LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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Crítica - page 2

CINE IRANÍ: El Cliente/The Salesman/ Forushande

Por: Mónica Heinrich V.

Esta es una historia que se cocina a fuego lento, como casi todas las historias que Asghar Farhadi lleva a la pantalla.

Recordemos la desaparición de Elly en About Elly, o la conflictiva separación de Nader y Simín en la maravillosa A Separation.

El cineasta iraní no decepciona. No.

The salesman o El Cliente ya se puede ver en las salas de cine bolivianas y, además, hoy acaban de postularla a Mejor Película Extranjera en los premios Oscar de este año.

¿Vale la pena verla? Háganse un favor y vayan, no la dejen pasar. the-salesman_poster_goldposter_com_1.jpg@0o_0l_800w_80qUn matrimonio sólido que usa su tiempo libre para dedicarse al teatro, ve cómo su hasta ahora apacible vida se trastoca.

La película comienza con el edificio en el que viven resquebrajándose, obligándolos a buscar un nuevo hogar.

Un buen amigo dice presente y les ayuda a alquilar otro departamento.

El primer conflicto (mudanza) es sobrellevado y se presenta un nuevo conflicto: la inquilina anterior dejó una habitación llena de sus cosas con la promesa de volver a recogerlas.

Esta ex inquilina será una sombra constante a lo largo del filme, por eso cuando sucede lo que sucede, Farhadi hace lo que mejor sabe hacer: sembrar la duda.

El relato desarrolla un paralelismo entre el edificio resquebrajado, la obra de teatro La muerte de un viajante de Arthur Miller  y la traumática experiencia que vive Rana.

Via1La maestría de Farhadi consiste en nunca decirte realmente lo que sucede, en plantear escenas o situaciones que dan pie a muchas interpretaciones, en dotar a sus personajes de matices suficientes para hacerlos humanos y en cerrar sus historias de una manera inesperada y demoledora.

SPOILERS

El cliente, ofrece varias subtramas, A) la que se desarrolla en el aula de clases de Emad que subrepticiamente acaricia la censura iraní y los problemas de género, además que sirve para pintarnos la altura moral de Emad B) Cuando Rana es atacada, el ataque nunca se ve, y se abre, además de la violencia ejercida contra ella, una veta relacionada con la prostitución de la ex inquilina a quien el resto juzga con dureza y a la que nunca denominan prostituta o puta, aunque todo el tiempo se lo insinúa C) La incapacidad de Rana de sobreponerse al ataque aunque su postura oficial es dejarlo ir, y Emad que no puede dejarlo ir por lo que emprende una suerte de búsqueda con el fin de quitarse algo de culpa y vengarse D) la autoría del hecho que recae en una persona mayor, aparentemente inofensiva, familiar E) Ejecutar un castigo ejemplificador o tratar de seguir adelante F) La postura patriarcal de la sociedad iraní, el temor a la denuncia, el tener que explicar ¿Por qué lo dejó entrar?, el tener que revivir todo y ser cuestionada por su condición de mujer G) La metáfora de la obra de Miller que acompaña en escenas cumbres las tribulaciones de los personajes de Farhadi que tienen que continuar su rutina, como cuando los actores se suben al escenario una y otra vez sin importar qué suceda en la realidad H) El final, ese en el que la pareja es la misma pero ya no lo es. Ese en el que la pareja es maquillada, avejentada, ese en el que la vida pasó e hizo lo suyo.

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Me gustó el manejo de todas esas subtramas, aunque se tenga que meter con calzador al alumnito cuyo padre trabajaba en tránsito para que facilite la placa del abusador. Me gustó mucho la escena de la comida, cuando todo parece volver a la normalidad y se va al carajo, dejando claro que no, no se puede volver a la normalidad. Me gustó la escena del viejo, cuando se descubre que fue él, cuando se plantea ante Emad y el espectador la disyuntiva de perdonar o no.

FIN DEL SPOILER

Reconozco que no es la mejor película de Farhadi. No llega a la sutileza, a la perfecta y redonda trama que planteaba A separation, pero en definitiva es una película para ver, de esas que te dejan pensando que las desgracias siempre muestran lo peor y lo mejor de la gente, de esas que se te quedan en tu cabeza dando vueltas.

No cabe duda que Farhadi es un gran guionista, lo que lo hace “grande” es, me parece, ese manejo casi artesano de su trama, y una austeridad en lo formal que demuestra una vez más que para hacer buen cine no se necesitan grandes presupuestos sino una buena historia y esa rara e invaluable capacidad de saber contarla.

Lo mejor: Interesante historia, con unos protagonistas que te llevan de la mano y un buen pulso del director/guionista Lo peor: en lo personal, no me gustaron mucho las escenas con los alumnos, los textos, las actuaciones, quizás lo más flojo de todo La escena: la de la comida con el niño, y la de los zapatos, cuando se los quita Lo más falsete: el alumnito que tenía el papá que trabajaba en tránsito y podía hacerle un favor al maestro El mensaje manifiesto: Hasta lo más sólido se puede derrumbar El mensaje latente: a veces, el castigo que merecen quienes nos dañaron es un castigo más para uno mismo El consejo: Para ver en pantalla gigante, subtitulada El personaje entrañable: Rana El personaje emputante: el viejo de mierda manipulador y mentiroso El agradecimiento: por regalarnos, una vez más, una buena película.

CURIOSIDADES

Asghar Farhadi estudió Teatro como carrera universitaria y obtuvo una licenciatura.

Filmó dos cortos en 16mm y en 8mm cuando era apenas un adolescente.

Durante sus primeras etapas de producción, Farhadi posteo en una red social una invitación para que le mandaran videos cortos para el casting de esta película, miles de iraníes enviaron sus pruebas deseando ser elegidos.

Esta es la cuarta película de Farhadi con Taraneh Alidoosti (Rana) y la tercera con Shahab Hosseini (Emad).

La filmación se detuvo por la repentina muerte de Yadollah Najafi, que era el sonidista de este proyecto.

La película rompió record de taquilla en Irán.

Farhadi estaba tan metido en esta película que interrumpió un proyecto que tenía en España con Penélope Cruz como actriz principal para volver a Irán y filmar El Cliente.

Farhadi ya ganó un Oscar por A Separation.

CINE: Train to Busan/ Tren a Busan y Passengers / Pasajeros

Por: Mónica Heinrich V.

Señores, estoy que deshojo margaritas esperando la gran batalla entre el grupo de Rick y el malévolo/sexy/sensual Negan. Muero por ver a Lucille chorreando sangre. Necesito que sus púas se lleven consigo a Morgan, lo necesito.

Mientras esos gloriosos momentos llegan, estos coreanos irrumpen a lo grande para decirnos que ya está bueno de los zombies boludos, lentos y fofos. Ya está bueno. Los de The Walking Dead han vivido bien, y no lo saben. No lo sabíamos.

