Ahora vivimos sumergidos en el internet: como Willy cuando todavía no era libre, y las nuevas generaciones vuelcan en las redes sociales TODO, impúdica y obscenamente todo.
Nuevas generaciones: TÁPENSE!
Las relaciones se mantienen a través del inbox, el whatsapp, el amor nace en una ventanita luminosa, amistades se rompen por comentarios en los muros del Facebook, el stalkeo galopa sin control y hasta los crímenes tienen nuevo escenario: la virtualidad.
El director georgiano Levan Gabriadze lo sabe, y con Unfriended se arriesga y propone un argumento que funciona únicamente a través de las redes sociales.
El poster choto puede engañar y darnos la idea de que se trata de un nuevo y asqueroso found footage…por ahí el guionista tampoco tiene los créditos suficientes para entregar nuestra apaleada confianza, pero no, no, no.
Oh, Sorpresa! Feliz día de San Roque.
El casi sin currículum Greaves se inspira en el infame bullying sufrido por la canadiense Amanda Tood y nos cuenta una historia de horror comprimida en ZIP, con unas cuantitas escenas slasher que harán mirar con asquito hacia otro lado, y las confesiones de actos ruines y mezquinos, tal como nos gusta.
Así es, pequeños saltamontes.
Nosotros, que también tenemos cuentas de Skype, Facebook, youtube, veremos la película a través de la computadora de Blair (Shelley Henning actriz regular de Teen Wolf).
Esta chica está en una conversación vía Skype con su novio, Mitch (Moses Storm), hablando las boludeces típicas de una pareja, planeando lo que harán en la fiesta de promoción. Ahí sabremos que Blair aún “no entregó su flor” y que hay un cochino secreto que guarda celosamente aparte de “su virtud”.
De pronto, a la conversación se suman cinco usuarios más, cuatro de ellos amigos de la parejita, y un quinto del que no se ve la foto y a quien nadie invitó/agregó.
Todo comienza con ese cuadradito azul de usuario no identificado que busca acosar y torturar psicológicamente a este grupo de amigos aparentemente unidos. Ajá, el odio corriendo por la fibra óptica.
Pero el cuadradito azul no identificado no aparece porque pasaba por ahí y vio la luz, no, acá hay una venganza, una venganza más grande que la de Bernardette contra Jacques Chirac.
Y uno se debate ante la eclesiástica educación del perdón o la necesidad de que esas personitas reciban su merecido.
Gabrieadze maneja bien los ritmos, los momentos en que la película pretende dar un respiro y en los que vuelve a la carga con renovados ímpetus. Su casting contribuye a hacer más creíble la increíble situación. Unos actores casi desconocidos en un ambiente bastante descontraído, le impregnan mayor realismo al filme.
Como en toda película de adolescentes asesinados que se precie, la escalada de violencia y terror tiene que seguir hasta el final y coronarse con una sorpresa que además te brinde una que otra sacudida.
La fórmula se cumple, aunque en mi cruel corazón SPOILER hubiera deseado que nuestra querida Blair se quede vivita y coleando con las muertes en su conciencia y el quemón virtual a pleno FIN DEL SPOILER.
Después de apenas 86 minutos de habernos inmiscuido en esta conversación privada a la que nos agregó el tal Gabriadze, la sesión de Skype termina.
No, no viste una obra maestra del género, bien analizada es flojita, limitada digámosle,sin lo del Skype sería «otra tonta película americana», también comentemos que después de media hora el artificio de hacerlo todo a través de la pantalla de Blair se convierte en una malsana curiosidad de ver hasta dónde aguanta el director, hasta dónde sostiene la historia.
Curiosidad que se satisface al final.
Unfriended es una interesante propuesta en su premisa, en su planteo, que quizás pudo tener mayores logros de los que al final consigue, pero que en general brinda unos momentos de vacío y sangriento entretenimiento.
Mónica Heinrich V.
Lo mejor: su propuesta
Lo peor: aparte de su envoltorio de originalidad, es la misma historia de siempre
La escena: El juego «YO NUNCA HE»
Lo más falsete: la página sobre no responder mensajes a los muertos, las acciones finales de Blair, el forzado triángulo amoroso
El mensaje manifiesto: Karma is a bitch
El mensaje latente: Nadie conoce a nadie
El consejo: Para ver por el artificio.
El personaje entrañable: el Skype, pobrecito, una herramienta en manos de tantos boludos
El personaje emputante: Blair y Mitch.
El agradecimiento: Es cortita y pasable
CURIOSIDADES
Se filmó con un presupuesto aproximado de 1.000.000 de $us. y ya recaudó más de 50.000.000 $us.
Se filmó durante 16 días en una misma casa en la que los actores se repartieron en distintos ambientes.
Ya está confirmada la secuela: Unfriended 2
El casting se hizo a través de una conversación por Skype.
El título de la película pasó de Offline, a Cybernatural a finalmente Unfriended.
Partes que salen en el trailer y en la campaña gráfica no entraron en el corte final.
Todas las cuentas que aparecen en la película de Facebook y de Skype existen realmente.
Para mantener el realismo se instruyó a los actores sobre la posibilidad de improvisar y buscar emociones mientras se filmaban las escenas.
Está compuesta por secuencias de tomas largas.
En la cuenta de Facebook de Blair se puede leer un inbox de Nelson Greaves, el guionista de la película.
De Josh Trank vimos esa interesantísima apuesta que fue Chronicle. Me dije: “el crispín que hizo esto es talentoso”. Lo mismo pensó la industria y le echaron el guante contratándolo para este enésimo reboot de los 4 fantásticos.
Este comic lleva años inmerso en una disputa descarnada entre Fox y Marvel y, hasta la fecha, Fox lleva 3 películas muy malas que no hacen más que agregar esta vacua esperanza: el día que Marvel agarre los derechos el sufrimiento para los fans concluye.
El joven Trank (apenas tiene 31 años) se metió en ese avispero y, como es de esperar, ha salido con ronchas por todos lados. En estos momentos es la comidilla de Hollywood porque tanto la crítica como el público han lapidado su película. El Rotten Tomatoes solo le da un 8% de aprobación/sobre 100.
O sea, un desastre épico.
¿Es realmente tan mala?
Tapate los oídos, los críticos nos odian
Hagamos una sinopsis: Vemos a un niño, Reed, que desde chico es un nerd y una especie de visionario, aunque sus compañeros y profesores lo vean como a un boludo que vive soñando despierto. Es en esa época que se hace mejor amigo de Ben, por lo que la secuencia es sencillamente para que veamos que esa amistad se fundó desde la más tierna infancia. Hacemos elipsis temporal y los chicos ya crecieron. Reed (Miles Teller) sigue con sus mismas fijaciones, y Ben (Jamie Bell) lo acompaña fielmente. En una feria de ciencias se les acerca el Dr. Storm que, con su hija, recluta rápidamente al joven Reed. Ellos están investigando, al igual que Reed, la teletransportación. La idea es concluir el proyecto y mandar astronautas al planeta que puede ser una opción de vida para los humanos.
Sí, sí, sí.
El mayor problema de Los 4 Fantásticos es que todo está a medias.
Se atisba el estilo de Trank (que también es uno de los guionistas), más contemplativo, más reflexivo, sobre el origen de los superhéroes y su desarrollo, pero también podés notar la mano de los otros guionistas, de Simon Kinkerberg (Sr. y Sra. Smith, X men, Sherlock Holmes), de Jeremy Slater (Lazarus Effect), que juntos convirtieron a la película en un sancocho desabrido que no termina de ser ni una versión oscura onda la trilogía de Nolan: Batman, ni un producto hecho para el entretenimiento onda Avengers.
¿Y si mejor dejan de pelear y cambiamos algunas cositas?
El guión, definitivamente, no sigue un curso que permita crear emociones reales. La primera parte es bastante aburrida y sin que ese aburrimiento se justifique en el tiempo que se necesita para un nexo emotivo con los personajes. La segunda parte, en la que se supone comienza la acción real, es desarrollada de manera torpe y poco afortunada.
Y ya cuando tendríamos que encontrar un clímax, los guionistas se sumergen hasta el fondo en el cliché: el típico portal choto de planeta a planeta que hay que destruir, y un villano absurdo, concluyendo el filme con una escena muy ridícula (diálogo donde se decide el nombre).
Nuestro portal es más bonito que el de Avengers
Ya saliéndonos del guión, los efectos especiales están básicos y no aportan nada a esta nueva versión. Es como si la película se hubiera realizado de manera desganada. Como que, ya, pongámosle fueguito acá y allá. El diseño del planeta de donde se extraen los poderes es poco creativo y algo ya muy visto.
Aquí hago un punto aparte para mencionar un error de continuidad en el que otra vez se trasluce la dejadez: El actor que interpreta a Reed, Miles Teller, tiene muy mala piel. Además de unas cicatrices que le quedaron por un accidente de auto en el 2007 sufre de acné, a lo largo de la película los granos iban de un lado al otro, pero así, de una manera ya grosera. En una escena tenía un súper grano rojo debajo del labio, y en la próxima (mismo día, según la historia) la cara limpia como nalga de bebé. No puede ser que en la post-producción no hayan arreglado algo tan miserable.
