LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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Cine mexicano: Los insólitos peces gato

No es fácil estar solo. O lo que es lo mismo, , la soledad es pendeja.

Desde México nos llega Los insólitos peces gatos, película que ofrece una sensible mirada a un mundo en el que convergen soledades.

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Claudia (Ximena Ayala) es una chica joven que trabaja en un supermercado. Anda por la vida sin familia, sin amistades sólidas, sin nada que destaque en su pequeño mundo.

Como ella hay muchos, seguro atrás de esta pantalla luminosa algún solitari@ leerá estas palabras y dirá:

yo también me siento solo

Las primeras imágenes del filme están destinadas a retratar esa rutina, ese ir y venir de este personaje sumido en su urbe, en el sistema laboral, con sueños postergados o enterrados, sin otro objetivo que pagar lo básico: casa y comida.

Una noche, Claudia sufre un ataque de apendicitis y, claro, la tienen que operar.

En el hospital, sin perro que le ladre, la paciente de la cama de al lado entabla una empática conversación con nuestra abandonada jovencita.

Se trata de Marta (Lisa Owen), una señora que está con SIDA en su fase terminal y cuyos 4 hijos la atienden en todas sus recaídas.

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Sin querer, o queriendo, se va estableciendo una relación entre la familia de Marta y la chica sola. Un cariño nacido de necesidades mutuas, de vacíos mutuos.

En medio de la tragedia que parece cernirse sobre todos, la directora pinta escenas con algo de humor y personajes bien definidos.

Ale, la hija mayor agobiada por el peso que supone la responsabilidad de quedarse a cargo de sus tres hermanos y al mismo tiempo, presenciar la agonía de su querida madre. Wendy, la hija con sobrepeso, que toma cocteles de medicamentos sin que nadie lo note. Mariana y Armando, los hijos menores, que a pesar de la corta edad tienen que aprender a vivir con la certeza de que su madre muere día a día.

Hay una belleza cristalina y madura en el relato que hace Claudia Sainte-Luce de esta su ópera prima. Se puede percibir la verdad, la honestidad en su historia, quizá tenga que ver con que el personaje principal se llama Claudia porque, efectivamente, la directora y guionista vivió una historia muy similar en la vida real.

Esa cercanía con el relato se siente en la estructura del guión, en cómo da vida a las situaciones convencionales que parecen no decir nada pero dicen mucho.

Vos, desde tu asiento podés empatizar, podés entender porqué esas personas actúan así, aunque parezca de lo más inverosímil.

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La historia tiene tanto peso al principio y en su desarrollo que esperás que la directora siga por esa senda hábilmente trazada, pero al llegar al final, aunque tiene un lindo final, la mirada es demasiado amable, demasiado conciliadora. Queda casi como algo «acomodado».

Hay cierto esfuerzo en dar un mensaje positivo, en convertir el filme en una “feel good movie” o en una suerte de catarsis autoral. Supongo que tiene que ver con el apego a lo que Sainte-Luce vivió. En la práctica, el lenguaje cinematográfico requiere de mayores sutilezas que en Los Insólitos peces gato se dan muy bien en la mayor parte de su metraje pero que falla a la hora de redondear.

Aún sintiendo que ese hermoso globo que tenemos se va desinflando de a poquito, esta propuesta mexicana es digna de verse y además promete grandes cosas para su joven autora.

Su dirección, su manejo de actores, sus detalles hablan de talento, de un talento que en el futuro puede sorprender.

Punto aparte merece la fotografía, obra de la francesa Agnès Godard habitué de Claire Denis que se sumó al proyecto porque el guión le gustó muchísimo. La mano de Agnès eleva el filme en momentos clave: las escenas  en el playa o  los primeros minutos que conocemos a Claudia, o al final, con las tomas frontales.

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Los insólitos peces gato está lejos del cine que acostumbramos ver de México, ofrece un bocadillo intimista lleno de emoción a un público que sabrá apreciarla a pesar de sus pequeños escollos narrativos y de su autocomplaciente final.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: un filme honesto y sensible

Lo peor: termina siendo demasiado amable consigo mismo

La escena: la secuencia de la playa me gustó bastante, cuando están todos en el mar

Lo más falsete: la escena de Wendy con la licuadora, y algunas conversaciones algo armadas

El mensaje manifiesto: es difícil estar solo

El mensaje latente: se puede no estar solo

El consejo: Vela, es una película muy mirable

El personaje entrañable: Claudia…el guardia del súper.

El personaje emputante: la jefa de Claudia…

El agradecimiento: pudo hacerla lacrimógena a morir, pero está muy contenida…muy precisa.

CURIOSIDADES

Ximena Ayala es la actriz protagonista de Perfume de Violetas, la mencionamos aquí. 

Wendy es la Wendy real, la que pertenece a la familia a la que se apegó la directora Claudia y que le sirvió de inspiración para hacer el filme. Wendy, obviamente, no tiene ninguna experiencia como actriz.

La directora hacía extenuantes ensayos antes de filmar cada escena, eso porque quería que los actores hicieran suyos los textos y que no se viera recitado. Dice que al principio sentía cómo la detestaban porque lo consideraban un exceso, pero que luego, al verse en la pantalla se sintieron agradecidos.

La película se iba a llamar en un principio Encuentro.

Costó conseguir financiamiento, pero finalmente pudo terminar la película.

Claudia se metió a estudiar cine y en la universidad le dijeron que sus historias eran malas, dejó la carrera decepcionada y se dedicó a trabajar en asistencia de dirección, hasta que una guionista la animó a escribir su primera historia.

Actualmente se encuentra trabajando en su película La caja vacía, que ella misma protagoniza.

Claudia tiene apenas 32 años.

EN CARTELERA: Unfriended (Eliminar Amigos – Eliminado)

Muchachos, son otros tiempos.

Ahora vivimos sumergidos en el internet: como Willy cuando todavía no era libre, y las nuevas generaciones vuelcan en las redes sociales TODO, impúdica y obscenamente todo.

Nuevas generaciones: TÁPENSE!

Las relaciones se mantienen a través del inbox, el whatsapp, el amor nace en una ventanita luminosa, amistades se rompen por comentarios en los muros del Facebook, el stalkeo galopa sin control y hasta los crímenes tienen nuevo escenario: la virtualidad.

El director georgiano Levan Gabriadze lo sabe,  y con Unfriended se arriesga y propone un argumento que funciona únicamente a través de las redes sociales.

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El poster choto puede engañar y darnos la idea de que se trata de un nuevo y asqueroso found footage…por ahí el guionista tampoco tiene los créditos suficientes para entregar nuestra apaleada confianza, pero no, no, no.