Acá no hay walkers, acá hay runners y estamos ante una de las películas de zombies más divertidas y mejor hechas que he visto dentro del género.

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Soo Ann vive con su papá, pero su papá es trabajólico, tiene otras prioridades. La niña está de cumpleaños y el tipo ni siquiera le compró un regalo personalmente o tuvo un gesto paternal real. Conciente que se fue al chancho decide concederle a su hija lo que hace tiempo le pide: ir a visitar a la mamá en Busan.

Hacia allá se van. ¿Cómo? Por tren, el tren a Busan, claro. Coincidentemente, un terrible virus que convierte en zombies a las personas se está extendiendo a la velocidad de la luz. A los pasajeros del tren los pescará desprevenidos y tendrán que luchar para sobrevivir. La vieja lucha del débil, el fuerte, el ñoño, el egoísta.

La película dirigida por Sang Ho Yeon es emocionante. Los 10.000.000 de coreanos que la han visto no pueden equivocarse. No.

Sang Ho Yeon, que también escribe el guión, maneja su historia a la perfección, crea los personajes entrañables que deseamos no se lleven el mordisco mortal: Las hermanitas ancianas, la pareja embarazada, los chicos atletas, el mendigo y la niña cumpleañera.

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No dejen sola a Soo Ann!

El director coreano tiene una conciencia del ritmo y de los puntos de giro que hacen que sea imposible apartar los ojos de la pantalla. Además, su dirección de arte y vestuario son impecables, muy muy cuidadas.

SPOILER

En medio de todo el despelote, en medio de la sangre, de los sacrificios, del heroísmo, llega el momento culminante, ese en el que te descubrís soltando lágrimas por una película de zombies, ese en el que te muestran una muerte poética (el sol, la sombra que cae) mientras atrás se escuchan los gritos desgarradores de alguien que ha perdido a un ser querido.

Sí, Train to Busan tiene muchos aspectos elogiables. Desde su fotografía hasta las truculentas escenas de acción. Notable que se haya condensado tan bien la historia en el tren y que la emoción no decaiga hasta llegar al final después de casi dos horas de espectáculo.

Es verdad que tiene unas cuantas secuencias estúpidas, sobre todo la referente a la puesta fuera del vagón del grupo que piensan está «infectado», pero a pesar de cualquier bache o falla argumental existe un resultado global bastante parejo que hace la experiencia más que satisfactoria.

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Este es el compañero de Apocalipsis que todos deseamos tener

SPOILER FINAL

No por nada los gringos, que siempre andan colgándose de donde pueden, ya están planeando el remake. Apuesto lo que quieran que será mucho menos efectivo que esta joyita coreana. A mí me mantuvo hincándole las uñas, literalmente, a compañero de butaca y emitiendo los típicos gritos de ¡NO! a la pantalla cuando la emoción te supera.

Sang Ho Yeon, estrenó al mismo tiempo (2016) un anime llamado Seoul Station, también con temática zombie. Esta semana planeo verlo. Así como el resto de su filmografía: The fake y The King of Pigs. Todas anime.

Porque, aunque no lo parezca, Train to Busan es el debut de este director con actores en pantalla y QUÉ debut. Si estás buscando algo interesante/entretenido para ver en la cartelera local, elegí cien veces esta película cuya trama es harto ya vista, pero que con el director correcto entrega grandes, grandes momentos.

Lo mejor: trepidante y muy bien narrada Lo peor: … La escena: cuando los bichos se cuelgan del tren y la muerte de los dos que sabemos  Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: las desgracias sacan lo peor de la gente El mensaje latente: también sacan lo mejor El consejo: Vela en pantalla gigante y subtitulada, lo vale! El personaje entrañable: Soo Ann y los embarazados El personaje emputante: el pendejo que provoca todo el caos El agradecimiento: por la pericia, por la emoción.

Si ya la viste, puntúa la película!

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Passenger/Pasajeros

No sé qué más tiene que hacer el guionista Jon Spaihts para convencernos que lo suyo no es hilar bien las historias de ciencia ficción.

Veamos: The Darkest Hour, Prometheus, Doctor Strange, y ahora Passengers.

Curiosamente, todas tienen en común que se parte de una muy buena base. Luego, las historias se descalabran hasta acabar en el sinsentido o en las ganas de poner a hibernar al señorito Spaihts.

Lo de Passengers incluso tiene otros problemitas, más serios. Sí.

Lo siguiente está lleno de spoilers, lo aclaro porque después hay quienes lloran sobre la leche derramada.

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Resulta que el ser humano ha evolucionado lo suficiente para construir cruceros espaciales donde, además, los crispines que desean  perpetuarse en el tiempo y vivir “mejores días” pagan por un sueño artificial en el que pasan cientos de años hasta llegar a su nuevo hogar, un planeta modelo onda urbanización del Urubó.

En la nave todos están botando baba sobre la almohada, hasta la tripulación. La cosa se ha mecanizado tanto que las computadoras se encargan de cualquier inconveniente, si hay alguna colisión el coso se autorepara.

Negligencia everywhere, si vas a hacer algo así que los pendejos se duerman por turnos, digo yo. No le vas a dejar al azar un negocio de millones de dólares (insertar sonido de caja de supermercado)

El caso es que el aparato choca contra algo y ese algo daña los sistemas al punto que ¡OH! Desgracia. De las quichicientas cápsulas que hay de pasajeros se daña UNA, la de Jim, la de Chris Pratt.

Jim se despierta 90 años antes de la llegada al planeta prometido. Ok, Jim, tranquilo.

La película, dirigida por el noruego Morten Tyldum (The Imitation Game, Buddy, Fallen Angels) entra en una brecha existencial. Jim está solo, le faltan 90 años de viaje, hay cosas que amainan su triste vida dentro de la nave, pero está y estará solo.

Cojudamente solo.

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Estoy solito, muy solito

La premisa es, como ya dije al principio, simpática, atractiva. Plantea cuestionamientos válidos, uno se pone a reflexionar sobre su propio accionar y las posibilidades narrativas se despliegan ante nuestros ojos con entusiasmo. People need People, podría ser su slogan.

Si fueran mis calzones estaría chocha, no despertaba a «nadies», pero Jim se deprime ante la ausencia de más bípedos humanos.

No vamos a culpar a Morty (el director) de lo que sucede después, porque ya está establecido que el culpable, el responsable de cómo se tuercen las cosas es Spaihts.

Sí, vos Spaihts.

De esa primera parte linda e interesante, saltamos a la introducción de Aurora, el personaje de Jennifer Lawrence.

Jim decide que ya no puede seguir así, solito con su alma, y que tiene que despertar a alguien, y ¿a quién despierta? No, no es a la gorda que en la vida real limpiaba baños o a un viejo que coleccionaba estampillas, él elige despertar a Aurora, la linda, joven, y escritora Aurora.