El resto de los personajes parecen perdidos en su papel de héroes caídos en desgracia, a los que no se dibujan muy bien los padecimientos que quieren mostrar a través de las aspiraciones evidentes del guión.
Como dije, creo ver las intenciones de Trank: hacer una propuesta más humana de los protagonista, pero aparentemente tuvo las manos atadas por Fox. El pobre tipo, agobiado por las críticas, respondía el 6 de agosto a través de un sugerente tuit que fue borrado al poco rato:
«Hace un año yo tenía una versión sencillamente fantástica de esto. Y probablemente habría recibido críticas fantásticas. Probablemente nunca la verás. Esta es la realidad».
FOOOOOX, déjame crear!
El otro guionista, Simon Kinkerberg, que también es uno de los productores, fue más allá y acotó:
“Creo que teníamos un director muy joven haciendo una película muy grande”
Yo no sé quién tenía qué y de qué tamaño. Solo sé que Fantastic Four terminó siendo tibia, desabrida, sosa.
Quizás lo más interesante de la película sea la batalla que se está librando entre sus protagonistas fuera de la pantalla.
Lo mejor: sus intenciones
Lo peor: de buenas intenciones está empedrado el camino al infierno
La escena: cuando deciden el nombre (por ridícula)
Lo más falsete: ese aire a película emo introspectiva
El mensaje manifiesto: película grande no es sinónimo de película éxito.
El mensaje latente: Hollywood puede echar a perder a cualquiera El consejo: esperá que salga a DVD o hasta podés prescindir de ella del todo El personaje entrañable: The Thing, más por ver de nuevo Jamie Bell (actor que hizo de Billy Elliot) El personaje emputante: Reed El agradecimiento: Que no es muy larga, dura apenas 100 min.
CURIOSIDADES
El director, Josh Trank, renunció o fue «renunciado» de otro proyecto al que estaba atado con Fox.
La película se hizo en el afán de Fox de preservar los derechos del cómic, si Fox no sacaba esta película YA, los derechos se revertían a Marvel.
Saoirse Ronan, Margo Robbie, Allison Williams y Emmy Rossum fueron consideradas para el rol de Susan Storm.
Kit Harington, Anton Yelchin, Richard Madden y Jack O Connell fueron considerados para el rol de Reed.
El estudio ordenó refilmar escenas en enero del 2015.
Michael B. Jordan fue la primera elección de Trank para el papel de Jhonny Storm, el actor también trabajó en Chronicle.
Josh Trank fue a rodar a New Orleans acompañado de algunos de sus perros. Los perritos se quedaron en una casa rentada mientras él filmaba e hicieron daños a la propiedad por un valor de 100.000 $us.
El director está tan dolido por la situación de su película que expresó que nunca más trabajaría en un cómic.
El 2011 dábamos cuenta del resurgimiento de Tom Cruise, de la saga y de la fe en la capacidad del ser humano de hacer películas de acción decentes (no es con vos Michael Bay).
Con Protocolo Fantasma, Misión Imposible pasó a ser de aburridita/sosa a garantía de espectacularidad. Lo dijimos acá, compramos un muñeco de Tom Cruise para mirarlo por las noches y nos quedamos deshojando margaritas, esperando cual Penélope la nueva entrega.
Por eso es que cuando Misión Imposible: Nación Secreta se estrenó la semana pasada, el corazón hacía Bidi bidi bom bom.
Un momentito, antes que nada hay que decir que llevamos viendo los correteos de Ethan desde 1996, y esta sería la quinta parte de una saga que parece no tener final a la vista.
Lo digo para que el mundo tenga claro que vos y yo sabemos quién es Ethan Hunt, sabemos que es parte de una organización (IMF) dedicada a tumbar gobiernos, manipular sociedades y limpiarse el camino de personas indeseables para el Estado que representan.
Estamos hablando de que en la vida real, por ejemplo, el ruso Litvinenko que murió envenenado por polonio era un triple agente (KGB, MI6 y España), lo que significa que un espía no canta canciones de cuna.
Por eso me extraña, araña, que en Nación Secreta, Ethan, agente del IMF-subdivisión de la CIA, parezca casi una escandalizada Carmelita Descalza.
El filme, escrito y dirigido por Christopher McQuarrie (Jack Reacher), agarra el despelote dejado en Protocolo Fantasma y continúa la obsesión de Ethan por descubrir qué carajos es el Sindicato y cómo está organizado.
Repite la fórmula, la receta inamovible de la saga: Ethan, el rebelde; el IMF/CIA de Judas por la vida dándole la espalda; un malo al que se persigue más por ego que por necesidad; una complicada misión; algo que hay que extraer de un edificio altamente custodiado; traiciones por doquier; una chica ornamental; y persecuciones varias.
Voilá.
A lo largo de la vida fílmica de Misión Imposible cada director ha intentado ponerle su impronta. Brian de Palma (1996) hizo, para algunos, la mejor entrega de la saga barnizándola de un cuestionamiento un poco más sencillo pero a la vez más estructurado, John Woo (2000) pensó que la película era Rápido y Furioso versión motocicleta, J.J. Abrams (2006) se puso demasiado romántico y así llegamos a Bird, que en el 2011 le quitó el acartonamiento y lo esperable para inyectarle una dosis de espectacularidad y amenidad, elementos que McQuarrie (2015) intenta replicar con mejor o peor suerte.
Al iniciar vemos la “fabulosa” secuencia de acción prometida. Ethan Hunt, vestido impecablemente para una misión de esa naturaleza, se cuelga de un avión al que intenta detener por su preciada carga (gas nervioso). Ok. Para escenas ilógicas/imposibles de aviones en el aire me quedo con la secuencia inicial de la última Batman. Nada más que decir.
Luego, descubrimos que el IMF ha sido disuelto gracias al director de la CIA: Alan Hunley (Alec Baldwin). Así, Ethan se queda, una vez más, rebelde y solo en mundo vulnerable al terrorismo.
Ethan descubre que OH, Sopresa! El Sindicato provoca atentados varios para cambiar la situación política y social de países específicos. Sí, Ethan, qué sorpresas da la vida, qué inaudita situación.
Hay menciones a la muerte de “civiles inocentes” a los que Ethan intentará resguardar haciendo lo posible por detener a esos “terroristas”.
Se cruzará en el camino de Ilsa Faust (Rebecca Ferguson) espía inglesa infiltrada en el Sindicato y cuyas acciones, al igual que las de Hunt, son un bocadillo fácil para el cuestionamiento.
Tanto Simon Pegg interpretando al carismático Benji, Jeremy Reener como el perspicaz Brand y Ving Rhames como Luther, hacen lo posible por lanzar algunos chistes al firmamento y que el interés de una platea acostumbrada a violentos zappings no decaiga.
La tal Ilsa, a quien llegué a confundir con Ruth Wilson, elabora un personaje ambivalente del que nunca se tienen claras sus intenciones/motivaciones, más por las falencias del guión que la ponen caprichosamente en situaciones ambiguas que por la profundidad del personaje.
El malo malo resulta un desperdicio desde el momento en que lleva a cabo un laberíntico plan para luego sucumbir como un Crispín por unos cuántos dólares, es nomás lo que decía el Guasón (segunda Batman): This town deserve a better class of criminal. En todo caso, el actor sueco Jens Hulten resulta inquietante en su personificación de Janik Vinter.
Hay escenas que sí, que cumplen con la espectacularidad que añoramos. Toda la secuencia en la ópera de Vienna es sofisticada, delicada y hermosa. La ópera elegida, Turandot, es una obra espectacular, habla de una princesa que despreciaba a los hombres y que mandaba a matar a todo aquel que se atrevía a intentar conquistarla y no descifraba tres acertijos. El protagonista masculino finalmente resuelve los enigmas, pero decide ponerle uno a ella: que averigüe cuál es su nombre. La princesa proclama que nadie duerma en Pekín hasta averiguarlo, mientras tanto el príncipe canta la aria más conocida Nessun Dorma que aparece en la película y que además es usada para algunas de las secuencias semi-románticas entre Ilsa y Ethan. Punto extra para Puccini, Viena, la princesa, el príncipe y para quien pensó algo tan bonito.
Otro detalle es el vestuario elegido para Ilsa en la ópera. Ese maravilloso vestido amarillo ondeando en las secuencias de acción fueron una delicia.