Oh, Sorpresa! Feliz día de San Roque.

El casi sin currículum Greaves se inspira en el infame bullying sufrido por la canadiense Amanda Tood y nos cuenta una historia de horror comprimida en ZIP, con unas cuantitas escenas slasher que harán mirar con asquito hacia otro lado, y las confesiones de actos ruines y mezquinos, tal como nos gusta.

Así es, pequeños saltamontes.

Nosotros, que también tenemos cuentas de Skype, Facebook, youtube, veremos la película a través de la computadora de Blair (Shelley Henning actriz regular de Teen Wolf).

Esta chica está en una conversación vía Skype con su novio, Mitch (Moses Storm), hablando las boludeces típicas de una pareja, planeando lo que harán en la fiesta de promoción. Ahí sabremos que Blair aún “no entregó su flor” y que hay un cochino secreto que guarda celosamente aparte de “su virtud”.

De pronto, a la conversación se suman cinco usuarios más, cuatro de ellos amigos de la parejita, y un quinto del que no se ve la foto y a quien nadie invitó/agregó.

Todo comienza con ese cuadradito azul de usuario no identificado que busca acosar y torturar psicológicamente a este grupo de amigos aparentemente unidos. Ajá, el odio corriendo por la fibra óptica.

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Pero el cuadradito azul no identificado no aparece porque pasaba por ahí y vio la luz, no, acá hay una venganza, una venganza más grande que la de Bernardette contra Jacques Chirac.

Y uno se debate ante la eclesiástica educación del perdón o la necesidad de que esas personitas reciban su merecido.

Gabrieadze maneja bien los ritmos, los momentos en que la película pretende dar un respiro y en los que vuelve a la carga con renovados ímpetus. Su casting contribuye a hacer más creíble la increíble situación. Unos actores casi desconocidos en un ambiente bastante descontraído, le impregnan mayor realismo al filme.

Como en toda película de adolescentes asesinados que se precie, la escalada de violencia y terror tiene que seguir hasta el final y coronarse con una sorpresa que además te brinde una que otra sacudida.

La fórmula se cumple, aunque en mi cruel corazón SPOILER hubiera deseado que nuestra querida Blair se quede vivita y coleando con las muertes en su conciencia y el quemón virtual a pleno FIN DEL SPOILER.

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Después de apenas 86 minutos de habernos inmiscuido en esta conversación privada a la que nos agregó el tal Gabriadze, la sesión de Skype termina.

No, no viste una obra maestra del género, bien analizada es flojita, limitada digámosle,sin lo del Skype sería «otra tonta película americana», también comentemos que después de media hora el artificio de hacerlo todo a través de la pantalla de Blair se convierte en una malsana curiosidad de ver hasta dónde aguanta el director, hasta dónde sostiene la historia.

Curiosidad que se satisface al final.

Unfriended es una interesante propuesta en su premisa, en su planteo, que quizás pudo tener mayores logros de los que al final consigue, pero que en general brinda unos momentos de vacío y sangriento entretenimiento.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: su propuesta

Lo peor: aparte de su envoltorio de originalidad, es la misma historia de siempre

La escena: El juego «YO NUNCA HE»

Lo más falsete: la página sobre no responder mensajes a los muertos, las acciones finales de Blair, el forzado triángulo amoroso

El mensaje manifiesto: Karma is a bitch

El mensaje latente: Nadie conoce a nadie

El consejo: Para ver por el artificio.

El personaje entrañable: el Skype, pobrecito, una herramienta en manos de tantos boludos

El personaje emputante: Blair y Mitch.

El agradecimiento: Es cortita y pasable

 CURIOSIDADES

Se filmó con un presupuesto aproximado de 1.000.000 de $us. y ya recaudó más de 50.000.000 $us.

Se filmó durante 16 días en una misma casa en la que los actores se repartieron en distintos ambientes.

Ya está confirmada la secuela: Unfriended 2

El casting se hizo a través de una conversación por Skype.

El título de la película pasó de Offline, a Cybernatural a finalmente Unfriended.

Partes que salen en el trailer y en la campaña gráfica no entraron en el corte final.

Todas las cuentas que aparecen en la película de Facebook y de Skype existen realmente.

Para mantener el realismo se instruyó a los actores sobre la posibilidad de improvisar y buscar emociones mientras se filmaban las escenas.

Está compuesta por secuencias de tomas largas.

En la cuenta de Facebook de Blair se puede leer un inbox de Nelson Greaves, el guionista de la película.

 

CINE AUSTRALIANO: The Babadook

Lo de Jennifer Kent es peculiar. Es de esas historias que pueden sonar maravillosas, freaks, e increíbles al mismo tiempo.

Jennifer era actriz, y digo era porque perdió el interés en actuar cuando vio Dancer in the dark de Lars Von Trier, yo perdí muchas cosas cuando vi Dancer in the dark, pero Jennifer no quiso ser más actriz y en una epifanía descubrió que quería ser cineasta.

Así de heavy.

Como el disparador de tal deseo fue la película de Lars pues que le escribe a Lars y le pide trabajo o mejor dicho: educación. Ella no quería ir a una escuela de cine, lo que quería era foguearse en el rodaje detrás de cámara.

No imagino los ovarios grandes que hay que tener para contactar a Lars y pedirle pega, evidentemente Jennifer los tenía gigantes y, en el 2002, Von Trier le permitió asistir al rodaje de Dogville.

La vida siguió su curso, hizo algunos cortos y el año pasado (2014) se lanzó finalmente al vacío con su ópera prima: The Babadook.

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Este primer largometraje de Kent, que además es la guionista, ha sido objeto de numerosas alabanzas y ha cosechado uno que otro premio en los circuitos festivaleros.

¿Por qué tanto éxito? ¿Qué tiene de especial?

Digamos que tiene un excelente comienzo, de esos que te hacen decir:

“Qué buena que está!”

Incluso como fábula anti-maternidad en una sociedad acostumbrada a enaltecer la relación madre-hijo, funciona de una manera deliciosa.

Essie Davis interpreta a Amelia, una sufrida viuda que perdió a su esposo en un accidente de auto cuando ella estaba en labor de parto. Al quedarse sola con su hijo, de ahora 6 años., tiene que lidiar con la manutención de la casa, su agotamiento y poca motivación para cualquier cosa y claro, la educación de su pequeño vástago.

El niño, Samuel (Noah Wiseman), es un hijo de Pooh. Hay que decirlo, si no has tenido hijos aún, en esas primeras escenas las ganas se deshacen como pompas de jabón.

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Solo podés sentir simpatía por esa abnegada madre que parece estar atrapada irremediablemente en ese mundillo doméstico, con ese pequeño demonio que es Samuel.

