viven una súper historia. Y no nos olvidemos de la rata gigante que es su mentor. Todos viven en las alcantarillas y comen pizza.

Como el título promete, esto es una película TEEN, o sea para adolescentes/niños/lactantes/adultosconsíndromePeterPan, de otro modo es muy difícil encontrarle más sentido que el de algunos chistes opas y evidentes.

Tampoco puede faltar en una película de este estilacho: un malo maloso que tratará de arrasar con el mundo y de ponerlo bajo su pie izquierdo y claro, el héroe salvador, en este caso las tortugas gigantes mutantes ninjas adolescentes come-pizza que tratarán de impedirlo.

Jonathan Liebesman es el director de esta descafeinada versión mutante, aunque Liebesman ya nos había demostrado un talento especial para hacer películas aburridas y poco memorables con Ira de Titanes, Invasión a la Tierra, La matanza de Texas, el origen y En la oscuridad, ZZZZzzzzZZZZ.

Tiene buenos efectos especiales, pero si ya has visto X men, El planeta de los Simios y Guardianes de la Galaxia, como que miras con cara de: sí, sí, qué bonita la nieve, y el patín, y el camión, algo más?

Nada gente, esta versión de las Tortugas Ninjas no me supo tan horrible como las Transformers (ajá, tengo un issue con las Transformers a excepción de la 1) pero hasta ahí, apenas alcanza para pensar en una que otra escenita, en uno que otro chiste, en las ganas de hacerle un menú criollo lleno de carbohidratos a Megan Fox, y esito sería todo.

Lo mejor: uno que otro chiste funciona Lo peor: aburrida y estúpida hasta decir basta La escena: cuando parece que están por morir y alguien menciona a Lost Lo más falsete: April y su relación con el poco masculino camarógrafo El mensaje manifiesto: lo retro no siempre pega El mensaje latente: los 80s no volverán El consejo: para verla si NO hay otra cosa mejor El personaje entrañable: Donatello y su amor por April El personaje emputante: El camarógrafo El agradecimiento: que se deja ver.

CURIOSIDADES

Megan Fox y Will Arnett comentaron que sus hijos fueron un factor determinante a la hora de aceptar hacer la película.

El creador de las Tortugas Ninjas, Kevin Eastman, hace un cameo en la película como doctor.

Es la primera Tortuga Ninja en ser catalogada para PG-13 en Estados Unidos.

Jane Levy, Anna Hendrick y Elizabeth Olsen hicieron casting para el rol de April.

El lanzamiento de la película coincide con el 30 aniversario de la saga de Tortugas Mutantes Ninjas.

EXTRA-TARDÍO EXTRA

Quedé debiendo la de X-men que la tenía escrita pero nunca tuve tiempo de subirla, a pedido de G.A. que escribió al mail reclamándome de una manera muy coloquial mi desidia, acá la dejo y cumplo.

X-men o cómo los mutantes siguen funcionando

La nueva entrega de X-Men es todo eso que esperamos de un blockbuster. Sí. Esta parte V, este Días del futuro pasado llega a momentos de sublime felicidad cinéfila y hace que con más ahínco pensemos que el resto de directores del mismo nicho (el de Amazing Spider Man 2, Godzilla, Divergente y todas las Transformers a excepción de la 1) son, de verdad, for real, crispines de oficio.

Y eso que con Bryan Singer hemos tenido nuestros encuentros y desencuentros. Encuentros con películas como Los sospechosos habituales, o las respectivas X-men que dirigió previamente, y desencuentros con esa bosta al infinito que fue Superman Returns y con la mustia Valkyria.

No importa.

Para los que dudábamos que un quinto retorno de los mutantes sería un desperdicio, es un placer decirles que no, las X-men no decepcionan nunca y esta nueva entrega es quizás una de las mejores.

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El filme arranca con una trabajada secuencia de nuestros mutantes en un futuro apocalíptico (año 2023) huyendo de los Centinelas.

Me encantaron los portales de Blink y su caracterización, plin, plun, plon. Ahora me ves, ahora no me ves.

Magneto y Xavier se unen en pro de la supervivencia colectiva y deciden lanzar un disparo a la oscuridad: Kitty Pride (Ellen Page) cuyo poder es hacer saltos mentales en el tiempo, trasladará la mente de uno de los mutantes al pasado, para impedir que Mystique lleve a cabo una acción que es el detonante del despelote imperante.

Temblad, pasado, temblad!

La acción se trasladará a 1973 donde los mutantes que conocemos hasta ahora están en su versión más joven, igual que en la anterior entrega.

Michael Fassbender interpretará nuevamente a Erik (Magneto en sus primeros escarceos), James McAvoy volverá a ser Xavier, aunque esta vez apesadumbrado por la pérdida de Raven, sus piernas y su escuela,  y claro, también aparecerá Mystique/Raven (Jennifer Lawrence) un conflictuado personaje que en distintas versiones hemos visto a la sombra de Magneto o a la sombra de Xavier, mientras que aquí será el personaje en torno al cual gire el futuro de los mutantes.

Quizás el gol de media cancha se lo lleva la incorporación de Evan Peters como QuickSilver (Mercurio) en su adolescente versión. Claro, aún cuando hay fans que se arrancaban la piel a mordiscos cuando supieron que este jovencito sería Quicksilver, al final del día poco importa si el chico es o no fiel al cómic, su personaje funciona. Todo lo que sucede mientras Quicksilver está en pantalla es entretenido, interesante, bien filmado e hizo que, apresurada, escribiera una carta llena de corazones con MyB a Singer. En especial, la secuencia de la cocina en el Pentágono.

Gracias, fui 3600fps feliz.

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En ese momento, bien pude gritar: «Apaguen todo que nos vamos», largarme e igual recomendar esta película, así de buena es la escena. Pero obviamente me quedé sentadita en la butaca, porque además, por si la aparición de este personaje no fuera suficiente, otra dicha que nos deparó Singer en su casting fue la incorporación de Peter Dinklage como Bolívar Trask. Sí!!!!!! ese gran actor (no es ironía) que es Peter, salta de cada episodio de Juego de Tronos, a la pantalla gigante en X-men como un fascista científico que intentará acabar con los mutantes creando los Centinelas.

Muere, Tyrion facho, muere!!!!