Los problemas de Rogue Nation van más que nada por el argumento que aunque sabemos no pretende ser un ensayo de filosofía, hay cosas demasiado chapuceras. Es cierto que la película adopta una que otra reflexión sobre lo desechable que es un agente en el mundo del espionaje, sobre las traiciones y alianzas entre países, pero todo se queda ahí, más como excusa que como algo sólido. Ethan se la pasa admirado por las mañas del Sindicato cuando él se revuelca en el mismo chiquero y lo que ya me pareció lo último de lo último SPOILER en la comentada secuencia de inmersión, el señor Ethan tiene apenas unos minutos para respirar bajo el agua, pero señores, los agentes juegan con cámaras que se ponen en los ojos como lentes de contacto, hay impresionantes diseños de aparatos para lectura de voz, de manos, de gestos corporales, y estos mamertos no tienen un pinche dispensador de oxígeno? No, no, no. FIN DEL SPOILER
Ya para rematar, la secuencia final de la bomba y la persecución: háganme el favor! y el malo-malo, solito con su alma tomando decisiones boludas. Sí. Era un buen momento para botar la casa por la ventana (yo diría que con dos cadáveres) pero nos quedamos complacientes y ñoños.
A grandes rasgos, Rogue Nation – Nación Secreta es un compendio de muy buenas escenas de acción, una experiencia amena en la que vemos a un Tom Cruise de casi 53 años en un envidiable estado físico. Ya sé que siempre lo resalto, pero es que no se puede creer lo que hace ese hombre sin recurrir a los dobles.
La sexta entrega ya está confirmada, no queda otra que esperar, mirar al muñeco de Tom por las noches y pensar que la próxima será mejor.
Mónica Heinrich V.
Lo mejor: Amena, entretenida Lo peor: un poco displicente en su guión La escena: la de la ópera, la de la inmersión y la del secuestro del Primer Ministro. Lo más falsete: lo de la inmersión sin oxígeno y la resolución final (bomba y demases) El mensaje manifiesto: Hay Misión Imposible para rato El mensaje latente: Hay público de Misión imposible para rato El consejo: Vela pero con subtítulos (COMO TIENE QUE SER) El personaje entrañable: Benji. NO te mueras nunca, Benji! El personaje emputante: Alec Baldwin, e Ilsa. El agradecimiento: Por Turandot.
CURIOSIDADES
Adelantaron su estreno para no chocar a fin de año con Spectre o la nueva Star Wars.
Para la escena en el avión, por lo fuerte del viento era imposible que Tom Cruise mantuviera los ojos abiertos así que crearon una protección ocular para todo el ojo y así hacer que Cruise abra sus ojitos en una situación en la que es imposible hacerlo.
Tom Cruise se lastimó en 6 ocasiones durante el rodaje debido a las exigencias de las escenas de acción.
El Sindicato era la agrupación antagonista más regular en la versión televisiva.
Benedict Cumberbatch fue la primera opción para el villano.
Bird era el director asignado a esta entrega, pero declinó el puesto por dirigir Tomorrowland y fue Tom Cruise el que presionó a todos para que McQuarrie tome la dirección.
Jessica Chastain fue la primera opción para el papel de Ilsa.
Como Rebecca Ferguson se parece a Ingrid Bergman, nombraron a su personaje Ilsa en alusión a Ilsa Lund de Casablanca.
El guión en realidad fue escrito también por Drew Pearce, pero debido a conflictos y después de llevar a juicio el tema, sacaron a Pearce del crédito dejando solo a McQuarrie.
Todos los personajes «buenos» manejan BMW mientras que los «malos» manejan Audi o Mercedes.
Rebecca Ferguson fue elegida personalmente por Tom Cruise, ya que la vio en al serie The White Queen y le gustó su trabajo.
SPOILER ALERT:
Es la única Misión Imposible donde el villano no muere
Yo fui por el enano. Por Tyrion. Sí. Tampoco me molestaba ver un ratito a Kevin James. No.
Mi gemela ñoña quiere creer que Adam Sandler es un buen tipo, que si te lo topás en una calle de Hollywood seguramente estará de shorts, polera, y gorra. Que estará mirando tetas y culos de algunas damas, solo porque «no lo puede evitar», mientras habla huevadas con algún amigo. Y así, muy inocentemente, querrá hacer una nueva película para que «el público» se divierta, para que él y el amigo boludo se diviertan.
Eso cree ella, yo creo que Pixels no es Punch Drunk Love o Click, lo más decentito de su filmografía. Pixels es una más de ese desfile de películas tontas y poco memorables que acostumbra producir/protagonizar.
Sin embargo, quiero hacer un punto aparte: a sala casi llena, a mi alrededor parece que estaban los amigos de mi gemela ñoña… el público se reía y hasta se escuchó uno que otro tibio aplauso. No sé si eso habla más mal de mí, de mi gemela ñoña o de los amigos de mi gemela ñoña.
Parecería que no importa que Sandler vuelva a repetir el personaje de fracasado que actúa como un patán con la protagonista y ella, siempre linda e inteligente, termina viéndolo pintoresco, divertido e interesante. No importa que la trama, escrita por Tim Herlihy y Timothy Dowling (ambos responsables de buena parte de su filmografía) sea absolutamente pobre, con chistes básicos, y con tantos defectos que ya no se la puede ni criticar porque es como pegarle a un borracho.
Tampoco se puede decir algo de Columbus, director al que ya le hemos perdido la fe hace mucho y enterramos allá en la profundidad de nuestra memoria como al pobre Macaulay Culkin.
No señores, acá hay un borracho y muy borracho está, encima se choca con nosotros y catarrea a morir.
En Pixels, Sandler es Sam Brenner, un tipo que instala aparatos electrónicos, pero que en su infancia de la siempre recordada era de los 80s, fue un campeón de videojuegos, un gamer de cuidado. Creció y la vida lo dejó atrás como en todas sus películas.
La NASA envió al espacio una cápsula que contenía elementos de nuestra cultura, entre ellos videojuegos de los 80s, y los aliens al verlos lo tomaron como una declaración de guerra. Hasta ahí creo todo, después de ver en qué pierde el tiempo la humanidad yo también pensaría que es correcto eliminarlos.
Kevin James sale del fofo Presidente de los Estados Unidos.
Cuando los aliens lanzan un ataque/desafío simulando Galaga, y más tarde Pacman, Donkey Kong, Centipide, y etc., el fulano decide llamar a los especialistas, sus amigotes gamers de la infancia quienes al final del día verán que la ociosidad rindió frutos y serán los héroes que salvarán al mundo de la hecatombe alienígena.
En este momento deben haber hombres de 35 a 70 años aún conectados al cable del playstation que se están sintiendo dignificados por las mañas torpes de Sandler como gamer heroico.
Nada chicos, todo es un vaivén de emociones baratas donde solo destaca uno que otro momento de los juegos ochenteros. Ese revival de nostalgias e infancias irrecuperables que tendrían un happy ending si el colosal y amarillo PacMan se comiera a todos.
Una fotografía cumplidora, unos efectos especiales cumplidores, actores haciendo lo que se puede con ese guión, y bla bla bla.
Repito: yo fui por el enano y disfruté al enano. Lástima que solo hubieran funciones dobladas, porque capaz y disfrutaba más al enano.
Si los Lannister existieran de verdad, esta sería una deuda que Tyrion no podría pagar nunca.
Buenos días.
Mónica Heinrich V.
CURIOSIDADES
Jennifer Anniston rechazó el papel principal de la Coronel.
La hija y la mujer de Adam Sandler hacen un cameo en el filme.
El verdadero creador de Pac Man hace un cameo también, aunque no como el personaje, ya que no habla inglés.
Es la novena ocasión en que Kevin James y Adam Sandler participan juntos en un proyecto.
Fue basada en un corto francés del mismo nombre dirigido por Patrick Jean que dicen estaba muy bueno.
La película ha sido tempranamente catalogada como un fracaso debido a su pobre recepción con la crítica y a su discreta recaudación en taquilla.
Lo mejor: El enano y algunos momentos de los videojuegos. Aparte, el público general parece disfrutarla, cosa que siempre es buena. Lo peor: un producto Adam Sandler: tonto y barato. La escena: todas en las que aparece Peter Dinklage Lo más falsete: el desafío alienígena, y claro, el amor que despiertan los personajes estúpidos de Sandler El mensaje manifiesto: Sandler seguirá haciendo películas mientras el público vaya a verlas El mensaje latente: Sandler hará películas toda su vida El consejo: Andá por el enano El personaje entrañable: El lanzallamas o lo que es lo mismo: EL ENANO. El personaje emputante: Adam Sandler, of course. El agradecimiento:Porque por lo menos están EL ENANO y Kevin James.
Hay amigos y “amigos”. El cine tiene infinidad de películas que loan la amistad y hacen que dibujemos corazoncitos mientras pensamos con amor en esos pocos (porque la palabra se prostituye mucho) amigos de verdad. Esos que comparten algo más que tragos o salidas nocturnas. Esos a los que uno le donaría un riñón y viceversa.
En búsqueda implacable (guiñito a Liam) de romper la ñoñez imperante, aquí pongo a continuación algunos ejemplos que retratan a esos amigos que no lo son.
Iba a hacer una lista que fuera de menor a mayor intensidad en jodidez, pero reflexionándolo no sé cuál es peor que cuál. Así que se las planto con orden aleatorio.
Cinco películas sobre turbias amistades.