Si ya la conducta del hijo es insostenible, se le suman las constantes pesadillas que dice tener, el agobio del trabajo, de las personas alrededor que ven con malos ojos su labor de madre, y la llegada de un libro que aparece de la nada.

El libro no es otro que The Babadook, y su lectura lo único que hace es acrecentar los temores de Samuel y crear fenómenos paranormales en una casa ya de por sí fría y oscura.

Nuestra Amelia no puede dormir, y ante la privación del sueño comienza a derrapar también en una espiral de conductas perturbadoras que recaen en Samuel.

En esos momentos es cuando el oficio de Kent como directora brilla, en su capacidad de poner silencios incómodos y enrarecidos, en su habilidad para crear climas de tensión, en el aprovechamiento de elementos que permiten sacudirte en la butaca.

The Babadook

Hasta ahí creo que la directora nos tiene en sus manos y yo esperaba que ese camino fielmente trazado sea llevado hasta el final, hasta un punto en el que no iba a existir piedad ni clemencia.

Sin embargo, The Babadook termina volviendo a la ruta de las películas del género y además a reivindicar el nexo materno. Porque sí, ya el mundo es demasiado cruel y duro como para que alguien te diga que está bien no querer a tu hijo.

En unos 30 minutos que son predecibles y muy de la misma onda de cualquier película de terror, el filme concluye sin mayores sorpresas y Jennifer Kent nos deja la sensación de que es una directora/guionista que dará cosas interesantes en el futuro.

El polaco Radek Ladzcuk participa con una fotografía excepcional.  Otro de los puntos que hicieron al filme grande es que tiene una excelente factura, muy por encima de la media en cuanto a estética. Está filmada de una manera bella y elegante y actuada de una manera sobresaliente también.

The Babadook no será, para mí, esa obra maestra que nos dicen que es por todos lados,  pero en definitiva es una digna película de terror que sucumbe a los efectismos propios del género pero que tiene unos primeros minutos demasiado buenos.

Mónica Heinrich V.

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Lo mejor: el comienzo

Lo peor: que no se animó a solidificar su planteo

La escena: Cuando le pasa lo que le pasa al perro (insertar emoticón llorón)

Lo más falsete: debo decir que no me gusta cuando aparecen los monstruos o fantasmas o lo que sea, me creo más el cuento cuando todo es supuesto o intuido. Así que las apariciones de Babadook me parecían chotas y ridículas.

El mensaje manifiesto: Amarás a tu hijo por sobre todas las cosas

El mensaje latente: Amarás a tu madre por sobre todas las cosas

El consejo: Vela, se puede llegar a disfrutar.

El personaje entrañable: Percy, el perro.

El personaje emputante: Samuel, obvio

El agradecimiento: Una estética bella y elegante.

CURIOSIDADES

Babadook es un anagrama de Bad Book (Libro Malo)

La directora tuvo mucho cuidado con su pequeño actor Noah Wiseman, y le contó una versión «amigable» del argumento de la película. Las escenas en las que Amelia abusa de su hijo fueron grabadas por un doble adulto.

Se lanzó un libro exactamente igual al que se ve en la película por un precio de 80 $us. y con los autógrafos del casting principal y la directora.

El director de El Exorcista, William Friedkin, dijo que nunca había visto una película tan aterradora.

La directora, Jennifer Kent y la actriz principal Essie Davis, acudieron juntas a la escuela de drama.

EN CARTELERA: Los 4 Fantásticos ( Fantastic Four)

Los 4 Fantásticos o La dictadura de la tibieza

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De Josh Trank vimos esa interesantísima apuesta que fue Chronicle. Me dije: “el crispín que hizo esto es talentoso”. Lo mismo pensó la industria y le echaron el guante contratándolo para este enésimo reboot de los 4 fantásticos.

Este comic lleva años inmerso en una disputa descarnada entre Fox y Marvel y, hasta la fecha, Fox lleva 3 películas muy malas que no hacen más que agregar esta vacua esperanza: el día que Marvel agarre los derechos el sufrimiento para los fans concluye.

El joven Trank (apenas tiene 31 años) se metió en ese avispero y, como es de esperar, ha salido con ronchas por todos lados. En estos momentos es la comidilla de Hollywood porque tanto la crítica como el público han lapidado su película. El Rotten Tomatoes solo le da un 8% de aprobación/sobre 100.

O sea, un desastre épico.

¿Es realmente tan mala?

Tapate los oídos, los críticos nos odian

Hagamos una sinopsis: Vemos a un niño, Reed, que desde chico es un nerd y una especie de visionario, aunque sus compañeros y profesores lo vean como a un boludo que vive soñando despierto. Es en esa época que se hace mejor amigo de Ben, por lo que la secuencia es sencillamente para que veamos que esa amistad se fundó desde la más tierna infancia. Hacemos elipsis temporal y los chicos ya crecieron. Reed (Miles Teller) sigue con sus mismas fijaciones, y Ben (Jamie Bell) lo acompaña fielmente. En una feria de ciencias se les acerca el Dr. Storm que, con su hija, recluta rápidamente al joven Reed. Ellos están investigando, al igual que Reed, la teletransportación. La idea es concluir el proyecto y mandar astronautas al planeta que puede ser una opción de vida para los humanos.

Sí, sí, sí.

El mayor problema de Los 4 Fantásticos es que todo está a medias.

Se atisba el estilo de Trank (que también es uno de los guionistas), más contemplativo, más reflexivo, sobre el origen de los superhéroes y su desarrollo, pero también podés notar la mano de los otros guionistas, de Simon Kinkerberg (Sr. y Sra. Smith, X men, Sherlock Holmes), de Jeremy Slater (Lazarus Effect), que juntos convirtieron a la película en un sancocho desabrido que no termina de ser ni una versión oscura onda la trilogía de Nolan: Batman, ni un producto hecho para el entretenimiento onda Avengers.

¿Y si mejor dejan de pelear y cambiamos algunas cositas?

El guión, definitivamente, no sigue un curso que permita crear emociones reales. La primera parte es bastante aburrida y sin que ese aburrimiento se justifique en el tiempo que se necesita para un nexo emotivo con los personajes. La segunda parte, en la que se supone comienza la acción real, es desarrollada de manera torpe y poco afortunada.

Y ya cuando tendríamos que encontrar un clímax, los guionistas se sumergen hasta el fondo en el cliché: el típico portal choto de planeta a planeta que hay que destruir, y un villano absurdo, concluyendo el filme con una escena muy ridícula (diálogo donde se decide el nombre).

