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“Let’s put a smile on your face”
Por: Mónica Heinrich V.

Esperaba The Dark Night como una quinceañera espera su fiesta de 15 o como una virgen espera a su primer amante. Entre The Dark Knight y yo, existía algo previo a su estreno. Ese algo tenía nombre y apellido: Heath Ledger.

En esta misma columna ya he contado cómo conocí a Heath (fílmicamente hablando) y la conmoción que causó en esta fiel espectadora su muerte acaecida este año, por una sobredosis (dicen que accidental) de medicamentos prescritos.

La expectativa por ver lo que había creado con el Guasón era indescriptible. Había visto los trailers, había visto las fotos, me había parado estúpidamente frente al póster contemplando la espalda violeta de un Joker enfermizo.

Sí, pocas veces viví un estreno de una película comercial tan intensamente. Y en el fondo tenía miedo. Tenía miedo de que sea una cagada, que Nolan (director que admiro mucho) no haya sabido aprovechar un casting perfecto…

Pero no, Nolan nos regala una de las mejores películas que se han hecho de un súper héroe. Desde el principio te conectás con una trama que te lleva en un tren de emociones donde lo que parece un entretenimiento como cualquier otro, va sumergiéndose poco a poco en una cuestionante social y existencial sobre la naturaleza del ser humano.

Tenemos a Cristian Bale, interpretando a Bruce Wayne, el adinerado y atormentado hombre murciélago. A la luz pública finge ser un playboy despreocupado, acorde a su status social y a su nivel de vida, una vez se pone el disfraz de Batman, su mayor preocupación es la seguridad de los habitantes de Ciudad Gótica.

Hasta el momento, la cosa ha funcionado. Aliado junto al sargento Gordon (un siempre brillante Gary Oldman) Batman ha ido limpiado la ciudad de la mafia y la corrupción, siempre desde las tinieblas, siendo tácitamente cuestionado por el ciudadano de a pie que lo ve como un centinela, pero que lo juzga íntimamente por no apegarse a la ley y no hacer su labor a cara descubierta.

Ahí tenemos nuestro primer conflicto. Un conflicto entre lo que debe ser un héroe, lo que Batman es y lo que necesita ciudad Gótica.

La dinámica establecida entre los civiles y su anónimo benefactor es rota cuando aparece El Guasón (Heath Ledger), un sujeto del que nadie sabe nada, que viste y se maquilla como un decadente y lunático payaso, cuyo rostro está surcado de feas cicatrices y cuyos tics nos hacen ver que se trata de alguien que está más allá del bien y del mal. Un ser totalmente anárquico, como él mismo se autodeclara: “un agente del caos”, él es “como el perro que persigue los autos”, una vez “los alcanza, no tiene idea qué hacer con ellos”. Un outsider esquizofrénico cuyo objetivo no es la plata, ni la fama, ni siquiera la atención, su objetivo es jugar, orillar a los personajes al límite de lo imaginable. Para más señas: un villano absolutamente perfecto.

Debo confesar que ni bien Heath Ledger se asomó en la pantalla, lo reconocí al tiro, un leve vistazo a su espalda, aún inmerso entre una banda de criminales vestidos igual que él, me hizo agarrar fuertemente el brazo de mi acompañante y susurrar: “Es él”.

El Guasón roba una importante suma de dinero que pertenece a la mafia, la policía de Ciudad Gótica intenta decomisar el dinero restante de algunos bancos específicos, pero uno de los contadores de los maleantes se adelanta y agarra toda la plata para ponerla en un lugar seguro. A todo esto se está haciendo un juicio, precisamente para terminar de limpiar las calles de esta gentuza, responsabilidad asumida por los abogados Harvey Dent (Aaron Eckhart) y Rachel (Maggie Gyllenhall), papel que en Batman Begins interpretó la insípida boca torcida de Katie Holmes, que gracias a su maridito (Tom Cruise) tuvo que abandonar.

Recordemos que Rachel era el objeto amoroso de Batman en la primera entrega que dirige Nolan, aquí la mujer ha decidido continuar su vida ante la imposibilidad de establecerse con alguien como Bruce Wayne, por lo difícil que sería casarse y tener hijos con un súperhéroe que se debe a otros, antes que la familia. Entonces anda liada con Harvey Dent.