Luego, sirviéndose de sus accesos a la nave, la stalkea (lee su archivo, ve sus grabaciones antes de embarcar) hasta que dice estar enamorado de ella.

Stalkers everywhere.

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Dejá que te toque el piano, para compensarte que te cagué el viaje y la vida.

La película plantea la decisión desde un punto de vista ético, que lo tiene, pero se olvida de lo perturbador que resulta todo, más allá de lo básico que es despertar o no despertar a algún compañero de viaje.

Passengers, entonces, cambia la premisa existencial o filosófica del ser ante la nada y adopta un tono edulcorado, romántico para que veamos con buenos ojos a ese prospecto de forzada “pareja”, esa donde el sujeto la eligió a ella como cuando se escoge un cachorro en una tienda de mascotas.

Y ahí están, dos de los actores más lindos de Hollywood viviendo una situación conflictiva en una súpernave, pero que gracias a Dios se tienen el uno al otro. Es pues casi bíblico.

Aurora manifiesta que es la primera vez en su vida que no se siente sola.

Muere Spaihts, muere.

Después de despelotes varios, el guionista concluye su aventura espacial con nuestra heroína “enamorada” del “abusador” (fue un abuso, mis queridos lectores), dejando sus sueños de vida (incluso abandonó a su familia y seres queridos en la Tierra por perseguirlos) y quedándose a mirarle la jetota a Jim para siempre. Por amor.

Qué triste historia, carajo.

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Cada vez que te enojés conmigo te voy a hablar por los altoparlantes. Sabelo.

Este bochorno nos lo venden como lo más romántico del mundo, y la doña se llama Aurora en honor a La Bella Durmiente, esa tipa que se queda botada durmiendo hasta que viene un imbécil a besuquearla.

Pues no, no salí muy satisfecha de la sala de cine.

Estuvo muy entretenida al principio, y luego se degeneró en esta suerte de película sin personalidad, donde la idea de la felicidad es encontrar tu alma gemela o a un stalker que te manipule lo suficiente como para desarrollar el síndrome de Estocolmo.

Si no se la toma en serio, pasa por una película relativamente entretenida, sin mayores sorpresas que concluye torpemente.

El mexicano Rodrigo Prieto es el ojo detrás del lente. A un currículum compuesto por películas como Argo, Brokeback Mountain, The Wolf of Wall Street, Babel, se le suma este trabajo. Prieto hace lo suyo con maestría entregándonos escenas lindísimas en las que se combinan los efectos especiales y una buena composición del plano. Lo colaboran una dirección de arte de lujo. Una banda sonora disfrutable, algunos personajes pintorescos como el androide sin pantalones y esito sería.

Como dije antes, la culpa no es de Morty, el director noruego, ya que Passengers es una película por encargo, con un muy feo guión que está en espera desde el 2007 y que pasó por varias opciones de dirección y casting.

Hay quienes gustan de comparar películas del mismo género, y en este caso se podrían preguntar si el filme es igual o superior a Arrival o Gravity. No. No le llega ni a los talones a ninguna, porque se conforma con ser una boba película “romántica” sin mucho que ofrecer aparte de la cara de espanto que generará en algunos espectadores que se sentirán asqueados por su final.

Lo mejor: Estéticamente linda como sus protagonistas Lo peor: si se la toma en serio es groseramente machista La escena: cuando la desconecta, evidentemente la cosa se pone turbia ahí Lo más falsete: que en el fondo no es un mal tipo y es material romántico El mensaje manifiesto: está bien abandonar las cosas con las que siempre soñaste por «AMOR» El mensaje latente: hace falta una edición de guiones en Hollywood El consejo: no esperes gran cosa El personaje entrañable: Arthur, el androide, el ser más sincero y sano del lugar El personaje emputante: el pendejo de Jim, por stalker y la pendeja de Aurora, por sometida El agradecimiento: porque Andy García solo sale medio segundo en esa huevada.

CINE RUMANO: Comoara / El tesoro

Mónica Heinrich V.

Me gusta el cine rumano. Me gusta su sencillez, su desapego a las fórmulas comerciales, su partir de una cosa mínima y abrir un abanico de historias sin que ni siquiera te des cuenta.

También me gusta lo que el cine rumano te/me hace sentir.

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Adrián (Adrián Purcarescu) se decide a visitar a su vecino Costi (Toma Cuzin) y le pide prestado dinero. Adrián está a punto de perder la casa familiar y dice que necesita 800 euros. Costi, que parece un tipo muy ducho con las matemáticas, empieza a sacar las cuentas de cómo el vecino llegó a esa situación. Finalmente, rechaza el pedido porque él mismo se encuentra ajustado. La crisis de la Cenicienta de Europa no es ajena a nadie.

La escena puede resultar chocante por el absurdo y por la charla en sí misma, pero estos rumanos se las ingenian para que se entre en la convención de que “puede suceder”.

Adrián se va, pero al rato regresa. Le cuenta a Costi que en realidad necesita la plata para buscar un tesoro, siendo más precisos: para pagar el detector de metales. Aparentemente, su abuelo escondió algo en la casa familiar antes que los comunistas tomaran el país.

¿Cómo lo sabe? Porque el abuelo le susurró antes de morir: Cuida la casa.

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La casa resulta ser otro personaje más. Ella ha sido testigo de los cambios políticos en Rumania: fue tomada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, luego recuperada, luego alquilada con infinidad de usos (bares, farmacias, etc..). Así se alza misteriosa, con un vasto jardín que contiene la posibilidad de un futuro económico para ambos personajes.

En el cine comercial esta historia se manejaría de otra manera: o más onda suspenso, o más onda estrafalaria. El director y guionista, Corneliu Porumboio, se va por el lado simple de la vida. Plantea el conflicto (la búsqueda del tesoro) y sus personajes (dos adultos profesionales y educados) hacen lo posible por solucionarlo en un tempo tranquilo y mesurado.

La búsqueda del tesoro es solamente una excusa para contarnos cómo está la Rumania que sobrevivió a Ceaucescu.

Todo es patético y triste y cómico y absurdo.

La primera parte está destinada a conseguir el detector de metales, mientras que la segunda seguimos a nuestros personajes para descubrir junto a ellos si el dichoso tesoro existe o no. Planos fijos, silencios, tiempo muerto, son parte de la visión del director.

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Como se basa en un hecho real, Rumania tiene leyes que tipifican lo que encontrás como “tesoro” y lo que debés hacer en caso de tener éxito en la búsqueda. Así que los protagonistas tendrán ciertos obstáculos con la misión.

Un poco de realismo social y otro poco de realismo burócratico, hacen de El Tesoro una experiencia en la que tenés un filme con cierta ingenuidad y límpida mirada que en realidad escarba en el oscuro pasado rumano.

Su final, acorde a los personajes decentes y patéticos que retrata, encierra una paradoja. Porumboio cierra su peculiar fábula como si fuera un bonito cuento de hadas.