1) Respira (2014)
Los franceses saben de amistades truncas. Cuando la resplandeciente Sarah (Lou de Laage) entra a su clase, la ñoña Charlie (Josephine Japy) queda prendada de ella. Sarah es divertida, extrovertida, con estilo, mientras Charlie es una chica más bien común, que puede pasar inadvertida. Ambas se vuelven mejores amigas, se cuentan sus secretitos, comparten ropa, salen, etc.. Pero resulta que Sarah es manipuladora, y de esas con las que hay que tener mucho cuidado.
Todo está bien en el paraíso hasta que pasan cosas que a Sarah no le gustan. Ejemplo: un desconocido español al que ella le echa el ojo en una fiesta al final termina durmiendo con la mamá de Charlie. Charlie la presenta como una compañera de clase y ella se indigna de que no la presentó como amiga. Detalles de este tipo hacen que Sarah cambie su comportamiento con la pobre Charlie.
Un día está toda babosa con ella, al otro no le habla o si le habla lo hace secamente. Un día salen juntas, otros dos se pierde. Un día está comprensiva y empática, al otro hace comentarios hirientes sobre las cosas que sabe de su supuesta mejor amiga. Es, abiertamente, envidiosa y resentida. Luego, le echa la culpa a Charlie como si Charlie fuera la villana. O sea, demasiado abuso mental. Uno como adulto dice: a esos crispines habría que cortarlos de tajo, sin embargo, Charlie aguanta porque es adolescente y no sabe manejar la situación, y lo peor: viene de un hogar en el que su madre soporta el maltrato psicológico de su padre, y ella inconscientemente replica esa conducta.
Cuando finalmente Sarah la deja de lado, Charlie es incapaz de continuar sola y cae en un pozo depresivo. Sarah, en lugar de tenerle compasión comienza una campaña de acoso y desprestigio sistemático en el colegio. La cosa llega a tal punto que dan ganas de entrarse a la película y agarrar a manazo limpio a las dos: a Charlie por no ser capaz de defenderse como Dios manda y a Sarah por ser tan hija de Pooh.
El final es shockeante, y la película, aunque me parece no termina de cerrar a nivel narrativo las necesidades de ese final, está filmada muy bellamente.
La también actriz Melanie Laurent dirige este filme que se mira sin pausa y con el corazón algo encogido.
2) Harry, un amigo que te quiere bien (Francia, 2000)
Domink Moll nos trae esta película inquietante que pasa abruptamente del género suspenso al terror y tiene sus toques de un humor negro.
Harry (Sergi López), en un encuentro aparentemente fortuito, se aparece en la vida de Michel (Laurent Lucas) diciendo que fueron compañeros de secundaria.
Seamos sinceros, a quién no le ha pasado estar caminando por la calle y zas! alguien viene, te abraza y te soba DICHOSO porque supuestamente fueron compañeros de colegio/universidad/nidito y vos no recordás al pobre infeliz. ¿Qué queda por hacer? Obviamente fingir, seguir la conversación como si estuvieras igual de contento, preguntarle por lo que ha sido de su vida, despedirse como si se fueran a ver alguna vez más y listo. Michel no tiene ni puta idea de quién es Harry, pero en vista de que Harry recuerda TODO de él y habla sobre su persona con admiración, decide invitarlo a cenar.
Harry es un tipo de recursos, a las claras se ve que tiene plata, poder, estilo, formación, Michel, por otro lado, vive inmerso en el mundo real, ese de familia clasemediera con deudas, un matrimonio aburrido y unos hijos que ama, pero que en secreto suponen un obstáculo para dedicarse a él mismo.
Harry parece un buen amigo, quiere que Michel retome sus pasiones, que surja, que sea feliz. El pequeño problemita es que el tipo se va poniendo denso, y cuando Michel se viene a dar cuenta tiene a un psicópata al que no recuerda viviendo en su casa, con su esposa y sus hijos a su merced.
Nada como un mal amigo para valorar la dicha familiar.
3) Heavenly Creatures (1994)
Quizás mi película favorita de Peter Jackson. No, con seguridad mi película favorita de Peter Jackson. Estamos ante una de las mejores interpretaciones de Kate Winslet, quien debutaba en el cine con 19 años.
La historia es más o menos similar a Respira en el inicio. La acción se desarrolla en la Nueva Zelanda de los años 50 y es basada en un caso real que escandalizó a Europa en esa época.
Chica nueva Juliette Hulme (Kate Winslet) entra a la clase y Pauline Parker (Melanie Lynskey, hoy infamemente conocida por hacer el papel de Rose en Two hand a half men) queda prendada de ella. Juliette pertenece a una familia acomodada, es linda, divertida, inteligente, mientras que Pauline es gordita, tiene una leve cojera, pasa desapercibida y su familia no es tan acaudalada, su padre es pescador.
Hasta ahí las similitudes con Respira. En Criaturas celestiales, ambas chicas construyen una amistad en la que prima la fantasía y el delirio. Ambas comparten una debilidad física, Juliette tiene tuberculosis y Pauline ha sufrido de una enfermedad en los huesos. A ambas les gusta leer, ambas tienen diarios, ambas fantasean con huir de sus casas y viajar a Estados Unidos.
La relación aumenta en decibeles, a tal punto que las familias de ambas comienzan a verla con malos ojos. El lesbianismo en esa época era considerado enfermedad y la posibilidad de que las chicas sean lesbianas hizo que los padres tratarán de mantenerlas separadas. Hasta el día de hoy se discute si fue una relación lésbica o una amistad llevada al extremo.
Estas chicas que habían creado su propia religión, su propio Dios, sus propias reglas morales y que vivían exclusivamente la una para la otra, deciden que la única manera de estar juntas y cumplir sus alocados sueños es matando a la mamá de Pauline.
Peter Jackson hizo una película impresionante. Impresionante por su casting, impresionante por cómo llevó a la pantalla una historia tan tétrica dotándola de una belleza casi poética.
Tiene unas cuantas imágenes que no se olvidan y te deja una muy rara sensación. Terminan los créditos y querés saber qué paso con las chicas. Por ser menores de edad pasaron solo 5 años en la cárcel. Juliette se convirtió en Anne Perry, una conocida escritora de bestsellers y Pauline, después de pasar por un convento, vive en un pequeño pueblo dando clases de equitación. ¿La condición para una pena tan leve? Que nunca tendrían que volver a verse.
4.-Perfume de violetas (2000)
Esta da cosita. Es mexicana y la vi en las épocas doradas del Festival Iberoamericano de Cine. Ese año ganó el premio a Mejor Película.
Dirigida por Maryse Sistach, la trama está basada en un caso real y nos presenta a Yessica, una adolescente de bajos recursos que está, literalmente, meada por los dioses. Su familia la maltrata, su hermanastro la “vende” para que la violen, en el colegio le va mal, tiene un carácter explosivo e impredecible, y de pronto conoce a la dulce Miriam.
Miriam es esa compañerita que tiene todo aquello que ella querría para sí misma. Al principio Miriam, que cuenta con una mamá que la adora y una vida muy ordenada, siente compasión por Yessica, por sus carencias y como ella es, también, algo solitaria se convierten en mejores amigas.
Cuando la violación a Yessica es consumada, su situación de vida (la que la película pretende analizar) impide que ella lo cuente y queda con un frágil estado emocional refugiándose en Miriam. La otra niña se empieza a sentir incómoda con el excesivo interés de Yessica y la ve un poco cargosa, a eso se agrega la actitud de la mamá de Miriam que no ve con buenos ojos la amistad.
El final también es shockeante, y hasta el día de hoy me lo recuerdo vívidamente. La película en sí misma no es una maravilla. Está filmada con un airecito semidocumental, cae en algunos lugares comunes y como ya es habitual del cine mexicano tiene problemas de actuación, pero aún así es una película que te atrapa de principio a fin y que tiene un interés honesto por reflejar una problemática.
5) El Talentoso Mr. Ripley (1999)
¿Quién no recuerda este poderoso filme? Fue antes de que Pitbull arruine el Tu Vuo Fa l Americano, y de que Jude Law venga a darse bañitos de cerveza Paceña por estos trechos.
Esta es mi película favorita de Anthony Minghella, en ella vemos a Matt Damon como el retorcido Tom Ripley.
Tom es un muchacho de condición humilde, con una buena formación, con inquietudes artísticas. Apretado económicamente, consigue un poco de dinero al tocar el piano en un evento social. Algo sucede con su chaqueta en un acto que necesita chaqueta, así pide prestada una que casualmente es de Princenton. El dueño de la casa asume que el chico estudió ahí y entre charla y charla queda convencido que es compañero de estudios de Dickie (Jude Law), su díscolo hijo. La suerte de Tom cambia cuando el señor le ofrece mil dólares para que vaya a Italia y traiga al tal Dickie de vuelta.
Tom no puede creer su buena fortuna y acepta. Va a Italia y se introduce en la vida de Dickie con el mismo engaño. Dickie, que es un dandy, lo cobija bajo su ala y empiezan una estrecha relación.
