LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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cine - page 40

COMO UN PAJARO MUERTO
Por: Mónica Heinrich V. “La teta asustada”…¡Mucho nombre! La primera vez que escuché hablar de esta película fue cuando fuimos a comer pizza con unos amigos, y una amiga la mencionó. El nombre me encantó, o sea: “La teta asustada” ya te cuenta muchas cosas sólo con esas 3 palabras.
Además, el título invoca cierta magia, no es pues lo mismo que alguien te diga emocionado: “Vi Dr. Dolittle” o “En el cine están dando No es otra estúpida película americana”.
La teta asustada es otra cosa (¿notaron cómo me gusta decir el nombre?) Ya nomás grité “CALLATE” a quien empezó con entusiasmo a hablar sobre este filme, porque odio saber la sinopsis. Lo Odio. Mejor llegar a la butaca inocente como un pubis de ángel.
Y es así que por esas casualidades de la vida, pude ver la segunda película de Claudia Llosa. Ajá.
Pero este tipo de filmes que no involucran magos adolescentes pelotudos, ni autos que se transforman en robots, necesitan un contexto. La teta asustada es una película peruana. Como buena parte de la cinematografía de este país, el terrorismo ha servido de inspiración.
En la década de los 80s, Sendero Luminoso (llamado así por la frase de Mariátegui: “El marxismo-leninismo abrirá el sendero luminoso hacia la revolución”) alcanzó su clímax como movimiento terrorista. Conocidos por sus crueles y sanguinarios métodos, los senderistas dejaron a su paso heridas que hasta el día de hoy no cicatrizan en la sociedad peruana.
La teta asustada es la traducción que hizo la antropóloga Kimberly Theidon en su libro Entre Prójimos de un fenómeno observado por las víctimas del terrorismo, en realidad en quechua la traducción literal de cómo ellos llaman a dicho fenómeno es “Leche del miedo” o “leche de rabia”, se supone que es una enfermedad nacida del miedo. Mujeres salvajemente violadas o torturadas durante esos difíciles años, sufrían del síndrome de la teta asustada, y pasaban el miedo a sus hijas a través de la leche materna.
Fausta (interpretada por Magaly Solier) representa a todas esas mujeres, que ahora son un número estadístico y prueba viviente de las huellas psicológicas que deja el terror.
La película abre soberbiamente. Me pican los dedos por contarlo, pero no…adolezco de spoilers y esta vez, prefiero que se sorprendan tan gratamente como yo. Sólo espero que cuando vean ese inicio, se acuerden de mí con cariño.
La mamá de Fausta fue violada (no dicen si fueron los terroristas, los policías, los paramilitares), estando embarazada de ella. En el mismo hecho, su marido fue asesinado. Y producto de tan terribles experiencias, hizo algunas cosas (chocantes) para librar a su hija de la misma suerte.
La señora fallece, y Fausta (ahora de unos 20 años) con su siempre presente miedo a lo que la rodea, y sobre todo, al contacto masculino, quiere llevar el cadáver a otra ciudad. Como no tiene dinero, y su prima está por casarse, por lo que su familia política no puede ayudarla, Fausta comenzará a trabajar como empleada doméstica en una casa de ricachones.
El filme sigue un ritmo lento, pero hay algo en la historia que hace que la sigás sin que ese ritmo te aletargue. Escenas muy bien logradas, hermosas, acompañadas por cantos indígenas, metáforas tristes y duras, combinados con algo de humor…ese humor que nace de la vida cotidiana, de las costumbres de una familia de escasos recursos, y del absurdo mismo; te transportan al Perú que nos pinta Llosa.
Hubo escenas que me gustaron muchísimo, otras no tanto. Quizás su mayor defecto es no haberle dedicado el mismo cuidado que a la fotografía, a la música y a otros detalles, a la dirección de actores.

Si bien Fausta (la protagonista) es más que convincente, y quizás uno de los factores que hacen que el filme concluya con éxito para nuestros ojos, hay otros secundarios que dejan mucho que desear.

La polémica no estuvo ausente. En Perú tuvo buena acogida por algunos medios, otros le sacaron la mierda, acusando al largometraje de racista, engañoso y manipulador. Adjetivos dados a Llosa dado su parentesco (sobrina) con el escritor Mario Vargas Llosa (de conocidas tendencias liberales) y su calidad de peruana radicada permanentemente en España.

Varios puntos: El racismo se le atribuye por considerar la posición de Fausta (mujer quechua, india, atemorizada, inculta, ignorante, que trabaja de empleada doméstica) como un mal ejemplo. Además, se abrió un gran debate en torno a la utilización de la papa (alimento básico e intrínseco de la cultura andina) como el objeto del cual tenía que deshacerse Fausta para alcanzar la “libertad”.

Otro detalle del que se acusa a la directora es de “inventarse” tradiciones y situaciones que no condicen con el estrato social o el grupo cultural que está tratando de presentar ante el público. Habría que ser peruano para saber a ciencia cierta qué tan creíbles son estos reclamos, o si se trata de una crítica infundada.

Quizás puedo concordar en un par de argumentos: Existe una tendencia a estereotipar o caricaturizar personajes o situaciones, por lo que algunas cosas se sienten “falsas”, sin embargo…imagino que debe ser difícil no caer en el cliché cuando se trata de exhibir una cultura distinta. Ya sé que algunos puristas elevan los gritos al cielo alegando que hay directores que se dedican a este tipo de cine, porque “vende” en festivales y atrae a públicos como el europeo que ve con ojos “enternecidos” cosas tan “autóctonas”. Pero tampoco se puede negar un producto cuya factura es bastante lograda.

Más allá de la polémica, se trata de un filme donde destaca una buena producción, excelentes locaciones, una historia base interesante, muy buena fotografía, linda música y una protagonista convincente.

Me atreveré a recomendarla? Sí, La teta asustada (con todas sus falencias) es un filme que vale la pena ver. Película latinoamericana, que nos echa luz sobre el nuevo cine peruano, que trae una historia jodida contada de una manera muy aceptable, y que nos recuerda que el terror esclaviza.

Lo mejor: la historia base es interesante

Lo peor: actores secundarios y un evidente esfuerzo por darle “color” a los personajes.

La escena: El principio y el final.

Lo más falsete: algunos estereotipos y cosas que quedan sueltas

El mensaje manifiesto: Los traumas te estancan

El mensaje latente: Nunca es tarde para liberarte

El consejo: Mirala…

La pregunta: ¿A Vargas Llosa le habrá gustado la peli?

CURIOSIDADES- Llosa se basó en el libro «Entre projimos» de la antropologa Kimberly Theidon.
– Ganó el Oso de Oro a la mejor película del Festival Internacional de Cine de Berlín
– Es una película peruana de producción española (40% José María Morales WANDA, 40% Antonio Chavarrías OBERON y 20% Claudia Llosa VELA). De nacionalidad española (80%) y peruana (20%)
– Magaly Solier (Fausta) nació en Ayacucho, provincia que sufrió la violencia del terrorismo, lo que marcó su infancia. Desde niña compitió a nivel local en atletismo, pero el canto es su verdadera vocación. En el 2003 y 2004 ganó el X y el XI Festival de la Canción Ayacuchana buscando nuevos valores, en su ciudad natal.
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– Actualmente acaba de lanzar su primer disco como cantante, titulado «Warmi» con temas en quechua compuestos por ella misma.
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– Claudia Llosa descubrió a Magaly, a quien ya había contratado previamente para su ópera prima MadeInUsa.
– Muchos de los que participaron en La Teta asustada son actores naturales, que no han actuado previamente.

EXTRAS
– HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRINCIPE.- Una tortura. Un asco de película que hizo que entrara a internet a buscar la fórmula del ántrax, con intenciones de mandarle un sobre a David Yates, un fulano absolutamente desconocido en el mundo del celuloide, a quien le encargaron la dirección de la saga de Harry Potter desde la Orden del Fénix y a quien han confirmado para el cierre de dicha historia. Y cuando digo ABSOLUTAMENTE DESCONOCIDO, no estoy exagerando. Un señor a quien no se le conoce ninguna película, aparte de su ópera prima. Y cuyo trabajo en televisión, no tiene NADA interesante. A ese crispín le dieron la dirección de la historia literaria más importante de los últimos años.
O sea, Tim Burton, morite…Cuarón, que hizo lo más decente, morite. Nolan, morite también. No. Traigamos a alguien que no tenga la más peregrina idea de nada, un cero a la izquierda en cuanto a creatividad, alguien que puede transformar un libro escrito para entretener en una película aburrida.
Diré que me devoré los 7 tomos de Harry Potter. No es que considere que sea lo mejor que han dado las letras, pero sí reconozco su carácter adictivo al estilo Coca-Cola, aunque sin desmerecer algunos buenos momentos que la Rowling nos ha dado. El caso es que los últimos libros de la saga (en específico los 3 finales) resultan mucho más oscuros e interesantes que sus antecesores, y el tal Yates viene y los jode desde que empieza hasta que acaba.
La búsqueda de los horrocruxes tan tétrica en el papel, así como el tema del príncipe mestizo, narrado con un suspenso que Yates mandó al carajo en la pantalla, hubieran sido grandes momentos bajo la batuta de un director mucho más inspirado. Pero no. Nada. Vemos a Harry Potter, con aire cada vez más parecido a Frodo (El señor de los anillos), Ron que conforme pasan las películas lo presentan más tonto, y una histérica Hermione, nos llevan a la aventura que supone descubrir quién es el príncipe mestizo.
Actuada de manera precaria, donde el actor que interpreta a Malfoy bien merecería la cárcel por su performance, NADA sorprende en esta entrega fílmica. Nada. Ni siquiera cuando los malos, malos, encabezados por una excelente Helena Boham Carter (una de las pocas cosas rescatables) se meten al rancho (la escuela de magos) y arman el despelote que en el libro termina con heridos varios, aparte del muertito y que en el filme pasa como si los malos malos hubieran aparecido para recoger gardenias de los balcones. No. Muy mal Yates, tanta plata gastada al pedo. Pudo haber sido mil veces mejor, y todo se va al carajo por no saber elegir director.

– DIVA ADOLESCENTE: Sí. Vi esta película Y QUE. Típica comedia de enredos adolescente, donde una muchacha remilgada, muy onda Paris Hilton (modelo a seguir por la estúpida americana promedio) entra a un nuevo colegio. Esta señorita se caracteriza por ser caprichosa, rebelde y no cumplir con las normas establecidas, entonces el internado parece la mejor opción. Como es de esperar, la chica se convertirá en la más cool, la popular y poco a poco entrará en cintura, al valorar otras cosas de su vida. ZzzZZZZzzzzZzzzzZ ñoños. Lo único bueno, debo decirlo aunque me duela, es Emma Roberts, sobrina de Julia Roberts…que desde ya, se muestra como una digna sucesora en carisma para ese tipo de historias.

– LA NIEBLA: Basado en un libro de Stephen King, que no he leído, el filme cuenta la historia de un grupo de personas que se refugian en un supermercado ante un extraño fenómeno que trae muerte y terror, representado por la niebla. Básicamente el argumento desnuda la naturaleza mezquina del ser humano, que en situaciones desesperadas pasará de la civilización a la barbarie. El final tiene tintes místicos…Entretenida. Nada del otro mundo, pero entretenida.LA PROPUESTA: Protagonizada por Sandra Bullock y Ryan Reynolds, se trata de una comedia romántica bastante digerible. Dirigida por la misma crispina de 27 bodas, La Propuesta cuenta la historia de Margaret (Sandra) una editora cuya personalidad fría, déspota y altanera, le ha ganado una reputación en su compañía. Andrew (Ryan) es su abnegado asistente, el tipo de asistente que va y le compra Tampax a la medianoche. Todo seguirá su curso natural, hasta que Margaret (que es canadiense) al haber descuidado sus trámites de residencia, es amenazada con ser deportada. Se le ocurre que la mejor manera de zafar es casarse con el asistente…Si bien es una comedia con muchos clichés, que pierde ritmo como a la mitad del mismo, está disfrutable. Sandra Bullock le hace al género comedia-romance, y Ryan no se queda atrás, hay química, una historia simpática. Sí. No salí emputada del cine y eso se agradece.

ANIMACION: UP

“Two thumbs UP!!”

Por: Mónica Heinrich V.

