Lo que sorprende de Brooklyn es que en esencia no es una película romántica, por mucho que el poster choto nos quiera convencer de lo contrario.
O, por lo menos, a mí no me lo pareció.
Saoirse Ronan (The Atonment, Hannah, La huésped) nos prueba su valía como actriz nuevamente y encarna a la dulce e inocente Eilis Lacey.
Ese es el mayor acierto del filme dirigido por John Crowley.
Crowley cuya carrera con títulos como Boy a, Circuito Cerrado, Intermission, y otras, ha sido más bien discreta, tiene en Ronan a su mejor aliada para levantar un guión lindo pero poco memorable.
La película se basa en el libro homónimo del novelista irlandés Colm Tóibín y sigue la vida de la joven Eilis que en los 50s tiene que emigrar desde Irlanda a Estados Unidos.
En su tierra natal deja a su madre, a su hermana y a una vida apacible, sin sorpresas, con un futuro probablemente predecible. En América aprende a valerse por sí sola, a madurar y a tomar decisiones. Sí, también se enamora de un chico de origen italiano Tony. Sí. Pero el relato apunta más a las búsquedas y descubrimientos de una joven que está decidiendo qué hacer con el curso de su vida.
El punto de giro vendrá cuando ya acomodada en tierras gringas su hermana mayor muera y deje a la madre sin ningún otro familiar en la lejana Irlanda.
SPOILEREilis decide regresar, pero se casa con Tony antes de partir para darle la seguridad de que regresará. Una vez en Irlanda, Brooklyn comienza a verse como algo borroso y ajeno, y poco a poco Eilis se involucra más en su pueblo. Vuelve a su círculo de amigos, consigue un trabajo e incluso comienza a salir con un joven mientras guarda el secreto de que es una mujer casada.
Pero el pueblo que dejó sigue siendo el pueblo que dejó. Un chisme desatará su decisión de finalmente volver a Estados Unidos.
La esencia de la historia, repito, no es la elección entre fulanito y perenganito, como se puede caer en la tentación de interpretar, sino es una elección entre dos mundos, una elección de cómo vivir.
En el libro, Eilis se besuquea con Jim Farrel (para más señas: EL OTRO) pero sin que esto sea algo que tome muy en serio, es una experiencia más, una vivencia más. De hecho, su matrimonio también es más bien visto como una suerte de consecuencia o de algo que tiene que suceder. SPOILER FINAL
El guión de Nick Hornby (novelista famoso por Alta Fidelidad y About a Boy) se vuelve algo condescendiente y explica demasiado las situaciones consiguiendo que algunos sectores de la platea perciban a Brooklyn como una historia de amor y nada más.
La película se ve con simpatía, en parte gracias a la colorida fotografía del canadiense Yves Bélanger (Wild, Lawrence Anyways) como a la preciosa adaptación de la época y el uso de una paleta de colores verdes/rojos en arte y vestuario. Sí, la fotografía, el arte y el vestuario hicieron muy agradable el visionado de este filme.
Y claro, es Saoirse/Eilis la que brilla con luz propia, a su alrededor, la hermana (Fiona Glascott), la madre, el cura (Jim Broadbent) y principalmente la doñita (magnífica Julie Walters) que la recibe en Brooklyn tienen unas actuaciones muy muy buenas, no puedo decir lo mismo de los acompañantes masculinos, sobre todo de Tony (Emory Cohen).
Así las cosas, no le perdono el final, ese final que en la novela es sutil, desenfadado y abierto. Tanto Hornby como Crowley echan tierra a un gran final por un final de masas. Ese que reduce Brooklyn a un abrazo tonto y cursi, mientras nuestra Eilis quería años, años de más mundo que descubrir, de más cosas por vivir.
Mónica Heinrich V.
Lo mejor:visualmente hermosa y con una actriz protagónica de lujoLo peor: en general, poco memorable y se pone más melosa en los últimos 20 minutos La escena: la conversación con la vieja chismosa Lo más falsete: que todo se reduzca a fulanito o perenganito El mensaje manifiesto:la vida es una sola El mensaje latente:hay un mundo por descubrir El consejo:para verla una linda tarde acompañada de un buen vaso de limonada El personaje entrañable: Eilis El personaje emputante: Nich Hornby por ese final choto El agradecimiento:lindo vestuario y arte.
OSCAR 2016
Mejor Actriz: Es la única actriz que si le ganara el Oscar a Brie Larsson, no me jodería. Saoirse está exquisita en Brooklyn.
Mejor Película: Nop. No hay por dónde.
Mejor Guión Adaptado: Hmmmmmmm…no creo. Prefiero Room.
EXTRAS
La novela para que la puedan leer en PDF y en EPU:
PDF: Brooklyn – Colm
CURIOSIDADES
Se filmó durante tres semanas en Irlanda y cuatro semanas en Canadá. Solo se filmó dos días en Nueva York.
Crowley separó la película en tres momentos visuales: 1) cuando Eilis vive en la Irlanda de la postguerra, 2) cuando llega a Brooklyn y 3) cuando vuelve a Irlanda.
Saoirse nació en el Bronx pero fue criada en Irlanda, por padres irlandeses.
Rooney Mara fue pensada para el proyecto, porque vieron que Saoirse era muy joven. Mara postergó por motivos de agenda, y pasó el tiempo suficiente para que Saoirse se vea un poco más adulta para los productores y decidieran que ella tenía el papel.
Las escenas de Brooklyn se filmaron en Montreal por razones de presupuesto.
En su vida privada Saoirse tiene acento de la zona de Dublin, mientras que en la película el acento es de Wexford.
Saoirse quiso quedarse con el traje de baño verde que usa en la película.
Spotlight es de esas películas cuya relevancia está más en lo que dice que en cómo lo dice. No veremos algo fuera de lo común, no veremos un filme de esos que no se olvidan, no será una experiencia que a nivel cinematográfico sea extraordinaria, pero sí, es importante.
El director Thomas McCarthy tiene un currículum irregular, de hecho es curioso que el año pasado haya escrito, dirigido y producido otra pésima película de Adam Sandler llamada The Cobbler. Así es, el tipo con una película nominada a los premios Oscar tiene otra (el mismo año) que apenas alcanza el 8% de aprobación en el Rotten Tomatoes.
Podría escribir los párrafos más tristes esta noche, pero como dicen los colombianos: me da mamera y acá estamos para hablar de Spotlight, no para hablar de Sandler.
Basado en hechos reales, el filme se introduce en la redacción del Boston Globe, más concretamente en su sección Spotlight dedicada a reportajes especiales de investigación. En julio del 2001, el periódico contrata a Marty Baron (Liev Schriever) como editor, Baron de entrada pone el gallinero en orden, decide sacudir el tablero y que los periodistas de Spotlight trabajen sobre una pequeña nota en la que un abogado afirmaba que el Cardenal Law (Arzobispo de Boston) estaba al corriente del caso de abuso sexual perpetrado por uno de sus sacerdotes y NO hizo nada al respecto.
