LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

Author

aullidosdelacalle - page 54

aullidosdelacalle has 628 articles published.

Vos y yo = Alguien más

Por: Mónica Heinrich V.

El amor punto aparte

El amor puntos suspensivos

¿Quién no se ha enamorado ridícula y estúpidamente? Una cultura cuya base “amorosa” se sustenta en libros, películas, canciones, poemas que ensalzan la relación de a dos como algo sublime, salvaje, comprometido y cuyo final mentiroso dice ser “y vivieron felices para siempre…”, una cultura así, lo único que puede producir son idealizaciones y falsas expectativas.

Pero no señores. No os confundáis, no dejéis que vuestras manos dibujen mecánicamente corazones en los vidrios empañados. Hay una realidad diferente detrás del macabro mercado de peluches y de las Inspiration Cards. Podría escribir los versos más tristes esta noche, escribir por ejemplo sobre Disney, sobre Luis Miguel, sobre Clark Gable y Vivian Leigh, pero lo que nos atañe es Two lovers, traducida al español bajo el sugerente título Los Amantes.

Gracias a  Londra Films podemos disfrutar de esta excelente propuesta que ahora se encuentra en las salas del Cine Center. 

Quiero hablar un poquito de Joaquín Phoenix que en el filme interpreta a Leonard. Joaquín es puertorriqueño (apuesto que muchos no lo sabían) y su vida bien podría ser material para una interesante y extraña biopic. Como todos saben es hermano del fallecido River Phoenix, y fue él mismo quien marcó al 911 la noche que la prometedora estrella moriría de sobredosis. Hijo de un matrimonio que hasta perteneció a un culto, la carrera de Phoenix se ha caracterizado por consistentes interpretaciones. En lo particular, Joaquín me parece un muy buen actor.

Es por eso que ver su nombre como parte del elenco de Two lovers ya me garantizaba un personaje creíble. No me equivoqué. Leonard es un treintañero maniaco-depresivo (bipolar) que fue marcado por el abandono de un gran amor. Sumido en un mundo de inestabilidad, en parte (nos insinúan) por la difícil enfermedad, en parte por su absoluta incapacidad para superar la pérdida de su prometida, Leonard ha intentado quitarse la vida varias veces. 

La primera escena que da inicio a la película, con nuestro protagonista caminando casi poéticamente a través del puente, con su colgador de ropa de tintorería y el slogan cínico, paradójico y emputantemente optimista de su negocio en esa tarde gris, es sencillamente perfecta.

Con un elegante tono narrativo, nos metemos al mundo de este personaje perturbado, solitario, que vive con sus preocupados progenitores en un barrio judío. En estas circunstancias conocerá a dos mujeres: Sandra, interpretada por una querible Vinessa Shaw, es la hija de una pareja amiga de sus padres. Chica buena, ñoña, que ante un pájaro con las alas quebradas (Leonard) siente esa necesidad de cuidarlo, hacerse cargo y estar ahí para él (seguramente condicionada por la cultura “amorosa” de la que hablo al principio) Por otro lado está Michelle, interpretada por Gwyneth Paltrow cuyo talento me parecía sobrevalorado, pero que en esta película nos entrega una más que correcta actuación. Michelle es una bitch, no podemos decirlo de otra manera. ¡¡¡Muere Michelle, Muere!!! Vecina de Leonard, se caracteriza por una personalidad egoísta, manipuladora, plañidera, y voluble. La tipa es la amante de un hombre casado, y utiliza a Leonard como paño de lágrimas, pero al mismo tiempo (me parece) se aprovecha de la calentura emocional y corporal que despierta en nuestro pobre muchacho.

Los triángulos están servidos. Uno entre Michelle, Sandra y Leonard y otro entre Michelle, Leonard y el hombre casado. Es evidente que triángulos y calenturas ya se han visto n veces en el cine desde todos los puntos de vista, y hacer una película cuyo argumento parece básico representa un riesgo si es que no se le pone la magia que la haga diferente. En este caso, James Gray, el director y uno de los guionistas, nos envuelve en esta pequeña historia de tal manera que no podés menos que entregarte a lo que nos cuenta y no podés menos que admirar la sobriedad y el voltaje emotivo que el ambiente del filme consigue transmitir.

Con una atmósfera opresiva, oscura y de evidente autodestrucción, Leonard nos muestra a ese personaje que no encaja. No encaja en su familia, no encaja en su trabajo, no encaja en su adultez. El tiempo pasó, y ahora aparte del frasco de pastillas que lo mantienen conectado a la realidad, no tiene nada. De ahí el poco apego a la vida, de ahí el deseo de terminar esa nada que se extiende al infinito. 

Su gusto por sacar fotos, en las que jamás hay personas, el pequeño departamento que comparte con sus padres, la promesa de una vida laboral a la que no aspira, y un futuro que necesita ser definido de alguna manera a merced de los paradigmas sociales imperantes, empujan a este ser dolorido a la obsesión, a fingir que está bien cuando apenas puede sostenerse en pie, a intentar como último acto sublime de rebeldía un “y vivieron felices para siempre”…

Gray nos golpea con su final, nos da un puñete en la cara…los cuentos de hadas sólo existen como evasión de la amarga realidad. Las lágrimas de Phoenix, la mirada final, me hicieron recuerdo a una conversación que tuve hace un par de años con unos amigos, que seguro si leen estas líneas recordarán. Aún convencida que el puto amor (sí, he dicho puto y qué) existía y nos podía cubrir con un oloroso manto que huela a felicidad, fui sacudida por viejos y sabios (todos menores de treinta) compañeros de trabajo que en medio de una conversa filosófica existencial teñida de humor nervioso coincidieron en esta afirmación: “Uno nunca se queda con el amor de su vida”. 

Silencio aterrado

Abro signo de interrogación El amor Cierro signo de interrogación

Desesperanza punto

Esta vez final

LO MEJOR: Historia íntima, jodida, muy bien filmada.

LO PEOR: deja una sensación oscura al final

LO MAS FALSETE: hmmmm creo que el personaje funcionaba igual sin ser bipolar

LA ESCENA: El final

EL MENSAJE MANIFIESTO: La vida nos arrastra

EL MENSAJE LATENTE: Somos marionetas voluntarias

EL CONSEJO: Mirala, está buena

LA PREGUNTA: ¿el mundo es un día gris?

 

CURIOSIDADES

Es la cuarta película de James Gray

Se filmó a finales del 2007

Es la tercera colaboración entre Joaquín Phoenix y James Gray

El guión está inspirado levemente en Noches Blancas de Fédor Dostoievski

Luego de esta película, Phoenix anunció su retiro de la actuación, felizmente lo veremos en un documental titulado I`m still here: The lost years of Joaquin Phoenix.