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Nuestro portal es más bonito que el de Avengers

Ya saliéndonos del guión, los efectos especiales están básicos y no aportan nada a esta nueva versión. Es como si la película se hubiera realizado de manera desganada. Como que, ya, pongámosle fueguito acá y allá. El diseño del planeta de donde se extraen los poderes es  poco creativo y algo ya muy visto.

Aquí hago un punto aparte para mencionar un error de continuidad en el que otra vez se trasluce la dejadez: El actor que interpreta a Reed, Miles Teller, tiene muy mala piel. Además de unas cicatrices que le quedaron por un accidente de auto en el 2007 sufre de acné, a lo largo de la película los granos iban de un lado al otro, pero así, de una manera ya grosera. En una escena tenía un súper grano rojo debajo del labio, y en la próxima (mismo día, según la historia) la cara limpia como nalga de bebé. No puede ser que en la post-producción no hayan arreglado algo tan miserable.

El resto de los personajes parecen perdidos en su papel de héroes caídos en desgracia, a los que no se dibujan muy bien los padecimientos que quieren mostrar a través de las aspiraciones evidentes del guión.

Como dije, creo ver las intenciones de Trank: hacer una propuesta más humana de los protagonista, pero aparentemente tuvo las manos atadas por Fox. El pobre tipo, agobiado por las críticas, respondía el 6 de agosto a través de un sugerente tuit que fue borrado al poco rato:

«Hace un año yo tenía una versión sencillamente fantástica de esto. Y probablemente habría recibido críticas fantásticas. Probablemente nunca la verás. Esta es la realidad».

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FOOOOOX, déjame crear!

El otro guionista, Simon Kinkerberg, que también es uno de los productores, fue más allá y acotó:

“Creo que teníamos un director muy joven haciendo una película muy grande”

Yo no sé quién tenía qué y de qué tamaño. Solo sé que Fantastic Four terminó siendo tibia, desabrida, sosa.

Quizás lo más interesante de la película sea la batalla que se está librando entre sus protagonistas fuera de la pantalla.

Lo mejor: sus intenciones

Lo peor: de buenas intenciones está empedrado el camino al infierno

La escena: cuando deciden el nombre (por ridícula)

Lo más falsete: ese aire a película emo introspectiva

El mensaje manifiesto: película grande no es sinónimo de película éxito.

El mensaje latente: Hollywood puede echar a perder a cualquiera El consejo: esperá que salga a DVD o hasta podés prescindir de ella del todo El personaje entrañable: The Thing, más por ver de nuevo Jamie Bell (actor que hizo de Billy Elliot) El personaje emputante: Reed El agradecimiento: Que no es muy larga, dura apenas 100 min.

CURIOSIDADES

El director, Josh Trank, renunció o fue «renunciado» de otro proyecto al que estaba atado con Fox.

La película se hizo en el afán de Fox de preservar los derechos del cómic, si Fox no sacaba esta película YA, los derechos se revertían a Marvel.

Saoirse Ronan, Margo Robbie, Allison Williams y Emmy Rossum fueron consideradas para el rol de Susan Storm.

Kit Harington, Anton Yelchin, Richard Madden y Jack O Connell fueron considerados para el rol de Reed.

El estudio ordenó refilmar escenas en enero del 2015.

Michael B. Jordan fue la primera elección de Trank para el papel de Jhonny Storm, el actor también trabajó en Chronicle.

Josh Trank fue a rodar a New Orleans acompañado de algunos de sus perros. Los perritos se quedaron en una casa rentada mientras él filmaba e hicieron daños a la propiedad por un valor de 100.000 $us.

El director está tan dolido por la situación de su película que expresó que nunca más trabajaría en un cómic.

EN CARTELERA: Misión Imposible: Nación Secreta (Rogue Nation)

Desperate times, desperate measures

El 2011 dábamos cuenta del resurgimiento de Tom Cruise, de la saga y de la fe en la capacidad del ser humano de hacer películas de acción decentes (no es con vos Michael Bay).

Con Protocolo Fantasma, Misión Imposible pasó a ser de aburridita/sosa a garantía de espectacularidad. Lo dijimos acá, compramos un muñeco de Tom Cruise para mirarlo por las noches y nos quedamos deshojando margaritas, esperando cual Penélope la nueva entrega.

Por eso es que cuando Misión Imposible: Nación Secreta se estrenó la semana pasada, el corazón hacía Bidi bidi bom bom.

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Un momentito, antes que nada hay que decir que llevamos viendo los correteos de Ethan desde 1996, y esta sería la quinta parte de una saga que parece no tener final a la vista.

Lo digo para que el mundo tenga claro que vos y yo sabemos quién es Ethan Hunt, sabemos que es parte de una organización (IMF) dedicada a tumbar gobiernos, manipular sociedades y limpiarse el camino de personas indeseables para el Estado que representan.

Estamos hablando de que en la vida real, por ejemplo, el ruso Litvinenko que murió envenenado por polonio era un triple agente (KGB, MI6 y España), lo que significa que un espía no canta canciones de cuna.

Por eso me extraña, araña, que en Nación Secreta, Ethan, agente del IMF-subdivisión de la CIA, parezca casi una escandalizada Carmelita Descalza.

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El filme, escrito y dirigido por Christopher McQuarrie (Jack Reacher), agarra el despelote dejado en Protocolo Fantasma y continúa la obsesión de Ethan por descubrir qué carajos es el Sindicato y cómo está organizado.

Repite la fórmula, la receta inamovible de la saga: Ethan, el rebelde; el IMF/CIA de Judas por la vida dándole la espalda; un malo al que se persigue más por ego que por necesidad; una complicada misión; algo que hay que extraer de un edificio altamente custodiado; traiciones por doquier; una chica ornamental; y persecuciones varias.

Voilá.

A lo largo de la vida fílmica de Misión Imposible cada director ha intentado ponerle su impronta. Brian de Palma (1996) hizo, para algunos, la mejor entrega de la saga barnizándola de un cuestionamiento un poco más sencillo pero a la vez más estructurado, John Woo (2000) pensó que la película era Rápido y Furioso versión motocicleta, J.J. Abrams (2006) se puso demasiado romántico y así llegamos a Bird, que en el 2011 le quitó el acartonamiento y lo esperable para inyectarle una dosis de espectacularidad y amenidad, elementos que McQuarrie (2015) intenta replicar con mejor o peor suerte.

Al iniciar vemos la “fabulosa” secuencia de acción prometida. Ethan Hunt, vestido impecablemente para una misión de esa naturaleza, se cuelga de un avión al que intenta detener por su preciada carga (gas nervioso). Ok. Para escenas ilógicas/imposibles de aviones en el aire me quedo con la secuencia inicial de la última Batman. Nada más que decir.