El primer largometraje animado que vi fue Blanca Nieves y los 7 enanitos, de Disney. Desde entonces seguí con fascinación el desarrollo de esa técnica, que para mis ojos, antes infantiles y ahora “adultos”, es mágica.

No voy a contar los traumas que desembocaron luego de procesar que los hongos bailarines de Fantasía no existían. Ni tampoco cómo dicha fascinación se extendió al Anime en todos sus géneros (Maho Shojo, Hentai, Sentai, Kemono, Shonen ai, etc) y a los cartoons.

Como fan de ese arte, vi con emoción la entrada de la industria a la era del 3D y a los dibujos computarizados. Reclamé la pérdida de esa “cosa linda” e indescriptible que me hizo sentarme a ver Dumbo varias veces.

No era lo mismo. Toy Story me gustó, pero no me encantó. Monsters corrió igual suerte. Los de Pixar son unos capos, y aunque hasta el momento sólo Wall-E había alcanzado momentos de grandiosidad, aún no conseguían que yo deje de repetir tercamente: “todo tiempo pasado fue mejor.”

Es así que me deslicé al cine para ver con relativo entusiasmo UP. Llegué sin saber casi nada del filme, y teniendo que ARRASTRAR a compañero de butaca, ya que compañero de butaca nunca ríe en filmes animados. No, es como esos adultos que piensan que los dibujos son sólo para niños. Uno cagada de risa, y él bosteza.

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Entramos a la función con los lentes 3D, compañero de butaca quejándose que dan dolor de cabeza, y yo eligiendo sentarme entre la fila 6 y 10 (previos reclamos ajenos de la cercanía de la pantalla) para ver mejor el “efecto”.

Entonces, UP empezó.

Los primeros 15 minutos son sencillamente hermosos. Son ese tipo de secuencias que aunque pase el tiempo, las recordarás siempre. Nos cuentan la historia de nuestro protagonista, Carl, que en su infancia conoce a una niña de su edad (8 años) llamada Ellie. Ambos comparten el ansia de aventuras y una imaginación desbocada que los hace ponerse como meta, algún día, ir a vivir al lado de unas cascadas (Cataratas del Paraíso) de Sudamérica.

En minutos muy bien contados y bellamente narrados, seguimos a Carl y Ellie en su desarrollo personal, amoroso, llegando a la adultez, compartiendo su vida, y haciendo todas esas pequeñas cosas que forman una pareja, sólo mostrado con imágenes y música.Up-Blu-ray-1

Y así, con la delicadeza y el tino que este guión presenta, vemos a ambos en su vejez, a Carl sentir que la vida los ha pasado por encima y que los sueños que tenían de niños aún no se han cumplido, quiere enmendarlo comprando los pasajes que los trasladarán hacia las ansiadas cataratas (símbolo casi onírico de sueños y esperanzas) pero desgraciadamente es demasiado tarde y Ellie muere.

Hasta aquí bien pudieron encender las luces, levantarme de la butaca e irme a mi casa, completamente satisfecha.

Hay más, sin embargo.

Carl queda solo y amargado. No pudo cumplirle a Ellie el sueño de las cataratas, y para colmo de males, una gran compañía le quiere quitar la casa en la que vive para construir negocios en su terreno.

El filme se desdobla en algo tan sencillo como la búsqueda de los sueños, cumplir eso que cuando niños representaba la ilusión de “cuando yo sea grande…”. Es cursi, sí. Es ñoño, claro. Pero en todo ese algodón de azúcar que envuelve UP hay esa magia que hizo que me sentara a ver Dumbo varias veces.

Muy linda película, por momentos alcanza una poesía hace mucho no vista en este tipo de animaciones. Personajes como Russel, el niño explorador ignorado por sus padres que busca su última insignia; Kevin, la exótica y perseguida ave sudamericana; Dug, el perro parlante cansado de ser esclavo y con ansias de ser querido; Charles Muntz, el villano que de ser un admirado aventurero, pasó a convertirse en un megalómano coleccionista de “pruebas” que pongan su nombre en alto; los globos, los hermosos globos y la casa voladora, conforman esta pequeña joyita digna de verse.

Todo esto acompañado de una lindísima banda sonora, una calidad en las animaciones donde se ve que se ha cuidado hasta el mínimo detalle, y un airecito a “esto se hizo con amor”, que trasciende la pantalla y te pringa los lentes 3D.

Lo memorable de UP, muy aparte de los momentos forzosamente edulcorados o con mensajito a la conciencia, es la certeza de que has visto algo con lo que te podés identificar, que podés sentir, que llegás a apreciar y que te enternece de tal manera como para salir en una propaganda de Mastercard diciendo: “Entrada al cine: 40 pesos, Pipocas y soda: 20 pesos, Cena en el cine: 70 pesos, lo que te deja UP: No tiene precio… Hay cosas que el dinero no puede comprar”.

Lo mejor: una historia conmovedora Lo peor: nada me molestó La escena: los 5 minutos sin diálogo que nos cuenta la vida de Carl y Ellie hasta que envejecen Lo más falsete: nada El mensaje manifiesto: Nunca es tarde El mensaje latente: persigue tus sueños El consejo: No podés dejar de verla La pregunta: ¿por qué postergamos tanto cosas que nos harían felices?

CURIOSIDADES

– Cerca de 70 animadores trabajaron en Up, durante el pico de su producción. Un equipo de aproximadamente 375 animadores hicieron su aporte creativo para el film.
– Las ‘Cataratas del Paraíso’, el destino soñado de Carl en el film, están inspiradas en el Salto del Ángel en Venezuela.
– El director y guionista Pete Docter, el co-director y guionista Bob Peterson, y otros miembros clave del equipo de realizadores viajaron a Venezuela para explorar los ‘tepuis’ y la geografía de la región. Los intrépidos exploradores encontraron hormigas venenosas, serpientes, escorpiones y sapos miniatura durante su viaje.
– Cuando Russell y Carl cenan con Muntz, el plato de Carl es una de las ‘delicias’ del film Ratatouille.
– El 20 de mayo murió Tito Resendiz doblajista mexicano que puso la voz en español para el personaje de Carl.
– El director Pete Docter menciona al legendario guionista de Disney Joe Grant en los créditos, y le dedica el film ‘A los Carl y Ellie Fredricksen de la vida real, que nos inspiraron a crear nuestra propia aventura’. Grant fue parte del equipo que, en 1937, creó el film Blancanieves y los siete enanitos, y escribió Dumbo y Fantasía. Este mentor, amigo y fuente de inspiración para Docter y tantos otros realizadores, continuó trabajando en Walt Disney Animation Studios hasta su muerte, en 2005, cerca de su cumpleaños número 97.

EXTRAS
– TRANSFORMERS 2: LA VENGANZA DE LOS CAIDOS: La primera me entretuvo, estúpidamente, pero me entretuvo. Quedé enamora del Camaro amarillo y pude olvidarme del cochino mundo exterior un ra
to. En esta secuela, TODO es horrible. Desde el argumento, hasta la forma en que la filmaron. Michael Bay (a quien odiaba profundamente gracias a Pearl Harbor) es el director de este despropósito, que según su propia protagonista (la boquifloja de Megan Fox) “puede producir daños cerebrales”. Aunque a Megan el colágeno de los labios parece haberle afectado las neuronas hace rato, esta vez debemos coincidir. Resulta que Sam (el mamerto de la primera parte) está de ida a la universidad, pero de un momento a otro los decepticons se han reagrupado y quieren resucitar al propio propio de los propios. Según, que cuando ese bicho agite sus tuercas, el mundo va a fundir moroco. Para eso los malos tienen que conseguir unas cositas, que ayuden a devolverle la vida (bueno, energía) a quien sabemos. Es así que suceden una serie de ridículas situaciones, que alcanzaron su clímax con la bicha de la lengua extensiva…y la “batalla” final…Me sentí muy triste, sola, y desamparada en el mundo…para qué. No la vean, asco de película.
– SENTENCIA DE MUERTE: A Kevin Bacon le matan a su hijo en una situación bien dramática, a partir de ese momento el hombre no supera la pérdida. Entendible, claro. Y recurre a aquello de la “venganza por mano propia”. De esa manera, se mete con el bajo mundillo de asesinos y asaltantes, que luego…al decir de los españoles: irán a por él. Ajá. La película está dirigida por James Wan, quien GRACIAS A DIOS, dejó de hacer secuelas de Saw un ratito. No está mal, pero se va al chancho como a los 20 minutos…aunque tampoco es una película que va a ser tan detestable ver. Está regularona, pero entretenida.
– VACACIONES DEL TERROR: No sé. No sé porqué ponen esta película en cartelera. Debe ser viejita. Mala, aunque engañé a dos personas para que la vean y sufran conmigo. Vista como humor bizarro, zafa. Una familia compuesta por papá empresario mayorcito, nueva esposa de papá joven, delgada y lozana, hija adolescente que ve a nueva esposa con cara de asquito, e hijo pequeño que anda con su Ipod…llegan a Africa (era Africa?) bueno…luego nueva esposa, e hijos putativos se van a ver animales con guía turístico, mientras papá empresario trabaja. Niño quiero ir a hacer pis en el camino, paran en tan inhóspito pasaje…Guía es comido por león y nueva esposa-madrastra, queda con hijos putativos en medio de la nada y a merced de los leones…ZzzZZZZZzzzzzZZZzzzzZ
– ROJO AMARILLO VERDE: Ya están publicándose los trailers de lo que parece ser la gran promesa del cine nacional este año. Espero esta película con ansias, sobre todo porque el nombre de Martín Boulocq está involucrado. El proyecto suena interesante, ya que une tres historias en un largometraje, y cada historia (separada por los colores) está dirigida por un director nacional diferente. Es así que Rojo, la dirige Boulocq, quien sorprendió con su ópera prima Lo más bonito y mis mejores años; Bastiani (a quien no conozco fílmicamente) dirige Amarillo y Verde, correrá a cargo de Rodrigo Bellot (conocido por sus filmes Dependencia Sexual y Quién mató a la llamita blanca). El estreno está previsto para agosto de este año…y como dije, la idea suena cuando menos interesante, amén de que cuenta con grandes actores como Daniel Aguirre…sí, la esperamos con ansias.

“American Dream”

Después de la insípida Max Payne y la nefasta The Spirit, arriesgarme a ver otra adaptación de cómic era una disyuntiva casi hamletiana. Dicha disyuntiva se convirtió en actitud positiva, esperanzada y ñoña ante la visión del nombre Alan Moore.A los amantes del cómic se les deben mojar los calzones cuando leen o escuchan este nombre. Moore es el mesías de este género. 

Un viejo que si lo ves parado en una esquina con una taza de café en la mano, le largás dos quintos dentro de la taza, y seguís indiferente tu camino.

Que no los despiste su aire descuidado o de hippie “we are the world, we are the children”. Ahí donde lo ven, este casi sesentero espécimen masculino revolucionó el mundo del cómic en los 80s gracias a historias con mucho peso literario, dotando a sus personajes de facetas oscuras y dignas de Freud, así como nuevos sortilegios argumentales no vistos hasta entonces.

Una de sus grandes obras, por la que muchos nos arrodillamos por las mañanas y saludamos al sol naciente con “Oh, Salve Alan Moore”, es V de Vendetta. Adaptada al cine por los hermanos Wachowsky (a quienes yo les había jurado venganza luego de Matrix Revolutions). Aunque el viejo detestó la versión de los hermanitos, a mí me gustó bastante e hizo que un ataque de melancolía comprara la máscara del anti-héroe anárquico, imaginando darle uso en un día no muy lejano.Moore es inglés, a eso agreguémosle vegetariano, mago del caos, ocultista, misántropo, músico, actor de teatro, ex dealer de LSD y otros detallitos. Una joyita, como ven. 
No es de extrañar que sea su costumbre pelearse con todas las empresas en las que ha trabajado y despreciar olímpicamente cualquier intento de llevar su obra a la pantalla gigante.
La liga de los hombres extraordinarios, que convengamos no fue una buena experiencia para endulzar el genio de Moore y From Hell (protagonizada por Jhonny Depp) donde hicieron con el cómic lo que se les cantó, son algunos de los filmes que casi le reventaron la vesícula.
Ahora, después de muchos años de idas y vueltas, Zack Snyder dirige la adaptación de lo que muchos han llamado con aire dramático: “EL COMIC INFILMABLE”.
Un minuto de silencio, por favor.