CINE COREANO: Oldboy

Seré tu perra

Por: Mónica Heinrich

La venganza. ¿Hay algo tan poderoso, oscuro y fétido como la sed de venganza? El director coreano Park Chan Wook sabe que no. Por eso, filmó lo que denominó su Trilogía de la venganza, y para que nos vayamos de ass…nos regaló OldBoy

Esta es una de esas películas que se puede AMAR, y que entra definitivamente en mi lista de corazones, cupidos y rosas. Filmada en el 2003, tuve la oportunidad de verla por primera vez en el 2004, en ese momento supe que Park Chan Wook y yo tendríamos una relación especial. Casi casi de amantes a la distancia. Èl hace una película, yo hago lo imposible por verla. Una vez la veo, me digo “esto es para siempre”.

Pero, ¿qué tiene de especial OldBoy

Oldboy es la historia de un hombre al que un día, sin previo aviso, secuestran y encierran. Nada raro hasta ahí. Lo freak viene cuando este encierro dura inexplicablemente 15 años. El tiempo pasa, y el prisionero lo ve pasar a través de la televisión. Escenas memorables como sus intentos de suicidio, o sus reflexiones sobre la vida, sobre la muerte nos vuelan la cabeza y nos dicen que Park Chan Wook sabe lo que hace. 

Curtido por la soledad, y orillado a un aislamiento que dobla su espíritu, el personaje sufre, desvaría y pacientemente idea una forma de huir. Cuando menos lo espera, lo liberan.  ¿Pero qué puede hacer con esa libertad? ¿Cómo encajar en mundo al que durante 15 años no perteneció? Acusado del asesinato de su esposa, con su pequeña hija que creció en el extranjero, huérfana, creyéndolo un asesino, sin amigos u otros familiares, ¿qué puede hacer una vez sale de su prisión?

Nuestro amigo, Oh Dae Su (nombre que significa: Tomar las cosas como vienen) ha acumulado durante todo ese tiempo un odio y una necesidad asesina de buscar a quien lo encerró y hacerle pagar caro el atrevimiento. 

Lo que él no sabe, lo que nosotros no sabemos, es que esa venganza se origina de otra venganza, y los más rastreros sentimientos humanos son los causantes del conflicto.

Hermosas imágenes, muy al estilo asiático, que pueden mezclar la poesía, la violencia y el drama en una sola escena se repiten por doquier a lo largo del metraje.

El filme que algunos tachan de sórdido, es impresionante en su argumento y en su estética. Actuado por un reparto de lujo en el que destaca Min Sik Choi como el perturbado y vengativo Oh Dae su, la actriz Kang Hye-jeong interpretando a la frágil y enigmática Mi-Do, y el muy atractivo Yu Ji Tae como el maquiavélico Woo Jin Lee, consiguen introducirnos hasta el fondo de esta historia, donde nada es lo que parece y donde el final dejará a más de uno consternado.

Con un guión escrito por cuatro crispines, uno de ellos el mismo director, el argumento a pesar de rocambolesco y grandilocuente, nunca pierde interés y credibilidad. Nos conectamos rápidamente con la cadena vengativa y esperamos pacientemente la redención. Algunos espectadores critican que al quitarle todo artificio, nos encontraremos con una historia resultona, y que ya se ha visto n veces. Puede ser, pero aún siendo cierto es la FORMA que Park Chan Wook usa para contarla lo que la hace diferente y especial. 

Por si fuera poco, además de contar con actuaciones, fotografía, argumento, y dirección de lujo, la música es una experiencia casi religiosa. Amé el soundtrack de OldBoy, lo amé. Algunas imágenes se te quedan grabadas como un tatuaje gracias a la apoteósica banda sonora que la acompaña. 

La dirección de arte, un apartado que la mayoría de los gringos se pasan por el traste, brilla por sí sola. Colores, vestuario, objetos, locaciones, sencillamente todo encaja para crear una jodida obra de arte y para convertir al filme en una experiencia digna de repetirse varias veces.

Considerada ya una película de culto, Oldboy fue blanco de críticas por su violencia extrema. Incluso hace un par de años se pensó que el coreano Cho Seung Hui, universitario mass-murder de Virginia Tech, emulaba el poster y supuestamente escenas del filme en un video dejado después de la masacre. Sin embargo, las especulaciones eran tan ridículas como aquellas que ligaban a Marilyn Manson al tiroteo de Columbine. 

A su vez, si bien el filme muestra escenas gráficamente violentas, la brutalidad real se esconde en el argumento. Un argumento que no tiene clemencia con el espectador y que tampoco busca salvar a nadie. En este argumento todos son víctimas y verdugos.

La venganza es un sentimiento que anida en el corazón de cada ser humano, opina el director, el odio es natural, afirma. No tiene nada de malo asomarse a este espejo, un espejo que te devolverá la mirada del monstruo que llevas dentro.

Lo mejor: Estéticamente impecable, un guión muy bien manejado dado su enrevesado contenido, y la dirección siempre sobresaliente de Park Chan Wook.
Lo peor: Nunca se verá en pantalla gigante en Bolivia
La escena: El final, la del corredor y la del pulpo
Lo más falsete: hmmmm
El mensaje manifiesto: La venganza mata el alma y la envenena
El mensaje latente: Pero qué rica que es.
El consejo: Tenés que verla YA! 
La pregunta: ¿Do you meet your monster ?
 
FRASES

“La televisión es como un reloj, como un calendario, es nuestra escuela, nuestra iglesia, nuestro hogar, nuestra amiga y nuestra amante, pero la canción de nuestra amante es demasiado corta”

“Dicen que tenemos miedo porque tenemos imaginación. Deja de imaginar y serás valiente”

 

“La venganza es buena para tu salud, pero el dolor te encontrará de nuevo”

 

“Necesitas no preocuparte acerca del futuro. Imagina Nada”

 

«Ya sea una roca o un grano de arena, en el agua se hunden igual»

 

“Ríe y el mundo reirá contigo. Llora y llorarás solo”

 

“Aunque sea peor que un monstruo. ¿No tengo derecho a vivir?” 

 

CURIOSIDADES

Park Chan Wook estudió Filosofía en Seúl.

Conoció a su esposa en los 80s en un club de cine universitario.

Decidió convertirse en cineasta después de ver el filme Vértigo de Alfred Hitchcock.

La polémica escena del pulpo que es devorado vivo, tuve que filmarse cuatro veces. 

Oldboy tuvo un presupuesto de 4.000.000 $us.

El actor Min Sik Choi es budista por lo que tuvo que rezar antes de comerse los cuatro pulpos.

Min Sik Choi tuvo que entrenarse durante seis semanas y perder 10 kilos para hacer de Oh Dae Su.

El número de teléfono que le entregan a Oh Dae Su donde supuestamente se encuentra su hija, es el número de la Embajada de Corea en Suecia.

La escena del inicio donde Oh Dae Su está borracho y es llevado a la policía, fue la última en filmarse.

La escena final se filmó en Nueva Zelanda.

Ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2004.

Disney, Lynch = WOW!

Por: Mónica Heinrich V.

Era imposible imaginar que David Lynch, NUESTRO David Lynch, hiciera una película con Dinsey. Impensable que ya que la hizo, sea buena. Digo, no es que Disney sea una mierda, sino que Lynch ha creado cosas impresionantes que nada tienen que ver con el mundo de Mickey Mouse. Y dada las nefastas experiencias de otros directores (Hola, Tim Burton) con ese almibarado mundillo, tal cocktail no parecía recomendable.
 