Pero no solo hay girasoles meciendose en el viento, en su apresurado desarrollo hay inconsistencias argumentales que nos llevan a un sopapo de realidad y a decir resignadamente: “Y bueeee, es un blockbuster” habría que hacerse las siguientes preguntas, sólo como ejercicio lúdico: Por qué dejan a QuickSilver si a ojos vista se ve que es menos inútil y problemático que el mamerto de Magneto. Por qué buscar a Magneto que piensa con la uña del pie izquierdo y que se sabe NO pueden confiar en él. Si vas a mandar al pobre Wolverine al pasado mínimo puej contale bien con qué se va a encontrar porque es muy pérdida de tiempo largarlo así solo con frases como “Te va a ser complicado porque no era lo que conoces ahora” y bla bla bla. Los humanos van a quedar tranquilos solo porque vieron que Mystique salvó a Nixon y compañía, luego de ver el despelote que hizo Magneto?. Viviré lo suficiente para ver la próxima secuela?.

Esas y otras preguntas quedan flotando en el aire. Aún así, con los baches argumentales y las jaladas de cabello que te podés dar por el manoseo al cómic, salimos del cine satisfechos.

Con la barriga llega y el corazón contento, emborrachados de efectos especiales, de algunas bromitas bien dichas, y de esa casi onírica secuencia final donde se pasan por el traste a todas las anteriores X-men y nos devuelven las lágrimas derramadas.

Lo mejor: una de las mejores de la saga y con una bellísima factura Lo peor: algunos baches argumentales La escena: Quicksilver en el Pentágono: AMÉ Lo más falsete: la huevada de Nixon y el estadio, ya puejjjjj El mensaje manifiesto: eliminar nunca funciona El mensaje latente: al malo solo el cariño lo vuelve puro y sincero El consejo: si no la viste, vela en DVD o BLURAY El personaje entrañable: Quicksilver: AMÉ El personaje emputante: Magneto, Nixon El agradecimiento: Quicksilver: AMÉ.

CURIOSIDADES

  • Patrick Stewart y Ian McKellen se encontraban haciendo la obra Esperando a Godot cuando fueron llamados para la película.
  • Es la séptima vez que Hugh Jackman interpreta a Lobezno
  • Bryan Singer solo estaba dispuesto a hacer la película si Stewaart y McKellen confirmaban su participación
  • El personaje de Halle Berry, Storm, fue reducido al mínimo debido a que la actriz estaba embarazada
  • A pesar de que el personaje de Anna Paquin aparece solo 3 segundos y no tiene diálogo, es una de las actrices mejor pagadas de esta entrega.
  • Singer basó a Bolívar Tras en Adolfo Hitler.
  • Jamie Campbell (Billy Elliot) y Nico Tortorella audicionaron para Quicksilver.
  • Bryan Singer tiene un cameo como fotógrafo en el bollo de gente que se forma cuando Mystique cae del edificio y trata de huir.

CINE: Godzilla

Sí, sí, ya sé. Después de mil lunas henos aquí. Han pasado muchas películas bajo el puente, y claro, esa certeza de que la sala de cine es el mejor lugar del mundo mundial se afianza cada día.

(suspirito)

Pero no siempre, no siempre, mis querubines. Porque de un tiempo a esta parte, la escasez de…bueno, de todo, hace que Hollywood siga sacando remakes al trochis mochis y encima crea que es muy muy divertido lanzar películas donde se destruyen un montón de cosas y no pasa más nada.

Y toca hablar de eso. De ese vacío existencial que queda después de la hecatombe, de ese silencio que te dejan los créditos y de los bostezos que te sacuden en ese lugar sagrado que es la butaca.

Ajá.

Así que luz, cámara, pipocas, acción!

Godzilla o vuelve el perro arrepentido…

Recordemos la digna leyenda de Godzilla, recordemos.

En 1954 tenía sentido agarrar este bicho descomunal y sacudir al espectador que no había visto Titanic, Avatar, Transformer, con los avances y desmanes del coso ese. Sí, ese espectador virgen, puro como Copito de Nieve bajando por los Alpes suizos la pasaba chancho viendo a Godzi arrasar con todo.

Puedo imaginarlo/imaginarme.

Incluso en estas épocas, hace ya unos 10 años, igual llegué a disfrutarla, porque uno la ve con los ojos enternecidos con los que siempre se mira el pasado y piensa “qué pendejos fueron los japoneses”. Claro.

El bicho apareció en 28 películas japonesas desde entonces, hasta que los gringos dijeron “nosotros lo haremos mejor” y lanzaron su vomitiva versión de 1998 donde desperdiciaron a Jean Reno y Matthew Brodderick, entre otras estrellitas estrelladas.

Como cualquier hueco es trinchera, este año regresan por todo lo alto con un remake, donde los nombres de Heisenberg (AKA Bryan Cranston) y Juliette Binoche aparecen garantizando que algo bueno habrá en esta nueva apuesta.

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Error.

Una familia formada por papá Heisenberg, mamá Binoche e hijo único, se encuentra en Japón. Los dones son científicos y trabajan en una planta nuclear que sufre una devastadora experiencia. No voy a decir qué, pero ya se imaginarán. Debido a esa suceso, papá Heisenberg queda traumado y obsesionado con el origen del despelote. SPOILER Reconozcamos que esa escena donde Binoche es hervida en radiación estuvo muy bien lograda FIN DEL SPOILER

Hacemos una elipsis temporal y OH! un japonés (Watanabe) y su asistenta (Sally Hawkings) son llamados para analizar un hallazgo. Dicho hallazgo está ligado íntimamente con el despelote del principio. Los gringos se tomarán su tiempo en juntar el rompecabezas y en actuar a la altura de la circunstancias.

Ahí aparece el hijo de Heisenberg, interpretado por Aaron Jhonson (el de Kick Ass), que como no puede ser de otra manera es soldadito americano. El soldadito americano está casado con el personaje que interpreta Elizabeth Olsen (la talentosa Olsen, no las gemelas) y ya se reprodujo, lo que le pondrá mayor “emoción” a las andanzas de Godzi.

Hay que decir que lo intentaron. Se tomaron la molestia de crear dos familias que al final es una sola y de ponerle carga emotiva a ambas para que uno conecte con la historia y desee que los personajes se salven. Lastimosamente, a pesar de lo muy a pecho que se tomó Bryan Cranston su papel como afligido ser humano (hago énfasis en lo “afligido”), yo deseaba que todos caigan como mosquitos en una apoteósica sinfonía de muerte.