The Watchmen es quizás la obra más reconocida de Alan Moore, y su complejidad es tal que su adaptación a la pantalla gigante era prácticamente una utopía. Durante años nombres como Paul Greengrass (Bloody Sunday y todas las Bourne), Darren Aranofsky (PI, Requiem for a dream, El Luchador) quisieron hincarle los dientes a este proyecto, pero parece que los crispines pedían muchos verdes…y de buenas a primeras, contrariando toda predicción posible, le dan este “regalo” a Zack Snyder.Snyder no es otro que el director de 300 y de la versión de Los muertos vivientes del 2004. Ambas películas fueron, para mí, aceptables….aunque 300 la sentí muy videoclipsera con aire a spot de perfume francés. But, what the hell, tampoco es que el tipo se haya ido al chancho con impulso. No. Estuvo digno nomás.
The Watchmen fue inspirado (según Moore) por el escritor William Burroughs con la intención de crear una especie de Moby Dick de superhéroes (suena bien ¿no?). A ver, a ver…recordemos Moby Dick (Herman Melville. Ballena. Capitán Ahab. Pequod. Arcones. Claro!). Hay, también, quienes lo describieron como el Hamlet del cómic.Las viñetas fueron dibujadas por Dave Gibbons, ilustrador que ya prestó su trazo a gente como Frank Miller y Stan Lee; el color corrió a cargo de John Higgins. 
Como ya es costumbre en Moore, The Watchmen tiene cuestionantes políticas y morales que parten del mismo nombre, tomado de la alocución latina del poeta Juvenal: «Quis custodiet ipsos custodes?» traducido como «¿Quién vigilará a los vigilantes?», haciendo alusión directa al problema que implica la corrupción del poder último.
De ahí que los Watchmen (Vigilantes) sean personajes atormentados por sus propios fantasmas, personajes como Dr. Manhattan, un científico que víctima de un accidente nuclear adquiere una serie de súper poderes que de manera paulatina lo aíslan del ser humano, y que paradójicamente lo convierten en una suerte de Dios.
Rorscharch (GRAN personaje) llamado así por la máscara que cambia constantemente a distintas manchas similares al famoso test psicoanalítico del mismo nombre, descrito por sus propios compañeros como sociópata, es a través del diario de Rorscharch que seguiremos el hilo de esta historia. Hijo de una prostituta, tuvo una infancia traumática. Un hecho en su carrera de superhéroe marcaría un antes y un después acerca de su concepción de la justicia. Desde entonces ejerce su papel de justiciero de manera violenta e inmisericorde, alejado de cualquier código social pero con rígidos principios que no piensa transgredir.
The comedian o El Comediante, oscuro personaje que de acuerdo al argumento formó parte de cuanta matufia americana se imaginen, anárquico, fascista, amoral, un tipo sin un ápice de auto-control, sádico, que disfruta enormemente el poder, pero que es el que tiene más claro el papel que juegan ellos, el Estado y la sociedad, definiendo todo como “un gran broma”, “una maldita broma”.
Laurie Jupiter, la niña bonita que no debía faltar, hija de otra exvigilante (Sally Jupiter), resiente su pasado en el que perdió parte de su juventud por andar combatiendo el mal. Se hizo vigilante por presiones maternas.

Búho Nocturno, tiene dos versiones el I y el II, ambos reflejan al superhéroe más ñoño, humano y corriente de todos. I y II son amigos e incluso se frecuentan, I ya está retirado y II lo visita para hablar de las viejas glorias.

Ozimandias, considerado por él mismo y sus colegas como “el hombre más inteligente del mundo”, ser maquiavélico donde los haya. Cuando dejó el grupo de Watchmen se dedicó a amasar una fortuna y un poder que nunca le son suficientes. Sufre de megalomanía, admira profundamente a Alejandro Magno y su deseo es emularlo.

Hasta ahí no les suena bien? Sobre todo por el enmascarado con manchas de rorscharch? 

Sigamos. Entonces tenemos a todos estos tipos que más parecen dignos del mejor psiquiatra del mundo y que “Aunque usted no lo crea”, son
los Vigilantes. Por eso aquello de “Quién vigilará a los vigilantes”

La novela gráfica está dividida en 12 capítulos. El argumento es sencillo, El comediante es asesinado, asumiendo que algo macabro se está tejiendo, el resto comenzará a indagar (cuando digo el resto, me refiero principalmente a Rorscharch que por sus rasgos paranoides se preocupa ni bien descubre que el muertito es El Comediante). 
Todo este despelote se ambienta en una realidad alternativa similar a la Guerra Fría de los 80s. O sea, el enemigo común no era (todavía) los amigos descalzos con turbante, eran los soviéticos. Con una guerra nuclear inminente, Nixon aparece para adoptar aire preocupado ante la posibilidad de dicho conflicto.
La obra escrita por Moore está plagada de simbolismos, metatextos y detalles que realmente serían IMPOSIBLE filmar. Cosa que no nos tiene que llevar al suicidio, después de todo, siempre habrá elementos que se sustenten mejor en papel y otros que se sustenten mejor en fílmico.
El filme arranca con un collage de imágenes donde nos muestran hechos históricos como la muerte de J.F. Keneddy, que según esta historia fue perpetrada por El Comediante (que trabajaba para el gobierno), también flashbacks sobre el caso Watergate, donde los periodistas involucrados son asesinados antes de destapar esa olla de grillos, y así…un pequeño compendio de historia, según la visión de Watchmen.
Inmediatamente vemos el asesinato de El Comediante, y la carrera contra el tiempo que emprende Rorscharch para descubrir qué carajos está pasando y detener la guerra nuclear. La guía es el diario de Rorscharch que a través de un relato voz en off, nos acerca a la realidad de estos personajes.
La película dura casi 3 horas clavadas. En un inicio, el director quería que fueran 4, pero después de reflexiones y presiones varias, quedó en 3 horas. Snyder usó el cómic original como un storyboard, cosa que se puede comprobar fácilmente si ven la película y comparan las viñetas con alguna toma.
A pesar de las 3 horas, no me dormí…porque la trama es interesante, está bien filmadita y por lo menos, a mí no llegó a aburrirme. Guarda mucha similitud con el cómic, tiene frases lindísimas, escenas de postal, pero han cambiado cosas (atajos) que aunque en forma es igual a lo escrito por Moore, varía el contenido…
De todas formas, fue una grata sorpresa. He visto que le han sacado la infundia en algunas críticas, lo dicho: no alcanza los niveles de asqueroso remedo fílmico como The Spirit. Así que yo me di por bien servida. Que hay escenas medio al fósforo, que tienen su airecito (para variar) a spot de perfume francés, sí, pero en general está bien filmadita.
A los puristas del cómic, les va a parecer una mierda, a mí me entretuvo, me enganchó a la historia, y el curso del argumento plantea reflexiones varias sobre situaciones actuales…
Otra cosa a destacar: una EXCELENTE banda sonora. Se agradece enormemente, escuchar temas como Unforgetable, de Nat King Cole; Me And Bobby McGee de Janis Joplin; Hallelujah, de Leonard Cohen; The sound of silence, Simon and Garfunkel; All Along the watchtower, Jimi Hendrix, y The Times They are changin cantada por el maestro Bob Dylan, son los temas que ahorita recuerdo y que le pusieron la nota musical a lo visto…a eso agreguémosle que varias de estas canciones se mencionan en el cómic.
Con respecto a las actuaciones, pues nadie se va a ganar un Oscar, en las Curiosidades puestas al final, verán la cantidad de nombres “conocidos” que estaban dispuestos a navegar en este barco, pero en la práctica quedaron nombres como Patrick Wilson (Hard Candy, Juegos Secretos, Passengers), Jackie Earle Haley (Juegos Secretos, All the kings men, Dollman), Billy Crudup (Misión Imposible III, El Buen Pastor, Casi famosos), Jeffrey Dean Morgan (PS I love you, Marido por sorpresa), Malin Akerman (27 vestidos, The visiting, The circle, The Skulls), Matthew Goode (Matchpoint, The lookout), dan vida a los personajes creados por Alan Moore. Lo hacen de manera convincente, sobria y sin desentonar para nada. Donde destaca El Comediante (Jeffrey Dean Morgan) y Rorscharch (Jackie Earle Haley)
¿La recomiendo? Qué carajos! Véanla, es un filme digno, que vale la pena ver en pantalla gigante.

Mientras tanto queda la espera por la versión que hace Robert Downey Jr. De Sherlock Holmes (nada que ver, pero quería decirlo!)

The Watchmen, una película sobre héroes no tan héroes, donde la pregunta planteada por uno de sus personajes queda en el aire: “¿Dónde quedó el sueño americano?”

Lo mejor: A pesar de su duración, no aburre y es mucho menos boba que el promedio de filmes acerca de superhéroes.
Lo peor: Pierde fuerza en comparación con la obra de Alan Moore y el final se diluye demasiado.
La escena: me gustó mucho el collage del principio y todo lo relacionado con Rorscharch.
Lo más falsete: pues toda la parte de Marte
El mensaje manifiesto: Nadie vigila a los vigilantes
El mensaje latente: El fin justifica los medios
El consejo: Mirala, pero antes oriná y hacé todo lo que tengás que hacer
La pregunta: ¿Cuándo sale el DVD uncut, extendido y con regalitos en los extras?
CURIOSIDADES
Watchmen se convirtió en 1988 en la primera novela gráfica en conseguir un Premio Hugo, galardón otorgado a escritores de los géneros de ciencia ficción y fantasía.
Es la única obra de su género que aparece en la lista elaborada en el año 2005 por la revista Time 100 best novels.
Tuvo un presupuesto aproximado de 150.000.000 $us. y ya lleva recaudado 180.000.000, así que tan mal, no le ha ido.
Se editará una versión extendida del filme que incorpora Relatos del Navío Negro intercalado dentro de la historia principal, de modo tal que evoque al cómic.

John CUsack, Keanu Reeves, Tom Cruise, Jude Law, Daniel Craig, Sigourney Weaver, son algunos de los nombres que estuvieron interesados en distintos papeles del filme, pero que finalmente quedaron fuera del proyecto.
El 8 de febrero de 2008, con la filmación casi concluida, Fox inició un juicio contra Warner Bros. afirmando que el productor Lawrence Gordon jamás les había pagado cuando comenzó a buscar un nuevo estudio para realizar el proyecto
Entre las influencias mencionadas por Snyder en cuanto a lo visual, además del cómic, se encuentran Taxi
Driver y Seven.

Se filmó en Vancouver, Canadá.

EXTRAS

– TERMINATOR, SALVATION: Pues no. Ni fu ni fa. Aburrida, con un argumento más pobre que Etiopía. Llegué hasta la parte donde el robot que parece humano salva a la chica y sucumbí a los brazos de Morfeo. ZzzzzzZZZzzzzzzz y luego desperté cuando el robot que no era humano ya estaba dentro de la ciudadela de las máquinas, dispuesto a mostrar que seguía siendo personita. Mientras tanto Bale (John O Connor) se adentraba como menso a dicho lugar, buscando una muerte segura. Sí. Puro balazos, despelote por doquier, pero cuando ya llegamos a cierta edad, semejante descarga de “adrenalina” si no tiene “alguito más” nos manda a la lona. ¿Hay Salvation en este filme donde los verdes fueron largados al trochis mochis? NO. No hay salvation ni justification. Ya dejen de botar la plata con McG (director malo donde los haya)

– CHE GUERRILLA: Bueno, qué decir. La primera parte estuvo más aburrida que discurso de García Lineras sobre el Bono Juancito Pinto. Esperaba que esta segunda sea mucho más interesante, por toda la huevada que pasó en el monte. Claro. Y no sé. Salí un poco indignada. El filme no es malo, pero sigue siendo demasiado benevolente con la imagen del Che, tanto despelote que hubo, tantos claros y oscuros que hay en la historia real, tantos hechos históricos importantes…y a pesar que el filme tiene un aire documental, todo sucede sin pena ni gloria. Tanta tela que hay para cortar, y queda nadando en la más absoluta desidia. Buena interpretación de Benicio, y vi muchas caras conocidas…pero nada más. Muy lindo el final, MUY LINDO. De resto, es una película que no volvería a ver.