La idea era compleja: desentrañar los secretos de la Iglesia Católica respecto al abuso sexual en Boston y no quedarse con los nombres de los abusadores, sino llegar hasta el tope de la pirámide de poder que sabía o no sabía de esa situación.
Walter»Robby» Robbinson (Michael Keaton) es el líder del equipo, y junto con Resendez (Mark Ruffalo), Sacha (Rachel McAdams), Matt (Bryan Darce James) y Ben (John Slattery) entrevistarán a víctimas, abogados, sacerdotes buscando la esquiva y asquerosa verdad.
Josh Singer es el guionista. Guionista cuya experiencia, a excepción del mediocre filme El Quinto Poder, es netamente televisiva. A sus manitos les pertenecen créditos como Fringe, La ley y el Orden, Lie to me y The West Wing.
Puede que a eso se deba un aire televisivo, con una narrativa que se antoja hasta retro, no sé. Igual, dentro de todo lo convencional que es la propuesta tanto de dirección como de guión, Spotlight quiere defenderse bajo el argumento de retrato casi docu-ficción al que no se le encuentran muchas fisuras en cuanto a argumento.
La primera parte de la película se desarrolla morosamente, con parsimonia y algo de tedio. En la segunda es donde podemos sentir un poco la adrenalina del oficio periodístico y la enormidad de lo que Spotlight estaba descubriendo.
Unas solventes actuaciones del cast, logran que una película correcta y sin sorpresas, avance un poco más allá. La fotografía austera de Masanobu Takayanagi (Silver Linings Playbook, The Grey, Warriors) nos sumerge en pasillos, bibliotecas, salas de redacción, oficinas y calles de Boston sin mayores pretensiones.
Todo está medido, y no hay que desmerecer la sencillez de Spotlight, a veces es difícil ser sencillo y Spotlight lo es.
Después de acompañar el relato por más de dos horas, llegás a la conclusión de que hay historias que efectivamente merecen ser contadas, esta es una de ellas. No importa que llegue casi dos décadas tarde, la película servirá para seguir debatiendo sobre las responsabilidades de la Iglesia respecto a los abusos sexuales, y el papel del periodismo para revelar temas gajudos.
Bonito el mensaje, sí. Qué bonito el mensaje.
Aún así, confieso que no me encantó, no me fascinó. Seguí la proyección con interés, admirando su relato tranquilo y sobrio, sin que me despierte mayores pasiones. A ratos, la sentí algo repetitiva en sus recursos y limitada a nivel visual.
Eso me pareció triste, que esta carta de amor al periodismo no deja de ser una algo plana aproximación a la realidad. Entiendo que es la propuesta, pero su factura más televisiva que cinematográfica me estorbaba, para qué les voy a mentir.
Ya lo dije al principio: esta es una película cuya importancia está en lo que dice más que en cómo lo dice, pero a manera personal siento que por muy importante que sea la temática si no tiene un envoltorio a su altura no llegará más allá del impacto momentáneo.
El tiempo dirá.
Mónica Heinrich V.
Lo mejor: sencilla y dice algo importante Lo peor: una propuesta de guión y de dirección demasiado convencional, casi televisiva La escena: cuando descubren cómo estaban listados los curas pedófilos en la guía de sacerdotes de Boston, y, también, la escena de Saviano Lo más falsete: el griterío de Mark Ruffalo cuando se pone histérico con Keaton porque van a retrasar la publicación, las escenas en que a fuerzas hacían aparecer niños en lugares donde se entrevistaba a pedófilos como mostrando «OH, todavía hay víctimas alrededor de ellos», la escena del gordito cuando se detiene frente a la Iglesia El mensaje manifiesto: el poder siempre esconde mugre El mensaje latente: el poder NUNCA es inocente El consejo:para verla El personaje entrañable: las víctimas El personaje emputante: el HDP del Cardenal Law El agradecimiento: porque siempre es necesario contar estas historias.
OSCAR 2016
Mejor Película: Me parece que puede ser la sorpresa de la noche. Es la típica película «lava conciencias» que al Oscar le gusta premiar. Veremos si la Academia se la juega o gana el lobby de El renacido o el espectáculo cinematográfico de Mad Max.
Mejor Guión: Difícil categoría. Aún no veo Straight Outta Compton, pero de las nominadas, no adoro el guión de ninguna. Pienso que el guión de Charlie Kauffman se revolcaba a todos estos.
Mejor Dirección: Yo quiero que se lo den a George Miller. Sería muy chistoso que McCarthy gane a mejor dirección, teniendo otra película tan mala ese año. O sea, el Mejor Director del año es también uno de los peores? insertar risa maquiavélica.
Mejor Actor de Reparto: Solo tengo dos palabras: TOM HARDY.
Mejor Actriz de Reparto: Esta me pareció una nominación gratuita. Cualquiera, cualquiera de las otras puede arrebatarle el Oscar a la señorita Rachel McAdams.
Mejor Montaje: Hmmmm…ocho meses de edición? hmmmmmm huevadas: Mad Max o The Big Short.
CURIOSIDADES
La edición tomó casi 8 meses.
El guión de la película estuvo en la famosa Black List del 2013, de los guiones más poco probables de filmarse.
Cuando la película se filmó, Resendez era el único miembro del equipo original que seguía trabajando en Spotlight.
Matt Damon fue considerado para el rol de Resendez.
Margot Robbie rechazó el papel de Sacha alegando cansancio. Amy Adams y Michelle Williams también fueron consideradas para el rol.
Es la segunda película en la que Michael Keaton es parte del periodismo, la primera fue The Paper (1994).
El director Tom McCarthy también es actor y tiene 39 créditos en películas y cortos.
Esta categoría está más clara que Sprite. No, no me voy a decantar por la computarizada y superficial versión de Pixar, el mundo ya es demasiado plástico para que deseemos que Intensa-mente se lleve el coso dorado.
Pero antes de que nos batamos a duelo por esa afrenta, repasemos a las cinco nominadas a Mejor Animación:
1.- Intensa-mente
Ya escribí una reseña sobre el nuevo taquillazo de Pixar, acá la pueden leer.Para resumirles: Me pareció linda, con un excelente inicio y que luego se desinfló bajo lo superficial y caprichoso que sonaba el derrumbe del mundo de fantasías de esa criatura (Riley) por una mudanza de casa. Sí, hay problemas más duros y trascendentales en la vida real que aniquilarían como una bomba atómica todas tus estaciones de alegría sin miramientos, y no son precisamente mudarte de casa. La técnica y la creación de las emociones como personajes sí son de admirar, aunque en un trabajo de Pixar la calidad ya está sobreentendida. Gracias a la prensa y a su fácil consumo, es la que tiene más opciones de ganar el Oscar, DAMM YOU, ACADEMY! Para mí, sería la que menos lo merece.