Por eso es que este filme sorprende. Sorprende, conmueve, enamora.
 
Con una sencillez exquisita, Lynch nos cuenta la historia de Alvin Straight (interpretado por un extraordinario Richard Farnsworth). Alvin es un tipo de 80 años. Se encuentra en la postrimería de su vida, tiene mal las caderas, principio de enfisema, una posible diabetes y la vista ya no le funciona bien. Convive en un pueblito de Iowa con Rose (Sissy Spacek) , su hija cuarentona que sufre de un leve retraso mental y problemas para hablar. Una noche le
 avisan que su hermano Lyle ha sufrido un infarto. Lyle vive lejísimos, en Winsconsin.
 
Nuestro protagonista tiene una rencilla de décadas con su hermano, y por ese motivo no se hablan desde tiempos inmemoriables. Cuando ve que la estantería está comenzando a fallarle(s) en serio, decide ir a visitarlo. El motivo de la disputa jamás es revelado, el motivo por el que emprende el viaje, queda tácitamente comprendido.
 
Un tipo sin mucho dinero, viejo, al que no le gusta ni volar ni viajar en bus, tiene que recorrer 250 millas a través de la América rural. Sin auto y sin absolutamente nadie que lo apoye en tan encomiable viaje, agarra la podadora de su casa, y montado en el
la le hace honor al lema de: El mundo es de quien se arriesga.
 
The straight story es un proyecto que en manos de otro director puede fácilmente caer en el ñoñerío gratuito y sensibilero. Gracias a Dios, a Lynch el pulso no le tiembla para mostrar exactamente lo que se necesita mostrar, para decir sin decir, sin remarcar o amplificar pequeñas escenas.
 
La travesía estará cargada de obstáculos y personajes de muy distintos talantes. Lo mejor es que el guión escrito por John Roache y Mary Sweeney no está exento de humor, drama y hasta tensión. Las seis semanas que el viaje dura son condensadas con precisión en casi dos horas de metraje que se pasan volando, acompañando a una hermosísima fotografía propiedad del señor Freddie Francis, que ya había trabajado con Lynch en aquella gloriosa película llamada El hombre elefante. 
 
Como espectador no queda otra que apegarse a Alvin como si se tratara de un viejo amigo. Pujar porque llegue a destino, porque ese reencuentro entre dos seres que comparten sangre, infancia y un pasado, se concrete. Cuando pensás que no se puede poner mejor, te topás con la escena del bar. GRAN GRAN escena. Esa escena sola, hace que la película no sea sólo buena, sino soberbia. 
El final llega tan simple como el inicio, mostrándonos a ese Lynch que sólo se puede amar. Amar como a este pequeño filme. 
 

Lo mejor: Una película muy bien dirigida, muy bien actuada, muy bien guionizada, a la que no se le puede objetar nada.

Lo peor: Nada.

La escena: La del bar y el final.

Lo más falsete: Nada.

El mensaje manifiesto: La sangre jala.

El mensaje latente:  La vejez te da la sabiduría necesaria para acortar distancias que una juventud estúpida creó.

El consejo: Vela! Prometo que no te arrepentís.

La pregunta: ¿Lynch será tentado por Disney otra vez?

CURIOSIDADES
 
– La historia es basada en un hecho verídico ocurrido en 1994. El anciano de 76 años, falleció tres años después de hacer el viaje en el que el filme se inspiró.
– Para los que fuimos tocados por la magia de la serie canadiense: Anne the Green Gables, recordamos a Richard Farnsworth como el actor que interpretaba entrañablemente a Mathew Cuthbert.
– Fue la última película de este extraordinario actor. Richard se suicidarí al año siguiente de un tiro de escopeta, después de padecer una larga enfermedad.
– Richard fue el actor más viejo en ser nominado al Oscar, contaba con 80 años cuando fue nominado como mejor actor por el papel de Alvin. Lastimosamente, no ganó.
– The straight story, fue filmada en orden cronológico.
– El nombre verdadero del hermano de Alvin no era Lyle sino Henry, pero se le cambió el nombre porque éste no quiso que apareciera el verdadero.
– Tuvo un presupuesto de 10 millones de dólares.

Después de la llovizna

Por: Mónica Heinrich V.

Recuerdo a Iciar. A Iciar, a la que una vez me topé una madrugada por tv cable con su ópera prima Hola ¿estás sola?, donde abordaba con frescura el viaje de dos jóvenes mujeres, un viaje de autodescubrimiento. El guión, en ese momento, corrió a cargo de la misma Iciar y del gran Julio Medem. Eran mediados de los 90s. 

 

Recuerdo a Iciar, cuando en una sala de Madrid, vi Te doy mis ojos. En un país donde los índices de violencia doméstica son alarmantes e infames, una obra sobria como este filme, resultó una grata experiencia. Pensé: «es talentosa» y desde entonces el nombre no se me olvidó. Una de las cosas que más me gustó de Te doy mis ojos, fue que la directora se dio el lujo de retratar una relación abusiva, enfermiza, desgraciada, sin mostrar un solo golpe o un solo abuso físico en casi todo el filme, recién al final o en uno o dos momentos sufrimos el hecho en sí mismo, por lo demás la violencia era tácita y asumida en el vaivén de los personajes. Aquí también actuaba Luis Tosar como el macho golpeador, cuyo papel no era sólo golpeador malo pérfido, sino que incluía humanos matices. El guión lo escribió Iciar y una tal Alicia Luna. Era el año 2003.

 

Recuerdo a Iciar, cuando en una sala del Bella Vista proyectaron Flores de otro mundo, como parte del Ciclo de Cine Europeo. En este filme que era el segundo en su filmografía, pero el tercero que tenía oportunidad de ver, la historia era otra vez sobre mujeres. El amor, las diferencias culturales y la migración se mezclaban, ahora menos sobriamente, menos «interesantemente». Sin embargo, el oficio como directora era respetable. Otra vez ese gran actor llamado Luis Tosar, uno de sus protagonistas. El guión fue escrito por Iciar y Julio Llamazares. Habíamos llegado al 2005.

 

Así que cuando me dijeron que esa mismita Iciar iba a agarrar sus chécheres y venirse a filmar una gran superproducción en estos peladares, mi impresión inicial fue WOW, y casi dar saltitos de alegría ante lo que prometía ser una buena película. 

 

Repito, en un balance general, el trabajo de Iciar Bollaín demostraba talento, entrega, y porqué no, compromiso. 

 

Pero la vida, que siempre es como es y no como uno quiere que sea, nos golpea sin piedad. Llegada la hora magna de la premier, y con todos los crespos hechos, me dirijo a la sala del Cine Center. Sonrisas y saludos se reparten, Juan Carlos Aduviri está presente. Discursos, un video de la directora agradeciendo a todos, y las consabidas disculpas por no poder llegar a Bolivia para la premier…y bla bla bla bla. 

 

Luces OFF.

 

 

104 minutos después…

«¿Qué te pareció?» pregunta uno de los compañeros de butaca. «Estoy levemente indignada» digo.