No sé si la culpa es del británico Gareth Edwards, que dirige su primer largometraje de grandes presupuestos con Godzilla y cuyo mayor logro en la vida es Monsters (2010). No sé. Lo que sabemos es que Edwards ha trepado como enredadera después del éxito de Monsters  y que su nombre resuena por ser un especialista en efectos especiales y la creación de mundos alternativos con  bichos incluidos. Por ahí hay que dirigir las cartas con ántrax al guionista, el casi novato Max Borenstein quien tuvo bajo sus deditos el guión y fue incapaz de hilvanar mejor esta historia. Sin embargo, no importa si esto fue por encargo, si el guión era pedorro o no, lo que queda es el resultado global de una visión, la de Edwards y para desgracia suya y nuestra, no pasa nada con Godzilla.

Ni siquiera un tipo como Seamus McGarvery que ya mostró su descomunal talento como director de fotografía en Anna Karenina. We need to talk about Kevin y Atonement, consigue que su hermosa fotografía sea motivo suficiente para verla y disfrutarla.

No.

Después de dos horas y un poquito más, solo tenemos destrucción tras destrucción, con la cadena de decisiones más boludas que se puedan imaginar, súper predecible y con el pobre Watanabe como uno de los personajes más contemplativos desde la presencia de la maceta que salía en la oficina de Bruce Wayne en la primera Batman. En realidad, si contáramos las escenas en que Watanabe y cualquier otro crispín a la redonda se quedaban en primer plano con cara de “por los calzones de Cristo, qué carajos es esto” se nos va la mitad de la película. Para muestra un botón:

La versatilidad de Watanabe
La versatilidad de Watanabe

Además, Edwards parece no decidirse si  hacer algo existencial o agarrar la innoble estela dejada por Michael Bay.

Pone dos bichos más a buscarle boche a Godzi, lo que nos deja claro que los humanos están realmente al pedo. Abusa de los clichés, niños en autobús pegados a las ventanas viendo a los bichos, los bichos surgiendo entre niebla y humo. Sí, que esta película ya la hemos visto un montón de veces!

Siendo justos, igual Godzilla no llega a los niveles de bochorno ofrecidos en Yo, Frankestein, las Transformers y muchas otras recientes, el filme se conforma con ser un blockbuster enano, sin mayo trascendencia que la de un par de escenas.

Mónica Heinrich V.

CURIOSIDADES

– Tuvo un presupuesto de 160 millones de dólares y lleva recaudado alrededor de 194 millones. Segunda parte confirmada.

– Godzilla es el icono más popular de la cultura japonesa del último siglo y continua siendo la figura más representativa del cine japonés. Hay rumores que apuntan a que los estudios Toho pensaron en el monstruo como una representación del miedo que experimentó Japón con el bombardeo atómico de la Segunda Guerra Mundial por parte de EEUU.

– Guillermo del Toro fue otro de los nombres que se barajó para que dirijan Godzilla, pero éste se encontraba filmando Pacific Rim

– Todos los actores principales fueron la primera opción del director Edwards. Incluso Binoche aceptó ese insulso papel luego de que el susodicho le enviara una carta que fue catalogada de “hermosa”. Dedicate a escribir cartas, Edwards.

Lo mejor: la fotografía y ver a Bryan Cranston en pantalla gigante muy convencido de su papel  Lo peor: ver a Bryan Cranston TAN convencido de su papel La escena: la de Binoche cuando se cierra la puerta y la de los soldaditos saltando en paracaídas Lo más falsete: Watanabe con sus caras de asombro, y la cadena de decisiones que llevan al heroísmo godzilliano El mensaje manifiesto: los gringos no son los asiáticos El mensaje latente: qué pendejos son los asiáticos El consejo: para verla y reflexionar sobre la decaída industria hollywoodense El personaje entrañable: Godzilla, cuandro creés que matará a todos El personaje emputante: Godzilla, cuando deja vivir El agradecimiento: por un buen casting y Seamus.

EN CARTELERA: EL último Elvis, Rush, Non Stop, Yo, Frankestein

Por: Mónica Heinrich

Antes que nada, qué desalentador ver que la cartelera del Cine Center y del CineMark es casi idéntica. Ya hasta tienen el mismo diseño de cartelera online.

O sea, uno se ilusiona, así como cuando nos decían que Papa Noel dejaba regalitos debajo del árbol, o como cuando escuchábamos «y vivieron felices para siempre», y todo para qué, para descubrir que el panzón no existe y que para siempre es mucho tiempo.

Sí, la ilusión, la posibilidad que la paupérrima oferta local de películas tendría un despunte y que CineMark y Cine Center se enredarían en una furia de titanes fue eso: ilusión.

Misma cartelera, mismas huevadas. La diferencia es que en CineMark (por lo menos) a veces podemos optar por versiones subtituladas (que también ofrece el Cine Palace) y en el Cine Center se les ha dau por poner una «exclusiva» cada muerte de un Papa (Pompeia-Metallica 3d).

Pero mejor vayamos a lo que nos atañe, la sagrada y perfecta pantalla gigante:

1) El último Elvis o Ser otro

Carlos Gutiérrez, el doble argentino de Elvis, vive de una manera desoladora. Su admiración, obsesión por el personaje que imita se convirtió en la catarsis de una existencia que sin Elvis no tiene sentido, rumbo.

Parábola de la soledad, El último Elvis golpea y conmueve en ese retrato de la necesidad de trascendencia de una vida menor y cómo un ser humano se rompe.

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El Elvis gaucho se acerca peligrosamente a la edad en que el verdadero Elvis murió. Su hija Lisa Marie, a quien él relaciona directamente con la verdadera Lisa Marie, queda a su cuidado luego de un accidente de su ex pareja.

La película parece encaminarse hacia una dirección, pero el delirio la llevará hacia otro.

Armando Bo, el director del filme, recrea la debacle emocional de Carlos-Elvis con un humor tierno y triste, disfrazando su oscuridad de rutina.

Por momentos graciosa, por momentos patética, por momentos dura, en su último plano, en su casi poético cierre, el vacío de Carlos-Elvis te inunda en la butaca.

En lo formal, el minimalismo estético y narrativo hace de esta ópera prima un gran debut. En el contenido, nos muestra a un director capaz de contar una historia densa sin perder nunca la humanidad del relato.

Un director capaz de encontrar en su protagonista, John McInerny, la inspiración perfecta para la pantalla gigante.

Bo tuvo oro en sus manos y le sacó todo el partido posible.

Con un guión del mismo Bo en colaboración con su primo Nicolás Giacobone (guionista de Biutiful), al salir del cine alguna lágrima furtiva se derrama en homenaje al homenaje de Carlos-Elvis.