2.- O menino e o mundo
He aquí un ejemplo de esa contracara a Intensa-Mente. Esta animación brasileña relata la vida de un pequeño niño campesino al que su padre abandona para ir a trabajar a la ciudad. Aunque se queda con su mamá, el dolor y la añoranza es tan grande que el niño se escapa de su casa a buscar a su progenitor. Es así que irá descubriendo un mundo desconocido para él. De ese pequeño drama infantil se va hacia temas más jodidos como la explotación de los campesinos, la industrialización que elimina la mano de obra, la extrema pobreza, la soledad, la desigualdad social, la represión, para luego volver a la añoranza del niño por su padre. Hermosa y conmovedora animación, narrada de una manera muy poco convencional tanto en la estética como en el argumento. Lo que hace Alé Abreu (el director) en cuestión de estilo es simplemente una lección de cómo se puede combinar el arte con las técnicas de animación. Creativa, original, lírica, muy recomendable.
CURIOSIDADES
Todos los dibujos fueron hechos a mano por el director Alé Abreu.
Los pocos diálogos del filme son hechos en un language imaginario.
En un principio, la idea era que fuera un documental, finalmente se hizo una animación porque el director pensó que tendría más libertad para contar lo que necesitaba contar.
La banda sonora cuenta con la participación de Emicida, Naná Vasconcelos, Barbatuques y GEM. Las composiciones originales son de Ruben Feffer y Gustavo Kurlat, y siguen la inspiración de Alê Abreu para la concepción de la película: la música de protesta latinoamericana de los años sesenta y setenta. “Yo escuchaba las canciones de Víctor Jara, Violeta Parra… Y me imaginaba en los lugares que mencionaban. Entonces, dibujaba algunos pasajes y los juntaba en la sala de edición, sin un guion previo”, cuenta el director.
Tuvo un presupuesto aproximado de 500.000 $us.
3.- When Marnie Was There
Después de la partida del gran Miyazaki, el estudio Ghibli anda en periodo de transición y este trabajo es fruto de esa transición. Dirigida por Hiromasa Yonebayashi (The Secret World of Arrietty), nos cuenta la emotiva historia de Anna. Anna no se siente bien consigo misma ni con el mundo. Sus padres murieron cuando era pequeña, y una familia terminó adoptándola. Su mamá adoptiva, preocupada por sus ataques de asma y su apatía, decide enviarla a pasar unos días fuera de la ciudad. Allá trabará amistad con Marnie, una preciosa niña de cabellos rubios y ojos azules. Fruto de esa amistad, Anna conseguirá hacer las paces con su pasado y empezará a ver el mundo con nuevos ojos. Linda película animada, no es lo mejor que nos ha dado Ghibli, pero consigue conmover en momentos precisos. La técnica usada bebe del estilo que hizo famoso al estudio, por lo cual nos encontraremos con un trabajo artesanal y cuidado, más clásico que moderno.
4.- Shaun, the sheep
En septiembre del año pasado, les contábamos la fascinación ejercida por Shaun, the sheep:acá la reseña. Estamos ante una divertida y tierna animación que tomó 6 años en hacerse. La técnica usada es stopmotion y dicen que del equipo de 20 animadores, cada uno tardaba un día en hacer 2 segundos de la película. Desde su escena inicial te sentís sacudido y pensás que quien/quienes hizo/hicieron este filme han puesto todo el corazoncito en cada viñeta, como tiene que ser: Como el cine, la animación, y nosotros nos merecemos. La historia es sencilla, la oveja Shaun pierde a su amo/dueño de granja, y junto con otros animalitos va a buscarlo a la ciudad. Tiene momentos muy mágicos, para ver y disfrutar.
5.-Anomalisa
Tengo una debilidad por Charlie Kauffman. Ya está, con eso digo todo, o sea el trabajo de Kauffman siempre me ha provocado un mundo de cosas. Anomalisa no es la excepción, se trata de una compleja y extraña obra. Cuando empecé a verla me preguntaba qué carajos era lo que estaba pasando, y luego caí. Caí en el relato turbio y desesperado de un ser humano alienado y jodidamente solo. Mientras más avanzaba, más tristeza me daba y, curiosamente, más fascinada me sentía ante ese abismo.
Anomalisa está hecha con la técnica de stopmotion y es una animación netamente para adultos, hay incluso una escena sexual con los muñequitos, así que no es para verla con los más pequeños de la casa. Tuvo que gestionarse a través de crowdfunded ya que Kauffman no contaba con presupuesto para hacerla por sí solo y parece que no tuvo apoyo de los estudios.
El esfuerzo puesto en este trabajo valió totalmente la pena.
Un motivador llamado Michael Stone se encuentra en Cincinnati para dar una charla sobre cómo manejar el servicio al cliente a través del teléfono. La charla es la excusa del viaje, pero existe un secreto oscuro, un horrible secreto: alrededor de Michael todas las voces suenan iguales, todas: la de su esposa, la del recepcionista, la de su hijo, la del taxista. IDÉNTICAS.
Hasta que por casualidad se topa con Lisa. Lisa tiene una voz diferente, por lo menos a sus oídos, y por ese detalle volverá a sentirse vivo y pensará que con ella logrará alcanzar esa felicidad que hasta ahora le es esquiva.
Hermosa escena la de la canción de Cindy Lauper: A girl just wanna have fun, jodida escena la del desayuno.
Anomalisa es una terrible visión de un ser humano frágil, desconectado de todo y de todos, siguiendo adelante porque es lo que queda, sin sentir verdadero amor por nada ni por nadie.
Lo de Kauffman se siente como una furiosa bofetada y será difícil quitarte las marcas de la cara durante mucho tiempo.
And the Oscar Goes To..
Este es el breve resumen de las candidatas, mi favorita es Anomalisa, de una manera muy freakhasta ahora pienso en esa película y sigo sintiendo cosas por ella, pero si no llegara a llevarse el Oscar, prefiero que quede entre Shaun, the sheep y O menino e o mundo.
El señorito Todd Haynes nos ha dado películas como Velvet Goldmine, Im Not There o Far From Heaven, y sin ir muy lejos una interesante serie llamada Mildred Pierce.
Por ese curriculum se assume que Haynes es sutil, un director que además puede retratar una época (los 50s) y que sabrá darle a sus personajes algo más que una engañosa bidimensionalidad.
Con Carol, Haynes se queda en una especie de cómodo limbo, donde sí hay una “linda” y “delicada” película, pero quizás sobrepasada por ese estilo pulcro y sin costuras.
La película comienza con una escena entre Carol (Cate Blanchett) y Therese (Roonie Mara), ambas están en un local teniendo una charla definitoria acerca de su relación. Alguien interrumpe ese momento clave, y el filme viaja en un círculo para contarnos cómo llegamos a esa mesa, a esa charla.
Carol está basada en una novela homónima de Patricia Highsmith, si leen la novela descubrirán que el énfasis está puesto en esa jovencísima Therese, que a pesar de mantener una relación amorosa que ya llegó a ser sexual con su pareja Richard, todavía tiene conflictos irresueltos.