 
Y es que También la lluvia puede prestarse para un descarnado debate sobre contenido, forma y resultado global. Sobre perspectivas, know how, y mensajes subliminales. Sobre efectividad y eficiencia. Sobre mucho y poco. Sobre todo y nada. 

 

De mi parte la puedo analizar desde dos ópticas:

 

1) Intenciones, divino tesoro…

 

Gael es Sebastián, un director de cine, dizque ñoño, idealista, que quiere filmar una versión desmitificada del descubrimiento de América. Luis Tosar es Costa, el inescrupuloso productor que desea ahorrarse hasta el último quinto del ajustado presupuesto con el que la película cuenta. Para eso vienen a Bolivia, porque es barato y hay harto «indío». Aduviri es Daniel, un líder de los movimientos sociales que quiere frenar el abuso de una transnacional sobre el agua. Este líder se presenta, junto a su hija, al mentado casting de la película y termina con uno de los papeles principales. Luego surgen los problemas porque al estar inmerso en el conflicto del agua, Costa y Sebastián andan con la angustia de que Daniel les eche a perder la película o que el conflicto no les permita terminar de filmar.

 

La guerra del agua. Hmmmm jodidito intentar llevar a pantalla un tema tan complejo. Hacer un paralelismo con el saqueo de la colonia española, insertar una mirada benévola y compasiva hacia los abusos cometidos. Dar una reflexión crítica de culpa atávica arrastrada inconscientemente por los españoles que llegan a filmar en tiempos modernos una película  sobre Colón y Casas. Acariciar de paso la voracidad y abuso de las transnacionales, la situación paupérrima y desprotegida de nuestros  coterráneos, la usurpación de un recurso vital como el agua, la impotencia, la discriminación. Y en medio de todo eso, debates sobre lo moral, lo inmoral de la producción del filme teniendo en cuenta que el protagonista es el líder de los revoltosos. Idas y venidas de nuestros personajes que luchan contra sus prejuicios, sus propios miedos y lo que «debe hacerse». 

 

Un poquito demasiado, no? 

Pero esas son las supuestas intenciones. Y por eso el gringo/europeo  puede batir palmas  y pensar que estamos ante la gran película de cine denuncia, de cine social. Y por eso también, habrá el boliviano que se sienta agradecido, o representado. 

 

O sea, si lo vemos como película de entretenimiento X para atragantarte de pipocas, sin reflexionarlo mucho, diciendo: Ay, qué bonito se ve Gaelito. Qué lindo se ve Cochabamba, uy qué intensa la Guerra del agua, al fin bolivianos en una gran superproducción y etcéteras…ya, digamos que bien, MUY bien. Si decimos QUE GRAN PRODUCCION, ídem…QUE GRAN PRODUCCION…

 

2) ¿Cine-denuncia?

Si lo vemos como cine-denuncia o cine-social es cuando el tema apesta, y apesta mucho. Creo que más por desinformación y desconocimiento de cosas básicas a nivel argumental que por una conciencia real de que el guión está tiradísimo de los pelos y lejos de ser una atizada de conciencias, resulta autocompaciente. 

 

El guión fue escrito por el laureado Paul Laverty, esposo de Iciar, y guionista habitual de Ken Loach. Hmmm para ser sincera cuando supe que También la lluvia la escribía el guionista de Loach, mi entusiasmo bajó considerablemente. Es aún un misterio cómo Loach sigue cosechando premios y galardones con películas que, nuevamente, puede ser que tengan buenas intenciones, pero que no pasan del panfleto insípido aleccionador, en ocasiones oportunista. 

 

En También la lluvia las tres vertientes por donde podemos agarrar la historia se entrecuzan chapuceramente. A saber: 1) La película sobre Colón y los OBVIOS y redundantes paralelismos con lo que pasa en «la vida misma» 2) La vida misma, sí…en el siglo XXI siguen cometiéndose abusos, oh! sorpresa! 3) Relación entre el convertido (Tosar) y el rebelde con causa (Aduviri) digna de capítulos de telenovela de Televisa.

 

La Guerra del Agua ni siquiera la pongo como una de las vertientes a amplificar porque más parece accidente que otra cosa. Es como una excusa ornamental para poner todo lo demás dentro. A un extranjero no le debe quedar muy claro el conflicto y sus alcances, porque me parece que NO es el punto central del filme, aunque así no los hayan querido vender. Sí hay la intención de decir que la colonización subsiste en diferentes órdenes y medios, pero es tan torpe la relación que sólo funge como elemento publicitario.

 

Los diálogos son tan hmmm comentados….no se guardan nada, todo es directivo, sí, qué jodido fue el colonialismo, qué jodido viven aquí, qué jodidas las transnacionales, qué jodido el futuro, qué jodido lo del agua, qué jodido los abusos, qué jodida la policía, qué jodido…

 

Todo reflexionadito, escupidito como para que quede claro el asunto, sólo faltaban letreros con palabras claves y ahí ya terminaban de dorarnos la píldora.

 

El mensaje final no es otro que el mismo paternalismo absurdo que se critica durante el filme, es una especie de «discriminación positiva», donde el peso recae sobre el cambio de actitud del personaje de Tosar y el repentino compromiso con la suerte de Aduviri. 

 

————————

 

Lo que la termina de matar son los minutos finales, donde la artillería ñoño-emo se va con todo y nos regalan dos escenas que cualquier boliviano de a pie puede cuestionarse:

 

SPOILERS (Para los que no la han visto pasen al siguiente párrafo)

1) La mamá de la niña herida va a buscar a Tosar dizque porque es el único que puede ayudarla. POR FAVOR!!! todos los puestos de control los pasan gracias a ella, en un conflicto real de bloqueo por parte de los movimientos sociales, la última persona en el mundo que tendría pase libre y alfombra roja entre el despelote, sería un extranjero. La idea del mesías salvador es tan pero tan absurda, que dan ganas de botar la pipoca a la pantalla. 2) La escena final final. O sea, Aduviri líder de un montón de gente, con su hija coja, mientras sus compañeros de trinchera están o desaparecidos o heridos o quién sabe y su hija y esposa también están en el hospital, va a ir a encontrarse…por CASUALIDAD con Tosar y encima, después del zafarrancho vivido y con tantas cosas pendientes, se da el trabajito en ese entuerto de buscar una primorosa botellita, ponerle agua, colocarla en una primorosa cajita de madera, con un primoroso lazo, y entregársela primorosamente conmovido a su salvador, devenido en futuro benefactor??? MATENME. Y como estas dos flores hay varias más.

SPOILERS (Fin de las escenas comentadas)

 

En líneas generales y tomando estas perspectivas, podría decir que el gran gran gran problema de También la lluvia es que se toma muy en serio a sí misma, es esa solemnidad con la que supuestamente ha dicho profundas y trascendentes verdades, esa postura de cine serio, comprometido y denunciante, lo que hace ruido y da pocas nueces,  cuando en realidad estamos ante un producto de factura cumplidora, que tiene todas las características de un filme hollywoodense de esos que podría protagonizar Matt Damon , filmado por españoles, y nada más. 