“Why you chose me, God»
Por: Mónica Heinrich V.
Ron Howard.
¿Qué se puede decir de este hombre? Algunos lo consideran un gran director, a mí me parece soporífero. Cada película suya es como un ladrillazo, como un coctel de Valium.
Splash (la de la sirena y Tom Hanks), Cocoon (que nunca terminé de ver) y Willow (WTF = What the fuck) fueron algunos de sus éxitos ochenteros.
En los 90s reflexionó e hizo menos películas, entre ellas destacaron Un horizonte lejano (donde el matrimonio Cruise (Tom y Nicole) torturó a los incautos espectadores), The paper (ZzzzzzzZzzZZZzzzzz), Apollo 13 (más o menos, aunque OTRA VEZ con el cachetón de Tom Hanks), El rescate (milagrosamente entretenidita) y EdTv (WTF) .
Ya en el cambio de milenio…siguió mostrando la hilacha descaradamente, ganó nominaciones y premios con A beautiful mind…(engañosa y lacrimógena versión sobre la vida del atormentado Nash), también fue reconocido por Cindirella Man (ZzzzzzzzZzzzzZZ), hizo la cagada de El Código Da Vinci donde se pasó por las pelotas un argumento que, aunque chapucero, pudo llegar a mejor puerto en la pantalla gigante, y también fue reconocido por Frost/Nixon (que hasta el día de hoy no termino de ver).
Hace unas semanas, el otrora niño actor (porque este crispin era conocido como actor de Lassie (¡!)…saca a la luz su versión de Ángeles y Demonios.
En su momento, escribí sobre la pericia literaria de Dan Brown en el casi patidifuso blog de Aullidos de la calle. Ahí me explayé sobre el libro y la película de El Código Da Vinci. Luego pasé, abochornada, a contar mi experiencia con Ángeles y demonios. Novela a la que le achaqué una trama INTERESANTÌSIMA, que se iba al chancho a mitad del libro y terminaba como un chiste de Larry de Clay (o sea, nada que ver)
¿Argumentito? En ambas, libro y película, la trama central es que nuestro anti-héroe Robert Langdon es requerido en Suiza donde un científico ha resultado asesinado. Llaman a Langdon porque el muerto está marcao con la palabra Illuminati, y como el tipo es un experto en el tema, deciden consultarle para ver si los conduce al asesino. La historia se traslada al Vaticano, ya que el dichoso muerto había creado algo llamado “anti-materia”, invento que fue robado (por eso matan al marcao) y que iba a hacer volar en pedazos a ese pequeño y dichoso Estado.
Paralelamente, el Papa ha fallecido y se prepara la elección del nuevo Pontífice, pero OH, sorpresa! Los cuatro preferetti han sido secuestrados, por el mismo malévolo ser que ha robau la anti-materia, e irá asesinándolos en un determinado lapso de tiempo. Todo esto coronado por un matón de alto vuelo, con principios, reglas y otros adornos.
Hasta aquí hay harta huevada para digerir. Cualquiera creería que vamos a estar arañando las butacas, pero no. Nada, queridos. A Ron Howard se le ocurre hacer lo que se la da la gana con un argumento ya de por sí tirado de los pelos. O sea, en el libro…Dan Brown pegó con moco casi todo, pero por lo menos uno se leía la cuestión con relativa fruición. Ron, por otro lado, le quita absolutamente toda la emoción, tal cual hizo en el Código Da Vinci, siendo excesivamente literario, en lugar de adaptar ciertas cosas al lenguaje cinematográfico y encima cambia cosas que le restan ritmo a la historia.
Ejemplo: en el libro la historia comienza cuando le telefonean a Langdon (que está sufriendo una pesadilla) y le piden que vaya a Suiza, le mandan un fax y ve al muerto marcao, hasta ahí todavía no sabemos qué pasa. En la película primero matan al científico, y luego llaman a Langdon, o sea ya de entrada el menso de Howard nos cuenta casi todo.
Otro detalle menor es que Howard trata el filme como si fuera una continuación de El Código Da Vinci, cuando todos estos despelotes ocurren ANTES de las aventuras parisinas.

La relación con la italiana que en el libro termina hasta en matrimonio, nunca queda clara. Y así muchas cosas más, igual, esos son detallitos sin importancia. El tema es que Howard se aplaza en otra película más que deja la sensación de ser desangelada y que no pasará a la posteridad por ningún motivo.

Lo más triste de todo es tener que ver a Tom Hanks, fingiendo ser un intrépido erudito y dotando a Langdon de un aire fofo, aburrido y con menos carisma que Evo en la Feria Exposición. Al lado de Hanks, está Ayelet Zurer, actriz nacida en Tel Aviv que incluso tiene un premio a Mejor Actriz en su país, pero que en Ángeles y Demonios no consigue trascender (pobrecita, no es su culpa). Ayelet Zurer interpreta a Vetra, la científica italiana que ayuda a Langdon con el temita de la antimateria (ella y su compañero muerto eran los encargados del proyecto (en el libro son padre e hija))

Otro que languidece en pantalla, aunque de una forma un poco más digna es Ewan McGregor, interpretando al Camarlengo y quien lleva a cabo una de las escenas más disparatadas de este año (hay que reconocer que el pobre Ewan, lo hace con toda la convicción posible).

Y así. Correteos por Roma en post del Sendero de la Iluminación, y situaciones que nos confirman que cualquier estupidez puede ser llevada a la pantalla gigante, convertirse en taquillazo y recuperar con creces lo invertido. La música de Hans Zimmer nos consigue atontar lo suficiente para no pensar con mucho ahínco en teorías que involucren una muerte lenta y dolorosa para Ron Howard.

Que tiene una que otra escena bien filmadita, gracias a los muchos verdes que se han gastado en esto, no hay que negarlo. Que llegado un momento, a pesar del sopor que amenaza con dejarte en estado catatónico, te recuperás y seguís relativamente “enganchado” al curso del ridículo, tampoco hay que negarlo. Pero que llegado el final, tus ojos se abren como platos y estallás en profusas carcajadas, preguntándote “De cuál se fumaron”…es imposible negarlo.

Ángeles y Demonios…una película que más que echarle mierda al Vaticano y a sus cardenales, los hace aparecer como unos tiernos querubines…donde el personaje interpretado por Hanks, al final queda prácticamente con su cruz colgada al coto. Mientras tanto, vos elevás tus ojos al cielo, en franco resentimiento por lo que acabás de ver, susurrando: “Why you chose me, god”.

Lo mejor: una película menos para ver

Lo peor: absurda

La escena: la del paracaídas (pero por ser el colmo del ridículo)

Lo más falsete: casi todo

El mensaje manifiesto: nada es lo que parece

El mensaje latente: el bien prevalece (ñoños)

El consejo: Lo de
jo a tu criterio, esta vez

La pregunta: ¿Será que Ron Howard es un tipo divertido?

CURIOSIDADES
– A Tom Hanks le pagaron 50 millones de dólares por el papelito. No cabe duda que el mundo es injusto.
– La Iglesia Católica no permitió rodarse en los interiores de las capillas Santa Maria del Popolo y Santa Maria della Vittoria debido a las impactantes escenas que debían ocurrir en tales sitios, por lo que debieron conformarse con rodar en los exteriores.
– Los interiores de las capillas fueron rodados en sets de Sony Pictures en los Ángeles, Estados Unidos, mientras que los interiores del Vaticano en la Reggia de Caseta, al sur de Italia, en donde también se rodaron varias escenas de la saga Star Wars. El rodaje en Roma finalizó el 30 de junio de 2008, para luego transladarse hacia los Angeles.
– En la película se le da importancia a tres obras de Galileo Galilei y a las esculturas de Bernini, se plantea la existencia del quinto elemento y su relación con el Gran colisionador de hadrones.
– Ante la negativa del Vaticano de colaborar dando permiso para ciertas locaciones, unos 20 integrantes de la producción se hicieron pasar por turistas y tomaron fotografías de todos los frescos, mosaicos del piso y pinturas de la pequeña capilla donde se elige a los papas, hasta que les dijeron que dejaran de hacerlo, afirma el sitio de la película en la internet.

EXTRAS
– Sangriento San Valentín en 3D: Bueno, me faltaron piernas para ir a ver esta huevada, atraída solamente por el hecho de ver una película de terror en 3D. Y claro, no se trata de nada de alto presupuesto, ni muy elaborado. En realidad es una película menor, cuyo único atractivo sería precisamente el 3D. Un minero asesinó a un montón de gente cuando un determinado día se le chiparon los cables. Al tiempo, reapareció y asesinó a otro bollo de gente. De ahí pasaron 10 años y casualmente el asesino, que supuestamente estaba muerto y enterrado, reaparece. La escena de una rubia desnuda que pistola en mano se pilla cara a cara con el asesino de la picota (ajá, usa una picota), intenta darle un airecito nuevo e irreverente a algo que es MAS de lo mismo. Mal actuada, por actores casi desconocidos y que en su mayoría trabajan en series de televisión. Yo esperaba sentir la sangre chorreándome encima y que al salir del cine mire con preocupación por encima del hombro a ver si el tipo ese no me seguía en una curiosa analogía de La rosa púrpura del Cairo, también esperaba que en la noche me entre el miedito de dormir con la luz apagada y que cuando consiga entrar a fase REM me despierte sobresaltada pensando que la picota del infierno me había seguido hasta mi casa. Nada de eso pasó. Aunque se trata de un festín gore de sangre, vísceras y elementos altisonantes, el 3D lo único que hizo fue despertar alaridos de risa y carcajadas varias en la platea. Película para ser vista como un filme de humor negro. Eso es.

– SIMPLEMENTE NO TE QUIERE: Filme del género romance-drama, que tiene varios nombres importantes en su elenco: Jennifer Connelly, Ralph Fienes, Jennifer Aniston, Ben Affleck, Scarlett Johanson, son los más conocidos. El tema a tratar no es otro que las relaciones de pareja. Jennifer Connelly y Ralph Fienes dan vida a un matrimonio. Una pareja que está casada desde que ambos iban a la universidad, ahora en la madurez y la rutina… la vida en común parece haberse estancado. Es así que Ralph conoce al personaje de Scarlett Johanson, quien inmediatamente y aún sabiendo que el tipo está casado, decide involucrarse con él…dizque por no dejar pasar el verdadero amor. Comienza una relación extramarital, donde la Connelly no tiene ni la más peregrina idea de qué sucede. Por otro lado, Jennifer Aniston y Ben Affleck están juntos hace casi 10 años, y mientras ella sueña con casarse, resulta que Ben prefiere vivir en alegre concubinato. Llega un punto en que los ultimatums se lanzan y se tienen que tomar decisiones serias. En general se aborda la temática de la negación en que viven tanto hombres y mujeres en torno a las relaciones que construyen, generalmente esa tendencia a justificar e interpretar situaciones con las que uno no está de acuerdo, por temor a dar un paso diferente al que se había planeado. El filme es interesante, sencillito, bien filmado, bien actuado, con dosis de realismo…nada del otro mundo, pero vale la pena verla. Dirigida por Ken Kwapis, conocido por dirigir la peli adolescente The sisterhood of the travelling pants.

– EL NIÑO CON EL PIJAMA A RAYAS: Me moría por verla. La historia parecía ser onda La vida es bella, el libro prometía, el tráiler se veía taaaannn poético…así que cuando la vi me llevé un chasco. No es que sea mala, no. Su gran falencia es que no conseguís conectarte nunca de una manera profunda con la trama. Un niño, hijo de un soldado de la SS, se traslada con su familia a una casa en las afueras de la ciudad. La casa está ubicada muy cerca de un campo de concentración, donde existen un montón de judíos prisioneros. El niño, a pesar de las negativas paternas y maternas, que lo instan a no alejarse de la casa, finalmente llega hasta el campo de concentración y traba amistad con un niño judío del otro lado de la verja. Comienza así una bella amistad, donde el conflicto de la Segunda Guerra Mundial es visto a través de los ojos de estos niños, quienes en su inocencia no consiguen comprender la magnitud de lo que están viviendo. El final es cantado, pero el desarrollo hasta ese final suena tan artificial y forzado que aunque sentís la conmoción por el hecho en sí, no hay un sentimiento real de identificación con lo que ves. Bien actuada, linda fotografía, hermosa música, dirigida por Mark Herman que ha ganado premios por filmes como Little Voice. No es una mala película, pero no sé…no te llega. Y para una trama con esta, es un gran pecado.