En la novela, Therese es joven, culta, lee libros, escucha música, tiene opiniones sobre la vida, sobre el mundo. Carol es una puerta hacia el amor sí, pero también a esa parte dormida dentro suyo que la chica no sabía que existía. En la novela, que tampoco está wow pero que engancha, Therese se descubre a sí misma gracias a esa relación.
La película nos presenta a una Therese con poca sustancia, que aún no ha intimado con su pareja y a la que le gusta tomar fotografías. Similar sensación deja Carol, mujer adinerada, viviendo una separación, con una hija pequeña, y paren de contar.
Hay una historia de amor, pero los personajes no tienen mayor profundidad. Y ojo, nadie está diciendo que la película debió ser igual a la novela, de hecho primero vi la película y después leí la novela. Al leer la novela, le di algo más de valor a la película porque quedaron claras algunas cosas que en el trabajo de Haynes apenas se perciben.
El guión adaptado por la debutante Phillys Nagy conmueve en determinados momentos, cumple con exhibirnos a esta seductora y confiada Carol, a la tímida Therese, a esa relación que surge a partir de una mirada en medio de un mar de gente.
En contrapunto, o poniéndole el pelo a la leche, tenemos al estereotipo de macho celoso y posesivo en Harge (Kylie Chandler) que seguirá y atormentará a Carol porque no se resigna al fracaso matrimonial y peleará por la custodia de la hija de ambos.
Sí, el guión cumple con lo básico. La fórmula de una historia de amor casi imposible está ahí.
El final SPOILER ALERT contradice la norma de los 50s (eso quería su autora), en una época en que las relaciones interraciales u homosexuales suponían un estigma en todos los aspectos de la vida de los involucrados, Carol pretende dejarnos una suerte de happy ending o, por lo menos, algo parecido a darse una oportunidad: dos mujeres que a contracorriente deciden intentar ser felices por encima de los prejuicios. Hay que reconocer que no deja de haber belleza en eso. FIN SPOILER ALERT
Con una linda fotografía de Edward Lachman (Erin Brockovich, Las vírgenes suicidas, Im Not There) y muy bien actuada por Blanchett y Mara, lo mejor que puede decirse de Carol es que es una película filmada con gusto, elegante y sobria.
Si algo hay que admirarle a Haynes es que su narrativa no cae en la muletilla de «amor lésbico»=propaganda de los derechos gays, sino que el filme se trata como una historia de amor a secas.
¿Alcanza? Puede que a algunos espectadores sí, en mi caso me dejó una sensación de vaga empatía, en la que por algún extraño motivo recordaba a La vida de Adèle y su famosa escena del café donde las dos chicas se juntan y una descubre que finalmente, después de tanta agua bajo el puente, el amor se acabó.
Quizás eso extrañé en Carol, más vísceras, más pulso, más desgarro, más…algo.
Mejor Actriz: Cate Blanchett hace una interpretación muy buena de Carol, una mujer sofisticada, elegante, que alcanza sus mejores momentos en las discusiones con Harge. Sin embargo, visto lo visto, ese Oscar debe ir para nuestra Mamá de Room.
Mejor Actriz Secundaria: Rooney Mara hace una Therese frágil y encantadora. Acá, mi corazón se parte porque me encantó Jennifer Jason Leigh en Los odiosos 8, Kate Winslet está genial en Steve Jobs, Alicia Vikander hace lo suyo en La chica danesa, quizás la única que no me gustaría que se lo lleve sería Rachel McAdams.
Mejor Fotografía: Aunque tiene una fotografía muy linda no le hace sombra a Lubezki o a John Seale de Mad Max, creo que incluso la fotografía de La Chica Danesa pudo ser mayor rival, aunque no fue nominada.
Mejor Vestuario: Hmmm en esta categoría tampoco tengo un claro favorito. El vestuario de La Chica Danesa es espectacular, Cenicienta y Mad Max pueden dar pelea y el de Carol estaba muy lindo también.
Mejor Guión Adaptado: Me falta ver Brooklyn, pero entre las restantes me quedo con la primera hora de Room. Si no fuera Room, supongo que Carol, pero la verdad, ni fu ni fa con ninguno.
Mejor Música Original: Esa sí quedaría entre Carol y Los odiosos 8.
Lo mejor: elegante y sobria Lo peor: sensación de vacío, una historia de amor fría La escena: cuando Carol le dice a Harge: We are not ugly people, Harge, fue una de las pocas escenas que me movió el piso Lo más falsete: sabe que el marido es un HDP que anda arañando las paredes y se va de road trip con la amiguita…El mensaje manifiesto: la vida es una sola o como se dice actualmente YOLO (You only live once) El mensaje latente: uno es artífice de su felicidad o de su desdicha El consejo:para verla en el cine y en idioma original El personaje entrañable: la pobre hija El personaje emputante: Harge, por no saber dejar ir El agradecimiento: por el lindo vestuario y por no hacer una película que parezca más una propaganda pro derechos gay que una historia de amor.
CURIOSIDADES
La nominación de Rooney Mara a Mejor Actriz Secundaria causó controversia, tomando en cuenta que en la novela es ella la protagonista y en la película tiene 6 minutos más de pantalla que Cate Blanchett.
Fue filmada en Super 16mm para tener una textura similar a la de los años 40s/50s.
Justo después de filmar La Chica del Dragón Tatuado (2011) se le ofreció a Mara el papel de Therese, ella lo rechazó y Mia Wasikowska estuvo atada al proyecto hasta que decidió filmar con Guillermo del Toro Crimson Peak.
La productora ejecutiva del filme Tessa Ross, dijo que lleva 11 años tratando de llevar la historia a la pantalla gigante.
Es la segunda adaptación de una novela de Patricia Highsmith en la que participa Cate Blanchett, la primera fue El Talentoso Mr. Ripley.
La guionista Phillys Nagy escribió el primer borrador del guión en 1996.
La película recibió una ovación de casi 10 minutos en su premier en Cannes.
La primera escena que Mara y Blanchett filmaron juntas fue precisamente la escena en que sus personajes hacen el amor por primera vez.
La historia se basa en un encuentro real de la novelista con una atractiva mujer rubia en una tienda de Nueva York.
Una vez escuché decir a alguien que Iñárritu más que una filmografía tenía un prontuario.
Saquemos nuestro filtro cálido CSI Miami (el calorcito cruceño así lo requiere) y analicemos las evidencias:
–Amores Perros, una ópera prima que ha envejecido muy mal, aunque ya en esas épocas la parte del vagabundo era de terror.
-La lacrimógena 21 gramos donde seguían dándole manija al cine de varias historias con diferentes líneas argumentales que se unen por las maravillosas casualidades de la vida. Con este filme, Iñárritu empezó a construir ese nido rocambolesco de cine hecho para y por Hollywood.
–Babel, película que sirvió para que el director mexicano rompa relaciones diplomáticas/personales/artísticas con su guionista Guillermo Arriaga (gracias, virgencita del Socavón) y en la que lo más interesante fue la muda asiática y lo peor todo lo relacionado a la empleada mexicana. Recuerdo haber reflexionado a la luz de la luna sobre lo extraordinario que sería para él hacer una película que cuente solo UNA historia.