 

Las actuaciones, están bien. Sobre todo Tosar y Elejalde (Colón)…nuestro Juan Carlos Aduviri no está mal, tiene presencia, pero es un actor que hace un digno papel, al que todavía le falta mucho camino por andar.

 

Una linda música. Buena fotografía. Buena dirección de arte. Buena producción. Buen Maquillaje. Son algunos de los puntos fuertes de esta propuesta. A nivel técnico, es una muy buena película, considerando cómo fue filmada, y las propuestas chafas que generalmente nos presenta el cine latinoamericano, está impecable. 

 

Por lo demás, no es un filme inolvidable (pudo serlo) y a mi muy personal punto de vista, me parece un paso atrás de su directora: Iciar Bollaín, de la Iciar que vi por tv cable, en Madrid, y en el cine Bella Vista. Hay más plata, sí. Hay más bombo, sí, pero el contenido intimista, sobrio, que antes era su fuerte, ahora naufraga soso y cacofónico en medio de una gran superproducción.

 

También la lluvia, es entonces una película light que finge ser profunda. Como que te comprés un panda por internet, luego llegue y descubrás que es un osito cualquiera al que lo han pintado como a un panda.

 

Lindo tu panda fake, pero NO es un panda.

 

Lo mejor: la participación de gente boliviana que prueba que en el país existe el talento, el equipo y las ganas para lograr buenos proyectos.

Lo peor: larga, reiterativa, autocomplaciente.

La escena: la de la cajita, pero por lo absurda

Lo más falsete: las dos cosas comentadas en los spoilers

El mensaje manifiesto: Que no te vendan oso hormiguero por panda

El mensaje latente:  Los pandas están en extinción

El consejo: Mirala, por ahí sos parte del grupo que se conforma con la película entretenida, donde Cochabamba sale bonita.

La pregunta: ¿Recuperaremos a Iciar?

CURIOSIDADES

– La escena de la cruz, es igual (homenaje) a una escena de la Dolce Vita de Fellini, sólo que en lugar de una cruz lo que el helicóptero transportaba era un Cristo.

– En un principio iba a ser sólo una película de época, que cubriría los viajes de Colón y de Bartolomé de las Casas. Laverty cambió de idea y quiso mezclar ese periodo con la resistencia indígena en latinoamérica.

– Se tardó nueve años en terminar el guión.

– El personaje de Juan Carlos Aduviri se inspiró en Oscar Olivera.

– La película se hizo íntegramente con dos Red One y ópticas Cooke S4.

– Aduviri da clases de guión en la escuela de cine de El Alto.

– Iciar empieza a filmar Vicky Sherpa en Mayo teniendo como locación Nepal.

– También la lluvia es una producción de más de cinco millones de euros.

– Tardaron 9 semanas para hacerla, y contaron con más de 70 locaciones.

– El equipo de rodaje reunió a 130 personas.

– Se congregaron más de 4000 extras.

We are sudamerican rockers

Por: Mónica Heinrich V.

Digamos que soy simpatizante de algún gobierno. Digamos que quiero mostrarle al mundo que ese gobierno es bueno, necesario, y que está haciendo las cosas bien. Digamos que los ciudadanos de mi país viven en una nube de pedos con respecto a la política exterior que manejamos. Digamos que por mis contactos y mis obvias simpatías, tengo acceso a entrevistas cruciales en un momento histórico crucial. Digamos todo eso y un poquito más. 

 

Podríamos enmarcar a Oliver Stone en esos «Digamos» y a su documental Al Sur de la frontera como un resultado de todos esos «Digamos».  El problema es que nuestro querido Stone no hizo nada lo suficientemente profundo ni meramente interesante con lo que menciono. 

 

No hay que negar que Estados Unidos maneja una política exterior dedicada únicamente a sacar la mejor tajada de la torta, muy en onda maquiavélica de «el fin justifica los medios». Bajo esa consigna, USA ha apalancado dictadores, golpes de estado, invasiones, bloqueos, y un sinfín de crímenes de los cuales seguramente no conocemos ni la mitad. 

 

Lo peor, es que los medios controlan al americano promedio de tal forma que si se habla con 10 gringos, 8 no tienen idea de las medidas gubernamentales de su país y de cómo afectan sus políticas a los naciones más pequeñas. 

 

Eso es una realidad. No hay que negarlo. Y en parte entiendo la figura de Oliver Stone. Stone es veterano de la guerra de Vietnam, guerra en la que fue herido dos veces. Su participación en este macabro conflicto, lo llevaría a cuestionar el sistema, su forma de vida, y a su país a través de filmes como Platoon, Natural Born Killer, Nacido el 4 de Julio, JFK, entre otros. 

 

Todo bien. Stone quedó traumado. Sí, a mí también se me chiparían los cables. Entendible. Por lo menos se dedicó al cine y no a otras cosas. Por lo menos siguió viviendo y no como ahora, que la tasa de suicidios entre los americanos enviados a la guerra, es más alta que las bajas en batalla. Pero más allá del trauma y su empeñosa intención de «abrirle los ojos» al americano promedio, existe una carencia argumental que transforma sus más recientes trabajos en una suerte de panfleto vacío y cacofónico. 

 

En el 2003 empezaría con una cadena de trabajos de corte documental. ¿Qué mejor que un retrato íntimo de Fidel Castro? Comandante, es entretenido, sí. La figura de Fidel Castro, amén de si se simpatiza con él o no, es enigmática. Allí vimos a un Oliver Stone absolutamente rendido ante el carisma del líder cubano. La fascinación que Fidel provocaba en el director americano, era tan notoria que casi se le caía la baba. Sin embargo, teniendo las puertas abiertas de Cuba y, por decirlo de alguna manera, la apertura de Castro para responder, Comandante es un desperdicio y termina siendo la entrevista de un fan. 

 

Ese mismo año lanzaría Persona Non Grata, documental cuyo objetivo era indagar sobre uno de los conflictos más jodidos de la historia: Palestina-Israel. Vemos a Stone hablar con los extremistas que se inmolan en nombre de su religión y de su país, vemos a Stone hacer lo imposible por conseguir una entrevista con Arafat. Políticos, ciudadanos, militares, son entrevistados entre gallos y medianoche. No voy a decir que está malo, porque no lo está. De hecho, de sus documentales me parece el mejorcito. El problema es que te queda sabor a poco.

 

El 2004 regresó a Cuba para demostrarle al mundo que no era sólo un fan enamorado. En Looking for Fidel, cuestionó o intentó cuestionar al líder cubano sobre los fusilamientos sucedidos en la isla, sobre los presos políticos, y todo aquello que se le «olvidó» preguntar la primera vez. He de reconocer que el gringo se esmeró en «confrontarlo» aunque dicha confrontación siempre estuvo revestida de un airecito a «sé que tenés razón». 

 

No conforme con esos coqueteos, Stone decide hacer un documental que supuestamente analice o inmortalice el proceso del surgimiento de la izquierda en latinoamérica. Para ello, viaja a través de varios países y entrevista a gente como Lula, los Kirchners, Evo, Hugo Chávez, Correa, Lugo y Raúl Castro.