“Cordero de Dios, que quitas el pecado del mundo”
Por: Mónica Heinrich V. En 1970, tres años después del fracaso del Che Guevara, un inexperto e idealista grupo de 67 universitarios fueron prácticamente exterminados por el ejército en una dramática experiencia vivida en Teoponte. Estos jóvenes eran parte del ELN (Ejército de Liberación Nacional) grupo guerrillero cuyas ideas “revolucionarias”, que buscaban el “cambio”, los llevaron inexorablemente a la muerte.

Entre los fallecidos se encontraba Néstor Paz Zamora, hermano de Jaime Paz Zamora. Néstor, seguidor de Cristo, creyó en lo que en esas convulsas épocas se designó como Teología de la Liberación. Una doctrina surgida como tal a finales de los 60s, donde los cristianos del mundo se planteaban la necesidad de una reacción más activa frente a la opresión y la tiranía a la que eran sometidos los pueblos latinoamericanos. Se trataba de sacerdotes, pastores, o gente ligada a la iglesia, que tomaba las armas en franco repudio a la situación social y política de la época.

Es así que nombres como los del padre Oscar Romero (quizás el nombre más representativo, asesinado en El Salvador), Camilo Torres (asesinado), Ignacio Ellacuría (asesinado), Juan José Gerardí (asesinado), y otros se convirtieron en inspiración para muchos jóvenes.

Néstor Paz Zamora, moriría de hambre entre la salvaje vegetación de Teoponte. Como parte de ese grupo, también se encontraba Chato Peredo…y es en ese marco donde se dio la famosa anécdota de la lata de sardinas. Recién durante el mandato de Jaime Paz Zamora se hallaron los restos del joven religioso, su muerte causó profundo pesar en su familia y sobre todo en Jaime, que intentó disuadirlo de esa aventura que estaba destinada al fracaso.

Casi 20 años después, Miguel Nothdurfter creaba el Comando Néstor Paz Zamora (también conocido como Comisión Néstor Paz Zamora) . Corría el año 1990, el presidente no era otro que Jaime Paz Zamora, quien para lograr entrar al Palacio Quemado tuvo que aliarse a Hugo Banzer Suárez, uno de los sujetos que estuvo ligado a Luis García Meza y Arce Gómez, a quienes se le atribuía el intento de asesinarlo años antes atentando contra su avioneta…y a quienes le debía las cicatrices que surcaban su rostro.
Se decía que a Jaime Paz Zamora y Hugo Banzer Suárez los separaban “ríos de sangre”, en alusión a las terribles disputas ideológicas que marcaron esos aciagos años. La foto en la que ambos enemigos a muerte (literalmente) se abrazaron y estrecharon las manos, fue para la posteridad.
La agrupación de Nothdurfter se hizo conocida por el secuestro del empresario Jorge Lonsdale, ocurrido el 11 de junio de 1990. El Comando Néstor Paz Zamora pidió 2.500.000 $us. (algunas fuentes dicen que fueron 8 millones) a cambio de la libertad del entonces presidente de la embotelladora Coca Cola.
El dinero estaría destinado a solventar al grupo irregular y lograr conseguir objetivos mayores, que pongan en jaque al Estado. Como parte del apoyo logístico con el que contaban, estaban sus relaciones con el MRTA, grupo guerrillero peruano que los ayudó económicamente y hasta con equipo humano, para que se consolidaran.
Las cosas salieron mal, y a principios de diciembre el gobierno lanzó un operativo, cuyo Jefe de Inteligencia no era otro que Carlos Valverde B. (el ahora conductor de televisión) mientras que Guillermo Capobianco (quien dirigió con Paz Zamora el operativo) fungía como Ministro del Interior…El resultado fue, 3 guerrilleros muertos, Jorge Lonsdale muerto, y un hecho tan confuso, donde existieron tantas contradicciones sobre QUIEN (policía o guerrilleros) fueron los que terminaron con la vida del empresario, y sobre el ajusticiamiento de los jóvenes insurrectos, que hasta el día de hoy, el caso no se ha resuelto del todo…

Miguel N. se estrenó anoche en Santa Cruz y como no podía ser de otra manera, ahí estuve llena de expectativas. Se trata de un documental escrito y dirigido por Andreas Pichler. Pichler fue amigo de Nothdurfter desde su infancia, cuando ambos eran parte de la juventud católica de su país (Italia).

El documental es narrado desde ese lado, del lado de alguien que tuvo un amigo con quien mantuvo una relación durante muchos años y un día se entera que fue ejecutado en una confusa situación y señalado como líder de un grupo guerrillero/terrorista en Bolivia.

Obviamente que el tono de este trabajo será de simpatía total con Miguel Nothdurfter, y habrá quienes piensen que un guerrillero o terrorista, no merece ese tipo de condescendencia, pero lo cierto es que Pichler plantea el documental desde una óptica que pretende mostrar al público las motivaciones que hicieron que este joven italo-germano, dejara su país, su futuro en el sacerdocio y se embarcara en una agrupación radical…

Es así que vemos cómo creció Miguel, con qué valores, seguiremos al futuro guerrillero en su peregrinaje por el mundo, en su búsqueda, en sus dudas…todo esto a través de testimonios de amigos suyos, de familiares, de su mamá, de cartas que él mandó hasta su casa donde explicaba lo que veía, lo que sentía, lo que necesitaba…

De un joven que cantaba canciones de su pueblo acompañado de una guitarra, que creía profundamente en Dios y en Cristo, que cuidaba enfermos o hacía labor social en comunidades alejadas de la ciudad, vemos a otra persona que ve cómo su camino comienza a alejarse de estas actividades para dar a paso a una militancia ideológica marxista-leninista extrema, que lo lleva a la clandestinidad… a ejecutar el secuestro de Lonsdale y a cometer atentados varios que comprometieron la vida de civiles.

Las imágenes que relatan la vida de Miguel N. son intercaladas con explicaciones del contexto histórico-político-social de ese entonces. Hechos importantes como la caída del Muro de Berlín, o el asesinato del padre Romero, la situación de los mineros, etc..Hay que reconocer que dichas contextualizaciones corresponden a un apasionamiento por figuras como el Che, pero en términos generales enmarcan el entorno en que se movieron los protagonistas de este caso.

A mí el documental me pareció valioso por muchas razones, amén que se toque un tema peliagudo, que sacará roncha desde ideologías, posturas políticas, rechazos y veneraciones a las acciones de Nothdurfter…se trata de un documental bien logrado, que cuenta con un backup de imágenes e información sobre el caso importante

Posee también, por primera vez, los testimonios de los guerrilleros sobrevivientes, cuyas imágenes (juveniles, casi adolescentes) durante el juicio contrastan enormemente con las personas que son ahora, hay testimonios también de la gente que conoció a Miguel en Cochabamba cuando todavía era parte de la comunidad jesuítica…declaraciones de su hermano, compañeros de universidad, que descubren al Miguel persona…al que no se ve, después de un hecho de sangre tan violento.

Y Pichler tuvo el cuidado de no hacer una acusación amarillista con su trabajo, que busque pringar de nuevo a todos los involucrados, porque pudo hacerlo…después de todo hay suficientes testimonios de vecinos que vieron cómo los guerrilleros fueron llevados hacia la terraza, y ejecutados. Incluso se dice off de records que existe un video que fue confiscado, donde la ejecución era mostrada a pleno.

También se conocen las declaraciones de los sobrevivientes (pueden leerlas en internet), de las chicas que fueron salvajemente torturadas en los interrogatorios posteriores… Pero Pichler, deja el documental como un testimonio de la vida de Miguel N. y de lo que significó en ese momento el caso en la sociedad boliviana. No es nada más que eso, no glorifica al “criminal”, al “terrorista”, porque después de todo Pichler lo conoció en su faceta más humana y es desde ese lado que realiza el relato…

Quizás todo se resuma de una manera conmovedora, en la escena que su madre habla acerca de la llamada que le informaba la muerte de Miguel…La señora se quiebra ante las cámaras y dice: “Me sentí mejor cuando el obispo vino a darme sus condolencias…Sé que no hubiera venido si él (Miguel) hubiera sido un mal hombre”…

En esa frase se resumen todos los conflictos por los que esa señora pasó al enterarse de las actividades de su hijo. Y lo más importante, en esa frase se desnuda una realidad que mucha gente que elige el camino de las armas como método para imponer “verdades”, no toma en cuenta: Después del despelote que crean con sus “revoluciones”, el mundo sigue siendo igual…sus muertes como guerrilleros o terroristas no dejan nada, aparte de un profundo dolor en la familia y amigos que los vieron crecer. Gente que al correr los años, todavía se pregunta…cómo serían, y qué estarían haciendo si continuaran con vida.

¿Recomendable? Por qué no…como dije, en primer lugar es un documental muy bien logrado, no creo que se glorifique nada, ni se haga apología del delito, sino es UNA de las visiones y de las verdades que tuvo esta historia…Una historia donde se perdieron vidas en pro de un cambio que nunca llegó.

Lo mejor: Un tema interesante

Lo peor: nada

La escena: cuando su mamá habla del día que recibió la llamada que anunciaba la muerte de Miguel
Lo más falsete: Nada…

El mensaje manifiesto: El mundo no cambia

El mensaje latente: Lo que mal empieza, mal acaba

El consejo: Vela sin prejuicios…

La pregunta: ¿Qué estarían haciendo actualmente Miguel N, sus dos compañeros y Jorge Lonsdale si no hubieran muerto?

CURIOSIDADES
– Andreas Pichler estudió cine y filosofía en Alemania. Escribe y dirige producciones tanto televisivas como cinematográficas.
– El documental tardó 3 años en realizarse
– Jaime Paz Zamora y Carlos Valverde se negaron a dar su testimonio, a pesar de las llamadas de Pichler.
– Néstor Cerpa Cartolini, el líder del MRTA, que tomó la embajada de Japón en Perú…vivió en Santa Cruz un tiempo y le hacía visitas a Dante (uno de los emerretistas que aparece en el documental) cuando este se encontraba preso en Chonchoro por el secuestro de Lonsdale.

EXTRAS
– EL SOTANO: Thriller que cuenta con la actuación de Elisha Cuthbert (La casa de cera, The girl Next door), interpretando a una modelo que es raptada de una fiesta por un asesino serial. Dicho personaje la mantiene encerrada un sótano (lógico) que está monitoreado por cámaras. En medio de su angustia descubre que tiene un vecino de trauma…y ZzzzzzZZZZZZZZZZzzzzzzzz ah perdón…sí, es aburrida y muy predecible. Aunque supuestamente el “giro” del final quiere hacernos decir WOW, pero yo estaba deseando que termine…la dirige un crispín llamado Roland Joffé conocido por La Misión y por la huevada de La letra escarlata…Mi querido Rolo, lo tuyo no es el suspenso.

– X-MEN, WOLFVERINE-ORIGENES: Bueno, la disfruté. No es tan profunda ni tan bien lograda argumentalmente como sus predecesoras, pero entretiene. En esta ocasión, Hugh Jackman nos muestra de dónde sacó las garritas metalizadas. Nos cuentan su infancia, y la existencia de su hermano Viktor, un tipo con el que se cría toda su vida pero del que se diferencia por principios y valores (sí, el lobezno, en el fondo es un tierno gatito) El caso es que el ejército americano, descubre a estos muchachones que además de tener ciertas “habilidades” son duros de matar! Y claro, como no puede ser de otra manera, ya nomás los ponen a hacer chanchadas para los gringos. Nuestro lobezno se rebela y emprende la graciosa huída, él no es parte de ese atado de bárbaros. Vive tranquilo durante un tiempo, acompañado de una mujer que parece ser el amor de su vida…hasta que Viktor va a buscarlo de nuevo, y ahí se arma el despelote. Como dije la historia en esta ocasión se reduce a venganzas, camoteras y rivalidades fratricidas…las cuestionantes de carácter social y político que manejaban las primeras entregas, brillan por su ausencia. El producto final es semi-bobo, pero sin perder la magnificencia en torno a efectos especiales y escenas de acción. Nada memorable, pero una experiencia satisfactoria. Mención aparte merece la presencia masculina del actor Taylor Kitsch, que encarna a Gambito. Muy bien Gambito, muy bien.