– Biutiful, espesa como taza de leche con 20 cucharadas de Toddy y de la que guardamos la ingrata imagen de Javier Bardem con pañal y el recuerdo de 25 chinos gasificados.
– Birdman, en la que se condensan todas las mañas y virtudes de este cineasta. Sus excesos, sus carencias. Eso sí, hay que reconocer que tuvo una propuesta estilística arriesgada y, por momentos, fascinante.
– El Renacido.
Y bueno, el cine de Iñárritu te puede gustar o no, pero no te deja indiferente.
Antes de Birdman, Iñárritu andaba deprimido porque su trabajo ya no lo llenaba y el desafío que supuso hacer ese filme le levantó la moral y lo subió a una ola “creativa” en la que decidió meter a la licuadora lo que se le antojara sin restricciones.
Ajá.
Parece que todavía no se bajó de esa ola.
Con obvias referencias a Tarkovsky, El Renacido se basa en el libro homónimo de Michael Punke que, a su vez, agarra una historia de la vida real.
Efectivamente, cuando los americanos y los franceses estaban exterminando indios, existió un Hugh Glass. Este Hugh Glass fue atacado por un oso y dado por muerto y luego, movido por la venganza, emprendió un glorioso y anecdótico regreso a su fuerte buscando a los tipos que lo dejaron botado como una chancleta.
En la vida real, los dos tipos fueron un tal Fitzgerald y el joven Bridger, aunque los registros no indican porqué dejan al susodicho abandonado.
En el libro homónimo, Fitzgerald ve a los indios acercándose y corre a avisarle a Bridger, tomando la decisión de dejar a Glass por ese motivo.
Tanto en la vida real como en el libro, la venganza de Hugh Glass tiene un asidero personal y hasta algo desproporcionado. Por otra parte, el regreso al fuerte no fue tan accidentado, sí largo y agotador, pero no TAN duro de matar porque a pesar de lo inhóspito y de las fricciones imperantes, en el camino recibió ayuda de nativos amistosos.
El final de esa historia ocurre cuando llega al fuerte y Fitzgerald se ha marchado a enlistarse, Glass va a donde está enlistado y le dicen que el cojudo es propiedad del ejército y por lo tanto no accederá a él. O sea, Glass no puede “vengarse” nunca y el renacimiento va más allá de ser movido por la venganza, o de regresar de entre los muertos, también consiste en dejar ir.
Lo terrible, difícil, y a la vez liberador que es DEJAR IR.
Renacido real, Renacido Iñárritu
¿Qué hace Iñárritu?
Le quita a Glass su banal humanidad de vengarse simplemente por él, y le añade un hijo Pawnee para darle un toque de conflicto racial y ponerle más emotividad a la venganza.
Esas cosas que a Hollywood y a Televisa tanto gustan.
Reviste de solemnidad y misticismo esta venganza, queriendo darle mayor trascendencia de la que por sí sola despediría sin tanto remarcado.
Transforma a Fitzgerald (Tom Hardy) en un villano a tiempo completo, quien a pesar de su villanía es bastante inútil a la hora de la verdad.
Hola, soy yo, el villano
Pero a ver, vayamos por partes y alarguémonos al pedo haciéndole honor al filme. Puntos a favor:
Hay dos películas en El Renacido: Una que está muy (MUY) buena y que termina o queda interrumpida en el momento exacto en que apuñalan al hijo de Glass y otra donde las cosas inverosímiles y chotas comienzan a llover como confeti a partir de ese punto.
La gloriosa fotografía de Emmanuel Lubezki. El plano secuencia inicial del ataque de los indios es sencillamente magistral.
El ataque del Oso a un Glass que queda a su merced. Escalofriantes y violentos minutos en los que Iñárritu consigue que contengás el aliento y que sufrás por…sí…el OSO.
Un antagónico de lujo. A pesar que dentro del guión el personaje de Fitzgerald es poco consistente, la brillante interpretación de Tom Hardy hace que valga la pena tragarte el cuento.
Una correcta interpretación de Leonardo DiCaprio, para mí opacada por Hardy.
Oso, oso, oso!
En contra:
Un guión con bastantes baches: 1.-El tipo sobrevive al brutal ataque del oso, a que lo arrastren con el pie no sé si quebrado, dislocado, hacia una tumba mal cavada y le echen tierra encima, se mueve con heridas sin curar, cae al agua en el más crudo invierno y tampoco sufre de hipotermia, sobrevive a un encuentro con los franceses, con los indios, se da tiempo de rescatar a una india de una violación, cae de una altura considerable y, así, sucesivamente. Entrar a la convención de que el tipo sobrevivía al ataque de oso ya era ser generosos, ponerle todos esos perendengues y además durante casi tres horas, hizo que desee que el tal Glass muera de una puta vez. Volvé, Oso, volvé! 2.-Fitzgerald desde su primera escena hace bullying a Glass y a su hijo, se nota a la legua que es un tipo corrupto y de baja ralea, e igual confían en él para encargarse del pobre tipo. 3.-Fitz mata al hijo de Glass y lo deja por ahí botado, y Bridger jamás lo ve, cuando Glass sale de su tumba se arrastra un poquito y el pobre chico está ahí, a ojos vista. 4.- Fitz apuñala al indio porque lo pilla asfixiando al padre, y luego en lugar de terminar de asfixiar al padre, ¿lo deja ahí nomás? 5.-Al descubrir lo de la cantimplora, el capitán y un montón de crispines salen a buscar a quien sea que pueda estar vivo. Cuando resulta ser Glass y regresan al fuerte se descubre que Fitz robó la plata del capitán, por ende, la plata de TODO el fuerte y deciden ir a buscar a ese ladrón, asesino, DOS personas: una, el poco experimentado capitán y otro, el casi charqueado Glass. 6.- La muerte del capitán, la trampa de Glass, la pelea final, el reencuentro con Powaqa, fueron recursos de manual y encima, cuando la platea ya está algo agotada de tanto tole tole.
Bonito el flashback, pero no, gracias
Más allá de los huecos del guión, los excesivos flashbacks onda Gladiator también fueron innecesarios y redundantes. Además, había escenas en las que aparecía la mujer de Glass que se veían muy paupérrimas en cuanto al FX. La tipa colgada y el plano hacia arriba, pucha, no, no, no.
Lo que menos me gustó de El Renacido es que se plantea como una película hollywoodense que no se resigna a ser eso: una película hollywoodense, Iñárritu pringa el filme de un empalagoso misticismo para disfrazarlo.
La duración es otro gol en contra, pudo quedarse con media hora menos y no pasaba nada en cuanto a la historia, y ganaba en cuanto a sensaciones.
Sí, es verdad, la película tiene lecturas filosóficas, religiosas, artísticas, lo que quieran, cuando la paja es grande aguanta muchas interpretaciones: que si la piel de oso, que si el papel de los indios y de los colonos, que si el salto con el caballo, que si lo que murmuraban los indios , que si las técnicas de sanación, que si lo ancestral, lo salvaje y lo civilizado, que si la vida, el allá, el más allá y el acuyá. En mi interpretación El Renacido grita y no dice mucho.