Nuevamente, el cierre ingenuo esconde más miseria de lo que parece.

Lo mejor: una historia simpática contada con sensibilidad Lo peor: no destaca del todo, y no es una película que todos podrán ver con paciencia La escena: toda la secuencia de la detectada y la cavada Lo más falsete: algunos diálogos didácticos onda: ¿Te acordás que en 1985 Ceausescu se tiró un pedo y pasó tal cosa? El mensaje manifiesto: Las revoluciones no revolucionan El mensaje latente: No todo se trata de dinero El consejo: no te cambiará la vida ni te hará lanzar cohetes pero si tenés la paciencia para verla, es una linda película El personaje entrañable: el tesoro El personaje emputante: la desesperación El agradecimiento: por la austeridad.

CINE HÚNGARO: El hijo de Saúl (Son of Saul/Fia Saul)

Por: Mónica Heinrich V.

«Nunca se sale del campo” dijo Shlomo Venezia sobre Auschwitz en una entrevista del 2010.

Shlomo fue uno de los 70 Sonderkommandos que sobrevivió al holocausto judío.

Shlomo fue uno de los miles de Sonderkommandos.

Los Sonderkommandos eran grupos “especiales” que los Nazis formaron para que los judíos se conviertan en ejecutores de otros judíos a cambio de mejores condiciones de vida dentro del campo. Como dice el director húngaro László Nemes, a esas personas se les arrebató hasta el consuelo de sentirse inocentes.

b8b2c578-saul-posterSaúl, nuestro Saúl, también está en el campo, en Auschwitz y es un Sonderkommando.

Los primeros segundos del filme escuchamos sollozos apagados, vemos siluetas difusas, y la muerte esperando.

Fuera de foco.

La cámara acompaña con precisión esa demoledora introducción donde se nos presenta a un personaje sumergido en un infierno para el cual no existe aún una palabra o descripción posible.

Foco.

Saúl hace su trabajo como un autómata. La muerte se ha normalizado y de alguna manera todos cumplen un rol.

Los prisioneros entran a darse una ducha que los limpiará del largo viaje en tren, se desnudan, apilan la ropa en colgadores con números-no se olviden del número, cuando regresen les ayudará a ubicar sus cosas- y pasan a las cámaras de gas.

Screen Shot 2016-05-24 at 5.05.56 p.m.

No. Claro que no.

Los sonderkommandos no podían decirles a los prisioneros que iban a ser exterminados, que la prometida ducha no era otra cosa que un mortífero gas,  no estaban autorizados para hablar. Su labor consistía únicamente en optimizar la llegada de los trenes, la repartija de la gente (“selección”) y, luego, hacer de la muerte un hecho eficiente.

ALERTA SPOILER

Esa tarde en la que escuchamos los pájaros cantar y vemos las ramas verdes que se mecen, un nuevo tren llega.

Estos nuevos prisioneros son llevados nuevamente a la cámara de gas, nuevamente se desnudan y nuevamente mueren. Saúl, en un instante que no se remarca, descubre entre los cadáveres a su hijo.

FIN DEL SPOILER

Nemes, el director, te tiene agarrado- literalmente- de los ovarios y de las pelotas. Su cámara, portando durante toda la película un lente de 40 mm., nos da la información que Saúl permite.

No hay los grandes planos de otras películas que tocan el tema de la locura nazi, no existe ese aspaviento de mostrarte miles y miles de cadáveres, de hechos terribles y desgraciados en primer plano casi con morbo, no los hay, porque en la concepción que hace Nemes del horror no son necesarios.

Screen Shot 2016-05-24 at 5.07.33 p.m.

El fuera de foco se usa para insinuártelo, para que tu imaginación, para que tu mente llene los espacios en blanco.

El horror no parte de afuera, nace desde lo más profundo del espectador.

Y funciona.

ALERTA SPOILER

Saúl, en medio de su oficio de Sonderkommander, rodeado de muertes, de hombres/mujeres/niños sentenciados, decide que su hijo debe tener un correcto entierro judío. Él no permitirá que el cuerpo sea cremado o echado a una fosa común.

Es su hijo. O eso parece creer.

Se abre una jodida ventana en la que se pone en duda si este hijo por el cual se está arriesgando tanto es en verdad el hijo de Saúl o es parte de un delirio producto de las crueles circunstancias.

El resto de la película vamos junto a este sujeto, que ya tiene una enorme X roja dibujada en su chaqueta, en la búsqueda de un “rabí”, un rabino que le ayude a enterrar a su hijo.

saul-fiaParalelamente, los sonderkommandos saben que a su unidad les está por llegar la hora y deciden resistirse

Cada tres o cuatro meses los sonderkommandos eran eliminados también, una forma de purga que garantizaba el secreto de lo que se hacía en el campo y en la vida real es en 1944 que se tiene registro de la única rebelión llevada a cabo en Auschwitz:  los sonderkommandos que intentaron escapar a su destino.

Nemes, toma este escenario e inserta a Saúl y al cadáver de su hijo.

FIN DEL SPOILER

Con un tema que parecía agotado, el cineasta húngaro consigue dar una bofetada. Tipo guante de box que lleva dentro un ladrillo. No solo retrata los abismos de la locura nazi, sino los abismos de la locura de los prisioneros.

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La película tiene muchas capas, cosas que se dejan en el aire esperando ser interpretadas.

Es un filme incómodo, abrumadoramente triste y desolador.

Lo que más se agradece y se reconoce es la magistral lección cinematográfica que da el director en esta opera prima.

Con una economía de recursos notable construye una  película memorable.

El hijo de Saúl visualmente tiene una apuesta arriesgada. Este estilismo se maneja casi enteramente con planos cerrados, planos secuencia, luz natural en los exteriores, fuera de foco y silencios.

85 escenas bastan para ser partícipes de la barbarie.

El guión escrito por el mismo director y por la francesa Clara Royer, tiene sus altibajos a partir de la mitad de la película, altibajos donde se puede sentir en algunos momentos la mano de los guionistas, pero eso no importa. No.

La historia es tan poderosa que cuando llegan los enormes minutos finales y el niño corre entre el bosque alejándose de la muerte, es imposible no sentir ganas de aplaudir.

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Lo peor es que Shlomo Venezia tenía razón, una vez conocés el campo, no se lo deja nunca.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: a nivel técnico es una joya en todo sentido Lo peor: quizás, esperaba más del guión La escena: el principio, el final Lo más falsete: lo del falso rabí, muy predecible El mensaje manifiesto: en el horror uno se pierde El mensaje latente: nunca se deja el campo El consejo: para verla y admirarla en su grandiosa factura El personaje entrañable: los prisioneros El personaje emputante: los nazis El agradecimiento: por una lección de cine.