Luego, descubrimos que el IMF ha sido disuelto gracias al director de la CIA: Alan Hunley (Alec Baldwin). Así, Ethan se queda, una vez más, rebelde y solo en mundo vulnerable al terrorismo.

Ethan descubre que OH, Sopresa! El Sindicato provoca atentados varios para cambiar la situación política y social de países específicos. Sí, Ethan, qué sorpresas da la vida, qué inaudita situación.

Hay menciones a la muerte de “civiles inocentes” a los que Ethan intentará resguardar haciendo lo posible por detener a esos “terroristas”.

Se cruzará en el camino de Ilsa Faust (Rebecca Ferguson) espía inglesa infiltrada en el Sindicato y cuyas acciones, al igual que las de Hunt, son un bocadillo fácil para el cuestionamiento.

Tanto Simon Pegg interpretando al carismático Benji,  Jeremy Reener como el perspicaz Brand y Ving Rhames como Luther, hacen lo posible por lanzar algunos chistes al firmamento y que el interés de una platea acostumbrada a violentos zappings no decaiga.

La tal Ilsa, a quien llegué a confundir con Ruth Wilson, elabora un personaje ambivalente del que nunca se tienen claras sus intenciones/motivaciones, más por las falencias del guión que la ponen caprichosamente en situaciones ambiguas que por la profundidad del personaje.

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El malo malo resulta un desperdicio desde el momento en que lleva a cabo un laberíntico plan para luego sucumbir como un Crispín por unos cuántos dólares, es nomás lo que decía el Guasón (segunda Batman): This town deserve a better class of criminal. En todo caso, el actor sueco Jens Hulten resulta inquietante en su personificación de Janik Vinter.

Hay escenas que sí, que cumplen con la espectacularidad que añoramos. Toda la secuencia en la ópera de Vienna es sofisticada, delicada y hermosa. La ópera elegida, Turandot, es una obra espectacular, habla de una princesa que despreciaba a los hombres y que mandaba a matar a todo aquel que se atrevía a intentar conquistarla y no descifraba tres acertijos. El protagonista masculino finalmente resuelve los enigmas, pero decide ponerle uno a ella: que averigüe cuál es su nombre. La princesa proclama que nadie duerma en Pekín hasta averiguarlo, mientras tanto el príncipe canta la aria más conocida Nessun Dorma que aparece en la película y que además es usada para algunas de las secuencias semi-románticas entre Ilsa y Ethan. Punto extra para Puccini, Viena, la princesa, el príncipe y para quien pensó algo tan bonito.

Otro detalle es el vestuario elegido para Ilsa en la ópera. Ese maravilloso vestido amarillo ondeando en las secuencias de acción fueron una delicia.

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Los problemas de Rogue Nation van más que nada por el argumento que aunque sabemos no pretende ser un ensayo de filosofía, hay cosas demasiado chapuceras. Es cierto que la película adopta una que otra reflexión sobre lo desechable que es un agente en el mundo del espionaje, sobre las traiciones y alianzas entre países, pero todo se queda ahí, más como excusa que como algo sólido. Ethan se la pasa admirado por las mañas del Sindicato cuando él se revuelca en el mismo chiquero y lo que ya me pareció lo último de lo último SPOILER en la comentada secuencia de inmersión, el señor Ethan tiene apenas unos minutos para respirar bajo el agua, pero señores, los agentes juegan con cámaras que se ponen en los ojos como lentes de contacto, hay impresionantes diseños de aparatos para lectura de voz, de manos, de gestos corporales, y estos mamertos no tienen un pinche dispensador de oxígeno? No, no, no. FIN DEL SPOILER

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Ya para rematar, la secuencia final de la bomba y la persecución: háganme el favor! y el malo-malo, solito con su alma tomando decisiones boludas. Sí. Era un buen momento para botar la casa por la ventana (yo diría que con dos cadáveres) pero nos quedamos complacientes y ñoños.

A grandes rasgos, Rogue Nation – Nación Secreta es un compendio de muy buenas escenas de acción, una experiencia amena en la que vemos a un Tom Cruise de casi 53 años en un envidiable estado físico. Ya sé  que siempre lo resalto, pero es que no se puede creer lo que hace ese hombre sin recurrir a los dobles.

La sexta entrega ya está confirmada, no queda otra que esperar, mirar al muñeco de Tom por las noches y pensar que la próxima será mejor.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: Amena, entretenida Lo peor: un poco displicente en su guión La escena: la de la ópera, la de la inmersión y la del secuestro del Primer Ministro. Lo más falsete: lo de la inmersión sin oxígeno y la resolución final (bomba y demases) El mensaje manifiesto: Hay Misión Imposible para rato El mensaje latente: Hay público de Misión imposible para rato El consejo: Vela pero con subtítulos (COMO TIENE QUE SER) El personaje entrañable: Benji. NO te mueras nunca, Benji! El personaje emputante: Alec Baldwin, e Ilsa. El agradecimiento: Por Turandot.

CURIOSIDADES

Adelantaron su estreno para no chocar a fin de año con Spectre o la nueva Star Wars.

Para la escena en el avión, por lo fuerte del viento era imposible que Tom Cruise mantuviera los ojos abiertos así que crearon una protección ocular para todo el ojo y así hacer que Cruise abra sus ojitos en una situación en la que es imposible hacerlo.

Tom Cruise se lastimó en 6 ocasiones durante el rodaje debido a las exigencias de las escenas de acción.

El Sindicato era la agrupación antagonista más regular en la versión televisiva.

Benedict Cumberbatch fue la primera opción para el villano.

Bird era el director asignado a esta entrega, pero declinó el puesto por dirigir Tomorrowland y fue Tom Cruise el que presionó a todos para que McQuarrie tome la dirección.

Jessica Chastain fue la primera opción para el papel de Ilsa.

Como Rebecca Ferguson se parece a Ingrid Bergman, nombraron a su personaje Ilsa en alusión a Ilsa Lund de Casablanca.

El guión en realidad fue escrito también por Drew Pearce, pero debido a conflictos y después de llevar a juicio el tema, sacaron a Pearce del crédito dejando solo a McQuarrie.

Todos los personajes «buenos» manejan BMW mientras que los «malos» manejan Audi o Mercedes.

Rebecca Ferguson fue elegida personalmente por Tom Cruise, ya que la vio en al serie The White Queen y le gustó su trabajo.

SPOILER ALERT:

Es la única Misión Imposible donde el villano no muere

EN CARTELERA: Corazón de dragón

Después de casi una década, Paolo Agazzi retorna a la dirección para entregarle al público su Corazón de dragón.

La premier prescindió, con mucho criterio, de los brillos y lentejuelas de la alfombra roja, y demostró una vez más que hay cierto público que no va al cine a menos que exista ese derroche banal de brillos y lentejuelas.