Otro conflicto se presenta: Harvey Dent parece ser el héroe que Ciudad Gótica necesita, y ante esa realidad nuestro Batman se encuentra partido entre el alivio y los celos que le despierta que un hombre al que él considera realmente un buen tipo, se quede con su chica.

El Guasón entra en acción para “atrapar” a Batman, confrontarlo contra la corrupción que habita en su interior e intentar jalarlo hacia su lado, al lado donde reina la oscuridad, las sombras en que su sonrisa llena de cicatrices y maquillaje, se agita.

Esto es lo que hace el guión poderoso. La relación que existe entre Batman y el Guasón como dos opuestos, que al decir del mismo Guasón se complementan. Mientras el villano de la sonrisa eterna no conoce límites y espera lo peor del ser humano, Batman no está dispuesto a traspasar la línea que se ha trazado como límite moral. Mientras Batman a pesar de vivir una doble vida, posee una personalidad definida, el Guasón tiene una personalidad totalmente fracturada, en que su perverso sentido del humor se mezcla con la crueldad y una inteligencia (a ojos vista) superior al promedio.

La película tiene muchos giros, algunos bastantes evidentes y esperados, pero no por eso menos disfrutados. Aunque hay bastantes cabos sueltos en torno a la resolución de muchos de los conflictos planteados, el global de este filme hace que olvidemos y perdonemos cualquier pequeño desliz a nivel de guión o de argumento.

A nivel artístico y técnico, es una película grandiosa. Muy buenos efectos especiales, espectaculares escenas de acción, pocas veces me ha tocado ver un filme que a sala llena despierte tantos sobresaltos, tantas exhalaciones, tantas exclamaciones de asombro. Y lo mejor es que estas escenas que te dejan con la boca abierta, se suceden una detrás de otra, no es UNA que te apantalle y ya estuvo. No. Hay como 6 o 7 escenas que fácilmente se pueden convertir en escenas de culto.

El guión fue escrito por los hermanos Nolan (Jonathan y Cristopher), y creo que la mano de Jonathan fue la mano que faltó en Batman Begins (no participó en el guión), que si bien no fue una mala película, está a años luz de lo que ambos hermanos han conseguido lograr con esta nueva entrega.

La música y el sonido acompañan de una manera simbiótica todo lo que las imágenes arrojan, como dato aparte Hans Zimmer el que se encargó de musicalizar el filme, tuvo un shock tan grande cuando se enteró de la muerte de Heath Ledger que pensó en reescribir toda la música que tenía ya lista para las escenas en las que el Guasón aparece. Después de sopesarlo, se dijo que lo que Heath merecía era precisamente mantener la onda oscura y retorcida del papel, y no edulcorar al personaje como un mal homenaje al actor. Es así que la música se mantuvo tal cual llega hoy a nuestros oídos.

Cristian Bale convence en su papel del súper héroe más humano que se ha visto hasta el momento. Algunas veces no me gustaba mucho la impostación de su voz cuando personifica a Batman, pero lo dicho, TODO se perdona. Aaron Eckhart a quien había visto antes en papeles menos complicados como en Thanx For no Smoking o en Sin reservas, cumple a cabalidad con un personaje que sufre una transformación radical, y
que en el pasado interpretó Tommy Lee Jones en Batman For Ever. Maggie Gyllenhall no desentona como la codiciada Rachel, Morgan Freeman convence como Lucius Fox gerente de las Empresas Wayne y el siempre solvente Michael Caine se apodera del papel del famoso Alfred, el mayordomo de Batman.

Sin embargo, lo que eleva a esta película por encima de cualquiera que haya salido en los últimos años, es Heath Ledger. Podría escribir eternamente sobre la grandiosa y sobrenatural interpretación que consigue, baste decir que en el momento que lo vi haciendo su primera gracia en pantalla, estuve a punto de echarme a llorar. No podía creer que hubiéramos perdido irremediablemente un talento como el de este tipo. Es sencillamente una tragedia.