 

La idea está buena, efectivamente se vive un fenómeno de gobiernos de izquierda que vale la pena analizar a fondo. No es un fenómeno gratuito, ni el tipo de presidentes que han surgido en el cono sur son designios místicos. Las figuras elegidas resultan igual de interesantes que la temática, todos los presidentes mencionados podrían tener su propia biopic o documental. 

 

Al sur de la frontera, reivindica la idea de Stone de que fuera de las fronteras de USA, no se sabe mucho del resto del mundo o la información que se maneja es tergiversada por los medios americanos. De esta manera, el documental abre con una periodista americana indicando con voz de espanto que Hugo Chávez es adicto al «cacao», la bruta no se da cuenta que está hablando de COCA hasta que sus colegas la corrigen, y aún con la corrección, los ignorantes hablan de la COCA como si fuera el más fino polvo de cocaína.

 

Algunas otras muestras sobre la televisión americana, donde los periodistas dirigen a la opinión pública a pensar que en los países gobernados por la izquierda se vive en la más absoluta barbarie, y en la más cruel dictadura. 

 

Cada quien tiene derecho a tener sus opiniones, pero no seamos ingenuos. Stone no se equivoca en eso. Sin ir muy lejos, con todos los despelotes que están sucediendo en Egipto, CNN muy suelto de cuerpo reflexionaba sobre el gran peligro que supone perder al tal Mubarak, no olvidemos que el dictador que está en el poder desde hace 30 años es considerado «aliado» del gobierno americano. La reflexión sesuda de CNN continuaba diciendo que el GRAN PROBLEMA o el GRAN PELIGRO era que la persona que suceda a Mubarak tenga apertura o se pliegue a las «dictaduras de izquierda que están tan de moda en latinoamérica».  Nuevamente, cada quien puede tener sus opiniones, pero en esta «alarma» no existe otra cosa que intereses políticos y con intereses políticos me refiero a intereses económicos, claro. 

 

Siguiendo con Stone, su reflexión sobre la manipulación de los medios puede ser acertada, pero eso no alcanza para que su documental resulte más informativo de lo que critica. La primera entrevista se la hace a Hugo Chávez, y sucede un fenómeno similar que el que ya hemos visto con Fidel Castro. Nos quiere mostrar el lado humano, el lado bonito de Chávez. Nos lo intenta vender como alguien con los huevos suficientes para decirle a Bush: «You are a donkey, Mr Bush». Un tipo que recuerda su infancia, y vuelve a montar bicicleta. Bien. Pero, aparte del lado humano, no me dice mucho sobre lo buen o mal presidente que ha sido. Chávez, para variar, se escuda más en la consigna, que en datos o respuestas sobre temas puntuales.

 

Más bochornosas resultan las entrevistas a Evo Morales y a Cristina Kirchner. No sé qué le pasaba a Evo ese día, pero parecía muy cansado. Stone le pregunta dos o tres huevadas que me es imposible recordar, y le pide que le enseñe a mascar hoja de coca. Ajá, hagamos la cosa pintoresca, masquemos coca. Luego, juegan un poco de fútbol y eso es todo. Unas dos o tres preguntas más, que son respondidas también desde la consigna «antiimperialista» que ya hemos escuchado muchas veces, y listo.

 

Pasamos a la Kirchner, que hablaba hablaba hablaba hablaba, según ella, recién ahora la cara de los presidentes son las caras de los pueblos. Nombra como ejemplo a Bolivia, que dice que la cara de Evo es la cara de Bolivia y que la cara de Goni no era la cara de Bolivia. No sé, Bolivia tiene tantas caras jejeje. Pobre traductor, con tanto que habló Cristina ya no sabía ni qué traducir. Encima, a la dama, el humor se le agrió un poquito cuando Stone, en una muestra más de que lo suyo no son las entrevistas, le pregunta: «Cuántos pares de zapatos tienes?». Pregunta pelotuda donde las haya.

 

También hay espacio para el fallecido Néstor Kirchner, que bueno, ese sí habló cosas interesantes sobre su postura ante la política americana, y sobre las medidas de su gobierno. 

 

Luego vino la estrella del documental, Lula, que se comió en despliegue, magnetismo y lenguaje corporal al resto. Explicó de manera precisa los logros de su gestión, sus expectativas para Brasil, su política de no confrontación, dio datos precisos y todo sin dejar de mantener un férreo contacto visual con Stone. En su entrevista estaba presente Hugo Chávez. Bromeó un poco sobre él,  y en resumidas, fue de lo mejorcito en cuanto a su uso de la oportunidad.

 

Correa, aburrido y Lugo bien onda pastor. Raúl Castro interesante, aunque tiene la simpatía de una maceta. Y luego otra vez loas a Hugo Chávez.

 

Alguien me decía que por lo menos Oliver Stone tiene los huevos para tomar postura y actuar de acuerdo a eso. No digo que no. Creo que un documental es siempre el reflejo de una tesis o de una visión sobre algo. Más aún si este es político, necesariamente tiene que existir una posición. Pero al jugar con la realidad, si tu objetivo es que tu documental gane adeptos o convencer a los demás de tu visión, pues conviene trabajar un poquito más la estructura, las preguntas, la idea. 

 

Pudo ser un documental espectacular, el tema es MUY MUY interesante, contaba con todos los elementos para sorprender y, como dije y recalco, la oportunidad de entrevistar para un proyecto así a los personajes que Stone entrevistó no se da todos los días. 

 

Un extracto de una entrevista que le hicieron a Michael Moore, resulta lo más contudente y directo de todo el documental. Moore tiene una postura, pero la argumenta de una manera apasionada y generalmente, trata de documentarse en sus afirmaciones. Lo de Stone parece un viaje gringo-romántico, como esa gente que se pone la polera del Che y no sabe a ciencia cierta nada de Ernesto Guevara. 

 

Una pena que Al Sur de la frontera se quede en pañales. Stone le ha dado grandes trabajos al cine, pero desde hace años que no consigue recuperar esa fuerza y contundencia que lo hizo tan conocido. Esperemos que el futuro nos devuelva al Stone que todavía nos hace acudir a las salas de cine.

 

 

Lo mejor: la idea y la oportunidad de entrevistar a los personajes que entrevista

Lo peor: pobre. Entrevistas desperdiciadas

La escena: la pregunta de los zapatos, si María Galindo lo viera…

Lo más falsete: toda la onda de: qué buenos, puros y decentes somos porque la izquierda nos bendice.

El mensaje manifiesto: Stone ya está viejo

El mensaje latente: se puede tener la disposición de grandes personajes para entrevistar y la cagás igual.

El consejo: VELO, nunca está de más verlo.

La pregunta: ¿alguien hará un documental en serio de un proceso histórico como este?

Vuelve Pscine!!!!!