La relación se va convirtiendo en algo raro y oscuro a medida que la película avanza, sobre todo porque Tom (oh, Tom!) tiene una obsesión por Dickie y todo lo que le pertenece/rodea. Hay una doble mirada de Tom, una que se siente apabullado/maravillado por la gran vida que lleva, y otra que observa con rabia su despilfarro, su arrogancia, mientras que él ( a sus ojos más inteligente y talentoso) está condenado a vivir con lo justo. El complejo es un mal consejero, y nuestro Tom empieza a rumiar turbios planes.
La película está narrada magistralmente, además de ser un gusto para los ojos. El final llega un poco esperado, sí, pero no deja de tener su impacto.
Una muy buena adaptación de la novela de Patricia Highsmith que también fue llevada a la pantalla grande por los franceses con el filme A pleno sol.
Todo indicaba que sería una huevada. TODO. ¿Un hombre hormiga? ¿Un superhéroe Hombre/Hormiga? ¿Un blockbuster de un hombre hormiga que es un superhéroe?
Pues sí, estábamos preparados para el desencanto, para la insatisfacción post-proyección, para ese coitos interruptus. Ya nomás el tráiler nos hizo susurrar en la oscuridad: “Otra mamada de Marvel”, así, medio con asquito.
Además estaba el “problemita” de Paul Rudd como protagónico, como superhéroe, SÍ! El actor asociado en el inconsciente colectivo como el novio de Phoebe (Friends) o conocido por sus papeles más de loser ordinario en esas comedias muy americanas tipo Rol Models o I Love you man, iba a jugar a salvar el mundo.
Y qué decir del director: Peyton Reed cuyo currículo tiene títulos como The Break Up, Down with love y Yes Man, ajá, ajá, nada pintaba bien en esta nueva apuesta marveliana, nada.
Con esa pobres expectativas nos acercamos a la butaca, y… fanfarrias, por favor, maravíllense oh público compañero de salvajes aventuras cinematográficas, Ant Man entretiene y te hace salir del cine satisfecho. No con esa felicidad abrumadora de Guardianes de la Galaxia, pero sí con una muy digna sensación.
La versión elegida para traer al Hombre Hormiga es la más accesible para el público, es decir, en el comic original el Ant Man era Hank Pym, el personaje que en la película interpreta Michael Douglas, solo que su historia es un poco oscura para la platea, poco “familiar” dijeron los entendidos del dólar traquillero. Claro, Hank Pym sufre de personalidad múltiple y una de ellas, además, abusaba a su novia Jane, así que NEXT, mejor hablemos del pupilo, de Scott que quiere recuperar el amor de su hija y encontrar un lugar en este mundo cruel.
Empezamos en 1989 cuando Pym se indigna con el curso que ha tomado su investigación sobre una fórmula muy particular y decide largarse del boliche. Pasan muchos años y vemos a Paul Rudd que interpreta a Scott Lang, un fulano que está a punto de salir de la cárcel. Scott tiene una hija pequeña a la que no puede ver porque su exmujer ya rehízo su vida con un policía y claro, él, el ladronzuelo, no tiene pisada hasta que no se rehabilite socialmente. Hay que aclarar que Lang estuvo preso por hurto, NO ROBO, hurto, ya que no fue una acción violenta (las cositas que enseña el cine). Afuera de la cárcel lo espera Luis, un muy gracioso Michael Peña, que luego de fallidas experiencias en su reinserción a la sociedad, lo tienta con un trabajo. Dicho trabajo no es otro que irrumpir en la casa de Pym y saquear una bóveda que no saben qué guarda, pero que en definitiva debe ser importante por estar tan bien custodiada.
Scott da muestra de astucia y pericia, y claro, consigue allanar morada y hurtar algo que es principio y fin de la película, pero que NO puedo mencionar para no caer en el vulgar spoiler.
Mientras tanto, el villano es Darren Cross (Corey Stoll), otro ex pupilo de Pym al que la azotea se le llenó de chulupis (cucarachas) y anda peinando la muñeca.
El guión fue tocado por varias manitos, las principales son las de Edgar Wright fan del comic, que quiso hacer la película desde el 2003, el pobre hasta filmó un teaser, pero por diferencias creativas con Disney abandonó su sueño dorado. Dicho abandono se dio en los peores términos. Wright es conocido por ser guionista de Scott Pilgrim contra el mundo. A él lo acompañaron Joe Cornish, cuyo crédito también está en Scott Pilgrim y en Las Aventuras de Tin Tin, el señor Adam McKay con un trabajo más enfocado a los sketchs tipo Saturday Night Life y el mismísimo Paul Rudd.
No los voy a engañar, querubines marvelianos, no. La historia se desarma partiendo del hecho de que Hope (Evangeline Lilly), la hija de Pym, es una de las mandamases de la gran empresa que cobija los arrebatos de Cross, y que no sabemos cómo la susodicha no ha puesto orden en el gallinero antes de que Cross haga lo que hace, pero bueno, al final ahí están los Pym conspirando por la paz mundial.
Las secuencias de los chismes (Luis contando cómo fue que se enteró de lo que se entera) están fantásticas, y me arrancaron una sonrisa de pura felicidad. También el efecto del encogimiento y el agrandamiento están muy bien manejados y consiguen convertir lo absurdo en algo creíble.
El mundo de las hormigas, su categorización, la voladora Anthony, son otros puntos altos del filme, porque claro, las hormigas tienen mucho que ver con el Hombre Hormiga y vos salís del cine prometiéndote nunca más en la vida pisar a alguna de ellas (tan bonitas, tan trabajadoras, tan leales).
Ant-Man cumple con el objetivo de entretener, tiene su toque pro familia unida que tanto le gusta a los gringos, blandita, de fácil digestión, su mensajito de siempre: si le das más poder al poder, más duro te van a venir a c…hmmm sí, y es un espectáculo visual más que aceptable. No intenta venderte más de lo que es, una película pequeña de gran presupuesto cuya trama no cambiará el mundo.
Tiene sus fallas a nivel argumental, el villano es un completo inepto, los policías son otros ineptos, pero a estas alturas de la vida qué podemos hacer, se agradece que maneja un humor simple pero efectivo, y lo más importante de todo, lo que hace que mire a Ant Man con entornados ojos llenos de pestañas postizas: rechaza la ayuda de Los Vengadores.
Sí, hasta casi los perdono por dejar al pobre director-guionista (Wright) botado, llorando en un rincón después de más de una década de trabajo (Marvel no es un happy place).
Gracias totales.
Lo mejor:Es amena y ligera. Lo peor: un guión flojito que hace aguas por varios lugares La escena: el recurso utilizado para contar cómo Luis se entera de algunas cosas Lo más falsete: la imposibilidad de detener a Cross de una manera más frontal El mensaje manifiesto: las apariencias engañan El mensaje latente: Lo importante es la familia El consejo: vela, es disfrutable El personaje entrañable:Anthony El personaje emputante: Me llegó a fatigar Hope El agradecimiento:porque no hay bombas nucleares o reactores a los que destruir o llevar al fondo del mar.
CURIOSIDADES
Joseph Gordon Levit fue considerado para el papel de Scott Lang
Paul Rudd tuvo que someterse a una intensa rutina de ejercicios para tomar la musculatura de un superhéroe, lo hizo tan bien que tuvieron que adaptar su traje debido a que los músculos crecieron más de lo esperado.
En el comic el Hombre Hormiga era originalmente un Avenger.
La primera escena en la que se ve a un Michal Douglas más joven es en 1989, año en que salió la película Querida encogí a los niños, la película del Hombre Hormiga estaba en desarrollo desde los 80s, pero cuando salió la famosa película de la familia que era encogida, los estudios pensaron que la trama a nivel de efecto era muy similar y postergaron el proyecto. Hay un guiño a eso en la fecha.
Rashida Jones y Emma Stone fueron consideradas para interpretar a la esposa de Pym.
En los comics Pym como el Hombre Hormiga tuvo muchos nombres:Wasp, YellowJacket, Giant-Man, Goliath.
El casco de Ant Man es influenciado por el de Iron Man y el de Bumblebee.
Aunque Edgar Wright abandonó la película gran parte de su trabajo como guionista quedó en la versión final.
En los comics es Hank Pym quien crea a Ultrón.
Sean Bean, Pierce Brosnan y Gary Oldman fueron considerados para el rol de Pym.
En el comic la hija de Scott, Cassie, se vuelve superheroína también con el nombre de Stature.
Jessica Chastain fue considerada para el rol de Hope, pero rechazó el proyecto por conflictos de cronograma.
Bobby Cannavale fue convencido por Paul Rudd y por Adam McKay para hacer el papel de padrastro de Cassie, lo llamaron antes que Marvel lo convoque y le prometieron desarrollar un poquito más su papel.
Peyton Reed también fue considerado para dirigir Guardianes de la Galaxia o Los 4 Fantásticos.
Con tan solo 117 minutos, este es el film más corto del universo Marvel.
Stan Lee hace un cameo como bartender.
En el comic Scott Lang es pelirrojo.