CURIOSIDADES

  • Se filmó en 28 días con un presupuesto cercano a 1.000.000 de dólares.
  • En inició se planteó como una película francesa con un personaje francés y en coproducción con varios países, finalmente los candidatos se bajaron del barco por encontrar el filme muy riesgoso.
  • László filmó El hijo de Saúl basándose en una especie de Dogma personal: La película no tendría que lucir hermosa, no se podía convertir en una película de terror, quedarse con Saúl significaba no ir más allá de su campo de visión o escucha o presencia y la cámara se queda con él a través de ese infierno.
  • El trabajo más arduo fue el diseño de sonido que tomó cerca de 5 meses. Voces humanas en 8 idiomas fueron agregadas a lo largo del metraje para darle mayor realismo a la situación.
  • Ninguna de sus 85 escenas dura más de 4 minutos.
  • Géza Rohrigh (Saúl) es un poeta amigo de László que fue invitado por el cineasta para hacer un papel secundario. Cuando vieron su casting quedaron convencidos que era la persona ideal para interpretar a Saúl. Géza no actuaba desde los 80s.
  • El hijo de Saúl (al inicio vivo y luego muerto) fue interpretado por un par de gemelos que se turnaron durante la película.
  • László fue asistente de Bela Tarr.
  • La mujer que le da la pólvora a Saúl existió realmente y fue ejecutada por el mismo hecho durante la rebelión del 44.
  • La certeza de que se trataba del hijo de Saúl era precisa en los primeros borradores, en las re-escrituras se fue tornando una realidad ambigua, y marcando la duda de si no eran delirios de Saúl. Uno de los que creen que no era su hijo es precisamente el actor que interpreta a Saúl.
  • La familia materna (abuelos de su madre) del director húngaro murió en campos de concentración.
  • Hay un corto de László filmado en 2007 que ya marcaba un poco el tono de lo que sería El hijo de Saúl y que aborda la temática del holocausto:

CINE: The hateful eight (Los odiosos ocho)

Partamos diciendo que The hateful eight NO es lo mejor de nuestro querido Quentin Tarantino. No. Sigamos con que no tiene un ápice de sentido y que todo se desarrolla con el mismo caos y excentricidad que cuando intentás hacer caipiriñas en un vaso de plástico y no tenés idea de las medidas ni del orden de los ingredientes.

Eso puede generar el odio más corrosivo por Los odiosos ocho. Ajá. Pero he aquí un detalle: tal vez no sea lo mejor de Tarantino pero sigue siendo una película de Tarantino.

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Con esto quiero decir que tiene personajes pintorescos y escenas pendejas que harán que valga la pena sentarte como 3 horas a ver ese desfile de autoreferencias que se te antojará eterno.

Q.T. se inclina (una vez más) por el western y sitúa la acción en la América profunda y racista que ya nos mostraron en Django.

Una diligencia avanza por la blanca nieve, en ella viajan don John Ruth (Kurt Russel) y Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh). La diligencia se detiene en el camino para darle aventón al mayor Marquis Warren (Samuel Lee Jackson) y Chris Mannix (Walton Goggins).

Ruth está llevando a la señorita Daisy al pueblo Red Rock para obtener una recompensa por su cabeza y ver cómo la ejecutan en la horca.

Es evidente que la presa, Daisy/Jennifer, será el botín a disputar y es evidente que Ruth no debió detener NUNCA esa maldita diligencia.

Así las cosas, charlas van y vienen y nos damos cuenta que en esta nueva película de Q.T. escucharemos un montón de texto y que dentro de su filmografía es su película más «diferente». Diferente porque pone el diálogo por encima de la acción.

odiosos-2Pero volvamos al argumento: a la situación ya de por sí incómoda y peligrosa, se suma el hecho de que hay una tormenta a punto de alcanzar a los viajeros y la troupé se detiene en una especie de tiendita: la famosa Mercería de Minnie.

Los cuatro personajes se toparán entonces con otros cuatro sujetos: el mexicano Bob (Demian Bichir), Osvaldo Mobran (Tim Roth), Joe Gage (Michael Madsen) y el general Smithers (Bruce Dern).

Ocho crispines, una tormenta, una tipita cuya cabeza vale un montón de dinero, varios cazarecompensas, y voilá, tenemos montada una intriga sobre qué pasará y lo más importante: quién llenará de balazos a quién.

Q.T. responde esas inquietudes con creces recurriendo a su ya consabido derramamiento de sangre, algo de gore, violencia extrema al pedo, y MÁS (sí), MÁS texto.

Por supuesto que es un desfile efectista y egomaníaco, es como ver a Q.T. bailando una bachata con él mismo, con el contoneo y todo.

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Y claro, Ennio Morricone que tiene más de 500 piezas acreditadas como compositor para audiovisuales (comerciales, series, películas) le pone su impronta a esa bachata tarantinesca con una banda sonora ideal, asegurándose así el Oscar este año a Mejor Banda Sonora.

Por su parte, el gran Robert Richardson (Kill Bill 1 y 2, Hugo, Django, Bastardos sin Gloria) demuestra una vez más su talento para fotografiar este frío western. Bonita secuencia la que nos explica cómo Bob y compañía llegaron a la Mercería de Minnie. Bonita.

Lo menos creíble de The Hateful Eight fue el ojo morado de Jennifer Jason Leigh que si existiera un premio a peor maquillaje, tendríamos que dárselo a ese horrible círculo negro que aparece al principio y que va oscureciendo/menguando a su antojo mientras la película avanza. Mapache Style.

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The Hateful Eight se inspira en The Thing, película de terror/ciencia ficción de John Carpenter y si ven o repasan este ya clásico de clásicos, se pueden comparar planos, personajes y situaciones.

Hay que decir, empero, que Tarantino parece un niño de pecho al lado del Carpenter de The Thing, es como ese amigo ñoño que quiere imitar al malote del curso.

Lo más decepcionante es que después de los ríos de texto y sin vos contar con las habilidades de Hércules Poirot o Miss Marple, te preguntás porqué los maleantes no usaron esa bonita secuencia que nos explica cómo Bob y companía llegaron a la Mercería de Minnie para emboscar a Ruth y compañía.

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Tres horas con un guión que dice poco, aparte de las sesenta y cinco veces que la palabra nigger es escuchada fuerte y claro.

¿Gusta? Es difícil no sucumbir ante el encanto de algunos de sus diálogos, o a esa soberbia Jennifer Jason Leigh, que merece más y mejores papeles en el cine. Es difícil.

Como dije al principio: puede generar un honesto odio haciéndole honor a sus odiosos personajes, algunos seguidores quedarán aburridos por el excesivo texto, o se sentirán traicionados porque la famosa violencia aparece en contadas ocasiones y no de manera espectacular.  Yo me quedo con una sensación de jugarreta, de esas que arrancan risas.