 

Allá por mis épocas universitarias, durante casi tres años hice un ciclo de cine de autor llamado PSCINE, como estudiaba psicología, la idea era elegir películas fuertes, de intenso contenido que perturben o jodan de alguna manera. Obviamente que una vez abandonado el claustro estudiantil, el tiempo y la vida me llevaron hacia otros derroteros. Pero, seis años después aquí estamos dispuestos a volver a subir al caballo. Gracias a la invitación del Centro Cultural Santa Cruz, la idea de retomar este sublime amor juvenil casi casi surgió de forma natural. Hechas las diligencias y contando con el apoyo militante de Romy Chávez, ex colega de El Deber y compañera de otros infortunios, volvemos con todo a partir de este 12 de marzo. La cita será TODOS los sábados a las 20:00 en el CCSC. Calle René Moreno 369. La selección de películas ha sido hecha en base a rareza de los filmes, calidad, y cualquier sentimiento que se pueda generar después de ver alguno de los títulos que presentaremos. La invitación está hecha!!!
1) Sábado 12 de marzo: Seul Contre Tous (Francia)
Esta la presenté en una de las versiones del ciclo pasado. No es fácil de conseguir, y merece la pena verla. El genio de Gaspar Noé en todo su esplendor.
Sinopsis: En el ´98, cuatro años antes que Irreversible, Gaspar Noé estrena su primer largo: Seul contre tous. La historia de esta película comienza algunos años antes inclusive, en 1991 cuando el realizador estrena un mediometraje llamado Carne. Allí se contaba la vida de un carnicero que finalmente iba a la carcel por desfigurar a un obrero que pensó que había abusado de su hija. Ésta es la historia de cuando el carnicero sale de prisión y trata de volver a la sociedad. Es la historia de un hombre alienado, marginal y violento. Cruda, extrema y radical.
Dirección y guión: Gaspar Noé. Reparto: Philippe Nahon (El carnicero), Blandine Lenoir (Cynthia, Hija), Frankie Pain (Amanta), Martine Audrain (suegra), Olivier Doran (voz del narrador). País: Francia.Año: 1998. Género: Drama
2) Sábado 19 de marzo: I`m a Cyborg But Thats Ok (Corea)
Esta es una de mis favoritas y la dirige mi amor en silencio: Park Chan Wook.
Sinopsis: Un día ingresan a la joven Young-goon en un hospital psiquiátrico tras una crisis mental. Convencida de que es un cyborg de combate, Young-goon sólo se alimenta de pilas y baterías eléctricas. Allí iniciará una curiosa amistad con un chico que se oculta constantemente tras una máscara y que se cree capaz de robar el alma de los demás.
Dirección: Park Chan-wook.País: Corea del Sur.Año: 2006.Duración: 105 min.Género: Drama, comedia.Interpretación: Lim Soo-jung (Cha Young-goon), Jung Ji-hoon (Park Il-soon), Choi Hee-jin (Choi Seul-gi), Lee Young-nyeo (madre de Young-goon), Yoo Ho-jung, Sohn Young-soon (abuela de Young-goon), Lee Kyung-eun (paciente), Joo Hee (Sohn Eun-young), Lee Young-mi (Oh Seul-mi).Guión: Chung Seo-kyung y Park Chan-wook.

3) Sábado 26 de marzo: Ciudad de Vida y Muerte (China)

La vi el año pasado, más o menos por estas fechas. Me conmovió mucho. Mereció mayor difusión. Un peliculón.

Sinopsis: China, año 1937. Las tropas japonesas han entrado en la capital provisional de China, cuya cruel ocupación será conocida como “La violación de Nanjing”. Rodada con gran angular en blanco y negro, la película alterna el punto de vista de los japoneses y los chinos para pintar un retrato impresionista y convincente de las condiciones de la vida cotidiana en la devastada ciudad y cuenta minuciosamente los dilemas éticos experimentados por los que sobreviven en tiempos de guerra.

Título original: Nanjing, Nanjing. Dirección y guión: Lu Chuan. País: China. Año: 2009. Duración: 135 min. Género: drama, bélico. Interpretación: Liu Ye (general Lu), Hideo Nakaizumi (Kadokawa), Fan Wei (Sr. Tang), John Paisley (John Rabe), Gao Yuanyuan (Miss Jiang), Yuko Miyamoto, Yiyan Jiang (Xiao Jiang).

4) Sábado 2 de abril: Tulpan (Kazajistán)

Linda, sencilla y conmovedora película. Rarita también. Ha ganado un montononón de premios, la vi el año pasado y me pareció de una frescura exquisita. Para verla.

Sinopsis: Tras finalizar su servicio militar en la armada, el joven Asa se dispone a regresar a su lugar de nacimiento en la agreste estepa de Kazajistán. Allí viven su hermana mayor, y el marido de ésta, dedicados a la única ocupación posible en aquel lugar: los rebaños de ovejas. De ellos aprende que si quiere dedicarse al ganado, y tener su propia ganadería, va a tener que encontrar una mujer. El problema es que las chicas solteras no abundan en la zona. Tulpan, la hija de otra familia de pastores, parece ser la única candidata posible, pero ella tiene otros planes.

Dirección: Sergey Dvortsevoy. Países: Kazajistan, Rusia, Polonia, Suiza. Año: 2008. Duración: 100 min. Género: Drama. Interpretación: Askhat Kuchinchirekov (Asa), Samal Yeslyamova (Samal), Ondasyn Besikbasov (Ondas), Tulepbergen Baisakalov (Boni), Bereke Turganbayev (Beke), Nurzhigit Zhapabayev (Nuka).

5) Sábado 9 de abril: La muerte del señor Lazarescu (Rumania)

Rumania anda dándole al mundo grandes películas. Una de ellas es esta sombría y a la vez cómica visión de la ineficiencia del sistema de salud. Gris como las calles de Bucarest.

Sinopsis: Dante Remus Lazarescu se encuentra mal. Anciano, viudo, testarudo, vive solo en su piso, con la exclusiva compañía de tres gatos. Tras llamar a una ambulancia, espera impaciente su llegada. Insiste en las llamadas, habla con por teléfono con su hermana, que vive en otra ciudad, de sus molestias. Un matrimonio vecino le atiende hasta que al final viene la ayuda médica. La larga noche se prolonga entre idas y venidas a hospitales, pruebas varias, reacciones más o menos malhumoradas de los distintos profesionales.

Año de producción:2005. País: Rumania. Dirección:Cristi Piui Intérpretes: Ion Fiscotenau.

6)Sábado 16 de abril: El arte de llorar en coro (Dinamarca)

Esta es de las más jodiditas. Historia oscura como pozo de noria. Muy bien contada, eso sí y como protagonista de este cuento macabro, un niño. La vi este año, y me pareció excelente.

Sinopsis: La vida no es fácil para Allan, el joven protagonista de esta novela. A sus once años debe hacer uso de toda su astucia para que su padre esté contento, ya que sólo así la familia permanecerá unida. Claro que lo que más feliz hace a su padre es recitar discursos en los funerales; sus emotivas intervenciones arrancan las lágrimas de todos los asistentes. Con la ayuda de sus dos protectores, Tarzán y san Gabriel, Allan asume la responsabilidad de conseguir que los famosos panegíricos vuelvan a escucharse: la pérdida de un hombre es la ganancia de otro.