Volviendo al temita del guión usurpado, reparchado de Ant Man, Joss Whedon afirmó que el guión escrito por Edgar Wright era el MEJOR guión jamas escrito para una película de Marvel. O seaaaaa…jamás lo veremos.
Wright y Cornish tuvieron que elevar una demanda legal para que Ant Man mantuviera sus créditos como guionistas en la película.
Jurassic World o Liberen a BLUE
Pasando a un punto medio muerto, que necesita desfibrilador, tenemos a Jurassic World.
Es para mí un misterio como una película con tanto presupuesto y que pretende ser un resurgimiento de la saga es encargada a Collin Trevorrow. Un tipo cuyo único título de dirección es Safety Not Guaranteed. Misterio 1.
Tampoco sé cómo dos guionistas que hasta la fecha nos dieron trabajos dignos, el señor Rick Jaffa y la señora Amanda Silver, ambos responsables de Planeta de los Simios, nos dan esto. Misterio 2.
Jurassic World es desangelada de principio a fin. Si ya viste las anteriores entregas la fórmula se repite levemente modificada. O sea: manipulación genética, mentiras corporativas, dinosaurios que no son del todo manejables, personajes fascinados por ellos, personajes aterrorizados por ellos, algo pasa, pum pam pim, caos.
ZzZZZZzzzzZZZZzzzz Es como si los productores, guionistas y director se hayan encerrado en un cuarto a tratar de manipular la primera entrega para darnos un clonsito tonto y deformado.
Partimos con un adolescente, Zach, y su hermano menor, Gray, que están yendo de visita al famosísimo parque Jurassic World en la Isla Nublar. La visita en realidad es porque son sobrinos de Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) quien es la directora del lugar.
Claire es el típico personaje corporativo, poco afectivo, que recibe a sus sobrinos pero que tiene un millón de cosas que hacer y que les pone a su asistenta para que los supervise mientras ella cumple sus funciones.
Dentro del parque están creando una nueva especie de dinosaurio, llamado “poéticamente” la Indominus Rex, que intentan sea la próxima gran atracción. Algo sale mal y el bicho da muestras de ser más inteligente que todos ellos juntos, así que claro, termina huyendo y sembrando caos y destrucción a su paso.
Para contrarrestar este despelote está el personaje de Chris Pratt, un muy americano Owen con un looksillo Indiana Jones. Nos presentan a este personaje como temerario, valiente, y capaz de lidiar con cualquier problema.
«Bryce, yo creo que lo peor es que te pusieron la misma estilista que a Hope, la de Ant Man»
Como los chicos andaban con la asistenta, una vez se desata el pánico, la tía Claire se fatiga y recupera su conciencia familiar, por lo que decide ir a rescatarlos no sin antes reclutar al temerario Owen.
La película es eso, la huida del bicho, y la desesperación de Claire y Owen por rescatar a los niños. En eso se van 124 minutos de tu vida y casi 30 $us (si la viste subtitulada en la única sala que pone películas subtituladas de ese tipo) que nunca recuperarás.
Quizás lo rescatable de la experiencia viene de la mano de John Schwartzman, cuya fotografía es cumplidora aunque no de esas que te dejan sin aliento. Schwartzman ha trabajado en películas como The Green Hornet, Saving Mr. Banks, Drácula, Pearl Harbor, entre otras.
Del apartado técnico hay poco o nada que reclamar, se trata de una película muy lograda en los efectos especiales, con un diseño de producción impecable, por eso el ladrillazo en la cabeza que supone verla es más sentido porque tiene elementos que de no ser por su desmañado guión y su poca inspirada dirección, harían que llegue a mejor puerto.
No es posible que mientras la película se desarrolla lo más interesante sean los raptores Charlie, Blue, Echo y Delta.
Después hasta entendés a la Indominus Rex y su furia asesina, con tanto corre corre al huevo, llega un punto en que te gustaría ver a la tía Claire siendo salvajemente engullida.
El resto de los personajes son incoherentes e inoficiosos. Ejemplo, cuando ya están a salvo y se les ocurre la brillantísima idea de usar a los raptores, va la doñita más lo sobrinos a la misión. Claro, claro.
Las escenas de amor boludas no faltan, es evidente que un beso en medio de la más desesperada huida por la sobrevivencia se colará o intentará colarse en la escena.
Nada señores, me aburren más que las peleas en Facebook sobre la llegada del Papa Francisco a Bolivia.
Sin embargo, el público le ha dado su bendición llevándola a romper records de todo tipo e incluso a estar en el top ten de las más taquilleras de la historia del cine. Misterio 3.
Lo mejor:los raptoresLo peor: aburrida y desangelada La escena: todas las que aparecen los raptores Lo más falsete:el gordo que quería usar a los dinosaurios como armas, no tenía pies ni cabeza El mensaje manifiesto:no jueguen a ser Dios El mensaje latente: no jueguen a ser un Dios estúpido El consejo: esperá a que salga en video o que alguien te invite a verla El personaje entrañable:los raptores El personaje emputante: el gordo, Hope, digo Claire, Owen, los niños, los padres de los niños, el chino, bueeee… El agradecimiento: porque la vi un día que dormí siesta.
CURIOSIDADES
Se filmó en Hawaii y New Orleans
En su primera semana ha recaudado $730 800 000, convirtiéndose en la película con mayor recaudación durante su primera semana, y superando los $1,000,000,000.
La girósfera fue idea de Steven Spielberg.
Bryce Dallas y Judy Greer hacen de hermanas en este filme, pero también interpretaron a hermanas en The Village.
Este filme sale 22 años después de la primera entrega.
Kristin Stewart fue considerada para hacer el papel de Claire, pero luego la vieron muy joven.
El primer borrador del guión, en cambio, se escribió once años antes y el paro de la producción -entre otros motivos- se debió a la huelga de guionistas estadounidenses de 2007. En el 2013, Trevorrow fue contratado como director y, junto a Derek Connolly, redactó el guión definitivo.
Terminator Génesis o la Khalessi necesita sus dragones
Y ya para finalizar este recuento agridulce de experiencias en ese hermoso lugar que es la sala de cine, llegamos a Terminator y su génesis que sí, sí, es viejo y obsoleto.
Este proyectito se lo emponcharon a Alan Taylor que dirigió la primera Thor y muchos capítulos de series como Juego de Tronos, Sex and the city, Los sopranos y más. Sospecho que el pobre no pudo hacer gran cosa ya que el guión estuvo en manos de Laeta Kalogridis responsable de esas pajas al infinito que fueron Shutter Island y Alejandro Magno, acompañada de Patrick Lussier que me parece debe tener los peores aportes en este Terminator, ya que su trabajo como escritor está visto en Dracula 2015, Dracula II, Dracula III y la muy nefasta Drive Angry.
Con estas papeletas qué se puede esperar de Terminator Génesis?…nada. Y nada es lo que tenemos.
No voy a negar que a pesar de todo, la conseguí disfrutar un poco más que Jurassic World (mucho más), pero se debe a que en la de los dinosaurios el tufillo familiar era demasiado apestoso y aquí todo se resume a cruentos enfrentamientos.
Supongo que los verdaderos fans de Terminator deben desear entrar a la cápsula del tiempo y volver al momento en que NO vieron esta nueva versión.
Porque sí, yo que no soy fan me quedé algo confundida y escandalizada por la desgraciada representación de John Connor. ¿Para esto Edward Furlong echó a perder su carrera cinematográfica encasillándose en un personaje?
Pues a los guionistas y productores se les ocurrió la idea de seguir estirando el chicle de la saga haciendo que John Connor (Jason Clarke) envíe a su pupilo Kyle Reese (Jai Courtney) al pasado para salvaguardar a su mamá Linda Hamilton, digo Sarah Connor. Supuestamente alguien irá a buscarla para asesinarla vilmente y así evitar que él, John Connor, nazca y lidere la revolución contra las máquinas.
Así nos vamos a 1984, donde Sarah es interpretada por Emilia Clarke, conocida por todos nosotros como la Khalessi. Cuando Kyle llega, la Khalessi está más enterada de lo que en el futuro se esperaban. La mamá de John cuenta con la ayuda del abuelo (Schwarzenegger) que la protege cual si fuera una flor del campo y que además nos recuerda a la audiencia que está viejo pero no obsoleto. Así, como esos chistes de borracho que se repiten una y otra vez, y la gente se ríe porque no queda otra.
De ahí pa´l frente es un derroche de giros caprichosos del destino, para que luego nos metan de refilón el revolcón del día SPOILER John Connor intentando matar a su mamá y a su papito: Kyle, que supuestamente debe aparearse con la Khalessi para que Connor nazca y luego intente asesinarlos en ese momento, divino FIN DEL SPOILER.
El filme, no obstante, recrea la fórmula que atrae público a las salas, tiene un conflicto la inminente muerte de Sarah Connor, al que sazonan con otros subconflictos y la siempre viva lucha contra las máquinas. Quizás el problema principal es que los guionistas no consiguieron hilvanar coherentemente la trama, lo suficiente, por lo menos, para hacerla creíble y que además no eche tierra sobre la memoria de personajes pasados (John).