Nada.

The show must go on.

Lo mejor: un gran guión, muy bien filmado Lo peor: oscuro como agua de pozo La escena: el final Lo más falsete: …. El mensaje manifiesto: todos queremos brillar El mensaje latente: No todos lo conseguirán El consejo: gran película, gran debut, para verla como sea. Se proyecta en la sala del CBA  El personaje entrañable: Carlos y Elvis El personaje emputante: la angustia El agradecimiento: por contarla como la contó.

CURIOSIDADES

Armando Bo tiene 35 años,  productora propia y más de 120 publicidades filmadas.

Se filmó en 45 días

Bo se encuentra escribiendo un guión para González Iñárritu que produjo El último Elvis.

En la vida real John Mc Inerny es imitador de Elvis.

2) RUSH o Niki Lauda la rompe:

Hemos tenido nuestros desencuentros con Ron Howard, en mi imaginario lo tenía como a un pobre tipo aburrido, sin chiste, de talento limitado, uno de los arrimados de Hollywood.

Su ligera y edulcorada versión de Nash en Beautiful Mind, la descafeinada El Código Da Vinci, me confirmaron esa idea y allá en ese pozo al que arrojo a los directores que me emputan, estaba él: Ron Howard. Ni su drama histórico Frost/Nixon me convenció para sacarlo de ahí.

Eso hasta que vi Rush (Pasión y Gloria).

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Y no es que Rush sea perfecta, no. No es perfecta, pero funciona y funciona muy bien.

No me voy a pajear con el tema de los spoilers, porque muchos ya conocemos la historia real, así que el que no sepa quiénes carajos son los del póster tenga claro que no habrá aviso de spoiler.

La película aborda en paralelo las vidas de James Hunt (Chris Hemsworth) y Niki Lauda (Daniel Bruhl).

Ambos corredores de Fórmula 1, ambos campeones del mundo, ambos rivales dentro y fuera de la pista.

Con el recurso de la voz en off, Howard narra los inicios de Lauda y de Hunt como corredores de Fórmula 1, la primera vez que se topan en una carrera, y la cadena de sucesos que los mantendrían lado a lado, cabeza con cabeza, convirtiendo su rivalidad en leyenda, rivalidad que es el eje central del filme.

El guión de Peter Morgan tiene la capacidad de dibujar a estos personajes (Lauda/Hunt) y que el espectador se conecte rápidamente a sus historias para luego dar paso a las vertiginosas carreras y los tejemanejes de la competencia automovilística.

Los puteríos de Hunt, la sabiduría de Lauda, la actitud de Diva de ambos, el narcisismo galopante, el carisma de uno, la antipatía del otro, se mezclan en un solvente cóctel de emociones.

El ganador del Oscar: Anthony Dod Mantle, habitual colaborador de Lars Von Trier y de Danny Boyle, es el encargado de la fotografía, apartado que brilla por sí solo y que hace que Rush eleve su categoría de un simple telefilm a una buena película. Hans Zimmer acompaña con su música la historia, aunque no es memorable cumple con “ambientar” y redondear los climas deseados.

La actuación de Daniel Bruhl como el polémico Lauda es perfecta, es como ver a Lauda en carne y hueso, con todo y su carita de rata. Chris Hemsworth, a quien tenemos situado como el blondo y algo boludo Thor, deja el martillo y demuestra que sabe actuar. Físicamente es benévolo con James Hunt, quien a pesar de ser un rompecorazones era un alemanote algo desabrido.

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Suzie (esposa de Hunt, interpretada por Olivia Wilde) y sus piruetas con Richard Burton, condimentan la escena lo suficiente para que al salir del cine te den ganas de llegar a tu casa a googlear a todo mundo.

Ajá. El morbo de ver lo que el tiempo y la no ficción hizo con ellos.

Si la vida es una carrera, Lauda con su accidente, su transplante, su divorcio, su nuevo matrimonio y sus bien vividos 65 años es una muestra del saber llegar, de quemar el asfalto. Hunt,  por su parte, es de los que se quedó a medio camino, como tantos, como muchos.

Rush, simplemente, nos da un fugaz y efectivo vistazo a eso.

Lo mejor: entretenida e interesante Lo peor: a ratos redunda mucho o machaca en escenas que expliquen la “honda” rivalidad de los personajes La escena: el accidente que desfiguró a Lauda está muy bien contado, y la carrera final también Lo más falsete: los flashbacks de la carrera de Lauda, feito, típico del Howard del pozo El mensaje manifiesto: no gana quien llega sino quien sabe llegar El mensaje latente: Niki Lauda solo hay uno El consejo: Vela, es entretenida y está bien hecha El personaje entrañable: ambos dos, cada uno en su estilo El personaje emputante: ambos dos, cada uno en su estilo El agradecimiento: porque al fin veo algo de Howard que me gusta.

CURIOSIDADES

Daniel Brühl y Chris Hemsworth no se les permitió manejar un auto de Formula 1, por lo que tuvieron que usar de Formula 3 con tuneado como de Formula 1.

Daniel tuvo que usar implantes dentales para simular la dentadura de Niki.

Niki Lauda dijo que la película era aproximada, pero que se habían tomado muchas libertades respecto a la rivalidad entre Lauda y Hunt.

Chris Hemsworth audicionó para el rol de James Hunt mientras filmaba Los Vengadores. Howard quedó tan impresionado con él, que inmediatamente lo aprobó y firmó contrato. Hemsworth tuvo que perder 14 kilos de masa muscular que había ganado para su papel de Thor.

El guionista Peter Morgan escribió Rush sin esperar que generaría interés en las grandes ligas de Hollywood, por lo que las escenas eran humildes y de poca producción. Morgan asumía que se haría con muy bajo presupuesto.

Paul Greengrass era el primer director a cargo del proyecto, pero finalmente pusieron a Howard en Rush y a Greengrass en Capitan Philipps. Dedocracia.

Lauda se divorció de su esposa después de 22 años de casados y contrajo nupcias nuevamente con una asistente de vuelo de su compañía aérea que es 30 años menor que él y quien además le donaría el riñón que le salvó la vida.

3) Non Stop o Quiero a Liam Neelson en mi vuelo.-

Pues con el temita del avión desaparecido en Malasia, la película de Liam Neeson, mejor dicho de un HEROICO Liam Neeson, viene como anillo al dedo.

Non Stop o Sin escalas, narra el terror de cualquier crispín que se sube a un vuelo intercontinental: que algo salga mal.