– STAR TREK: La vi sin ninguna expectativa. En realidad, esperaba que fuera una mierda, pero no. Entretenida película que revive la saga de Viaje a las Estrellas. No soy treekie (nombre con el que se conoce a los fans acérrimos de la saga), pero la disfruté. Como parece estar de moda, la película relata los inicios del capitán Kirk…que ya desde niño muestra ser un rebelde sin causa, un James Dean intergaláctico. Interpretado por un Chris Pine que parece el hermano menor de Brad Pitt, Star Trek definitivamente alegra la pupila…En ella veremos el nacimiento de la amistad entre Kirk y Spock…debo reconocer que los efectos me parecieron algo nacos, y pobres tomando en cuenta los grandes avances tecnológicos que hay para mejorar cualquier escena de acción, pero supongo que tiene que ver con las ganitas de mantener su aire “antiguo” . Está dirigida y producida por el mismo crispín (JJ Abrahms) que creó Alias, Lost y demases. O sea, no me hará alquilar, comprar o piratear la serie de Viaje a las Estrellas, pero sí me hará tener ganas de ir a ver la continuación de esta entrega…

“MATENME”
Por: Mónica Heinrich V. Cine Nacional. Desde hace años estas dos palabras suenan bastante deprimentes. El auge del digital hizo que se “democratizara” la posibilidad de hacer películas y que cualquier crispín se auto rotulara como Director de Cine.
Una etiqueta pesada, que hasta ahora no brilla como se debe. Me he acostumbrado tanto a ver pésimas películas nacionales que voy casi resignada al cine, como una vaca al matadero. Es así que cuando salió Día de Boda, ni siquiera la vi…fueron tantas las advertencias, hasta de gente amiga que suele divertirse con cualquier cosa, que preferí no contaminarme. Quise vivir en la ignorancia, en una pequeña nube donde el decadente cine nacional no podía tocarme.
De más está decir, que encima de los pésimos productos que entregan algunos “artistas” locales, este desparrame de “brillantez” viene acompañado de una actitud soberbia, que en mi caso me tocó vivirla en el ambiente teatral, donde fui interrogada acerca de mis motivos, capacidades, profundidad de conocimientos, estudios y otros, que me permitían criticar una obra de teatro.
Felizmente no conozco a ninguno de los involucrados en Historias de Vino, Singani y alcoba…así que las posibilidades de que un ofendido actor/director/productor me aborde para decirme filosóficamente “vos no sabés nada” se reducen a casi cero. Igualmente, lo vivido hace dos días en el Cine Center, no da lugar a expresiones tibias, ni a consideraciones relacionadas con nacionalismos baratos o premios al esfuerzo.
Historias de vino, singani y alcoba es una mierda de película. Nada más empezar, observaba atónita unos planos que harían a Safipro parecer la Escuela de Cine de Nueva York. El director de esta producción, Rodrigo Ayala, no tiene ni la más peregrina idea de qué hacer con la cámara ni con la dirección de actores, su película tiene el acabado de una telenovela de los 80, duele verla…a mí me daban ganas de gritar: Mis ojos!!!! MIS OJOS!!!
El guión se resume a 7 historias enlazadas con los nombres de distintos tragos, y claro…la temática no es otra que puteríos harto explotados ya en el territorio patrio, donde jamás conseguís encontrarle la gracia al ridículo y donde mirás con nostalgia el letrero de EXIT.
Ejemplo: Senador cholero (infiel) tiene encuentros con x o z fulana, y luego comienza a celar a su esposa.
Ejemplo 2: Viejo se encuentra con muchacha que conoció cuando era niña y queda enamorado al instante. Empieza un cortejo y unos diálogos que hacen temer que la pantalla se rompa en mil pedazos, incapaz de aguantar esa herejía.
Ejemplo 3: Fulano que sufre de impotencia, intenta por todos los medios recuperar su “toque”, pero cada vez que está a punto de cerrar el negocio, tiene alucinaciones y ve un…(no sé qué quisieron que fuera lo que veía, pero resulta ser LA PEOR escena del cine nacional que he visto en toda mi vida)

Ejemplo 4: Fulana, alumna…y fulano, profesor de universidad, enmotelados discutiendo cuánta nota le pone el crispín a cambio del encame.
Ejemplo 5: Fulano suicida, quiere matarse porque el gran amor de su vida se va a casar…una de las historias más estúpidas.

Pésimamente actuada, no hay un solo actor que pueda zafar en este despropósito…el guión no lo permite tampoco. El chiste fácil, el lugar común, el cliché, es ya no el bastón, sino la silla de ruedas donde se sienta este filme. Mucho han apoyado la campaña publicitaria en la figura de Andrea Camponovo, cuya performance de actriz también deja mucho que desear.

Y miren que la idea bien desarrollada, profundizada y no llevada de manera tan chapucera a la pantalla gigante, hubiera logrado un producto sino aceptable, por lo menos digno. Llama la atención que los involucrados en esto, que ya muchos tildan como la peor película del cine nacional, no hayan aprendido nada de la anterior, Día de Boda…y el cuero les alcance para seguir presentando a la luz pública un producto a ojos vista tan malo.

Por ahí escuchaba que había quienes decían que Día de boda fue la película más criticada el año pasado, pero también la que más recaudó…y ahí surge otra contradicción, que es real y que también causa estupor. En la función a la que asistí había un más que respetable público, y la mayor parte de la gente ahí presente, le encontraba el chiste a algo que para mí era absolutamente nefasto.

Entonces aquí se aplica el dicho: “La culpa no es del chancho, sino de quien le da de comer” Esta gente seguirá haciendo películas mientras sigan consiguiendo auspicios, y el público vaya a las salas de cine. Puede ser bueno y malo. Bueno porque por último, si a ellos les resulta, si consiguen vivir de eso, si les resbala ser señalados como gestores de los peores filmes nacionales, si no les importa el qué diran…seguirán adelante, sin otro beneficio que el personal. Y malo, porque es triste ver al cine nacional en un estado tan decadente, que es ya casi un difunto…

Algunos resaltarán el esfuerzo, pero lo que yo veo es una película hecha por un grupo de amigos, que quisieron pasarla bien filmando algo, y que no tienen ninguna aspiración aparte de la de exhibir el producto. Lo dicho: El guión prácticamente no existe, la dirección es tan mala que dan ganas de llorar, las actuaciones son pésimas, la música es pésima, lo único que está presentable es la calidad de la imagen…en lo demás no sé si hubo la ley del mínimo esfuerzo o definitivamente “se hizo lo que se pudo”.

Cuando Historias de vino, singani y alcoba llegó a su fin, me quedé sumida en un asombrado silencio. Mi compañero de butaca y yo nos miramos sin creer aún la escena con la que Ayala concluye este ejercicio cinematográfico…

Vimos a la gente retirarse, y nosotros nos quedamos ahí, sin saber qué hacer ni hacia dónde ir. Ojalá vengan tiempos mejores.

Lo mejor: Que GRACIAS A DIOS, termina

Lo peor: Verla

La escena: casi toda la película podría entrar en esta categoría, pero relacionada con la peor escena

Lo más falsete: todo

El mensaje manifiesto: cualquiera puede exhibir un compendio de imágenes y llamarlo “cine”

El mensaje latente: el cine nacional apesta

El consejo: No gastés tu plata al pedo

La pregunta: ¿Cuándo se hará una gran película nacional?

EXTRAS
DRAGONBALL EVOLUTION: Nunca seguí el anime, ni leí el manga en el que se basa la película…pero fui al cine porque supuestamente era la película del momento en USA…. Es un filme para adolescentes, ni muy malo, ni muy bueno. Ñoño, entretenido, que parece más para televisión… y nada más…Goku es entrenado por su abuelo, hasta que es asesinado. Previo al hecho, el viejo le da a Goku una de las bolas
del dragón…luego tendrá que buscar las 6 restantes antes que el malo, malo, de la película las obtenga y llegue el apocalipsis. El espectáculo de adrenalina que se promete, ocurre de una manera lánguida y sin que arañés la butaca. Si a mí que no soy fan me pareció medio soso, cómo será para los otakus (fans del manga y el anime)

HEROE DEL CENTRO COMERCIAL: Siempre me gustó la serie televisiva The King of Queens, donde Kevin James daba vida a Doug, un camionero de UPS, de manera hilarante. Desde entonces, veo sus películas pensando que el gordo va a sorprender en la pantalla gigante…pero no. Aunque el gordo sigue teniendo su encanto, Héroe del centro comercial es una comedia boba, que no alcanza, para nada, momentos de carcajadas. Paul Blart es guardia de un Mall, por esas casualidades de la vida no se percata de que el Mall está siendo asaltado, y luego tiene que hacer de héroe impensado. Con historia de amor de por medio, y unos ladrones que le ponen algo interesante gracias a sus acrobacias, Héroe del centro comercial es para pasar el rato…mediocre comedia, donde Kevin James es el único atractivo.

ASESINO SOLITARIO: Jason Statham es conocido por su papel en The Transporter, y a mí no me dejaba indiferente tampoco. Es así que veo sus películas, casi con el mismo entusiasmo con el que espero los filmes de Vin Diesel (han leído bien)…Asesino Solitario prometía, tenía a Jason Statham y a Jet Li como pareja explosiva, pero desgraciadamente lo bueno está en esos dos nombres. Además de ser aburrida, está mal contada y tiene un giro final bastante absurdo, que es cantado desde el inicio. Es tan mala, que incluso me dormí en varias partes…y eso que estaba Jason para alegrarme la pupilar, pero nada che.

THE INTERNATIONAL (Dinero en la sombra): Interesante película protagonizada por Clive Owen y Naomi Watts. Con un inicio muy bueno, el filme cuenta los entuertos de un banco y los tentáculos de los grupos de poder en cualquier ámbito, ya que como lo dice uno de los personajes: “todos están involucrados”. Owen es un detective que está ayudando a unos fiscales a conseguir pruebas contra el IBBC, un banco que quiere hacer negocios con armas para controlar el mercado en países tercermundistas. El filme es de suspenso, pero ese tipo de suspenso pausado, ya que la historia no es de acción sino algo más como Syriana…aunque se mandan una escenanga en la galería Guggenheim de Berlín, MUY BUENA! Como ya lo dije, se trata de una película interesante, bien contada, bien dirigida, bien actuada, pero para verla cuando no estés muy cansado, porque el ritmo es algo pausado y podés dormirte. Vale la pena para descubrir que mientras uno anda tan tranquilo por la vida, se cuecen pucheros inimaginados en la oscuridad.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO: Hoy comienza el festival de teatro. Pasaré mis impresiones en las próximas entregas. No se lo pierdan, será hasta el 26, y aunque (reconozcámoslo) siempre hay cagadas en el cronograma, hay algunas obras que hacen que el peregrinaje festivalero valga la pena. De lo bueno, lo malo, lo feo y lo raro del festival les estaré contando en breve.

“Detrás de la cortina raída, un brillo pálido anuncia el amanecer”
Por: Mónica Heinrich V.

En la vida hay películas que ves por entretenerte, sin mayores consecuencias. Hay otras que te impresionan. Las hay las que te perturban. Otras te sobresaltan, te encandilan, te conmueven…y existen películas a las que amás (alguna vez lo dije, pero lo repito). Ese tipo de filmes que te despiertan la misma emoción que un buen amante.

La escafandra y la mariposa se sitúa en este último grupo. La quise ver el año pasado en DVD, pero el día del intento estaba tan cansada que ni bien empezó, me dormí (la edad pasando factura)…sin embargo, vi lo suficiente para saber que se trataba de una película que podía enamorarme. Así, cuando el Cine Center anunció que la tendría en cartelera…decidí esperar y gozar de los beneficios que brinda la pantalla gigante en una experiencia de este tipo.