El último encuentro que tuvimos con Agazzi fue a través de la fallida Sena Quina. Hay que reconocer que él mismo la publicitaba como una “joda”, así que no daba para tomársela muy en serio y rasgarse las vestiduras.

Ahora, escoge el género documental y trae a la pantalla la historia de 8 niños aquejados de cáncer.

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Es difícil tocar el tema del cáncer o de alguna enfermedad terminal porque se corren muchos riesgos. Riesgos de forma, de contenido y a eso hay que agregarle la valentía para enfrentar una filmación que supone un desgaste emocional importante.

Corazón de dragón tiene una factura digna, la calidad de su proyección está impecable (de hecho, una de las mejores que he visto) y tanto la fotografía de Gustavo Soto como el sonido no tienen nada que envidiar a algún otro trabajo del género. Es un documental bien filmado, concebido para conmover y cuyo mayor valor está en la trascendencia que le dará a sus 8 personajes.

Otro punto alto y, asumo, una decisión de dirección, es que lo que vemos en pantalla está relacionado sobre todo a los testimonios de familiares, doctores, enfermeras, y especialistas, y no recurre al golpe bajo de poner a los niños a relatar su mal. Cuando los niños aparecen, lo hacen para brindar un testimonio que sirve como anclaje del documental y no para buscar lágrimas gratuitas.

Utiliza de una manera muy bella la analogía del origami, su uso como terapia, como puente creativo y como símbolo de esperanza en una situación de vida que es constantemente una lucha por la sobrevivencia.

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Quitándonos el poncho de la simpatía, voy a decir algo frío, que lo digo solo desde la posición de montaje, creo que tiene demasiadas historias. 8 personajes es mucho, más aún si hablás del mismo tema. Con algunas variaciones de lugar, condición de vida, pero básicamente el cáncer es traumático, paralizante, y terrible para todos. Igual, puedo llegar a comprender la incapacidad de dejar a alguno afuera, aunque a mí como público me parezca que el golpe inicial que puede generar ver a un inocente niño con cáncer se vaya diluyendo ante una sensación de repetición. Repetición que se llega a sentir demasiado extensa.

Este tampoco será un documental informativo, de esos que al salir del cine te deja manejando un montón de información útil y shockeante de la situación. Es una visión emotiva de las historias de vida de sus personajes, lo que hasta cierto punto te hace preguntarte cojudamente:  ¿nada más?, pero que luego entendés es también una decisión del relato.

La voz en off del principio que se siente guionizada, la música demasiado incidental para mi gusto, algunas escenas donde podés notar el armado de la secuencia (niña que sube la escalera y que salta mientras levanta las manos), la obvia publicidad al Banco Mundial, el uso de la animación a veces a destiempo, el final semi-institucional de los personajes en el jardín, son algunas de las cosas que puedo mencionar como los puntos bajos.

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Eso no quita que tu corazón se humedezca cuando salen las fotos antes de los créditos y sabés que alguno de estos guerreros perdieron la batalla pero ganaron paz.

Corazón de dragón es un documental que con todo lo que se le puede criticar fríamente, sin duda es un trabajo serio y amerita su visionado para repasar un género que necesita mayor difusión.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: Inmortalizar a cada uno de estos niños
Lo peor: a nivel narrativo tiene demasiadas historias, y la obvia publicidad al Banco Mundial.
La escena: me gustaron mucho algunas escenas metafóricas, como la toma de arriba de la ropa tendida del hospital. El cierre de las historias de los niños, cuando hablan de sus planes a futuro y la animación de origami está presente.
Lo más falsete: algunas secuencias que se ven muy armadas como la de la niña que sube la escalera, el doctor que charla con algunas personas en el pasillo, y así.
El mensaje manifiesto: El cáncer no es sinónimo de muerte, se puede luchar y vivir.
El mensaje latente: Es una lucha diaria.
El consejo: Vela antes que la saquen de cartelera, creo que merece tener más público que otras producciones nacionales chapis y mal hechas.
El personaje entrañable: Cada uno de los niños y sus familiares.
El personaje emputante: la omnipresente muerte.
El agradecimiento: Porque le da trascendencia a esas historias.

EN CARTELERA: Píxeles

Como pegarle a un borracho

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Yo fui por el enano. Por Tyrion. Sí. Tampoco me molestaba ver un ratito a Kevin James. No.

Mi gemela ñoña quiere creer que Adam Sandler es un buen tipo, que si te lo topás en una calle de Hollywood seguramente estará de shorts, polera, y gorra. Que estará mirando tetas y culos de algunas damas, solo porque «no lo puede evitar», mientras habla huevadas con algún amigo. Y así, muy inocentemente, querrá hacer una nueva película para que «el público» se divierta, para que él y el amigo boludo se diviertan.

Eso cree ella, yo creo que Pixels no es Punch Drunk Love o Click, lo más decentito de su filmografía. Pixels es una más de ese desfile de películas tontas y poco memorables que acostumbra producir/protagonizar.

Sin embargo, quiero hacer un punto aparte: a sala casi llena, a mi alrededor parece que estaban los amigos de mi gemela ñoña… el público se reía y hasta se escuchó uno que otro tibio aplauso. No sé si eso habla más mal de mí, de mi gemela ñoña o de los amigos de mi gemela ñoña.

Parecería que no importa que Sandler vuelva a repetir el personaje de fracasado que actúa como un patán con la protagonista y ella, siempre linda e inteligente, termina viéndolo pintoresco, divertido e interesante. No importa que la trama, escrita por Tim Herlihy y Timothy Dowling (ambos responsables de buena parte de su filmografía) sea absolutamente pobre, con chistes básicos, y con tantos defectos que ya no se la puede ni criticar porque es como pegarle a un borracho.

Tampoco se puede decir algo de Columbus, director al que ya le hemos perdido la fe hace mucho y enterramos allá en la profundidad de nuestra memoria como al pobre Macaulay Culkin.

No señores, acá hay un borracho y muy borracho está, encima se choca con nosotros y catarrea a morir.

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En Pixels, Sandler es Sam Brenner, un tipo que instala aparatos electrónicos, pero que en su infancia de la siempre recordada era de los 80s, fue un campeón de videojuegos, un gamer de cuidado. Creció y la vida lo dejó atrás como en todas sus películas.

La NASA envió al espacio una cápsula que contenía elementos de nuestra cultura, entre ellos videojuegos de los 80s, y los aliens al verlos lo tomaron como una declaración de guerra. Hasta ahí creo todo, después de ver en qué pierde el tiempo la humanidad yo también pensaría que es correcto eliminarlos.