Es visualmente hermosa y definitivamente un espectáculo para ver y sopesar, pero termina siendo una película fría como la nieve por la que se arrastra Leo DiCaprio.
Mónica Heinrich V.
OSCAR 2016
De los 12 Oscar a los que postula, me gustaría que gane 4:
Mejor Actor: Leonardo DiCaprio, y sí, ya no importa si no es su mejor papel, entréguenselo. Si nominaron a Tom Hanks por El Naúfrago y se lo dieron a Julia Roberts por Erin Brokovich, no pasa nada si se lo dan a DiCaprio. La Academia no siempre es justa, es oportunista. En este caso, habría algo de ambas. Aún me falta ver Trumbo para saber qué tantas posibilidades de arrebatárselo tiene Bryan Cranston, pero ya, Leonardo se arrastró, gimió, se cauterizó la garganta, y se comió un hígado de bisonte, yo digo: DENLE EL COSO DORADO DE UNA MALDITA VEZ.
Mejor Fotografía: Es indiscutible el enorme talento de Lubezki, y la propuesta fotográfica que tiene en El Renacido, siendo responsable en partes iguales de su lucimiento, y de su artificio.
Mejor Actor secundario: Sí, Tom Hardy la rompe. Si se lo dan a Stallone será una de esas veces en las que prima el oportunismo a la justicia.
Mejor Maquillaje y Peluquería: Ajá, las heridas de DiCaprio, la pelona de Hardy, los indios, todo muy bien lookeado.
Lo mejor:el plano secuencia y lo del oso Lo peor: el misticismo chafa y solemne que la impregna y pretende darle mayor trascendencia de la que en realidad tiene. La escena:oso, oso, oso Lo más falsete:los flashbacks El mensaje manifiesto: la venganza es un plato que se sirve frío El mensaje latente: y después de la venganza qué? El consejo: para verla en el cine y en idioma original El personaje entrañable: oso, oso, oso El personaje emputante: Glass, que no se moría El agradecimiento:por la fotografía y por Tom Hardy.
Revenant viene del Latin reveniens que significa regresando o retornando también está relacionada con la palabra francesa revenir que significa regresar. Fantasma que retorna de no se sabe dónde.
Se filmó mayormente con la Arri Alexa 65 y algunas escenas con la Epic Dragon.
El rodaje tuvo un retraso y la nieve se derritió en la locación canadiense donde el equipo se encontraba, hubo que redirigir el rodaje a Argentina para continuar con el look invernal.
DiCaprio realmente se engulle el hígado de bisonte a pesar de que es vegetariano. También aprendió lenguas nativas, a disparar un mosquete, crear fuego, y estudió técnicas de curación antiguas. Dijo que fue el papel más desafiante de su carrera.
Se filmó cronológicamente en 80 días, aunque hubo un periodo de tomas de fotografía principal de casi 9 meses. Tardaron tanto debido a la decisión de dirección de filmar con luz natural en su mayor parte a excepción de una escena: donde encienden una hoguera y el viento movía el fuego. Pusieron luces alrededor para que diera el efecto que ellos querían.
Leonardo DiCaprio le pidió a Tom Hardy que lea el guión para ser parte del proyecto. Hardy aceptó y una vez leído el guión se quedó con el papel.
Se dice que Iñárritu es bastante atorrante y trata muy mal al crew, Hardy fue incapaz de soportar el maltrato y eso hizo que chocara con Iñárritu muchas veces, el mismo Hardy inmortalizó el conflicto con una imagen en la que se lo ve ahorcando a Iñárritu y que convirtió en polera.
Gente del Crew abandonó el proyecto o fue despedida debido al explosivo carácter de Iñárritu.
DiCaprio estuvo a punto de hacer Steve Jobs, pero al final eligió El Renacido.
Las cicatrices de DiCaprio tardaron 5 horas en aplicarse.
Sean Penn era el actor que haría de Fitzgerald y al final por conflictos de agenda abandonó el proyecto.
Leonardo DiCaprio, Tom Hardy y Lukas Hass ya trabajaron juntos en El Origen.
Park Chan Wook (OH MY GOD!) estuvo interesado en dirigir esta adaptación y quería a Samuel L. Jackson como coprotagonista.
Cuarto es el espacio en el que conviven Mamá y Jack. Jack duerme en Armario, mientras Mamá recibe las visitas de Viejo Nick.
Jack acaba de cumplir 5 años, tendrá una torta de cumpleaños que será casi como las que muestra Televisión.
Cielo se ve a través de Claraboya y el Espacio Exterior está ahí afuera. El niño que acaba de cumplir 5 años nunca ha tenido acceso a él.
La magia nos golpea en esa primera hora en la que el horror de una situación para la cual no hay palabras, se vive con cotidianidad, con rutina.
Lenny Abrahamson, director irlandés, adaptó la novela homónima de Emma Donoghue a la pantalla gigante y la convirtió en Película.
Película tiene grandes virtudes. La más grande es cuando vos mismo sos parte de Cuarto y acompañás acongojado a los personajes en su aceptación de ese mundo como el único posible.
Luego, cuando ya sabés que Cuchara Derretida es la favorita de Jack, cuando se mencionó a El Conde de Montecristo, a Alicia, y nos preocupa Muela Mala, viene el punto de giro.
Este punto de giro supone el quiebre de la tensión y la magia generada dentro de Cuarto, porque SPOILER ALERTA al salir de Cuarto, la tónica intimista, metafórica manejada hasta el momento muta hacia un drama en toda regla, y ese drama es convencional y harto explotado.
Muy en el manejo de temáticas similares busca la redención, liberación, ajuste de cuentas de sus personajes con el hecho traumático. Eso no es malo del todo, porque puede darle al espectador común un escape y una tregua para lidiar con algo tan duro, sin embargo, a ratos tenía la sensación de que a Abrahamson, Película se le iba de las manos FIN DEL SPOILER
Aún así, Película tiene otra nota alta en las actuaciones. Una Brie Larson inconmesurable en su interpretación de Mamá, de la abusada y valiente Mamá. A ella la acompaña el pequeño Jacob Tremblay dándole vida al inocente Jack. También hay personajes secundarios como Abuela (Joan Allen), Abuelo (William H. Macy) o Leo (Tom McCamus) que conforman el mundo que Jack encuentra cuando finalmente sale a Espacio Exterior.
La misma escritora de Novela (Emma Donoghue) es la que escribió Guión. Contrario a lo que pensaba, Guión es bastante fiel a Novela y se ha extraído aquello que colabora al lenguaje de Película.
Quizás Novela explica mejor que Guión la increíble secuencia en la que se descubre cómo llegar a Cuarto y encontrar a Mamá. Quizás. Pero así, sin mayores exigencias, Guión tiene el espíritu de Novela plasmado y eso, para los que fueron primero lectores que espectadores, es de agradecer.