Después de casi tres horas de estar con el ojo pelado, en que casi ni siquiera pude comer ni tomar nada de la pura emoción, la película terminó. La gente emitió un tibio aplauso, justa recompensa a una película realmente impresionante. Me quedé sentada en mi butaca, esperando el in memorian que sabía tenía que llegar al final. Pasaron los créditos, la gente se paró para irse, algunas espaldas me tapaban, pero yo seguía invadida de una tibia melancolía…finalmente apareció: “In memory of our friends Heath Ledger & Conway Wickliffe“, Conway Wickliffe era un técnico de 41 años que murió mientras ensayaba la escena de la persecución que realiza el batimóvil casi al final.

Y así concluyó El caballero oscuro…pero el romance entre esta película y yo, no termina. Ya hay una lista de espera de conocidos a los que me les he sumado, para verla de nuevo, por lo menos unas 3 veces más.

Y es que si existe un paraíso de villanos, El Guasón seguramente tiene su entrada garantizada. Mientras tanto, tocará incluir a Heath Ledger en nuestras oraciones diarias…junto a Stanley Kubrick, Kurt Kobain y otros, no quedará más que juntar nuestras manos y susurrar: Heath nuestro que estás en los cielos…

Lo mejor: Heath Ledger, con una caracterización fuera de este mundoLo peor: algunos cabitos sueltos, pero perdonable en base al resultado global.La escena: la del hospital, las veces que el guasón comenta el origen de su cicatriz, la del vuelco del bus. Hay hartas escenangas.Lo más falsete: nadaEl mensaje manifiesto: No todos somos corruptosEl mensaje latente: No todos somos corruptos, pero la mayoría síEl consejo: Tenés que verla no 1, ni 2 veces…todas las que podás.La pregunta: ¿Por qué nos dejaste Heath?

CURIOSIDADES
– Cuando le preguntaron «¿Por qué Heath Ledger es el Joker?», Christopher Nolan dijo: «Porque es valiente».
– La imagen original (la del cómic) de el Guasón está directamente inspirada en la versión cinematográfica de «El Hombre que Ríe» (Paul Leni) basado en la novela homónima de Víctor Hugo.
– Se pensó en Paul Bettany, Adrien Brody y Lachy Hulme para el papel de El Joker
– Se le ofreció a Matt Damon el papel de Harvey Dent
– «Heath lo creó de forma totalmente original. Es sensacional, cautivador y va a impresionar a la gente», dijo Nolan, quien fue más allá en la descripción del Joker, tal y como lo concibió Ledger: «Un anarquista punk sacado de ‘La Naranja Mecánica’ (1971)».
– Kim Ledger y su esposa Inés, la madrastra de Heath Ledger, pasearon por la alfombra roja para ver el último trabajo de su hijo, «El caballero oscuro», en la que dio vida al malvado Joker. También acudieron su madre, el marido de ésta, y la hermana mayor de Ledger, Kate.
– Según revela una información publicada por ‘Deadline Hollywood Daily’ recogida por otr/press, algunos analistas consideran que la película podría alcanzar sin problemas los 130 millones de dólares, una cifra que, de confirmarse, convertiría a ‘El Caballero Oscuro’ en el tercer mejor debut de la historia del cine en un fin de semana, tras ‘SpiderMan 3’, que recaudó más de 151,1 millones de dólares, y la segunda parte de ‘Piratas del Caribe’, que logró superar los 131 millones en la taquilla estadounidense en su primer fin de semana.

Sin duda, la gran tragedia de Shyamalan fue hacerse conocido en el mercado cinematográfico con un filme de la calidad de Sexto Sentido. A partir de ahí, nuestro hombre ha tratado de sorprendernos una y otra vez con rocambolescas historias, que generalmente intentan dar el “giro” que hizo de Sexto Sentido, una pequeña obrita de arte.

Pero adivinen qué, Shyamalan no es Hitchcock (uno de sus máximos referentes). Después de Sexto Sentido, este director indio que en su adolescencia hizo más de 45 películas caseras, no ha conseguido darnos nada que nos haga patalear de gusto.

Se puede creer que Sexto Sentido es su ópera prima porque fue con la que se hizo notar, pero el filme protagonizado por Bruce Willis fue su tercer largometraje, después que en 1992 lanzara Praying with anger y en 1998 Wide Awake.