Igual de sabrosas, igual de efímeras.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: no deja de tener el desparpajo Tarantino Lo peor: una bachata lenta y apretada de Tarantino con Tarantino La escena: la parte en que el Mayor le cuenta al Coronel Sanders lo que pasó con su hijo Lo más falsete: tanto tole tole que con la eficiencia mostrada al inicio se pudo resolver más fácilmente El mensaje manifiesto: menos es más El mensaje latente: los excesos pueden ser marcar registrada El consejo: se disfruta más sin grandes expectativas El personaje entrañable: Daysi y su hermano (Channing Tatum siempre será “entrañable”) El personaje emputante: el de Roth, similar a los que suele hacer Waltz El agradecimiento: por las pequeñas grandes escenas.

CURIOSIDADES

Fue filmada en 65mm. Generalmente, una película contiene 24 fotogramas por segundo, y gracias a este formato se puede alcanzar hasta los 30 fotogramas dándole al filme un look ultrapanorámico.  En la práctica y en específico para The Hateful Eight, esa elección resulta más un capricho de Tarantino, teniendo en cuenta que de panoramas y tomas colosales hay poco y todo se reduce a lo que sucede en la Mercería de Minnie, un lugar para el que no necesitás mucho más.

En la escena que Jennifer Jason Leigh toca la guitarra y canta Jim Jones at Botany Bay se prestaron una guitarra antigua de un Museo de guitarras. La guitarra en cuestión era de 1870, y se habían construido dos réplicas para que Kurt Russell las destruya de acuerdo al guión. Desgraciadamente, no le informaron a Russell de dichos reemplazos y el actor destruyó la guitarra original. La reacción de Jason Leigh es auténtica y quedó para la película. El Museo lanzó un comunicado asegurando que nunca más prestarían guitarras para otra filmación.

Este es el guión que se coló a las redes gracias a piratas informáticos. Tarantino había decidido no filmarlo, pero como ya se había hecho una lectura con el cast y los actores estaban entusiasmados, persuadieron al director de continuar con el proyecto.

The hateful eight tiene referencias a True Grit, Django, Bastardos sin Gloria y Reservoir Dogs.

Es la sexta colaboración entre Samuel Lee Jackson y Tarantino.

Algunas escenas se grabaron en sets refrigerados a -1 grados bajo cero.

Las primeras pruebas con público tenían una duración de más de tres horas y un entreacto.

En el guión original Bob era francés, no mexicano.

Tarantino hace la voz en off.

Es la primera banda sonora para un Western que compone Morricone en los últimos 35 años.

Hubo alguna polémica porque al personaje femenino lo estropean durante toda la película, algunos colectivos o periodistas acusaron a Tarantino de perpetuar la idea de que maltratar a una mujer está bien. O sea!!! ni cómo explicar cosas que parecen tan obvias. Es más, si algo sucede con Daisy es que nunca se la trata distinto por ser mujer. En fin.

CINE TURCO/FRANCÉS: Mustang

En un pueblito de Turquía viven cinco hermanas. Son huérfanas, por lo que la abuela y el tío se encargan de criarlas.

Tres generaciones compartiendo una sola casa.

Los días transcurren como los de cualquier adolescente. Las chicas estudian, juegan, se divierten. Salen del colegio y chapotean en el mar.

Hay inocencia, hay libertad.

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Pero a los ojos desaprobadores de alguien eso no es libertad, no es inocencia y ese alguien le echa el chisme a la abuela de que las chicas estaban con compañeros (masculinos) en la playa.

El mensaje provoca histeria.

A la obvia orfandad de estas cinco hermanas se le suma la más absoluta indefensión ante las supuestas normas de comportamiento de una mujer.

Se las trata de impúdicas, de casi casi deshonrar a la familia, se habla de lo obsceno desde una escena que por sí sola es obscena.

La única forma que la abuela tiene de quitar esa horrible mancha en la reputación de estas “casaderas chicas” es haciéndoles un examen que certifique que siguen siendo vírgenes.

La famosa virginidad.

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Mustang, la opera prima de Deniz Gamze seduce. Lo hace desde un filme austero, pequeño en sus aspiraciones y grande en lo que intenta decir.

Para eso, la voz en off de Lale, una tremenda Günes Sensoy (la más pequeña de las cinco), nos acompaña en ese descubrimiento de un mundo lleno de reglas e hipocresía.

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Es Lale la que nos cuenta que SPOILER los barrotes reemplanzan las antes abiertas ventanas, que verjas altas y puntas de metal rodean la casa, que les imponen vestidos sin forma ni colorido para no despertar el apetito sexual, y que para evitar que la “mercancía” se dañe, la abuela comienza a casar una por una a sus nietas, siempre en matrimonios arreglados. SPOILER FINAL

Con un tono casi de cuento, Gamze traslada al espectador a ese entorno rural y opresivo que hace una critica tácita a sociedades patriarcales y a destinos femeninos que llevan siempre a la mujer de turno a aceptar un marido.

La quimera de una Estambul más flexible se alza como única salida a una situación insostenible.

Sí, Mustang es hermosa y al concluir te deja el corazón roto en pedacitos grises. Lale, Sonay, Ece, Selma y Nur se quedan con vos, aún cuando salís de la sala de cine.

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El guión es escrito por la misma Gamzer y por Alice Winocour, ambas mujeres. Es ese toque femenino el que se siente tanto en la estética como en la narrativa de Mustang.

No, no niego que a ratos cae en la gratuita manipulación SPOILER como cuando el tío resulta ser violador o como cuando después de tanta oda a la libertad femenina, el escape se realiza gracias a la ayuda de un buen muchacho SPOILER FINAL

Esa manipulación puede que le quite puntos extras a un filme que tiene cierta alma, cierto je ne sais qua que lo hace muy “amable” (de amor).

Con ese pequeño pero, Mustang no dejar de ser una obra sobresaliente, con un cast precioso, y una mirada personal e íntima a “la vergüenza social” que a veces significa ser mujer.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: un tono íntimo y conmovedor Lo peor: algunos momentos forzados La escena: el balazo y la consiguiente muerte, creo que nadie se lo espera / también cuando se llevan a la segunda chica al hospital porque no sangró Lo más falsete: el rescate, que no deja de ser patriarcal El mensaje manifiesto: la mujer es un ciudadano de segunda clase El mensaje latente: even if they don´t want, we will fly El consejo: para verla en el cine YA! antes de que la saquen El personaje entrañable: las hermanitas El personaje emputante: el tío HDP, la abuela HDP (aunque en parte la doña es víctima de lo mismo que las nietas) El agradecimiento: por un relato que llega.

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CURIOSIDADES

Estuvo nominada a Mejor Película Extranjera a los Oscar de este año.

La directora nació en Ankara, Turquía. En los 80s se mudó a Francia. También vivió en algunos momentos en Estados Unidos y en Turquía, donde sintió un fuerte choque con las costumbres y percepciones sociales.

Ha ganado muchísimos premios entre ellos Mejor Película Extranjera en los Goya, el Europa Cinemas Label en Cannes, cuatro premios en los César, y otros.