Kevin James sale del fofo Presidente de los Estados Unidos.

Cuando los aliens lanzan un ataque/desafío simulando  Galaga, y más tarde Pacman, Donkey Kong, Centipide, y etc., el fulano decide llamar a los especialistas, sus amigotes gamers de la infancia quienes al final del día verán que la ociosidad rindió frutos y serán los héroes que salvarán al mundo de la hecatombe alienígena.

En este momento deben haber hombres de 35 a 70 años aún conectados al cable del playstation que se están sintiendo dignificados por las mañas torpes de Sandler como gamer heroico.

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Nada chicos, todo es un vaivén de emociones baratas donde solo destaca uno que otro momento de los juegos ochenteros. Ese revival de nostalgias e infancias irrecuperables que tendrían un happy ending si el colosal y amarillo PacMan se comiera a todos.

Una fotografía cumplidora, unos efectos especiales cumplidores, actores haciendo lo que se puede con ese guión, y bla bla bla.

Repito: yo fui por el enano y disfruté al enano. Lástima que solo hubieran funciones dobladas, porque capaz y disfrutaba más al enano.

Si los Lannister existieran de verdad, esta sería una deuda que Tyrion no podría pagar nunca.

Buenos días.

Mónica Heinrich V.

CURIOSIDADES

Jennifer Anniston rechazó el papel principal de la Coronel.

La hija y la mujer de Adam Sandler hacen un cameo en el filme.

El verdadero creador de Pac Man hace un cameo también, aunque no como el personaje, ya que no habla inglés.

Es la novena ocasión en que Kevin James y Adam Sandler participan juntos en un proyecto.

Fue basada en un corto francés del mismo nombre dirigido por Patrick Jean que dicen estaba muy bueno.

La película ha sido tempranamente catalogada como un fracaso debido a su pobre recepción con la crítica y a su discreta recaudación en taquilla.

Lo mejor: El enano y algunos momentos de los videojuegos. Aparte, el público general parece disfrutarla, cosa que siempre es buena.
Lo peor: un producto Adam Sandler: tonto y barato.
La escena: todas en las que aparece Peter Dinklage
Lo más falsete: el desafío alienígena, y claro, el amor que despiertan los personajes estúpidos de Sandler
El mensaje manifiesto: Sandler seguirá haciendo películas mientras el público vaya a verlas
El mensaje latente: Sandler hará películas toda su vida
El consejo: Andá por el enano
El personaje entrañable: El lanzallamas o lo que es lo mismo: EL ENANO.
El personaje emputante: Adam Sandler, of course.
El agradecimiento: Porque por lo menos están EL ENANO y Kevin James.

CINE: Cinco películas sobre malas amistades

Hay amigos y “amigos”. El cine tiene infinidad de películas que loan la amistad y hacen que dibujemos corazoncitos mientras pensamos con amor en esos pocos (porque la palabra se prostituye mucho) amigos de verdad. Esos que comparten algo más que tragos o salidas nocturnas. Esos a los que uno le donaría un riñón y viceversa.

En búsqueda implacable (guiñito a Liam) de romper la ñoñez imperante, aquí pongo a continuación algunos ejemplos que retratan a esos amigos que no lo son.

Iba a hacer una lista que fuera de menor a mayor intensidad en jodidez, pero reflexionándolo no sé cuál es peor que cuál. Así que se las planto con orden aleatorio.

Cinco películas sobre turbias amistades.

1) Respira (2014)

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Los franceses saben de amistades truncas. Cuando la resplandeciente Sarah (Lou de Laage) entra a su clase, la ñoña Charlie (Josephine Japy) queda prendada de ella. Sarah es divertida, extrovertida, con estilo, mientras Charlie es una chica más bien común, que puede pasar inadvertida. Ambas se vuelven mejores amigas, se cuentan sus secretitos, comparten ropa, salen, etc.. Pero resulta que Sarah es manipuladora, y de esas con las que hay que tener mucho cuidado.

Todo está bien en el paraíso hasta que pasan cosas que a Sarah no le gustan. Ejemplo: un desconocido español al que ella le echa el ojo en una fiesta al final termina durmiendo con la mamá de Charlie. Charlie la presenta como una compañera de clase y ella se indigna de que no la presentó como amiga. Detalles de este tipo hacen que Sarah cambie su comportamiento con la pobre Charlie.

Un día está toda babosa con ella, al otro no le habla o si le habla lo hace secamente. Un día salen juntas, otros dos se pierde. Un día está comprensiva y empática, al otro hace comentarios hirientes sobre las cosas que sabe de su supuesta mejor amiga. Es, abiertamente, envidiosa y resentida. Luego, le echa la culpa a Charlie como si Charlie fuera la villana. O sea, demasiado abuso mental. Uno como adulto dice: a esos crispines habría que cortarlos de tajo, sin embargo, Charlie aguanta porque es adolescente y no sabe manejar la situación, y lo peor: viene de un hogar en el que su madre soporta el maltrato psicológico de su padre, y ella inconscientemente replica esa conducta.

Cuando finalmente Sarah la deja de lado, Charlie es incapaz de continuar sola y cae en un pozo depresivo. Sarah, en lugar de tenerle compasión comienza una campaña de acoso y desprestigio sistemático en el colegio. La cosa llega a tal punto que dan ganas de entrarse a la película y agarrar a manazo limpio a las dos: a Charlie por no ser capaz de defenderse como Dios manda y a Sarah por ser tan hija de Pooh.

El final es shockeante, y la película, aunque me parece no termina de cerrar a nivel narrativo las necesidades de ese final, está filmada muy bellamente.

La también actriz Melanie Laurent dirige este filme que se mira sin pausa y con el corazón algo encogido.

2) Harry, un amigo que te quiere bien (Francia, 2000)

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Domink Moll nos trae esta película inquietante que pasa abruptamente del género suspenso al terror y tiene sus toques de un humor negro.

Harry (Sergi López), en un encuentro aparentemente fortuito, se aparece en la vida de Michel (Laurent Lucas) diciendo que fueron compañeros de secundaria.

Seamos sinceros, a quién no le ha pasado estar caminando por la calle y zas! alguien viene, te abraza y te soba DICHOSO porque supuestamente fueron compañeros de colegio/universidad/nidito y vos no recordás al pobre infeliz. ¿Qué queda por hacer? Obviamente fingir, seguir la conversación como si estuvieras igual de contento, preguntarle por lo que ha sido de su vida, despedirse como si se fueran a ver alguna vez más y listo. Michel no tiene ni puta idea de quién es Harry, pero en vista de que Harry recuerda TODO de él y habla sobre su persona con admiración, decide invitarlo a cenar.