Hasta ese momento, la filmografía de este curioso cineasta se caracterizaba por ser mucho más sosa y simple. Cuando el éxito llegó junto a Sexto Sentido en 1999, nuestro muchacho, parece que pensó: “He ahí la fórmula”, y se lanzó de lleno a darle duro y parejo a los temas “raros”, personajes “raros”, finales “raros”, y un tedioso etcétera.

A mí me encantó Sexto Sentido, hice una cola que llegaba hasta la Junín en el desaparecido Cine Palace, y salí extasiada. Amén de algunos cabos sueltos, la película fue una sorpresa y una experiencia gratificante. Eso hizo que me uniera alegremente al club de crispines que esperaban con ansias lo que Shyamalan iba a hacer después.

Fue así que llegó Unbreakable, película protagonizada por Bruce Willis y Samuel L. Jackson. El filme no era malo, pero no llenó las expectativas de NADIES. Y para qué mentir, su final me dejó con ganas de poner una bomba en su jardín. En esa época me expliqué pacientemente, que la culpa no la tenía Shyamalan, no. Que la culpa la tenía la gente. Y sobre todo los crispines como yo, que habíamos orillado a ese pobre hombre a hacer cosas demasiado tiradas de los pelos.

Me tranquilicé, bajo el proverbio turco de La paciencia es la llave del paraíso. Entonces esperé pacientemente mi Edén.

Y vino Señales. Quiero decir algo antes, algo que me redima de lo que estoy a punto de escribir. Odio a Mel Gibson. No sé porqué, simplemente lo detesto. Veo sus películas (las que dirige y las que protagoniza), porque no me queda otra. Señales, protagonizada por Mel Gibson tuvo buena acogida por parte de la crítica, pero a mí no me encantó tampoco, me entretuvo medianamente, aunque todas esas pajas mentales de creencias religiosas mezcladas con extraterrestres malos, no me resultó muy buena idea. Lo que me hizo verla con relativo placer fue la presencia de Joaquín Phoenix a quien considero un gran actor.

Al tiempito Shyamalan volvería con La Aldea, cuya temática central me pareció interesantísima, contó con grandes actores en su reparto, una hermosa fotografía y un toquecito de ambiente enrarecido, cabal y oportuno. El problema fue, que al igual que todo lo que ha hecho Shyamalan después de Sexto Sentido, su resolución no llega a redondear un producto que pudo tener un mejor destino.

Con eso llegamos a La dama del agua. EL HORROR!!! No podía creerlo, era capaz de pedir la eutanasia cuando estaba dentro de esa sala de cine y mi asiento quedaba en medio de un bollo de crispines. Terminada la película, mi acompañante y yo nos miramos profundamente consternados.

Este 2008, Shyamalan regresa después de 2 años de silencio. Había leído por ahí que el guión de esta película se lo rechazó Sancho, Pedro y Martín. Que le dijeron: “No, señorito. Esos despelotes en este estudio, no”. “Tenés que cambiar esto, y aquello, y estito más”, y que anduvo como gallina sin huato, hasta que en una epifanía redefinió su argumento y creó The Happening, o en español El fin de los tiempos.

La película empieza en Central Park, después de una leve brisa, la gente se queda estática, repite oraciones y da inicio un suicidio en cadena, donde la escena más brillante es la que ocurre en el edificio con los albañiles. Bonito, para qué. En ese momento dejé mi pipoca a un costado y le susurré a mi acompañante: “Vamos a ver cómo sale el “dire” de este chiverío”.

Luego aparece el protagonista Mark Whalberg que sigue dejando atrás su imagen de modelo de calzoncillos Calvin Klein e interpreta a un profesor de ciencias, que ya en la primera escena, si no estás opeando, nos da la conclusión de la película.

Bueno, que cunde el pánico en Nueva York y la gente comienza a huir de algo que hasta ese momento parece un “ataque terrorista”, guiñito a la paranoia americana …Mark que está casado con una tipa insoportable, o por lo menos, así la sentí yo (casi toda la película se la pasa con sus ojos azules brotados), huye también junto a la individua esta y la hija pequeña de un colega suyo, que otra vez en nombre del amor encarna al personaje boludo que regresa a buscar a su pareja a un lugar donde lo espera una muerte segura.