Algunas escenas son tomadas de las vivencias de la directora.

Las chicas no son hermanas, solo una de ellas (la que interpreta a Ece) era actriz previamente.

La directora tenía miedo de que alguna de las chicas crezca demasiado mientras esperaba a estar lista para rodar.

Gamze conoció a Winocour en un atelier del festival de Cannes, eran las únicas dos mujeres en el programa. Gamze estaba con un proyecto más grande que no consiguió respaldo, entonces Winocour le propone aliarse y hacer un filme más pequeño, así nace Mustang.

La productora principal abandonó la película antes de que comience a filmarse, y mandó un mail a todos los demás involucrados informando que Gamze estaba embarazada y que la película sería un desastre.

Cuando filmaron la escena del auto que está afuera del banco, y donde una de las chicas mete a otro chico, el equipo estaba nervioso y pensaba que la gente podía amotinarse contra la escena. Felizmente, no hubo mayores contratiempos.

OSCAR 2016: Brooklyn

Por: Mónica Heinrich V.

Lo que sorprende de Brooklyn es que en esencia no es una película romántica, por mucho que el poster choto nos quiera convencer de lo contrario.

O, por lo menos, a mí no me lo pareció.

Saoirse Ronan (The Atonment, Hannah, La huésped) nos prueba su valía como actriz nuevamente y encarna a la dulce e inocente Eilis Lacey.

Ese es el mayor acierto del filme dirigido por John Crowley.

Crowley cuya carrera con títulos como Boy a, Circuito Cerrado, Intermission, y otras, ha sido más bien discreta, tiene en Ronan a su mejor aliada para levantar un guión lindo pero poco memorable.

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La película se basa en el libro homónimo del novelista irlandés Colm Tóibín y sigue la vida de la joven Eilis que en los 50s tiene que emigrar desde Irlanda a Estados Unidos.

En su tierra natal deja a su madre, a su hermana y a una vida apacible, sin sorpresas, con un futuro probablemente predecible. En América aprende a valerse por sí sola, a madurar y a tomar decisiones. Sí, también se enamora de un chico de origen italiano Tony. Sí. Pero el relato apunta más a las búsquedas y descubrimientos de una joven que está decidiendo qué hacer con el curso de su vida.

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El punto de giro vendrá cuando ya acomodada en tierras gringas su hermana mayor muera y deje a la madre sin ningún otro familiar en la lejana Irlanda.

SPOILER Eilis decide regresar, pero se casa con Tony antes de partir para darle la seguridad de que regresará. Una vez en Irlanda, Brooklyn comienza a verse como algo borroso y ajeno, y poco a poco Eilis se involucra más en su pueblo. Vuelve a su círculo de amigos, consigue un trabajo e incluso comienza a salir con un joven mientras guarda el secreto de que es una mujer casada.

Pero el pueblo que dejó sigue siendo el pueblo que dejó. Un chisme desatará su decisión de finalmente volver a Estados Unidos.

La esencia de la historia, repito,  no es la elección entre fulanito y perenganito, como se puede caer en la tentación de interpretar, sino es una elección entre dos mundos, una elección de cómo vivir.

En el libro, Eilis se besuquea con Jim Farrel (para más señas: EL OTRO) pero sin que esto sea algo que tome muy en serio, es una experiencia más, una vivencia más. De hecho, su matrimonio también es más bien visto como una suerte de consecuencia o de algo que tiene que suceder. SPOILER FINAL

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El guión de Nick Hornby (novelista famoso por Alta Fidelidad y About a Boy) se vuelve algo condescendiente y explica demasiado las situaciones consiguiendo que algunos sectores de la platea perciban a Brooklyn como una historia de amor y nada más.

La película se ve con simpatía, en parte gracias a la colorida fotografía del canadiense Yves Bélanger (Wild, Lawrence Anyways)  como a la preciosa adaptación de la época y el uso de una paleta de colores verdes/rojos en arte y vestuario. Sí, la fotografía, el arte y el vestuario hicieron muy agradable el visionado de este filme.

Y claro, es Saoirse/Eilis la que brilla con luz propia, a su alrededor, la hermana (Fiona Glascott), la madre, el cura (Jim Broadbent) y principalmente la doñita (magnífica Julie Walters) que la recibe en Brooklyn tienen unas actuaciones muy muy buenas, no puedo decir lo mismo de los acompañantes masculinos, sobre todo de Tony (Emory Cohen).

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Así las cosas, no le perdono el final, ese final que en la novela es sutil, desenfadado y abierto. Tanto Hornby como Crowley echan tierra a un gran final por un final de masas. Ese que reduce Brooklyn a un abrazo tonto y cursi, mientras nuestra Eilis quería años, años de más mundo que descubrir, de más cosas por vivir.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: visualmente hermosa y con una actriz protagónica de lujo Lo peor: en general, poco memorable y se pone más melosa en los últimos 20 minutos La escena: la conversación con la vieja chismosa Lo más falsete: que todo se reduzca a fulanito o perenganito El mensaje manifiesto: la vida es una sola El mensaje latente: hay un mundo por descubrir El consejo: para verla una linda tarde acompañada de un buen vaso de limonada El personaje entrañable: Eilis El personaje emputante: Nich Hornby por ese final choto El agradecimiento: lindo vestuario y arte.

OSCAR 2016

Mejor Actriz: Es la única actriz que si le ganara el Oscar a Brie Larsson, no me jodería. Saoirse está exquisita en Brooklyn.

Mejor Película: Nop. No hay por dónde.

Mejor Guión Adaptado: Hmmmmmmm…no creo. Prefiero Room.

EXTRAS

La novela para que la puedan leer en PDF y en EPU:
PDF: Brooklyn – Colm

CURIOSIDADES

Se filmó durante tres semanas en Irlanda y cuatro semanas en Canadá. Solo se filmó dos días en Nueva York.

Crowley separó la película en tres momentos visuales: 1) cuando Eilis vive en la Irlanda de la postguerra, 2) cuando llega a Brooklyn y 3) cuando vuelve a Irlanda.

Saoirse nació en el Bronx pero fue criada en Irlanda, por padres irlandeses.

Rooney Mara fue pensada para el proyecto, porque vieron que Saoirse era muy joven. Mara postergó por motivos de agenda, y pasó el tiempo suficiente para que Saoirse se vea un poco más adulta para los productores y decidieran que ella tenía el papel.

Las escenas de Brooklyn se filmaron en Montreal por razones de presupuesto.

En su vida privada Saoirse tiene acento de la zona de Dublin, mientras que en la película el acento es de Wexford.

Saoirse quiso quedarse con el traje de baño verde que usa en la película.

La edición tomó 15 semanas.

OSCAR 2016: Spotlight / En primera plana

Por: Mónica Heinrich V.