País:Dinamarca. Reparto:Jannik Lorenzen, Jesper Asholt, Hanne Hedelund, Julie Kolbeck, Rita Angela. Director: Peter Schonau Fog.Nombre Original:Kunsten at grande i kor. 106 min.

7) Sábado 23 de abril: Canciones del Segundo Piso (Suecia)

Una de mis películas favoritas de todos los tiempos, dirigida por un genial genial Roy Anderson. Esas películas que sólo se pueden amar.

Sinopsis:La película, filmada casi en su totalidad en tomas de plano general, proyecta la vida de varios personajes en una ciudad embotellada por el tráfico. Esa detención del tránsito y la extraña manifestación callejera de un nutrido grupo de personas, que caminan como en una procesión de leprosos flagelantes del Medioevo, sirven como contextos urbanos para las situaciones tragicómicas que viven los personajes de Andersson.

Año de Producción: 2000 Estudio: Danmarks RadioDuración: 98 Director:Roy Anderson Con: Lars Nordh, Stefan Larsson.Producción: Dinamarca,Noruega,Suiza Categoría: Drama, humor negro.

8) Sábado 30 de abril: The fall

The fall, hay gente que ama y hay gente que odia esta película. La incluyo en la selección porque a nivel fotografía es una jodida obra de arte. Ni qué hacerle, vale la pena verla sólo por eso.

Sinopsis: En los años veinte, un especialista de secuencias de acción es ingresado en un hospital tras una caída que lo deja sin poder andar. Allí encuentra el apoyo de Alexandria (Catinca Untaru), una joven con un brazo roto con la que cierra una promesa: le va a contar la historia más maravillosa del mundo. El relato pronto sobrepasará todos los límites, trasladando la película a todos los confines del mundo.

Dirección: Tarsem.Países: USA, Reino Unido e India.Año: 2006.Duración: 118 min.Género: Drama, aventuras.Interpretación: Lee Pace (Roy Walker), Catinca Untaru (Alexandria), Justine Waddell (Evelyn), Julian Bleach (Mystic), Leo Bill (Charles Darwin)

9) Sábado 7 de mayo: Strings (Dinamarca)

Película curiosa, mágica, bella. Protagonizada por marionetas 100%. Una rareza exquisita que también vale la pena ver.

Sinopsis: La trama de la historia sigue las pautas de los cuentos clásicos: trata de un reino situado en un lugar de fantasía, cuyo monarca muere en extrañas circunstancias; su hijo, el príncipe heredero, jura vengar la muerte de su padre y para ello decide entrar en el país de sus enemigos; así, en el camino hacia su destino, ha de superar diversas pruebas iniciáticas.

Año de Producción: 2004. Voces: Derek Jacobi, Ian Hurt y Catherine McCormack. Dirección: Anders Ronnow Klarlund

10) Sábado 14 de mayo: Canino (Grecia)

Espectacular película griega que estaba nominada este año a Mejor Película Extranjera. Rarísima, con una alta carga de violencia psicológica, bizarra…fantástica.

Sinopsis: Un padre, una madre y sus tres hijos viven a las afueras de una ciudad. Su casa está rodeada por un alto muro. Los niños nunca han salido de allí. Su educación, sus aficiones, sus diversiones, su aburrimiento, su estado físico… todo se ajusta al modelo impuesto por los padres, sin ninguna huella del mundo exterior. Ellos creen que los aviones que vuelan por el cielo son juguetes y que los zombies son pequeñas flores amarillas.

Título original: Kynodontas. Dirección: Yorgos Lanthimos. País:Grecia Año: 2009. Duración: 94 min. Género:Drama. Interpretación: Christos Stergioglou (padre), Michele Valley (madre), Aggeliki Papoulia (hija mayor), Mary Tsoni (hija pequeña), Christos Passalis (hijo), Anna Kalaitzidou (Cristina).

IMAGINEA ARTE Y CULTURA LANZA CONVOCATORIA PARA LA 2° SEMANA INTERNACIONAL DEL CORTO

 

Después de la exitosa primera versión de la Semana Internacional del Corto, y la amplia participación de realizadores de todo el mundo, Imaginea Arte y Cultura tiene el agrado de presentar una nueva convocatoria para todos los realizadores y amantes del audiovisual interesados en participar.  

 

Este año el evento tiene como principal objetivo consolidarse como una plataforma independiente, para obras cinematográficas y audiovisuales de corta duración, además busca promover el trabajo de realizadores emergentes y experimentados, en un evento de calidad programado en diferentes espacios y para públicos diversos. Este será también un encuentro entre creadores y público a través de distintos eventos especiales.

 

A diferencia del año pasado, la nueva convocatoria cuenta con la categoría de “Mejor corto para niños”, además de ofrecer galardones artísticos en las siguientes categorías; Mejor director, mejor actor o actriz, mejor guión original o adaptado y mejor fotografía. Esta iniciativa parte de la necesidad de incentivar y reconocer el trabajo que se realiza en éstas categorías  y que en la mayoría de los festivales relacionados al cortometraje de nuestro medio, no es reconocido.  

 

El Gran premio al “Mejor Corto 2011” será otorgado por el público, el ganador recibirá un galardón y  1000 $us. (Mil dólares americanos). La fecha límite para la entrega de trabajos es el 24 de marzo. 

 

La convocatoria y las bases del concurso se encuentran en la página web: www.sicorto.com y en el grupo de Facebook “Semana Internacional del Corto 2011”. Para más información: semanadelcorto@gmail.com.

Russian Red

Eran las 5 y algo de la tarde. Canal 83 / TVE. Entrega de los Premios Goya. Aburrida, hacía zapping y volvía, hacía zapping y volvía. En Sony pasaban de nuevo Greys Anatomy y Private Practice.
Vuelvo a los Goya. De pronto, salen las nominaciones a Mejor Canción, y fue amor a primer oído. Ese tipo de momentos KODAK, donde basta una nota, un sonido, una tesitura de voz para que te encante. Loving Strangers era el tema, y era parte del soundtrack de la más reciente película de Julio Medem: Habitación en Roma. El premio lo ganó Drexler, pero Loving Strangers ya se había instalado en mi corazón. He aquí el motivo del embeleso.
Resultó que la cantante se hacía llamar Russian Red, que no tenía más de 25 años, que era española, que ella mismita escribe sus temas y que al igual que Marlango cantaba en inglés. Según que porque toda su educación musical es en inglés y que porque así el nacía. Da lo mismo: inglés, español, la tipa tiene un aura y una música que trasciende el idioma.
El 2008 lanzó su primer disco, intitulado I love your glasses, ese mismo año empezarían a usar sus canciones en soundtracks de películas. El rey de la montaña usaría el tema Another Mind.
Actualmente, Russian Red, llamada así por el nombre del color de lápiz labial que suele usar, se encuentra en Escocia grabando su nuevo disco. Este segundo trabajo saldrá a la venta en mayo, bajo el nombre Home Tonight.
Enmarcada dentro del género indie folk, hay que seguirle los pasos a esta cantautora española.
Una voz para descubrir, una voz para amar.
1 52 53 54 55 56 79
Go to Top