En realidad toda la película es eso, esta tropa de crispines huyendo del viento y de las plantas, para ser más exactos. Hay algunas escenitas bien logradas, el argumento no está mal, pero para variar la caga a la salida. Además los protagonistas son seres con los que nunca llegás a empatizar, la niña, por ejemplo, que es un recurso harto conocido para que la platea se ponga más nerviosa, tiene menos gracia que García Lineras bailando lambada.

El final llega, cuando vos ya sabés el final, y es coronado con algunos clichés típicos de novela mexicana. En general, El fin de los tiempos, se deja ver. Supuestamente es una filosófica mirada a nuestra existencia en el planeta tierra, lo mezquinos que hemos sido y la frase que podría resumir todo: “El que la hace, la paga”. Pero en realidad, la película se diluye porque prácticamente ofrece lo mejor en sus primeros 20 minutos y lo demás es una caída en picada, que cuando comienzan a aparecer los créditos, vos ya llevás media hora pensando melancólicamente en el momento que al fin podás ver “BATMAN, The dark Knight”. Sí. No aguanto más. NO AGUANTO MÁS! 8 de julio, por favor, llegá!

CURIOSIDADES
La película fue filmada casi en su totalidad en las ciudades de Philadelphia, Pennsylvania, en los Estados Unidos.
Shyamalan repite como guionista, productor y director, siguiendo la estela de sus trabajos anteriores y manteniendo así el control de todos los aspectos el proyecto.

Shyamalan se ha ajustado a un relativamente modesto presupuesto de 57 millones de dólares. Los grandes estudios le han retirado relativamente la confianza después de que no cumpliera las expectativas comerciales.

La idea para El final de los tiempos se le ocurrió a Shyamalan mientras conducía através de la campiña del estado de Nueva Jersey, viendo pasar velozmente a través del parabrisas un frondoso y verde mundo. «Iba de camino a Nueva York», recuerda, «era un día precioso y los árboles sobresalían en la autopista, cuando de repente me dije a mí mismo: ‘¿Qué ocurriría si la naturaleza se volviera un día contra nosotros?'».

Lo mejor: Los primeros 20 minutos
Lo peor: Se diluye del todo. Y nunca llegás a conectarte con los protagonistas.
La escena: La de los albañiles. La escena de la lluvia de suicidas. Y la del tráfico y la pistola que recogen unos detrás de otros.
Lo más falsete: La explicación, la historia de amor cursi y pelotuda
El mensaje manifiesto: No jodamos a las plantas.
El mensaje latente: El hombre se ha ganau solito todos los desastres naturales
El consejo: Oí Shyamalan, sería bueno que empecés a pensar en gente ajena a vos para los guiones.
La pregunta: ¿Oí Shyamalan, no tenés amigos guionistas?

«LA CHOCHERA»

Si hay alguien que atesora su infancia, esa persona soy yo. Así que en parte comprendo la expectativa y los resultados que ha tenido la nueva entrega de Indiana Jones.

Lo malo? Que nunca vi Indiana Jones y , por lo tanto, no sufro de ese mal que agita las taquillas mundiales, un mal conocido como “melancolitis”, por cuya causa se le está dando cobertura y aceptación a una película mala, muy mala.

En primer lugar, creo que ya era tiempo de darle su descanso a Harrison Ford, que con sus 65 años, al pobre da fatiga verlo en esos trotes, siempre con miedo de que “Indy” se nos descalabre, no en las escenas en que evidentemente han usado un doble, sino en general.

El hecho de que la más reciente película de Steven Spielberg se abra con un topo (o era ardilla?) en primer plano, era suficiente para saber a qué atenernos. Luego nos muestran a “Indy” que fue tomado como rehén para ayudar a unos rusos (Welcome Back amenaza comunista), a encontrar una cuestión cuyo paradero era conocido sólo por nuestro intrépido pero avejentado Indiana Jones. Ahí aparece la villana, Cate Blanchet, desperdiciándose por completo a una actriz cuyo peso escénico ha marcado la diferencia en otras producciones.