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Neeson interpreta a Bill Marks, sufrido empleado gubernamental que trabaja como policía aéreo (esos dones que pusieron escondidos en los vuelos grandes por si dizque había terroristas sueltos en el rancho)

Pues Bill, como no puede ser de otra manera, es borracho, traumado pero mantiene su espíritu del deber y de responsabilidad civil impoluto como un algodón del campo.

Justo le toca hacer un vuelo de Nueva York a Londres. El hombre anda sin dormir, un poco bebido, o sea todo va como siempre hasta que en su “línea segura” recibe un mensaje de alguien amenazando con matar a un pasajero cada 20 minutos a menos que deposite una millonada de plata a una cuenta.

(Insertar emoticón de Mi pobre angelito cuando grita frente al espejo)

Es curioso cómo los guiones más chotos los escriben a varias manos, en este caso el guión corrió a cargo de John Richardon, Christopher Roach (ambos guionistas de huevadas como Big Brother y series de TV desconocidas) y Ryan Engle, otro fulano con cero currículum.

Lo que indica que simplemente compraron la historia y pusieron a esta santísima trinidad a trabajar, demostrándonos porqué no han tenido mejor suerte en la industria.

Nuestro nunca bien ponderado Jaume Collet-Serra agarra este guión chabacano y con más colgandijos que un ekeko, y lo hace mirable, digerible a pesar de toda la estupidez reinante.

El director barcelonés, responsable de cositas aceptables como La Casa de Cera y La Huérfana, no acusa recibo de semejante despropósito y se toma en serio hasta las escenas más disparatadas, haciendo que sea imposible cagarse de risa del ridículo. Porque sí, porque tenés 146 pasajeros y tus protagónicos son estereotipados y fofos. Porque lanzás discursito conciliador y ponés a un tipo con rasgos del medio oriente en papel conciliador y a PESAR de eso no nos salimos de la sala.

Claro que contribuye una muy linda fotografía del también español Fabio Labiano, que sabe dónde poner la cámara en el momento justo y sacarle partido a la presencia de Liam Neeson, de quien me queda claro que SPOILER podrá rescatar a su hija, a mi hija, y a la hija de cualquiera, y que además se subirá a un avión y me llevará a buen recaudo aunque este borracho, traumado, sin motivación para vivir y pase por encima del mismísimo triángulo de las Bermudas SPOILER

Julianne Moore como Jen Summers, compañera de asiento de Bill, Michelle Dockery como la asistente de vuelo Nancy y Lupita N´yongo como…hmmm la azafata que a veces abraza a un pasajero o la azafata que pone cara de susto o la azafata que apapacha a Nancy, o la azafata que…bueno, ellos completan el aterrorizado casting.

No, nadie se va a llevar un Oscar, ni una nominación a un Oscar, ni siquiera un Eduardo Abaroa, pero SPOILER al final del día sabremos que el sistema funciona, que los Estados Unidos de Norteamérica funcionan, que no importa las anomalías que generen, estaremos seguros y tibios en nuestras camas a pesar de cualquier amenaza, porque los héroes de la patria darán su vida no solo por Estados Unidos, sino por el mundo, por nosotros (suspirito) FIN DEL SPOILER

Lo mejor: no es aburrida Lo peor: disparatada hasta el bochorno La escena: cuando Lupita N´yongo…ahhh no, ella está de florero. La escena sería cuando se descubre todo, pero por lo ridículo Lo más falsete: cuando se descubre todo, por lo ridículo El mensaje manifiesto: el sistema funciona El mensaje latente: vivan los héroes de la patria El consejo: para verla en una tarde de indigestión y fiebre El personaje entrañable: la cinta azul El personaje emputante: el avión, ya quería que se desplome o explote en mil pedazos El agradecimiento: porque Neeson y Collet-Serra la hacen mirable, decepcionantemente mirable.

CURIOSIDADES

Cerca de 200 extras hicieron casting y permanecieron durante todo el rodaje.

Se filmó de noviembre a diciembre del 2012

Tuvo un presupuesto de 50 millones de dólares y ya ha recaudado más de 140.

Dura 106 minutos

4) Yo, Frankestein o ¿Por qué le hacen eso a Harvey Dent?

Mi amiga Mary Shelley debe estar pateando su cajón.

Lo que Hollywood ha hecho con el legendario Frankestein es una chacota. Todo está mal en esta película pipoquera que no tiene aspiración alguna más allá de quemar minutos en pantalla y recaudar algunos quintos.

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Un don llamado Stuart Beattie, a quien acabo de arrojar a mi pozo de directores emputantes, es el director de ESTO.

Una desangeladísima versión del clásico, con personajes monodimensionales, carentes de carisma y del más prosaico sentido común.

Es como un cadáver en descomposición, y eso que tienen la fórmula para resucitar muertos, pero no. No va a suceder. La huevada apesta y apesta mucho.

El pobre Aaron Eckhart interpreta a ADAM, nombre original que le dan a Frankestein en la novela. Adam es creación del Dr. Frankestein, quien lo crea arrejuntando pedazos de cuerpos. En una situación muy estúpida, SPOILER Adam asesina a la mujer de Frankestein y el crispín querrá eliminarlo de la faz de la tierra. Obviamente, al final el Dr. estira la pata y Frankestein vaga por el mundo bajo la mirada atenta de las gárgolas y de los demonios FIN DEL SPOILER

El malo maloso es el Príncipe Naberius (Bill Nighy) que quiere apropiarse de la fórmula para resucitar a los muertos.

No hay mucho qué decir. Un pésimo, pésimo guión, lastimoso y patético, a cargo del mismo Beattie y de Kevin Grevioux (guionista de la saga Underworld).

El 3D es absolutamente gratuito, la fotografía no tiene nada interesante, los efectos son hasta por ahí, y las actuaciones son cumplidoras. Es como si los mismos actores tuvieran cero entusiasmo por sus personajes.

Es de esas películas que si no te diera flojera levantarte y marcharte, te levantás y te marchás.

No sabés cómo Aaron Eckhart que hizo de Harvey Dent y y tiene películas tan interesantes como Rabbit Hole, accedió a participar en esta baratija.

Yo, Frankestein tranquilamente pudo llamarse Yo, Estúpido.

Una oda a la lobotomía.