Otro punto en contra es que resulta demasiado intrascendente para una saga que en su momento planteo ciertas reflexiones que iban más allá del apareamiento de la Khalessi y las soeces intenciones de conquistar el mundo.
A nivel técnico, no hay nada nuevo bajo el sol, cumple como todas las de su nicho, pero no hay una sola escena que te haga suspirar ante el avance de los efectos digitales.
Tendría que escribir demasiado y desarrollar demasiado para decir algo que voy a decir en una sola línea: Terminator, estás terminado.
Lo mejor: Que la Khalessi tiene Juego de Tronos Lo peor: que la Khalessi finja ser Sarah Connor La escena: La pelea del viejo Arnold con el joven Arnold Lo más falsete: no hay secuencia lógica que justifique que John Connor viaje al pasado El mensaje manifiesto: vieja y obsoleta El mensaje latente: sobre todo obsoleta El consejo: vela, aburrida no es, pero si tenés otras opciones mejores, adelante El personaje entrañable: los dragones de la Khalessi, no están ahí pero pensamos en ellos todo el tiempo El personaje emputante: John Connor El agradecimiento: porque la Khalessi tiene sus dragones en Juego de Tronos.
CURIOSIDADES
Los derechos volverán a James Cameron recién en el año 2019.
James Cameron amó la esta versión diciendo que era oficialmente la tercera de la saga.
Schwarzenegger entrenó por seis meses, casi 4 horas por día para lograr estar en forma.
El doble de Schwarzenegger en joven es Brett Azar, que ganó el papel después de un exhaustivo casting que buscara un cuerpo que luciera lo más similar posible al que aparece en la primera película de la franquicia.
Tom Hardy fue la primera opción para John Connor.
Es la primera de una trilogía nueva.
Se filmó bajo el nombre secreto de VISTA.
Es el primer filme en el que Schwarzenegger no aparece en los créditos como Terminator sino como Guardian.
Christian Bale no aceptó repetir su rol.
Se filmó en alrededor de 90 días con la primera unidad.
Brie Larson y Margot Robbie hicieron el casting para Sarah Connor.
Brett Ratner prefirió dirigir Hércules antes que esta entrega.
Y sí, acá estamos, elaborando bolitas blancas, nubosas, papales, esas que producen las emociones religiosas, la moral arcaica, y la ilusa dicha virtuosa de recibir a quien vive entre oropeles. Pero ya sé, paremos la producción de bolitas blancas y empecemos con esas ya no doradas sino resplandecientes, casi enceguecedoras que solo provoca la emoción del cine.
¿Se acuerdan de la serie noventera Herman´s Head o lo que se tradujo en español como La cabeza de Herman? Pues el conceptito de personajes que representan tus procesos psicoemocionales estaba champado ahí, como chancho en lodazal.
24 años después, Pixar aparece con la creatividad reciclada para decir hey, hola amiguitos cómo están, saludos a Osmosis Jones.
Claro que primero tenemos que chuparnos uno de los cortos más melosos del estudio hasta la fecha, la canción de I LAVA YOU me perseguirá en las noches de frío para toda la eternidad.
Volviendo a «nuestra mente». Estamos ante el 15avo trabajo de Pixar, y el director es nada más y nada menos que Peter Docter, quien ya trabajó como guionista en las 2 primeras Toy Story, en Wall-E y como director en UP. A él lo acompaña Roonie del Carmen, cuya labor hasta antes de este filme ha sido principalmente en el departamento de arte.
Y sí padawanes, cuando se tienen infancias perdidas y tu pozo de desechos ya alcanzó profundidades insospechadas, ver Intensa-mente te producirá un montón de bolitas de distintos colores, la mayor parte azules y doradas.
En sus primeros minutos, Inside Out consigue capturar la atención y hasta embelesar. Así como cuando te quedás estúpido viendo un arco iris o como cuando un picaflor revolotea en tu jardín y te susurrás maravillado “pero qué alitas más chiquititas tienen”.
La trama de Riley, sus primeros años de vida, la aparición de emociones que iban condicionando su paso por el mundo, las islas que simbolizaban los distintos pilares de su personalidad , todo estaba en la tesitura adecuada. Y a pesar de lo rebuscado o forzado del concepto, este escéptico y verdoso ser la pudo disfrutar.
(bolitas doradas)
La disfruté mucho en su primera parte, pero así como los arco iris desaparecen o los picaflores se van, luego se me fue poniendo un poco estridente y me resultó más difícil empatizar con la “dura” y “traumática” experiencia de niña bien, con padres ñoños estereotipados (mamá ama de casa que piensa en su ex novio cuando se enoja con papá/papá proveedor que piensa en deportes y no está realmente concentrado en nada) que se muda a otra ciudad y no puede adaptarse.
Sí, qué gran problema y desgracia lo que le sucede a esa criaturita del señor (bolitas verdes). Me sentí más o menos como cuando en una charla en Zurich, les preguntaron a unos adolescentes de alrededor de 13 años cuáles eran los grandes problemas que veían en su sociedad, en su generación, y uno de ellos dijo suelto de cuerpo: “es muy difícil conseguir marihuana”. Nombre de la novela: “los ricos también lloran”.
Así que no, no me derretí por la historia de la niña inadaptada cuya familia la adora, tiene un techo sobre su cabeza, dejó una gran amiga en su ciudad natal, asiste al colegio, no le hacen bullying y aun así está a punto de fugarse de su consolidado hogar.
Tampoco invalido su sufrimiento, a los 11 años sé que la presentación de un práctico incompleto puede significar una tragedia, simplemente que para los hechos me pareció demasiado dramático todo lo que sucede después, la metafórica pérdida de la inocencia, el comienzo de esa piñata de dulces y cuchillos llamada madurez.
Por otro lado, el argumento se vuelve algo repetitivo, como una molesta cacofonía de personajes unidimensionales y básicos, donde tenemos que creer que Alegría que siempre vivía en control de todo lo que le pasaba a Riley no se dio cuenta que en la anécdota del partido Tristeza tuvo algo que ver.
Avanzando un poquito más, el filme cautiva brevemente otra vez con lo de Bing Bong y no voy a negar que derramé algunas lágrimas en la oscuridad por él, ese elefante cursi y rosado, porque quizás el amigo imaginario que según yo no tuve sufrió el mismo fin.
La gorda, torpe y lenta Tristeza finalmente jugará un papel preponderante, la delgada, luminosa Alegría comprenderá que juntas hacen la fuerza.
Inside out es ambiciosa en su planteo, inteligente en lo que quiere lograr aunque no significa que lo consiga, quizás lo que me aleja de ella es su aparente complejidad y subtextos, cuando en realidad queda como una historia bastante sencilla y plana. Predecible, facilona, pero disfrutable.
Igual, sé que no estoy viendo un anime de Miyazaki, y que tampoco estamos ante una fábula tan llena de humanidad como Wall-E, así que me parece una buena animación de Pixar, un poco sobrevalorada, pero lo dicho, una buena animación a secas.
Lo que nos lleva al mensaje final (ese que está súper masticado), a la moraleja estilo a las que salían en He-man o She-ra cuando finalizaban sus episodios: podés crecer y convertirte en un gris adulto, tu infancia quedará atrás y algunas de tus islas (bobadas, familia, amistad, trabajo, futuro,) colapsarán pero aunque no lo creás amiguito, sí, vos, el que está ahí detrás de la computadora, vas a llorar, vas a sentirte triste (bolitas azules) la vida te golpeará como una bola de demolición (bolitas azules) y zas! Luego de tanto despelote cha chan cha chan volverás a ser feliz (bolitas…este…hmmm… azules) y a estar bien (bolitas… azules)
Lo mejor:Está muy bien lograda en cuanto a estética. Lo peor: Para mí se volvió algo aburrida y plana La escena:Lo de Bing Bong Lo más falsete:quiere ser más profunda de lo que en realidad es El mensaje manifiesto: estar triste no es malo El mensaje latente:la tristeza es gorda, fea y lenta El consejo: vela, es disfrutable El personaje entrañable:Bing Bong El personaje emputante:Alegría, alguien pásele una aspirina El agradecimiento:por no haber puesto más emociones, iba a ser un circo eso.
– Algunas de las bolas de recuerdo de Riley contienen escenas de otras películas de Pixar.
– Es la primera película de Pixar para la que se creó un set de Lentes Virtuales como los Cook y los Zeiss Ultra Prime.
– De acuerdo al director, las emociones fueron basadas en formas, Desagrado (asco) en un brocolí, Alegría en una estrella, Tristeza en una lágrima, Temor en un nervio e Ira en un ladrillo.
– Se consideraron 27 emociones, pero al final se quedaron en 5 para hacer más accesible y menos confusa la trama. Quedaron fuera el orgullo, la sorpresa y la confianza, por mencionar algunas.
– Esta película tuvo un proceso de producción de 5 años y medio.
– Trabajó un grupo pequeño de 45 animadores, que es la mitad del número de animadores que han trabajado en películas Píxar anteriores.