Nada, que de ahí pa´l frente seremos testigos de situaciones cursis, dizque aventuras por doquier, entretenimiento edulcorado y claro, unas salvadas de vida del protagonista más falsas que muela de palo.

El guión es una incongruencia total, y no me cabe la menor duda que la culpa de todo la tiene el cachetón de George Lucas, que dicen fue el que no aprobó el que hizo Frank Darabont, luego pasó a manos de otro crispín y finalmente se escogió al pelmazo de David Koepp, para continuar lo que las manitos de los otros ya habían trabajado.

El resultado? Un híbrido sin pies ni cabeza, que termina de una manera tan pelotuda que sólo te podés preguntar de cuál se fumaron.

A ver, del gordo Lucas hay que decir que su primera trilogía Starwarense fue muy buena, y de la bazofia que filmó después sólo se salva el Episodio Final, entonces cuando supe que este crispín iba a meter su nariz en el guión de esta entrega de Indiana Jones, no esperé mucho. Ya sé que el gordo y Steven han trabajado siempre juntos, pero una cosa es la lucidez de la juventud, y sobre todo el buen gusto, y otra lo que hace Lucas, que con su saga de Star Wars parece estar más allá del bien y del mal, pero que en la práctica no hizo nada más relevante como director.

Volviendo a Indiana Jones. No puedo compararla con las otras entregas porque no he visto ninguna, así solita, me parece hasta una falta de respeto poner semejante cosa mal hecha, si fuera fan de Indiana Jones pensaría seriamente en medidas más drásticas, pero como no lo soy, me lamento como público común y corriente.

La historia-argumento-sinopsis, tiene que ver con que Indiana Jones ya tiene sus añitos encima, trabaja como profesor, y lleva una vida relativamente normal. Eso hasta que los soviéticos se lo llevan. Cuando consigue zafar de esa, aparece el chico que actúa en Transformers y le muestra una carta de su madre (la del chico) que se encuentra presa por no sé quiénes y que un gran amigo de Indiana Jones está también por el Amazonas y que hay que ir a rescatar a todo el mundo, resolver un misterio y vivir la vida loca. Ya en el Amazonas, todo parte de una calavera de cristal (de ahí el título) y es donde la película se termina de ir a la mierda, y donde se ve a las claras el cariño, o el trabajo que se le puso al guión. Un guión donde confunden todo el tiempo las tradiciones y la cultura del Perú con las de México, y donde incluso se atreven a decir que Pancho Villa hablaba quechua. Sin comentarios. Lo que sigue después de semejante despropósito, no nos agarra sombreándonos porque ya hemos cachado cómo viene la mano.

Entonces, aparte de la sonrisa que se nos dibuja en la cara al ver a Indiana Jones vivir tan tórridas aventuras, nos queda el pesar de haber perdido 2 horas de nuestras vidas viendo una película totalmente prescindible.

No hay que negar que la película tenga cierta dosis de entretenimiento, que hayan tratado de conservar la imagen, el estilo y la forma de hacer películas de los 80s, que encima se dieron el trabajo de traer a varios de los “viejos conocidos” para participar en esta entrega, pero nada de eso consigue salvar este naufragio. Puedo entretenerme, pero también me entretengo viendo jugar a mis tres perros y eso no tiene nada de edificante, aunque suele ser más terapéutico.

Con respecto al “aire de los 80s”. A ver, una cosa es una adaptación a una época y otra cosa es que la parte “técnica” o al manejo de la historia, haya querido igualar a cómo se veían las películas antes. Ni siquiera Tarantino ha salido bien librado con Grindhouse y eso ya es decir mucho. Me parece que las películas de las 80s se hicieron de acuerdo a la técnica de su época, y no entiendo ese afán de filmar “como entonces”, si el público actual no es el público ochentero, incluso los que vivieron infancia o juventud por esos años ya no son los mismos.

Es por eso que La Calavera de Cristal, no consigue conectarnos con unos personajes artificiales, unos diálogos más cursis que Palito Ortega cantando La Felicidad desde un globo rosado y un lamentable argumento.

Sobre Spielberg como director, a ver…Spielberg es Spielberg. Tiene muy buenos planos, muy buenos efectos especiales, magnificidad por doquier, pero nada más. Uno de los trabajos más lamentables que he visto de este señor. Como para quedar rojo de la vergüenza hasta el 2010.