Lo mejor: que termina Lo peor: que está feita en demasiados niveles La escena: los créditos finales Lo más falsete: todo lo que antecede a los créditos finales El mensaje manifiesto: hay plata para hacer huevadas El mensaje latente: hay plata que pudo tener mejor destino El consejo: para verla solo, solo si te invitan o te regalan el DVD pirata El personaje entrañable: todos los personajes que mueren El personaje emputante: todos los personajes que viven El agradecimiento: porque dura poco y cuando acaba seguís vivo.

SOUNDTRACK: Bon Iver: The wolves (Act I & II)

Justin Vernon es el hombre.

Si se lee con atención la historia de Justin, veremos a un tipo algo inestable, de esos que tienen sus ataques de excentricidad y se va a vivir 3 meses en una cabaña en Wisconsin alejado del mundo.

Así, tal cual, en 3 meses de aislamiento, viviendo en una cabaña en Wisconsin, fue que creó su agrupación Bon Iver y que además compuso los temas de su primer disco.

Las razones de tanta “nostalgia” y “dolor” en este debut obedecen a un rompimiento amoroso, al abandono de su anterior banda y a una enfermedad jodida (mononucleosis hepática).

Sería el nacimiento de For Emma, Forever Ago. Considerado como uno de los mejores discos de “breakup” (ruptura) del momento. Era el año 2007.

Su tema The Wolves (Act I & II) es el que cinematográficamente conquistó muchos corazones.

De rouille et d’os (Rust and bones-De óxido y de hueso)

Jacques Audiard, el director de ese gran filme que es El Profeta, regresó el 2012 con este drama de personajes rotos, dañados por la vida.

La maravillosa Marion Cotillard interpreta Stephanie, una domadora de orcas que sufre un grave accidente. Ali (Matthias Schoenaerts), por su parte, tiene que adaptarse a la nueva tarea de ser padre de un niño de cinco años que apenas conoce. Labor para la que no está preparado.

Ali y Stephanie se unen en esta historia triste, desoladora, con una primera parte prolija que atrapa con grandes escenas y una segunda parte que pudo tener mejor suerte, que se desinfla y te deja la sensación de que faltó algo en la mezcla.

Algunos climas te preparan para el final, ese final en el que el francés Audiard no se atreve a darle el tiro de gracia a sus personajes. El cierre conciliador se asoma y aparece Bon Iver. Bon Iver con la voz de un sufriente Justin Vernon susurrando…

«Algún día mi dolor, algún día mi dolor, te marcará”…                                              

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The place beyond the pines (El lugar más allá de los pinos/Cruce de caminos)

Aunque ya había escuchado el tema en De óxido y de hueso, fue en The place beyond the pines que me golpeó, que me humedeció los ojos.

Después de Blue Valentine, esperábamos como el rocío de la mañana la nueva película de Derek Gianfrance. El 2012 volvió y además repitiendo en uno de sus protagónicos a Ryan Gosling.

Este drama se divide en dos partes, la primera que nos cuenta la triste existencia de Luke (Gosling). Un pobre tipo que trabaja como motociclista profesional en el carnaval ambulante “Globe of death” y que tuvo una aventura con Romina (Eva Mendes). Cuando vuelve a la ciudad de Romina, descubre que fruto de esa aventura nació un niño. Luke comienza a fantasear con la ilusión de una familia y se desespera por querer darle al hijo una vida que él nunca tuvo.                                                                                                                                                 image.php

Para eso decide robar un banco, desencadenando trágicos sucesos. Hasta ahí, Gianfrance, Gosling y Mendes nos tienen en sus manos. Luego comienza la segunda parte protagonizada por Bradley Cooper en el papel del policía Avery. Avery es quien intenta darle caza a Luke. La segunda parte deshace el clima construido por la historia de Luke debido a los enrevesados giros del guión y aunque el destino de Gosling nos agarra de sorpresa, lo que sigue no está a la altura de lo visto anteriormente.

Aún así, cuando llega el final estás conmovido. Bon Iver llega (también) con su canto…su triste canto…

«Aprovecha tu culpa, aprovecha tu culpa y da un paso adelante…»

La motocicleta perdiéndose en esa carretera sinuosa, mientras esa voz llevaba a los créditos…nos dejaba vacío.

Bon Iver sacó otro disco en el 2011, en el 2012 fue nominado a cuatro premios Grammy de los que se llevó dos. Luego Justin Vernon tendría nuevamente su ataque, vendría el aislamiento, el rompimiento de su relación amorosa, y el abandono de la banda.

Toca esperarlo.

EN CARTELERA: Prisoners (Intriga)

¿Where is my daughter?

No tengo hijos, pero el tiempo y la madurez me permiten imaginar la pesadilla de que te arrebaten a uno. Supongo que es la pesadilla de cualquier padre: que tu hijo desaparezca o le pase algo muy malo. Y cuando sucede, supongo, también, que nunca se supera. O más que superarse, se aprende a vivir con ello. Supongo.

El canadiense Dennis Villeneuve es un experto en esto de hacerte vivir los dramas que plantea. Ya lo hizo con la gran Incendios (Incendies, ya reseñada en este blog) donde nos dejó con el corazón apretado como una uva pasa y con imágenes que hasta el día de hoy nos persiguen.

Porque hay películas así, porque hay recuerdos así.

Prisoners es así. Por lo menos la primera mitad de su metraje.

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Keller Dover (Hugh Jackman) es un abnegado padre de familia. Ex-alcohólico, vive una vida tranquila junto su esposa Grace (María Bello) y sus dos hijos Anna y Ralph, que le dan razón a su existencia. Además, su perfil de personalidad nos lo muestra como alguien muy creyente en Dios y sus poderes divinos, así como una actitud de protector con las personas que le rodean. Al tiro sabemos que en caso de crisis, Keller tomará las riendas y se hará cargo.

Esta sosegada felicidad es rota cuando la familia entera va a visitar a unos vecinos para la cena de Acción de Gracias, y Anna más Joy (la hija de los vecinos) se escabullen de la casa sin que nadie se percate. Las niñas desaparecen y la desesperación comienza a crecer a pasos agigantados.

Entra en escena el Detective Loki (Jake Gyllenhaal) que siempre ha resuelto sus casos pero que ahora se encuentra ante uno muy complicado.

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La película irá y vendrá desde Keller a Loki y desde Loki a Keller, constantemente. Un vaivén de emociones y de posturas ante el caso.

La desaparición de las niñas es retratada magistralmente gracias a la gran fotografía de Robin Deakins que ya mostró su valía con grandes trabajos como No es país para viejos, The Big Lewoski, Fargo, True Gift, A Serious Man, entre otros.