Harry es un tipo de recursos, a las claras se ve que tiene plata, poder, estilo, formación, Michel, por otro lado, vive inmerso en el mundo real, ese de familia clasemediera con deudas, un matrimonio aburrido y unos hijos que ama, pero que en secreto suponen un obstáculo para dedicarse a él mismo.

Harry parece un buen amigo, quiere que Michel retome sus pasiones, que surja, que sea feliz. El pequeño problemita es que el tipo se va poniendo denso, y cuando Michel se viene a dar cuenta tiene a un psicópata al que no recuerda viviendo en su casa, con su esposa y sus hijos a su merced.

Nada como un mal amigo para valorar la dicha familiar.

3) Heavenly Creatures (1994)

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Quizás mi película favorita de Peter Jackson. No, con seguridad mi película favorita de Peter Jackson. Estamos ante una de las mejores interpretaciones de Kate Winslet, quien debutaba en el cine con 19 años.

La historia es más o menos similar a Respira en el inicio. La acción se desarrolla en la Nueva Zelanda de los años 50 y es basada en un caso real que escandalizó a Europa en esa época.

Chica nueva Juliette Hulme (Kate Winslet) entra a la clase y Pauline Parker (Melanie Lynskey, hoy infamemente conocida por hacer el papel de Rose en Two hand a half men) queda prendada de ella. Juliette pertenece a una familia acomodada, es linda, divertida, inteligente, mientras que Pauline es gordita, tiene una leve cojera, pasa desapercibida y su familia no es tan acaudalada, su padre es pescador.

Hasta ahí las similitudes con Respira. En Criaturas celestiales, ambas chicas construyen una amistad en la que prima la fantasía y el delirio. Ambas comparten una debilidad física, Juliette tiene tuberculosis y Pauline ha sufrido de una enfermedad en los huesos. A ambas les gusta leer, ambas tienen diarios, ambas fantasean con huir de sus casas y viajar a Estados Unidos.

La relación aumenta en decibeles, a tal punto que las familias de ambas comienzan a verla con malos ojos. El lesbianismo en esa época era considerado enfermedad y la posibilidad de que las chicas sean lesbianas hizo que los padres tratarán de mantenerlas separadas. Hasta el día de hoy se discute si fue una relación lésbica o una amistad llevada al extremo.

Estas chicas que habían creado su propia religión, su propio Dios, sus propias reglas morales y que vivían exclusivamente la una para la otra, deciden que la única manera de estar juntas y cumplir sus alocados sueños es matando a la mamá de Pauline.

Peter Jackson hizo una película impresionante. Impresionante por su casting, impresionante por cómo llevó a la pantalla una historia tan tétrica dotándola de una belleza casi poética.

Tiene unas cuantas imágenes que no se olvidan y te deja una muy rara sensación. Terminan los créditos y querés saber qué paso con las chicas. Por ser menores de edad pasaron solo 5 años en la cárcel. Juliette se convirtió en Anne Perry, una conocida escritora de bestsellers y Pauline, después de pasar por un convento, vive en un pequeño pueblo dando clases de equitación. ¿La condición para una pena tan leve? Que nunca tendrían que volver a verse.

4.-Perfume de violetas (2000)

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Esta da cosita. Es mexicana y la vi en las épocas doradas del Festival Iberoamericano de Cine. Ese año ganó el premio a Mejor Película.

Dirigida por Maryse Sistach, la trama está basada en un caso real y nos presenta a Yessica, una adolescente de bajos recursos que está, literalmente, meada por los dioses. Su familia la maltrata, su hermanastro la “vende” para que la violen, en el colegio le va mal, tiene un carácter explosivo e impredecible, y de pronto conoce a la dulce Miriam.

Miriam es esa compañerita que tiene todo aquello que ella querría para sí misma. Al principio Miriam, que cuenta con una mamá que la adora y una vida muy ordenada, siente compasión por Yessica, por sus carencias y como ella es, también, algo solitaria se convierten en mejores amigas.

Cuando la violación a Yessica es consumada, su situación de vida (la que la película pretende analizar) impide que ella lo cuente y queda con un frágil estado emocional refugiándose en Miriam. La otra niña se empieza a sentir incómoda con el excesivo interés de Yessica y la ve un poco cargosa, a eso se agrega la actitud de la mamá de Miriam que no ve con buenos ojos la amistad.

El final también es shockeante, y hasta el día de hoy me lo recuerdo vívidamente. La película en sí misma no es una maravilla. Está filmada con un airecito semidocumental, cae en algunos lugares comunes y como ya es habitual del cine mexicano tiene problemas de actuación, pero aún así es una película que te atrapa de principio a fin y que tiene un interés honesto por reflejar una problemática.

5) El Talentoso Mr. Ripley (1999)

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¿Quién no recuerda este poderoso filme? Fue antes de que Pitbull arruine el Tu Vuo Fa l Americano, y de que Jude Law venga a darse bañitos de cerveza Paceña por estos trechos.

Esta es mi película favorita de Anthony Minghella, en ella vemos a Matt Damon como el retorcido Tom Ripley.

Tom es un muchacho de condición humilde, con una buena formación, con inquietudes artísticas. Apretado económicamente, consigue un poco de dinero al tocar el piano en un evento social. Algo sucede con su chaqueta en un acto que necesita chaqueta, así pide prestada una que casualmente es de Princenton. El dueño de la casa asume que el chico estudió ahí y entre charla y charla queda convencido que es compañero de estudios de Dickie (Jude Law), su díscolo hijo. La suerte de Tom cambia cuando el señor le ofrece mil dólares para que vaya a Italia y traiga al tal Dickie de vuelta.

Tom no puede creer su buena fortuna y acepta. Va a Italia y se introduce en la vida de Dickie con el mismo engaño. Dickie, que es un dandy, lo cobija bajo su ala y empiezan una estrecha relación.

La relación se va convirtiendo en algo raro y oscuro a medida que la película avanza, sobre todo porque Tom (oh, Tom!) tiene una obsesión por Dickie y todo lo que le pertenece/rodea. Hay una doble mirada de Tom, una que se siente apabullado/maravillado por la gran vida que lleva, y otra que observa con rabia  su despilfarro, su arrogancia, mientras que él ( a sus ojos más inteligente y talentoso) está condenado a vivir con lo justo. El complejo es un mal consejero, y nuestro Tom empieza a rumiar turbios planes.

La película está narrada magistralmente, además de ser un gusto para los ojos. El final llega un poco esperado, sí, pero no deja de tener su impacto.

Una muy buena adaptación de la novela de Patricia Highsmith que también fue llevada a la pantalla grande por los franceses con el filme A pleno sol.

Mónica Heinrich V.

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