Obvio que no te la recomiendo de ninguna manera. Habrá quienes la encuentren encantadora, porque rescata a Indiana Jones del olvido, o porque cuenta una historia “ingenua” como las de antes, o porque conserva la magia de sus predecesoras, que según he leído eran ricas en fantasía, aventuras y otros, pero para mí es sólo un héroe más caído en desgracia.

Lo mejor: medianamente entretenida.

«DIAS TERRIBLES»
Por: Mónica Heinrich V.

Siempre he sentido particular curiosidad por los asesinos, más aún si son seriales o masivos. Lo mío, sin embargo, no obedece al morboso interés de enviarle cartas a los que están cumpliendo su pena en prisión, o de comprar a través de Internet los legados macabros que otros, igual de macabros seres, subastan al público. No, mucho menos tendría una fantasía amorosa que me haga declarar: “Dylan, quiero tener tus hijos”, escrito en una web por una adolescente, haciendo referencia a Dylan Klebold (uno de los autores de la masacre de Colombine).

Lo que siento es una curiosidad y perturbación de orden científico-existencial, encabezada por las siguientes preguntas: ¿Cómo alguien puede quitarle la vida a otro ser humano deliberadamente? ¿Cómo alguien puede infringirle sufrimiento a otra persona, por el sólo placer de verla sufrir? ¿Cómo alguien puede encontrar solaz y satisfacción en el hecho de apretar el gatillo?.

La psicología ha dado muchas respuestas. De hecho la mayor parte de los asesinos más “famosos” de la historia tenían un historial plagado de problemas mentales, ambientes familiares disfuncionales y claro, una personalidad que fue deteriorándose al pasar los años, a vista y paciencia de familiares, vecinos, amigos, conocidos.

Este 2008, por ejemplo, ha sido sacudido, con tiroteos varios ocurridos en los primeros meses del año en USA. Algo que alcanzó su punto culminante con la masacre de Virginia Tech, protagonizada por un cabreado Cho Seung-hui.

Cho, de 23 años, se llevó consigo a la tumba a 33 personas. Para los que, como yo, seguían el caso hipnotizados, Cho dejó 27 videos junto con un manifiesto escrito de unas 1800 palabras. Una de sus citas textuales es: «¿Saben qué se siente al ser humillado y empalado en una cruz?¿Y dejado desangrar hasta la muerte para su diversión? Nunca han sentido ni una simple onza de pánico en sus vidas […]»

Si leyeron hasta aquí, no se han equivocado de reseña…sigo hablando de No es país para viejos. El caso es que en los tiempos que corren, da la impresión de que cada día hay más gente enferma y perturbada, cansada de vivir, agobiada por la soledad contemporánea de una sociedad individualista a la que no le importa más que el bien propio.

Los hermanos Coen parten de ese bello título que lo dice todo: “No es país para viejos” y sitúa la acción en plena frontera de Texas, a principios de los 80s. En un paraje donde se respira la paz que antecede a una tormenta, Llewelyn Moss encuentra un escenario sangriento.

Al calor de un enfrentamiento entre narcos, la cocaína y los 2 millones de dólares que se iban a intercambiar quedaron sin “dueño”.

Llewelyn, que se dedica a la caza, inspecciona el lugar y decide tomar la maleta con el dinero. Lo que comienza como una “avivada” de su parte, termina como una “boludez”. El bruto que se hace con la plata, regresa a la escena al día siguiente, y claro…ahí ya están los verdaderos “dueños” buscando su dinero y su cocaína. En ese punto se empieza a desarrollar una persecución en la que el gato juega al ratón y viceversa.

Paralelamente vemos a un casi retirado Tommy Lee Jones interpretar al sheriff Bell. Un sheriff que ya las ha visto todas, y que siente que su trabajo se ha vuelto cada vez más difícil, porque las cosas han cambiado tanto desde que él era niño, que casi no reconoce su ciudad.