Vidrios empañados por la lluvia, frío, climas oscuros y cargados de tensión, el peso psicológico de los silencios, de lo que no vemos, todo llevado en la justa medida con precisión y gusto.

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Y la historia sigue su curso, envolviéndote en el drama de la desaparición, de la impotencia, porque nosotros tampoco sabemos qué carajos pasó con las niñas. Nosotros solo veremos el sufrimiento de las familias, del amigo de Keller y su esposa, de Grace que incapaz de soportar la pérdida recurre a los somníferos, del hijo adolescente que no sabe qué hacer, de Loki que se siente comprometido a resolver el caso pero que no lo tiene muy fácil, SPOILER conoceremos a Alex Jones (Paul Dano) con su coeficiente de 10 años de edad, que tiene toda la pinta de pedófilo o perver, y que mientras la película avanza sabés en tu corazón que algo tiene que ver con el entuerto. Sí, y ya cuando Keller sucumbe a la tentación de buscar respuestas por mano propia, te quedás con las ganas de cubrirte los ojos porque no, no querés que el personaje llegue a eso.

De alguna manera me recordó a la película francesa 7 días (Le 7 jours de talión), durísima,  que tiene una escena que se clava en la memoria (la del calzoncito abajo) y cuyo final condice más con su desarrollo que el final de Prisoners. 7 días no salva a sus personajes, sino todo lo contrario. Te muestra lo desgarrador de un asalto sexual hacia un niño, de un asesinato infantil, de la posición de un padre ante esa pérdida que no solo es pérdida sino es traumática pérdida, insoportable e incomprensible pérdida y además, en la empatía que llegás a sentir por ese padre golpeado por la enormidad de su tragedia, tampoco lo llega a salvar. Porque sí, porque hay cosas tan duras que no las podés digerir. Y no digo que el extremo planteo de 7 días (mal situado como filme simplemente gore) sea el adecuado, o que 7 días sea superior a Prisoners, sino que en su conjunto, como película quedó mejor construida.

En Prisoners, siento que Villenueve se dejó llevar por el convencionalismo, sí, intenta dar la sorpresa con el giro final (sospechadísimo desde 50 minutos antes), pero las niñas están bien, Keller se salva con su silbato, y a pesar de las tres muertes (la doña loca, el del medallón, y el que se suicida), el resultado global es que los involucrados estarán bien, la vida que es tan jodida les da una nueva oportunidad, todavía hay recomposición posible. FIN DEL SPOILER

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Para eso alarga la trama más de lo necesario, el guión del novato Aaron Guzilkowski lleva a lugares que marean la perdiz, pero que dramáticamente pierden fuerza desde mi punto de vista. Demasiadas vueltas terminan por deshilachar ese hilo emotivo que tan firmemente se construye en la primera mitad de la película. La explicación al rapto es tan pusilánime que tuve ganas de cachetear al personaje que lo dice en la pantalla. No, no, no. Tanto tiempo de visionado para que me salgan con esa huevada.

Igual, Villenueve es un director talentoso y dotado de una capacidad intrínseca para construir climas opresivos y atmósferas que te transmitan lo que su película debe transmitir. El gran trabajo de un reparto de lujo que incluye a Viola Davis y a Terrence Howard, son motivos suficientes para perdonarle su exagerada extensión y la benevolencia con sus personajes principales y platea.

Prisoners es una historia que te atrapa y te seduce desde el principio y que te adentra en la pesadilla que supone perder a un hijo y tratar de recuperarlo. En ese proceso desarrolla personajes que son prisioneros de sus propias pasiones y fantasmas.

Corrosiva en gran parte de su metraje, con una factura notable que recuerda a Zodiac y a Seven, es sin duda un thriller que se apoya en todos los clichés hollywoodenses, pero que consigue destacar. Para verla.

Lo mejor: impecable, sobria y notable en su dirección y factura

Lo peor: muchas vueltas al pedo

La escena: la del auto y Loki, gran trabajo de Jackman y Gyllenhaal

Lo más falsete: la explicación

El mensaje manifiesto: La desesperación es mala consejera

El mensaje latente: Un padre siempre sabe

El consejo: Hay que verla, en su género es de lo más logrado del año

El personaje entrañable: el perro que zarandean

El personaje emputante: el guionista de la segunda mitad de la película

El agradecimiento: Porque a pesar de la duración y la vueltas al fósforo, no aburre y te mantiene interesado en la trama

CURIOSIDADES

– El guión estuvo rodando en Hollywood durante años, pasó por las manos de varios directores (Brian Singer, Antoine Fucqua),  actores como Mark Walhberg, Christian Bale y finalmente, Villeneuve aceptó llevarlo a la pantalla gigante.

 – Aaron Guzikowski escribió el guión durante dos años

– El guionista de esta película es el guionista principal de una nueva serie llamada The Red Road.

– Melisa Leo interpreta a Holly Jones, y tuvo que ser caracterizada como de mayor edad, Leo ha ganado el Globo de Oro y el Oscar a Mejor Actriz de Reparto por su papel en The Fighter.

– Leonardo Dicaprio estuvo atado al proyecto durante bastante tiempo y finalmente lo abandonó

– El director tuvo en su mesa más de 50 CDs de compositores que estaban interesados en musicalizar el proyecto, finalmente se decantó por Johan Johansson

EN CARTELERA: The Counselor (El Abogado del Crimen)

“Demasiado ginecológico para ser sexy”

El título de la reseña: “Demasiado ginecológico para ser sexy” aplica totalmente para la esencia de The Counselor.

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Señores, se acaba de estrenar The Counselor, la más reciente película de Ridley Scott que tiene un casting  como para dejarte la jeta abierta: Michael Fassbender, Javier Bardem, Cameron Diaz, Penélope Cruz,  Bruno Ganz, Rubén Blades (¡!) y el pobrecito Edgar Ramírez.

Además, su director de fotografía es Dariusz Wolski y el guión le pertenece a (tiene que ir con mayúsculas y  ser dicho con megáfono): CORMAC MCCARTHY

Leer y escribir eso es casi orgásmico (si el nombre de Penélope no lo jodiera).

Y es lo que esperamos: Un orgasmo.

Después de la cagada que Ridley se mandó con Prometeo, era justo y necesario un resarcimiento de daños, una compensación que haga que saquemos los muñecos de Blade Runner del baúl y la vida continúe su curso natural.

Pero no. Lo visto en el cine no se puede procesar bien. Pasan demasiadas cosas y se dicen demasiadas huevadas como para que se saque algo en limpio.