Donde Película se atora es en manejar los tiempos, el ritmo, cuando hay el punto de giro. Película se alarga por demás y la sensación de magia que te acompañaba al principio va diluyéndose.
Cuando termina de la manera en que sabés que va a terminar, seguís viendo a Mamá y a Jack con el corazón estremecido, pero SPOILER ALERTA al igual que ellos saliste de Cuarto y al despedirte de Cuarto y entrar al Espacio Exterior, Película explica lo que pasa, detalla el horror y deja de despedir magia. FIN DEL SPOILER
La vida, como lo descubrirá Jack, es así.
Mónica Heinrich V.
Oscar 2016
Película está nominada a tres premios:
Mejor Dirección: Lenny Abrahamson me parece un director interesante, el año pasado vi la curiosa Frank, donde Fassbender salía del músico que vivía con una máscara. Al igual que en Room, el inicio del filme es extravagante e intenso, y también, al igual que en Room, la cosa se va desinflando. Si Abrahamson hubiera mantenido la tónica del principio, yo le daba a ojos cerrados el Oscar a Mejor Dirección, pero con respecto al resultado global no creo que pase nada. Hay otras rivales que tienen mejor lobby, y más motivos para derrotar a Abrahamson.
Mejor Actriz: Esta categoría está muy difícil, exceptuando a Jennifer Lawrence, creo que las otras candidatas tienen posibilidades altas. Tanto Cate Blanchett en Carol como Seorsie Ronan en Brooklyn como la magnífica Charlotte Rampling en 45 años, pueden arrebatarle el Oscar a Brie Larson. Creo, no obstante, que este tendría que ir a nuestra Mamá o en su defecto a Rampling, hmmm o a Ronan. Sí.
Mejor Guión Adaptado: Independientemente de nuestras predilecciones narrativas, la labor de Emma Donoghue adaptando el guión es precisa. Para muestra, basta leer el libro y notarán que nada falta en Novela ni en Guión que desmerezca a una o al otro. Igual, no creo que se lo lleve ni que lo merezca del todo.
Lo mejor: tiene una primera hora TREMENDA Lo peor:cuando salimos de Cuarto y la resolución demasiado apresurada y poco creíble del lugar donde estaba Mamá. La escena:la de la alfombra, toda la secuencia hasta que lo encuentra el hombre con el perro Lo más falsete: cómo encuentran la dirección de Mamá El mensaje manifiesto: en esta vida, para bien o para mal, los ciclos se cierran El mensaje latente: hay heridas que no se superan, solo se aprende a vivir con ellas El consejo:vela, tiene grandes momentos El personaje entrañable:Mamá y Jack El personaje emputante: el viejo Nick El agradecimiento: por una primera hora sublime.
Brie Larson se aisló durante un mes y siguió una estricta dieta para entender a cabalidad a su personaje.
Jacob Tremblay no podía gritarle a Brie Larson en la escena en que Jack le grita a Mamá porque el pastel no tiene velas de cumpleaños. El director, y el equipo de producción tuvo que ponerse a gritar y a simular la misma acción para que el niño pudiera hacerlo.
Brie Larson no se lavó la cara durante la filmación para que su rostro esté absolutamente al natural.
En el Cristianismo, Viejo Nick es uno de los nombres que se le daba al diablo durante el siglo XVII.
Shailene Woodley, protagonista de Divergente, era la otra opción para protagonizar a Mamá.
En la habitación de Mamá, que permanece igual en la casa de sus padres, hay un póster la banda Phantom Planet. Brie Larson está en pareja con el vocalista de dicha banda.
El productor Ethan Tobman quería que en la escena final hubiera nieve, pero conseguir nieve falsa para esa escena les elevaba el presupuesto por lo que descartaron la idea. El día que les tocó filmar el final nevó espontáneamente.
Hoy (2 de febrero) es groundhog day (Día de la marmota), así que qué mejor día para recordar a la mejor película de la historia. Bueno, no es la mejor película de la historia pero en todo caso es mi favorita y quizás la película que he visto más veces: entera, comenzada, por pedacitos, siempre me detengo a verla cuando pasa por la tele, y, en vez de empezar a hablar de su profundidad filosófica, de su comedia rítmica, de un Bill Murray pletórico, de su ñoño romance, etc., etc… les mostraré algunos videos solo para que esto se haga entretenido (y sí, quizás no me aguante y hable de esas cosas).
Trailer españolazo
Groundhog day es, en sí, un evento muy gringo, por lo que a la hora de traducir el título de la película según la zona se tomaron ciertas libertades: Atrapado en el tiempo, El Día de la Marmota y Hechizo del tiempo, en este caso pongo el trailer español solo porque escuchar las malas palabras, cosa prohibidísima en traducciones latinoamericanas en esos tiempos, lo hace divertido.
Trailer subtitulado
Por si no lo sabes Groundhog Day es la historia de Phil Connors que queda anclado en la repetición de ese día (el groundhog day) en Punxsutawney, un pueblito en Pennsylvania. Pase lo que pase, así el personaje muriese,el día se repite una y otra vez. La decisión de no dar razón exacta del por qué de este suceso me parece uno de los mayores aciertos de esta película, no es un hechizo, ni algo científico, ni sobrenatural, solo es, y a veces esa es la mejor forma de definir las cosas.
Algunos datos pa tu trivia
Fue dirigida por Harold Ramis. De hecho, fue la ultima colaboración que tuvo con Bill Murray ( Elements of Meatballs,Caddyshack, Stripes, Ghostbusters, Ghostbusters II) luego no hablaron por 21 años hasta poco antes que Ramis muriera el 2014.
Un tributo
Visual y musicalmente es un filme muy trabajado, muy acorde a lo que refleja esa multiplicación de universos repetitivos de esta gran película, un remixeado que sirve para internarnos en la sensaciones de Phil.
En Groundhog day, Phil (Bill Murray) pasa por muchos estados desde que descubre esta hechizo o maldición (por así decirlo), hasta que lo rompe, y es el vernos reflejados en ellos lo que hace redonda esta película. Van desde la sorpresa, aceptación, abuso, desesperación, desesperanza, hasta crecer y ver las cosas de una manera positiva, no es cómo el mundo te hace crecer en la realidad, pero sí son las conclusiones que deberíamos llegar en un ideal común.
Los finales felices y la redención son necesarios para completar una historia satisfactoriamente, tienen que existir y tenemos que creerlos factibles para que los aceptemos como tal, Groundhog day logra que aceptemos lo que sucede como orgánico, esa es una gran virtud.
Que tengan un buen Día de la Marmota, y, como yo, cada vez que puedan vean esta película.
Lo que te mete en problemas no es lo que no sabes, sino lo que crees que sabes con certeza y resulta no ser así
Mark Twain era un pendejo. En esas aciagas épocas derramaba más sabiduría que los tweets de Alejandro Jodorowsky (¡!).