En medio de todo, surge el personaje inmortalizado ya, por Javier Bardem. Anton Chigurh es un asesino serial despiadado, cínico, plano afectivamente, sagaz y terriblemente perturbado. Acompañado por algo que no sé si es un tanque de aire comprimido, o qué!, pero que resulta ser el arma homicida más tenebrosa que he visto en la vida, Antón se echará al plato varios muertitos.
Estos tres personajes se mezclan por azar, y comparten un mismo fin aunque distintos motivos. Aparece fugazmente Woody Harrelson, interpretando a un detective que conoce al dedillo a Antón, y que precisamente sabe que con ese pendejo, no se juega.

Durante casi dos horas seguimos la historia espantados y, sí, algo emputados. Porque si bien el argumento es fuerte, profundo y rico en apreciaciones, existen cabos sueltos que le hacen perder validez…cosa que me hizo pensar en conseguir el teléfono de los Coen y putearlos hasta desmayarme.

Aún así, el final duro, emotivo y abierto a todas las interpretaciones, rescata la película y te deja con una sensación asquerosa. No tanta como la de Petróleo Sangriento (la de Daniel day Lewis), pero sí lo suficiente como para pensar en el personaje de Bardem durante muchos días y plantearte qué carajos significa el sueño del sheriff Bell, entre otras cosas.

No es país para viejos, derrama melancolía…una melancolía que nos lleva a los 80s, como si a partir de entonces todas las quimeras hayan desparecido y lo que en su momento fueron sueños de grandeza, haya dado paso a un mundo donde no existen héroes ni villanos, simplemente desolación.

Actuaciones soberbias dan vida a todos los personajes, que incluso en las más absurdas situaciones y con escenas que para el espectador son como una hoja en blanco a medio escribir, consiguen rescatar lo insalvable. Bardem convierte a su asesino en uno de los más memorables del cine. El Oscar que se llevó este año es una deuda que la academia tenía pendiente desde el parapléjico de Mar Adentro e incluso desde su espectacular interpretación de Reinaldo Arenas en Antes que anochezca. Tommy Lee Jones con su mirada diáfana, dolorida y resignada del sheriff Bell, es una oda a la sobriedad.

Con una fotografía exquisita, que maneja los ritmos del argumento y una banda sonora inteligente, que resuena y guarda silencio en los momentos justos, la última película de los Coen no decepciona. Pero no decepciona, porque nosotros los niños de ayer, los jóvenes de hoy y los viejos de mañana, sabemos, tenemos conciencia de que estos días no son como los de antes.

Quizás el hecho de que la acción se sitúe en Texas, lugar de origen del bellaco de George W. Bush, y que el argumento giro en torno a la inmoralidad y la arbitrariedad para llevar a cabo actos barbáricos, no sea tan fortuito.

Lo mejor: Brillantes actuaciones y una temática impactante
Lo peor: Cabos sueltos y que nos ven la cara de borregos con algunas cosas
La escena: La de la moneda en la tienda
Lo más falsete: La muerte de cierto personaje importante
El mensaje manifiesto: “No hay absolución posible para el hombre”
El mensaje latente: Antes no estábamos tan jodidos
El consejo: Paciencia
La pregunta: ¿Cuán tardaron en elucubrar el sueño de Jones?
La web: http://www.nocountrymovie.com/
http://www.nocountryforoldmen.co.uk/intl/es/

CURIOSIDADES

· Javier Bardem y su frase «Call it, friendo» (Tú decides, amigo), que pronuncia en No country for and old men fue designada ayer como la más influyente del cine de 2007 en la cultura estadounidense.
· El título de la película está sacado del poema de W.B. Yeat, «Sailing to Byzantium»
· La película está basada en la novela homónima de Cormac McCarthy, considerado como uno de los cuatro mayores novelistas americano
s de su tiempo, junto a Thomas Pynchon, Don DeLillo y Philip Roth.
· La película es dirigida por Joel y Etha Coen, primera vez que ambos aparecen en los créditos como directores. En la industria se les conoce por el apodo de «el director bicéfalo» (the two-headed director). Muchos actores que han trabajado con ellos cuentan la anécdota de que al estar tan compenetrados, al hacer una pregunta, sobre el guión o sus personajes a cada uno de ellos, reciben exactamente la misma respuesta de cada hermano.
· Bardem dijo que basó su personaje de asesino serial en el presidente americano George W. Bush.