No me arrepentí. Ver La escafandra y la mariposa en pantalla gigante es la mejor idea que tuve en los últimos meses. Basada en un caso real, el filme nos cuenta la historia de Jean Dominique Bauby. Es inútil intentar escaparse del embeleso con el que seguís el argumento. Un hombre que hasta ese momento, y que según él mismo, jamás conoció el fracaso…queda completamente paralizado luego de un ataque cerebro-vascular. Ahí comienza algo que los médicos definen como el “síndrome de encierro”, un estado donde el paciente es prisionero de su propio cuerpo. Jean-Do (como lo llamaban) sólo podrá comunicarse con los parpadeos de su ojo derecho (un parpadeo para SI, dos parpadeos para NO)

Lo que bajo la mano de otro director podría resultar lacrimógeno, efectista y ñoño…bajo la diligente mano de Julian Schnabel se convierte en ARTE, con mayúscula. Usando como recurso frecuente durante el filme, la cámara subjetiva (donde el espectador vivencia lo que se ve desde el ojo del protagonista), La escafandra y la mariposa nos hace vivir con Jean-Do el “síndrome del encierro”. Escuchamos su voz, su relato, su miedo, sus ganas de morir ante una situación desesperada, su posterior esperanza, vemos sus recuerdos…ya que como el mismo dice puede estar absolutamente paralizado, pero tiene su memoria y su creatividad…

A través de su memoria conoceremos a su papá, a su amante que nunca lo visita, a sus hijos, su trabajo, todo lo que significa él como persona antes del ataque. A través de su creatividad, lo veremos sentado en medio del mar, conquistando a la mujer que su editorial le manda para tomarle el dictado, comiendo, besando, viviendo…todo lo que sigue siendo, a pesar del ataque.

Lejos de adoptar una actitud derrotista, Jean-Do consigue con el movimiento de su párpado escribir un libro, que es en el que se basa el filme. Y es gracias a ese libro que la peculiar y conmovedora historia de este hombre, se conoce.

El talentoso Julian Schnabel, a quien ya conocía por Basquiat (interesantísima película sobre el pintor homónimo) y Antes del anochecer (bella película protagonizada por Javier Bardem interpretando al poeta Reinaldo Arenas) es el responsable de este brochazo de belleza y melancolía. Schnabel es pintor, periódicamente expone sus cuadros en distintas galerías norteamericanas, y en su pequeña filmografía se ha mostrado, también, como un dotado, con una sensibilidad exquisita para elegir no sólo argumentos, sino el modo de encarar cada historia que le ha tocado filmar.

La escafandra y la mariposa tiene escenas que dejan con un nudo en la garganta, con ganas de echarte a llorar desconsoladamente, y al mismo tiempo está contada de una manera tan hermosa, que uno sólo puede sentirse agradecido.

Mención aparte merecen las actuaciones, encabezadas por Mathieu Amalric quien interpreta de manera colosal al cuadraplégico, y que tiene en su haber 3 premios César a Mejor Actor, uno de ellos precisamente por este filme…O Max Von Sydow, que interpreta al papá de Jean-Do, un portentoso actor conocido por su trabajo en filmes de Ingmar Bergman, Win Wenders, Lars Von Trier, entre otros…y que es responsable de una de las escenas más entrañables de esta película.

Excelente fotografía, una banda sonora de ensueño, que hace que se te erice la piel. Un guión poético, con las palabras justas, en el momento justo…conforman sin duda una de las mejores propuestas de los últimos años.

Quizás lo más palpable del trabajo de Julian (disculparán las confianzas) es la comprensión y el respectivo hechizo que la historia parece haber ejercido sobre el director. Esta no es una película que se ha filmado por filmar…no. Este es un filme donde se ve alma, corazón, y donde el espectador participa de manera inevitable en una marejada de emociones…golpeado por una historia atípica.

Debo reconocer que cuando empezaron a salir los créditos, me fue difícil levantarme de la butaca y marcharme. ¿Cómo irse a comer hamburguesas después de eso?

Me quedé unida a Jean-Do, a la hermosa melodía que suena mientras pedazos de hielo se rompen en la pantalla, a lo que había “detrás de la cortina raída…a ese brillo pálido que anunciaba el amanecer”.

Lo mejor: hermosa

Lo peor: triste

La escena: cuando habla con su papá por teléfono y cuando ve a sus hijos en la playa

Lo más falsete: Nada…

El mensaje manifiesto: No te encerrés

El mensaje latente: Hasta la situación más desesperada puede darse vuelta

El consejo: Mirala en el cine, no te vas a arrepentir

La pregunta: ¿Dónde consigo el libro?

CURIOSIDADES
– El papel de Jean-Do lo iba a interpretar originalmente Jhonny Deep, que por problemas de agenda no pudo comprometerse con el proyecto.
– Al igual que en sus anteriores películas, también interviene la mujer del director, Olatz López Garmendia.
– El libro se escribió tras un año y dos meses en la habitación 119 del Hospital Berck Maritime.
– El guión, escrito por Ronald Harwood, fue concebido originalmente en inglés, pero el director Julian Schnabel convenció finalmente a los estudios Pathé Films de que se realice en idioma francés, para contar en el idioma de origen del verdadero Bauby.

EXTRAS
– FESTIVAL DE TEATRO: Pasó el Festival de Teatro. Asistí a casi todas las obras, me perdí unas cuantas. ¿Cosas a rescatar? Que se pudo ver teatro, que dentro de todo se agradece la posibilidad de ver teatro…También se rescata obras portentosas como “Neva”, la mejor obra del festival, gracias a esta obra me doy por bien servida. Con tan solo 3 actores y un poderoso texto, esta presentación chilena usó el humor negro, el drama, la reflexión para reírse del oficio del teatro y cuestionar sus vanidades, miserias y objetivos. Es más, desde hace mucho no veía una obra que me dejara tan satisfecha…fue uno de esos momentos Kodak. Otras que también resultaron muy buenas: “Por Instantes la felicidad”, uno de los mejores espectáculos de danza que han pasado por este triste pueblo y que me reconciliaron con e
l festival después de la sobria (no mala, pero sobria) presentación del Ballet Nacional de Chile; …El trompo metálico, también resaltó con una propuesta interesante, bien actuada y bien contada. Una familia snob, con aires de perfeccionismo, que en realidad esconde oscuros secretos que nada tienen de perfecto ni concuerdan con la imagen remilgada que intentan mostrar.

De lo nacional rescato sobremanera el monólogo de Daniel Aguirre, 120 Kilos de Jazz, quizás la obra más ovacionada del festival. Daniel es conocido por ser parte del elenco de Teatro de los Andes, y su crecimiento como actor se ha evidenciado del todo en este monólogo, donde derrochando un carisma sin igual cautiva al público con la historia de un gordo obsesionado por colarse a una fiesta, en busca de su amor platónico.

Otro trabajo interesante ha sido el de Eduardo Calla (director), que con La Escala Humana, se perfila como uno de los directores más prometedores de las tablas. Obra simpatiquísima que reúne a un elenco de lujo, nombres como la siempre admirada María Teresa Dal Pero, Diego Aramburo, Cristian Mercado, Marcelo Sosa y Patricia García, convirtieron esta historia de humor negro, en una muy buena experiencia. De Patricia García cabe mencionar su versatilidad, ya que actuó en 4 obras…luciendo en todas distinta y reafirmando lo que se dice por ahí: que es una de las mejores actrices del país.

Las obras infantiles resultaron mucho mejor que algunas que supuestamente eran plato fuerte, prueba de ello el divertido espectáculo belga Le Polichineuir de Tirois, un sencillo pero efectivo monólogo que usa objetos para mandar mensajes ecológicos, y de convivencia, sin ser ñoño. Otro show bonito, aunque de carácter callejero fue el de Bomb, un par de holandeses haciendo acrobacias. Nada del otro mundo, pero bien trabajadito. Y como los holandeses siempre traen cosas raras, el show Cool Frogs nos dejó con la sonrisa pintada en la cara, y queriendo “bailar polka” (los que la vieron, entenderán)

Lo malo? Hubo obras que parecían de colegio de barrio. Que bajo ningún concepto debieron estar en cronograma, y por las cuales (en el caso de las internacionales) no se debía pagar 50 Bs. ni bajo los efectos de la más dura droga….El ejemplo más escandaloso fue Perpetuo Amor, donde uno no sabía si reír, llorar, o en un ataque de histeria salir pisando a tu vecino de butaca (la función fue en ese búnker maléfico llamado Paraninfo Universitario) y exigir a grito pelado la devolución de tus casi 10 dólares. Los comentarios del público post-tortura eran de absoluto rechazo, se tejieron teorías de sabotaje, complot y venganza al calor del descontento popular. El argumento de ESTO era la historia de un tipo y una tipa que eran víctimas de un Perpetuo Amor (denle las interpretaciones que quieran), pésimamente actuada y con un montaje que haría enloquecer a todos los descendientes de Artaud…es sin duda una de las peores obras que he visto en todas las versiones que lleva este festival.

Otra obra que me hizo buscar en mi bolsa un lapicero para abrirme las venas, fue Dile a mi hija que me fui de viaje. Obra española, del grupo Teatro del Duende…que relataba la vida de dos mujeres que compartían celda. Una mayor y chimoltrufiana, y otra joven…remilgada. Aunque no resulta ser tan mala como Perpetuo Amor, esta obra estaba plagada de más mensajes a la conciencia que los que suele dar el Hermano Pablo, recurría con molesta frecuencia al apagón para hacer las transiciones, y la historia era el típico argumento ñoño donde bien podés poner a Thalía recitando esos textos, al lado de un perro parlante. Debo decir que ODIO salirme de una obra de teatro, me parece una herejía y me da mucha pena con los actores, porque a diferencia del cine…ellos sí pueden notar cuando uno sale de la sala. Pero lo siento, en uno de los infinitos apagones abandoné el suplicio que significaba estar hundida en esa butaca.

Esos son los ejemplos que más laceraron mi memoria. Pido disculpas en caso de que alguien se sienta ofendido, pero esta columna es escrita desde mi punto de vista egocéntrico, subjetivo y carente de empatía hacia lo que no me gusta.

Aparte de que hubo obras que eran demasiado malas para estar en un festival (de cualquier tipo) existieron detallitos como la sobreventa (o sobrecortesía) de entradas en algunas funciones. El calor que nos azotaba como si estuviéramos en las mismas puertas del infierno, donde por exigencias de los artistas no se podía encender el aire acondicionado, y que en el caso de Sonilum te hacía añorar vivir con los pingüinos.

En todo caso, siempre espero el Festival de Teatro con ansias, desde su primera versión…y ya estoy deseando (otra vez) que pasen los dos años habituales para volver a disfrutar del tours teatral. Un festival más que se va, que de sus más de 100 funciones deja por lo menos unas 5 obras MUY BUENAS…

Hmmm…algo para reflexionar. Quizás se debería bajar la cantidad y controlar más la calidad. Pero lo dicho, esperaremos el 2011 para ver qué otras cosas disfrutamos.

– FABULOSOS CADILLACS: Qué buen concierto!!! Los Fabulosos demostraron porqué tienen ganado un merecido puesto en la música latinoamericana. Empezaron pasadas las 22:00. Mis acompañantes y yo llegamos cuando empezaron los primeros acordes, y temimos por nuestras vidas cuando fuimos aplastados, apeñuscados y estrujados por una masa amorfa de espectadores, frente a una pequeña y diminuta puerta que separaba la muerte de la libertad. Una vez sorteado ese escollo, pudimos disfrutar a pleno de todos los temas y de la voz desgarrada de Vicentico. Lo malo? No son el tipo de artistas que interactúan con su público. Ellos son onda más autista, se suben, cantan y listo. Nada de: “se la saben?” o “Cómo están Santa Cruz” o “Levanten las manos” o “Ilarie larie e…oh oh oh”…bueno…nada de eso. Eso hace el show mucho más impersonal y da para que los borrachos que te rodean se entretengan charlando y haciendo mosh como si fuera un concierto en el otrora Oz. Sí, eso conversábamos mientras buscábamos una parcela donde podamos ver bien la pantalla gigante…que los conciertos ya no son lo que eran antes, que cuando terminaba una canción, había aprobación, pero no esa euforia desatada que se vivía en otras EPOCAS. Y qué carajos es esa división, subdivisión y subsubdivisión de público? En el de los Fabulosos había Vip, cancha, gradería y curva…por lo menos no fue como el de Vicente Fernández (al que no fui) que había hasta Súper Vip…. Qué tiempos aquellos donde todos éramos parte de la gradería jejeje Igual, un sonido espectacular, un repertorio que siempre es alucinante escuchar, un escenario de lujo, unos músicos en todo el sentido de la palabra…o sea, valió la pena.

– YA VI X-MEN ORIGENES, WOLVERINE, pero esto me que ha quedado largo, así que dejo la reseña para la próxima.