Con esa sapiente frase abre The Big Short, porque claro, la película nos contará a lo largo de más de dos horas, cómo se desinfló, o más bien dicho: reventó la burbuja inmobiliaria en USA y creó la famosa crisis del 2008.
Así es endeudados amigos, víctimas del sistema bancario, de la sociedad, del cochino dinero y de los illuminatis, la última película de Adam Mckay (The Stepbrothers, Anchorman 1 y 2, The other guys) se basa en hechos reales y usa grandes estrellas de Hollywood para darnos una clase didáctica de fenómenos macroeconómicos.
La comparación más obvia es la de El lobo de Wall Street, de Martin Scorsese, que también nadaba en las espesas y hediondas aguas de Wall Street, sin embargo, Scorsese se la jugaba y (hasta lo último) sus personajes, esos que coqueteaban con los millones de dólares y eran adictos no solo a ganarlos sino a gastarlos, guardaban cierta coherencia. No había redención para la corrupción, ni ñoños sentimentalismos.
McKay, por su parte, toma como base el libro homónimo de Michael Lewis, lo adapta y explica (como un paciente profesor) los orígenes del colapso financiero que hizo que millones de americanos se quedaran sin casa y empleo, y no se decide si está haciendo un película de humor negro o un filme con mensaje a la conciencia.
En toda tragedia o crisis, hay alguien que ve venir la bola de nieve, la ve o la presiente, y, en la película que nos ocupa, Mckay agarra a los personajes que supuestamente se percataron de la endeble estructura hipotecaria y le sacaron partido. Dicho de otra manera, estos sujetos tomaron los limones que la vida les dio y se fabricaron las súpermegas caipiriñas.
Michael Burry (Christian Bale) es uno de esos fabrica-caipiriñas. Con imagen desaliñada, y un solo ojo, Burry fundó su compañía SION Capital LLC, y atrajo a inversionistas a los que trepó al bus de esperemosquelamierdaestalleyrecojamoslasganancias.
Pero no fue solo Burry, el cíclope, el que se benefició de la caída de un obvio castillo de naipes, también algunos analistas, corredores y advenedizos más.
Uno de ellos, el personaje de Ryan Gosling, es el hilo narrativo de la película y rompe la cuarta pared para contarnos cómo fue el despelote.
Ok. En los primeros 15 minutos, The Big Short resume de qué y hacia dónde va.SPOILER ALERTA Lo demás es una caja de resonancia mezclada con aderezos como el personaje de Steve Carrel y su muy empelucado Mark Baum, que a pesar de que está salivando porque la huevada colapse, es aquejado por ataques de culpa, y nos enchufan unos flashbacks sobre el suicidio de su hermano bastante chotos.
Eso no le impide cobrar sus 200.000.000 $us. claro, ni a él ni a los dos muchachos que son ayudados por un hippie chic Brad Pitt, Ben Rickert, cuyo personaje está en contra de todo lo que termina haciendo en la película. FINAL DEL SPOILER
The Big Short trata de alivianar un cúmulo de información que es súper aburrida y técnica con la muletilla de: “Ahora, Verónica Larrieu nos explica cómo caen las acciones cual si fueran achachairuses en temporada”
No está mal, aunque para el público promedio sigue siendo un lenguaje poco accesible y dentro de los engranajes mismos de la película, todo se vuelve bastante repetitivo.
Desde el principio, Mckay toma partido porque parece incómodo con los grises, y reflexiona sobre lo sanguinario del sistema bancario, del gobierno que socapa a los creadores de la crisis, y de la impunidad.
Sí, McKay, entendimos.
Qué jodida es la vida y el ser humano.
La gran apuesta está nominada a 5 premios Oscar:
1.- Mejor Película: No está mal, pero me resulta difícil situarla entre lo mejor que vi del año, porque a pesar de su aire irreverente es una película bastante políticamente correcta que tiene aspiraciones más grandes que sus resultados. El acelerado montaje disimula un poco la corrección política.
2.- Mejor Director: McKay incursiona en un género que aún contiene los visos humorísticos de su filmografía anterior, pero creo que no supo comprimir su historia y en términos de dirección termina dando demasiados mensajes moralistas sobre un hecho que el espectador puede juzgar por sí solo.
3.- Mejor Actor: Christian Bale hace una muy buena representación de Michael Burry, quizás no tenga mucho que ver con el verdadero, pero Bale sabe actuar. ¿Se llevará el Oscar? Creo que hay opciones más sólidas como Tom Hardy en El Renacido, estos días me queda ver Creed.
4.- Mejor Guión adaptado:The Martian y The Big Short me parecen las apuestas más débiles de este apartado. Aunque nunca sabe, a la Academia le gusta lavarse la cara con temáticas sociales como esta.
5. Mejor Edición: Su edición está muy buena y cubre parte de las falencias del guión, aunque, nuevamente, tiene rivales que son mejores.
En resumen: The Big short es una buena película con una interesante historia. A ratos, la palabra que se te viene a la mente es: inteligente…porque lo es, pero el tufillo conciliatorio arruina un poco la experiencia.
Ahora, Falkor, mi perro, les explicará con huesitos lo que trato de decir.
(…)
Mónica Heinrich V.
Lo mejor: es inteligente y didáctica Lo peor: repetitiva y moralista La escena: la de la Jenga y las intervenciones de los artistas invitados Lo más falsete: la supuesta culpa o remordimientos o tristeza de los personajes que esperaban que el sistema colapse para hacerse millonarios El mensaje manifiesto:si le das más poder al poder, más duro te van a venir a coger El mensaje latente: ponete vaselina El consejo: para ver en un horario en el que NO vayás a sucumbir de sueño El personaje entrañable: todos los que creyeron que las cosas saldrían bien adquiriendo casas sin tener cómo pagarlas El personaje emputante: Mark, el de Steve Carrell, porque fue el más moralizador de todos, con la cantaleta del hermano muerto y lo mal que se sentía de que la gente pierda sus casas. Sí, claro. El agradecimiento: inteligente, a pesar de los peros que podás encontrarle.
CURIOSIDADES
«La verdad es como la poesía y la mayor parte de la gente odia la maldita poesía” es una frase que creó el mismo director, Adam Mckay, cuando no sabía qué frase decir sobre el bar de Washington.
Se basa en el libro homónimo de Michael Lewis, y es la segunda obra de Lewis que la productora de Brad Pitt produce, la primera fue Moneyball.
El estudio quería que los personajes sean menos odiosos, sin embargo, Mckay se impuso y quiso mantenerlos tal cual los vimos.
Es la primera aparición de Ryan Gosling desde que el 2013 anunció que se daba un respiro de la actuación.
El personaje de Christian Bale jamás comparte escena con ninguna de las otras estrellas principales.
Margot Robbie era la esposa del personaje de Leo Dicaprio en El lobo de Wall Street.
El verdadero Michael Burry tiene un cameo en la escena de las oficinas.
En el guión original las celebridades que explicaban los términos eran otras: Scarlett Johanson reemplazaba a Margot Robbie y Beyonce tenía el parlamento de Selena Gómez.