Aquí, desde el título, la palabra clave es “demasiado”.

Aunque un “demasiado” de Ridley Scott siempre es mejor que un “demasiado” cualquiera, o ¿no?

Bueno, resulta que estamos ante una historia de narcos y conspiraciones. De puñaladas traperas en la espalda, de un juego despiadado de caza/pesca y de inocencias turbias.

Fassbender interpreta a un abogadillo (del que nunca sabremos el nombre) que accede a subirse al pony del crimen de la mano de Reiner (Javier Bardem). Estamos hablando del narco “exitoso”, las grandes ligas. Gente que mueve millones y millones de dólares en operativos de distinta índole. Ahí está pringau también Westray (Brad Pitt).

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¿Qué pito tocan Cameron Díaz y Penélope? Pues Cameron es Malkina, cuyo nombre ya te dice que debe ser muy pendeja e hija de puta. Mala y maquinadora. Seh.  Malkina es la blondielover de Reiner.  Por su lado, Penélope es Laura, la ñoña de la película, novia del abogadillo, con cruz colgada en el coto y todo.

El abogadillo es codicioso, y aún gozando de un alto nivel de vida se involucra con esa gentuza estando comprometido en matrimonio con la ñoña de Laura.

Por una nefasta coincidencia, un negocio se va al chancho y el peligro revienta botando pus para todos lados.

ALERTA DE SPOILER: Cuando acordamos, el abogadillo, Reiner, Westray, Laurita Ingals, están con el dibujo de tiro al blanco en la frente. Los narcos creen que ellos se aliaron para robarles un cargamento de merca y todos tienen que morir.

Claro, como escarmiento puej. No es nomás venir a joder al Cartel.

Por mi parte, después de estar escuchando tanta chorizada de texto filosófico, solo deseaba que las muertes sean sangrientas, lentas y dolorosas. Porque lo que hace Cormac o…hmmm…sí, la culpa debe de ser de Ridley, lo que hace Ridley con su película es disparar sin sentido un montón de situaciones, no filtrar diálogos pelotudos y dejarnos con la incómoda sensación de que nos fuimos un poquito a la mierda. FIN DEL SPOILER

Porque en una época post-Breaking Bad, en un mundo en el que ya tenemos la magnífica Pulp Fiction, hacer una historia en la que de repente los narcos son los pensadores del siglo XXI, puede generar dudas.

Rubén Blades se lanza una catarata de frases que parecen ser escupidas por alguien que encontró a su mujer  en la cama con su familia inmediata y se ha tomado dos fardos de cerveza. Sí, cita a Machado y habla del ser y la nada, todo eso con una actuación pésima que provocaron en esta espectadora las ganas de agarrar un ladrillo meterlo dentro de un guante y darle unos buenos sopapos. ¿Por qué no te callas?

Los estereotipados personajes de Bardem y Pitt supuestamente no son niños de pecho, y cuando estalla el conflicto no hacen nada medianamente coherente. Pero eso sí, tienen tiempo de recitar versos a la pantalla que deben tener a Nietzsche pateando el cajón.

Mientras tanto, Penélope deambula por ahí con cara de niña asustada que sufre de algún problema digestivo.

Cameron Díaz construye un personaje al que no le ahorran ni tatuajes de manchitas felinas para que quede claro su naturaleza depredadora, tiene una escena que por disparatada, maldita y curiosa, hace que valga la pena ver el despropósito que supone la película en su conjunto. Anótense con marcador y estén atentos a la escena del auto y el bagre. Tan insólita como extrañamente sublime.

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Y así, todo se desliza en el precipicio de la nada absoluta, lo plástico y lo rimbombante al pedo.

McCarthy, a quien considero un escritor espectacular, escribe un guión plagado de textos rebuscados y a quien nadie le avisó que no era adecuado al lenguaje cinematográfico. Habrá quien los disfrute igual, porque no deja de ser Cormac McCarthy el autor y no dejan de lanzarse frases pendejas, pero en su resultado global pareciera que a Ridley le dio cosita decirle a don: “recortemos 70% de texto y quitemos todas estas escenas boludas”.

Porque sí, estamos ante un filme bipolar, por un lado tiene varias escenas absolutamente prescindibles: la del tipo en su casa antes de la escena de la moto, la del confesionario, algunas entre Reiner y Cameron, la voz de Cameron en el teléfono, la marcha de los desaparecidos, etc…pero no podemos negar que también tiene escenas inolvidables y de alta calidad: auto, bagre, motociclista y alambre, cordón mortal y Brad Pitt…

El The Counselor de Ridley Scott es un trabajo prácticamente inclasificable,  un desfile de caricaturas que se desvanecen en la ambición desmedida de esta producción que en conjunto acusa más sombras que luces.

Considero que aún a pesar de su barroquismo y excesos, hay chispazos de lo que pudo ser que hacen que valga la pena verla en el cine.

Una pena que esta mayonesa no cuajó.

Lo mejor: mucho pedigrí

Lo peor: mucho pedigrí pa tan triste resultado

La escena: Cameron Díaz y el auto (otra, otra, otra!!!)

Lo más falsete: Rubén Blades al teléfono. MATENLO.

El mensaje manifiesto: No todo lo que brilla es oro

El mensaje latente: Hasta los diamantes tienen imperfecciones

El consejo: Vale la pena verla, pero solo para aquellos que apreciarán la elegancia de Scott a pesar del resultado general.

El personaje entrañable: El auto amarillo y ver a Dean Norris como narco (Hank el de Breaking Bad)

El personaje emputante: los estereotipos narcos y las charlas boludas sobre las mujeres

El agradecimiento: Porque es una película que al salir los créditos te deja varias imágenes en la mente

CURIOSIDADES

–       El filme se desarrolla en en la frontera méxico-americana, pero fue filmado en España y Estados Unidos.

–       El personaje de Malkina era originalmente para Angelina Jolie, ella dejó el proyecto y el papel pasó a Cameron.

–       La película está dedicada a la memoria de Tony Scott, hermano de Riddley que se suicidó cuando se estaba filmando.  Ridley dejó la filmación una semana para acudir al entierro de su hermano.

–       Natalie Portman fue considerada para el rol de la ingenua Laura

–       Bradley Cooper y Jeremy Renner fueron contemplados para hacer de Reiner.

–       Comarc McCarthy estuvo en la filmación de The Counselor casi todos los días

–       Cormac tiene 80 años

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