LO QUE ESPERO
– Iré a echarle un ojo al espectáculo de circo que se anuncia en Sonilum estos días…
– Reservaré mi entradita para ver a Mercedes Sosa el 25 de Mayo…
– Trepo las paredes por ver Miguel N. Es el documental que retrata el caso del secuestro de Jorge Londslade, se acuerdan? Ese fue el primer caso político que me interesó y es el primero que recuerdo. Yo era chica, muy chica…pero todavía tengo en mi memoria el tema de las ejecuciones, el nombre Comando Néstor Paz Zamora, a Miguel Nothdurfte el italiano que liderizó el secuestro. Muchas veces leí del tema y ahora resulta que Andreas Pichler hizo un documental que está próximo a estrenarse. O sea, si hacen un documental exhaustivo sobre la toma de la embajada de Japón en Perú, seré feliz…porque se indagará sobre dos hechos que siempre me han interesado. El de Londslade está ya a la vuelta de la esquina, a ver cuándo se aviva alguien para el de la embajada.

“Perros de barrio pobre”
by: Mónica Heinrich V.
Estaba emocionada. No me temblaban las manos como cuando fui a ver Batman: The Darknight, pero estaba emocionada. Slumdog Millionaire prometía ser la película del año, la publicidad la vendía como el filme de la década. Yo estaba extasiada antes de verla, gracias a su aval de premios…y por el nombre, siempre querido, de Danny Boyle.
Así que a pesar de que a cada rato caía en enlaces que hablaban sobre “Quién quiere ser millonario” (su horrible traducción al español), a pesar de que caía en canales donde mostraban el backstage y entrevistas varias, a pesar de eso…no quise saber nada! Ignoré las páginas webs, las sinopsis, los reportajes…llegué a la sala de cine más virgen que quinceañera mormona.
Como era la premier, habían contratado a bailarinas hindúes y a chicas que vestidas a la usanza India daban la bienvenida a la proyección. Eso me agitó más, aunque lucía una calma aparente. Me apuré a entrar pensando que la sala iba a estar a reventar, eso me había dicho mi acompañante que llegó primero…pero no, contrario a nuestras predicciones había una respetable cantidad de público, sin alcanzar a la masa que he visto en otras películas. Me senté en mi butaca, acompañada de tres personas más…y los trailers empezaron.
Hago una pequeña pausa aquí, porque de los cuatro trailers que presentaron ya había visto 3 de las películas promocionadas, hasta que llegó Lust, Caution de Ang Lee (el de Brokeback Montain y El Tigre y el Dragón) y yo quedé convencida de que se trataba de la historia de Mata-Hari. Pero no, aunque hay cierto tufillo a eso, se trata de una peli basada en un libro sobre una tipa que se envuelve con un tipo al que tiene que espiar y luego liquidar. Las escenas mostradas y la bella banda sonora, hicieron que ahora la espere con ansias.
Pero volvamos a Slumdog Millionaire. Por qué estaba emocionada? No era por los 13 Oscars a los que fue nominada, no…era porque siempre me ha gustado Danny (otra vez, confianzuda) y desde que vi Trainspotting, no importa qué haga…lo sigo como el perro a la perra en celo. Tumbas al ras de la tierra, que fue su ópera prima, me gustó muchísimo. Hizo sus cagadas como Sunshine, película por la cual le retiré la palabra a Danny en mis pensamientos…pero el resto ha oscilado entre propuestas interesantes (28 días después) e historias raras (The Beach)…Ha hecho cositas menores como A life less ordinary…y la peli esa del niño que se pilla una maleta con plata: Millonarie. Siempre demostrando que no importa lo sencilla o lo complicada que sea una película, Danny le pone un toque en la dirección, en la edición y en la música.
Así que ahí estaba yo. En plena sala del Cine Center…cuando por fin, después de todo…Slumdog Millionaire comenzó. El inicio me recordó (y a otra amiga más) a Ciudad de Dios e hizo que me sintiera feliz ante lo que se venía…
La historia comienza cuando al protagonista Jamal, lo están torturando para que diga cómo acertó las preguntas del famoso juego de televisión “Quién quiere ser millonario”, porque siendo él un chico de 18 años, sin educación… era absolutamente imposible que lo hubiera conseguido solo. Jamal afirmaba: “Simplemente sabía las respuestas” y es así que mientras las imágenes van y vienen entre el pasado y el presente, Jamal cuenta cómo su vida se desarrolló de tal manera que las preguntas (cosas del destino) que le hicieron en el programa estaban íntimamente relacionadas con sus experiencias.
Ahí pasamos a la infancia de Jamal, que junto con su hermano Salim vivían en uno de los sectores más pobres de la India. Azotados por las desgracias en las que, según datos oficiales de la India, vive más del 27 % de la población…los hermanitos correrán muchas aventuras. Mientras la veía, no podía evitar recordar un documental que vi hace muchísimo tiempo en televisión, donde pintaban a la India como un país casi hacinado, cuya gran parte de su población vivía en una pobreza profana, donde los trenes eran peor que los micros acá y casi todos los días moría gente cayéndose a las rieles.
Tampoco podía evitar recordar La Madre India (1957) película india que a pesar de su colorido, retrataba con crudeza y tristeza la lucha de una mujer hindú en una sociedad que evoluciona constantemente. Tenía sus cantos (bien bollywood)…pero algo en ella te sacudía el alma.
El gran problema de Slumdog Millionarie, es que trata un tema gajudo y duro, como la vida de estos niños en situaciones precarias, pero lo hace tan frívolamente que la experiencia se vuelve artificial y aunque es una muy buena película, que tiene muchos elementos interesantes y bonitos, termina siendo un producto elaborado para grandes públicos…en que el trasfondo (la lucha por la sobrevivencia de ambos niños) queda absurdamente recreado en una suerte de frío videoclip.
Aunque Danny se fue hasta los barrios más marginales de Bombay, la pornografía de la miseria que tanto le critican, es simple ornamento. Jamal y su hermano se quedan huérfanos, teniendo así que valérselas solos en este mundo cruel. A ellos se les suma una niña, Latika…con quien formarán una especie de alianza, autodenominándose: Los tres mosqueteros.

Latika será el amor de la vida de Jamal, pero inesperados y sórdidos acontecimientos, lo mantendrán separado de la niña. Esto hará que Jamal se pase toda la película intentando reencontrarse con ella. Entonces, no se engañen pensando que esta película es sobre la lucha por conseguir salir de la miseria económica, ni nada parecido, esta es una película de amor y punto.

Danny hizo lo que sabe hacer mejor, a pesar de ser una historia en apariencia sencilla…la dirección, edición, música y los flashbacks consiguen que el ritmo sea trepidante y que lo que tratado de otra manera se hallaría hasta soso, se vea colorido.

Amén de situaciones algo increíbles, la disfrutás desde el principio y querés seguir a los protagonistas hasta el final. Eso siempre se agradece, encima Danny lo consigue dándonos el final de la película con la introducción de la misma.

Además hay que recordar que la intención del filme no es hacer una historia semi-documental sobre la realidad india con relación a la pobreza, es sólo el escenario…y aunque en la India le han llovido las críticas diciendo que es imposible para ellos reconocerse en esta película, que ni siquiera la palabra “Slumdog” se usa realmente, que lo de perro es ofensivo, que no hay absolutamente nada indio en ella…es eso (lo exótico de situarla en la India y de mostrar, aunque sea ornamentalmente, parte de su cultura con una buena dirección) lo que la separa de una producción cursi y melosa cualquiera.

Las actuaciones de los niños, la mayor parte de ellos sacados de los barrios marginales de Bombay…no consiguen llegar al naturalismo de otros actores en similares condiciones como los niños de La vendedora de Rosas, o hasta de Ciudad de Dios. Jamal, el protagonista, es un actor joven de 1
8 años que fue sacado de otra producción llamada Skins…y la chica, Latika, era modelo (se nota) por lo que se trata de su debut en la pantalla grande.

Aunque para algunos de nosotros el filme consiga convencer, o en el mejor de los casos dejar una grata sensación (nada más), queda el resquemor de que se trata de una película algo sobrevaluada, un poco artificial y que no dejará huella profunda…por lo menos, no en esta espectadora.

A nivel visual resulta una buena experiencia, aunque Danny abusa un poco de un plano que no sé cómo se llamará, pero hace que la imagen se vea en diagonal…quitándole algo de sobriedad al filme. La banda sonora, que mezcla elementos tradicionales con música contemporánea resulta uno de sus mayores aciertos, muy bonita banda sonora…aunque por ahí una lectora de esta columna me expresó su inconformidad con los Oscars obtenidos, a mí me pareció muy bonita, la verdad…hizo que disfrutará más de la película.

En términos generales, Slumdog Millionarie es una buena película. Entretenida, bonita, bien hechita, optimista. Lo mejor del año? Hmmmm no creo…Lo mejor de la década? Definitivamente NO. Podés verla y disfrutarla, aunque a algunos seres cínicos como yo, les moleste ese tufillo esperanzador tan “feel good” donde sólo falta un letrero en fondo negro que diga: “Y estos crispines, vivieron felices para siempre”.

Lo mejor: Bien filmada, no hay que negar que Danny Boyle es un gran director. Y otra cosa buena es que después de semejante éxito, se pueden esperar cosas mejores para él a nivel de apoyo en la industria.

Lo peor: Algo liviana, y no existe una escena que te haga querer cortarte las venas…y eso es preocupante tratándose de una historia tan dura como esta.

La escena: la del encuentro con el niñito ciego y el billete de 100 $us. También cuando Latika queda atrás, mientras el tren parte.

Lo más falsete: A partir de la mitad de la película, todo se ve un poco falso…incluso lo que hace el hermano al final (Salim) no condice con el perfil que ha mostrado hasta ese momento.

El mensaje manifiesto: El destino existe

El mensaje latente: El amor puede ser un motivo de vida

El consejo: Disfrutala sin esperar que sea la mejor película que hayas visto.

La pregunta: ¿Realmente, quién quiere ser millonario?

CURIOSIDADES
– Como todos pudimos ver en la entrega de los Oscar, la mayor parte de los niños que participan en el filme asistieron a la alfombra roja y estuvieron presentes en la ceremonia. Durante una semana vivieron en lujos que la mayoría de ellos no tenían idea que existían. Ahora les tocó regresar a sus casas, a las chabolas, donde se respira en el aire el olor a excremento mezclado con azafrán. El protagonista infantil (que hace de Jamal en niño) está enfermo desde que llegó de América, y sus padres achacan al estrés y a la sorpresiva inadaptación que ha sufrido el niño, luego de ser regresado a su ámbito original. Algo similar ocurre con la actriz infantil que interpreta a Latika, ya no quiere dormir en el piso, ni quiere comer cosas feas, ya ha vivido en hoteles de 5 estrellas y ahora, su hogar le parece mezquino. Ambos se visten con la ropa que usaron en la entrega de los premios, mientras su barrio sumido en la miseria les sirve de marco y esa dualidad jode más un segundo que las casi dos horas que dura la película en la que participan.
– El libro en el que se basa en realidad es un compendio de 12 pequeñas historias, algunas no guardan ningún hilo conductor entre sí. Dicen que la novela es mucho más cruda y oscura, y que si Danny Boyle hubiera seguido al pie de la letra lo escrito en el libro, hubiéramos tenido una película casi opuesta a la vista.
– El equipo rodó en el suburbio más extenso de India (Dharavi) y también en uno de los más vibrantes (Juhu), situado al lado del aeropuerto, al oeste de la ciudad y claramente visible por cualquiera que vaya en avión a Bombay. Se calcula que aquella área sola tiene alrededor de un millón de habitantes.
– El equipo planeaba en un principio grabar varias escenas con unas cámaras digitales avanzadas SI-2K y filmar el resto en película, pero Boyle se decantó por no llevar grandes y pesadas cámaras de 35 mm a unas zonas tan concurridas como aquellas. Las cámaras digitales, más pequeñas y versátiles, les permitían grabar rápidamente estorbando mucho menos en la vida cotidiana de la comunidad.
– Patel (Jamal) es un actor inglés, que estaba muy nervioso por tener que interpretar a un personaje supuestamente nacido y crecido en los bajos fondos de Bombay. Sintió una enorme presión por conseguir el acento adecuado.
– Salman Rushdie, autor de los Versos Satánicos, tildó de “vanidad claramente ridícula” la película…

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