Spotlight es de esas películas cuya relevancia está más en lo que dice que en cómo lo dice. No veremos algo fuera de lo común, no veremos un filme de esos que no se olvidan, no será una experiencia que a nivel cinematográfico sea extraordinaria, pero sí, es importante.

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El director Thomas McCarthy tiene un currículum irregular, de hecho es curioso que el año pasado haya escrito, dirigido y producido otra pésima película de Adam Sandler llamada The Cobbler. Así es, el tipo con una película nominada a los premios Oscar tiene otra (el mismo año) que apenas alcanza el 8% de aprobación en el Rotten Tomatoes.

Podría escribir los párrafos más tristes esta noche, pero como dicen los colombianos: me da mamera y acá estamos para hablar de Spotlight, no para hablar de Sandler.

Neal-Huff-Basado en hechos reales, el filme se introduce en la redacción del Boston Globe, más concretamente en su sección Spotlight dedicada a reportajes especiales de investigación. En julio del 2001, el periódico contrata a Marty Baron (Liev Schriever) como editor, Baron de entrada pone el gallinero en orden, decide sacudir el tablero y que los periodistas de Spotlight trabajen sobre una pequeña nota en la que un abogado afirmaba que el Cardenal Law (Arzobispo de Boston) estaba al corriente del caso de abuso sexual perpetrado por uno de sus sacerdotes y NO hizo nada al respecto.

La idea era compleja: desentrañar los secretos de la Iglesia Católica respecto al abuso sexual en Boston y no quedarse con los nombres de los abusadores, sino llegar hasta el tope de la pirámide de poder que sabía o no sabía de esa situación.

spotlight-dataWalter»Robby» Robbinson (Michael Keaton) es el líder del equipo, y junto con Resendez (Mark Ruffalo), Sacha (Rachel McAdams), Matt (Bryan Darce James) y Ben (John Slattery) entrevistarán a víctimas, abogados, sacerdotes buscando la esquiva y asquerosa verdad.

Josh Singer es el guionista. Guionista cuya experiencia, a excepción del mediocre filme El Quinto Poder, es netamente televisiva. A sus manitos les pertenecen créditos como Fringe, La ley y el Orden, Lie to me y The West Wing. 

Puede que a eso se deba un aire televisivo, con una narrativa que se antoja hasta retro, no sé. Igual, dentro de todo lo convencional que es la propuesta tanto de dirección como de guión, Spotlight quiere defenderse bajo el argumento de retrato casi docu-ficción al que no se le encuentran muchas fisuras en cuanto a argumento.

La primera parte de la película se desarrolla morosamente, con parsimonia y algo de tedio. En la segunda es donde podemos sentir un poco la adrenalina del oficio periodístico y la enormidad de lo que Spotlight estaba descubriendo.

Unas solventes actuaciones del cast, logran que una película correcta y sin sorpresas, avance un poco más allá. La fotografía austera de Masanobu Takayanagi (Silver Linings Playbook, The Grey, Warriors) nos sumerge en pasillos, bibliotecas, salas de redacción, oficinas y calles de Boston sin mayores pretensiones. 

Todo está medido, y no hay que desmerecer la sencillez de Spotlight, a veces es difícil ser sencillo y Spotlight lo es.

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Después de acompañar el relato por más de dos horas, llegás a la conclusión de que hay historias que efectivamente merecen ser contadas, esta es una de ellas. No importa que llegue casi dos décadas tarde, la película servirá para seguir debatiendo sobre las responsabilidades de la Iglesia respecto a los abusos sexuales, y el papel del periodismo para revelar temas gajudos.

Bonito el mensaje, sí. Qué bonito el mensaje.

Aún así, confieso que no me encantó, no me fascinó. Seguí la proyección con interés, admirando su relato tranquilo y sobrio, sin que me despierte mayores pasiones. A ratos, la sentí algo repetitiva en sus recursos y limitada a nivel visual.

Eso me pareció triste, que esta carta de amor al periodismo no deja de ser una algo plana aproximación a la realidad. Entiendo que es la propuesta, pero su factura más televisiva que cinematográfica me estorbaba, para qué les voy a mentir.

Ya lo dije al principio: esta es una película cuya importancia está en lo que dice más que en cómo lo dice, pero a manera personal siento que por muy importante que sea la temática si no tiene un envoltorio a su altura  no llegará más allá del impacto momentáneo.

El tiempo dirá.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: sencilla y dice algo importante Lo peor: una propuesta de guión y de dirección demasiado convencional, casi televisiva La escena: cuando descubren cómo estaban listados los curas pedófilos en la guía de sacerdotes de Boston, y, también, la escena de Saviano Lo más falsete: el griterío de Mark Ruffalo cuando se pone histérico con Keaton porque van a retrasar la publicación, las escenas en que a fuerzas hacían aparecer niños en lugares donde se entrevistaba a pedófilos como mostrando «OH, todavía hay víctimas alrededor de ellos», la escena del gordito cuando se detiene frente a la Iglesia El mensaje manifiesto: el poder siempre esconde mugre El mensaje latente: el poder NUNCA es inocente El consejo: para verla  El personaje entrañable: las víctimas El personaje emputante: el HDP del Cardenal Law El agradecimiento: porque siempre es necesario contar estas historias.

OSCAR 2016

Mejor Película: Me parece que puede ser la sorpresa de la noche. Es la típica película «lava conciencias» que al Oscar le gusta premiar. Veremos si la Academia se la juega o gana el lobby de El renacido o el espectáculo cinematográfico de Mad Max.

Mejor Guión: Difícil categoría. Aún no veo Straight Outta Compton, pero de las nominadas, no adoro el guión de ninguna. Pienso que el guión de Charlie Kauffman se revolcaba a todos estos.

Mejor Dirección: Yo quiero que se lo den a George Miller. Sería muy chistoso que McCarthy gane a mejor dirección, teniendo otra película tan mala ese año. O sea, el Mejor Director del año es también uno de los peores? insertar risa maquiavélica.

Mejor Actor de Reparto: Solo tengo dos palabras: TOM HARDY.

Mejor Actriz de Reparto: Esta me pareció una nominación gratuita. Cualquiera, cualquiera de las otras puede arrebatarle el Oscar a la señorita Rachel McAdams.

Mejor Montaje: Hmmmm…ocho meses de edición? hmmmmmm huevadas: Mad Max o The Big Short.

CURIOSIDADES

La edición tomó casi 8 meses.

El guión de la película estuvo en la famosa Black List del 2013, de los guiones más poco probables de filmarse.

Cuando la película se filmó, Resendez era el único miembro del equipo original que seguía trabajando en Spotlight.

Matt Damon fue considerado para el rol de Resendez.

Margot Robbie rechazó el papel de Sacha alegando cansancio. Amy Adams y Michelle Williams también fueron consideradas para el rol.

Es la segunda película en la que Michael Keaton es parte del periodismo, la primera fue The Paper (1994).

El director Tom McCarthy también es actor y tiene 39 créditos en películas y cortos.

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