– Pete Docter, se inspiró al escribir el guión en el comportamiento de su hija cuando la familia se mudó de Montana a California.
– Richard Kind, la voz en inglés de Bing Bong, estaba llorando de verdad cuando grabó la línea, “Llévala a la luna por mí, Alegría”.
– En las primeras versiones de la película, Alegría estaba junto a Miedo, en vez de Tristeza.
Me subo al pony de la dicha cinéfila y desde ahí puedo gritarle al mundo con propiedad que Mad Max: Fury Road es todo eso que el trailer prometía: ES-PEC-TA-CU-LAR.
Y miren que la luna salió y se escondió muchas veces, que estas semanas extrañé al cine como el cine extraña a Marlon Brando, que supe (for sure) que el cine es más bonito de afuera que de adentro y que desparramarte en una butaca y encontrarte con una película así convierte tu día en «a lovely day».
Lo que ha hecho George Miller (el director) es una hazaña. Y no es que le falte currículum, poseedor de una trilogía de culto, artífice de Babe, el cerdito valiente, a sus 70 años, Miller hace lo suyo con gracia.
Apuesto que cualquiera que haya leìdo la noticia de este “nuevo episodio en la vida de Max” seguro se quedó puteando en la oscuridad y sacando el muñeco vudú de Miller y de Mel Gibson (nunca está de más sacar el muñeco de Mel) para detener ese despropósito. Seguro.
Alfiler pim pum pam.
Pero no. Me quito el sombrero, las gafas, la cartera, el beldent, la copa de vino y hago un montón de significado a los pies de este hombre.
Georgie, como ahora puedo llamarlo, agarró la tiza, dibujó con expertise lo que se supone es una película blockbuster por todo lo alto y nos dejó con la boca abierta.
Jódanse Avengers.
Y hay que decir que un aproximado del 80% de la película carece de efectos especiales computarizados, ajá, lo que ven en pantalla obedece simplemente al talento de Georgie, a un excelente diseño de producción y a la capacidad del fotógrafo de conseguir crear la ilusión de escenas complicadas sin recurrir al pinche croma. Oh talento, bendito talento.
Jódanse Avengers.
En esta entrega, que no tiene lógica temporal con ninguna de las anteriores películas de Mad Max, el mundo se ve casi post-apocalíptico, como un desierto en el que no hay vegetación y cuesta encontrar agua. En esa escasez/aridez es que Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne) surge como líder y tirano de un grupo de humanos (y otras variaciones) azotados por el hambre.
Immortan Joe es un personajillo asqueroso que además le raciona el agua a la Ciudadela.
A Max (Tom Hardy) lo capturan al inicio y encima lo ponen como bolsa de sangre de Nux, un war boy. Este war boy es un personaje freak, enfermo, “solo un chico” como dicen más adelante, perturbado por una crianza orientada a en algun momento encontrar la muerte y entrar a Valhalla.
“I live, I die, I live again”,es una de las frases que marcan el perfil del war boy.
Nicholas Hoult es quien tiene la difícil labor de hacer de este personaje alguien con quien la platea termina empatizando.
Tan es así que solo quería tomarlo en brazos y cantarle canciones de cuna: Duérmete, war boy, duérmete ya…
Quiero decir algo más de Nicholas, y quiero decirlo porque amerita, porque no lo podía creer y porque es otro motivo de lanzar un fueguito artificial al firmamento. Nicholas es el niño de About a boy. Sí! La película donde Hugh Grant salía de cínico y terminaba haciendo amistad con un curioso/peculiar niño. Estamos, entonces, ante la evolución de un actor que hasta el momento no es un juguete roto de Hollywood y que ya lleva en sus espaldas películas como Furia de Titanes, X-Men y uno de los protagónicos de la serie de culto inglesa Skins.
Vale la pena seguir la carrera de Hoult.
Volviendo a Mad Max.
Paralelamente, Furiosa (Charliez Theron) se puso furiosa en serio y le tuvo penita a las «parideras» de Immortan Joe, decidió tomar ese toro por las astas y salir tostando con las chicas en busca de una mejor vida.
El Lugar Verde (Paraje Verde, Tierra Verde) se alza como quimera de esa vida que Furiosa conoció cuando era niña. Niña y feliz. Esa es la esperanza: dejar esos áridos caminos, encontrar verdor, y sobre todo, un lugar donde esas chicas que eran tratadas como objetos de placer e incubadoras humanas consigan su libertad. “No somos cosas” dice una de las fugitivas.
Sigo aumentando el montón de significado a los pies de Miller, le boto encima mi primera rosa y el primer libro que me regalaron, porque resulta que de un guión que tiene todas las papeletas para ser muy pedorro, este señor saca algo menos conformista. Pudo quedarse en el facilismo de una película de acción cualquiera y tiene el tupé de en su peliculita de acción, pipoquera meter una reinvindicación a los personajes femeninos.
No son las damas asustadas que serán salvadas por Max, no son doncellas resignadas a su suerte, no, son guerreras, son mujeres buscando un futuro para ellas.
George Miller, y los novatos Brendan McCarthy y Nick Lathouris, componen el equipo de guionistas de esta fastuosa puesta en escena en la que tampoco falta como consultora de guión la escritora feminista Even Ensler.
Furiosa y Max se encontrarán en algún momento de la película, y Max así con su poco hablar y su mirada torva, dejará de lado sus intereses por el bien común deseando encontrar una segunda oportunidad en ese/este mundo hostil.
Mientras ellos escapan, Immortan Joe con todo su séquito quiere recuperar a sus esposas cueste lo que cueste con una electrizante persecución.
Charlize Theron y Tom Hardy, ambos actores del método, se miden en sus interpretaciones tratando de trasladar toda esa impotencia de una realidad a la que hay que controlar por la fuerza, porque sí, porque hay gente mala, porque hay opresión, porque hay enfermedad, y hay oportunismo. Mientras eso exista solo queda ser artífice del cambio, romper el calzón de castidad y que caiga al piso hasta hacerlo temblar.
No hay muchos diálogos, pero los pocos diálogos tienen hasta su toque de furiosa y gustosa poesía, palabras que te hacen revolverte en la butaca y susurrar: «qué buena que está!» y esta vez no te referís a una mujer/hombre admirado/cosificado sino a la única expresión que le cabe a un impactante espectáculo de fuego y ruedas.
Estamos todos locos y qué. Desde el mismísimo director, pasando por War Boy hasta las chicas traumadas, no hay espacio para la cordura ni para el respiro, tomando en cuenta que el relato que hago de la sinopsis se produce en imparables escenas de acción, las reflexiones y las miradas a las estrellas son casi nulas.
Y está bien.
Las escenas coreografiadas, casi circenses acompañadas de un vestuario y una dirección de arte notables consiguen que la experiencia sea tremenda. Nadie olvidará a ese guitarrista vestido de rojo, enmascarado, colgado cual títere tocando una guitarra que escupe fuego mientras los tambores marcan una persecución que solo puede traer muerte. Nadie.
Visualmente es un placer para los ojos, y aunque estés acostumbrado a ver montón de películas, no dejás de escapar un asombrado suspiro ante algunas secuencias. John Seale, que ya trabajó con Miller en Lorenzo´s Oil y que ha estado nominado al Oscar por Rain Man, Cold Montain y Witness es el hombre detrás del lente.
La sinergia la completa la banda sonora, una banda sonora poderosísima que eleva los momentos de acción a la gloria, responsabilidad total de Junkie XL, un conocido DJ y músico de los Países Bajos que sin duda ha sido un acierto y cuya experiencia en películas se resume a Divergente, 300: Rise of an Empire y Una noche para sobrevivir (entre otras menos importantes).
En realidad, Mad Max: Fury Road tiene todos los elementos para un desastre épico, estoy segura que en las manos de otro crispín correrían ríos de venenoso resentimiento, pero gracias a Georgie no sucede. No. Estamos ante un renacimiento del género, y hasta del mismo Miller.
Sí, sí, sí, podemos decir que hay unos momentos (casi al final) donde la adrenalina disminuye y el guión entra en esa salvaje encrucijada de irse a la mierda con todo o complacer plateas, sí. Así es la vida, mastercard y la pulpería de la esquina. Y sí, aceptamos también que los últimos 15 minutos de cierre son eso: complacientes con la platea, algo atropellados en narrativa, facilistas en guión, hasta boludos.
Pero ¿saben qué? No me importa.
Te compro todo Georgie, al enano, a los war boys y al (SPOILER ALERT) aparato que baja para dejar subir a los asesinos de Immortan Joe como si llegaran de recoger margaritas en el campo, te compro a Immortan Joe sin ninguna capacidad de estrategia para atrapar a Max y las parideras, te compro el revolcón de lealtad del War Boy, el letrerito cursi del final, la rubia raquítica que actuaba tan mal, los mensajes a la conciencia chotos, te compro todo (SPOILER FIN)
Filmada en el desierto de Namibia durante 6 meses, en condiciones extremas, donde los actores describen que Miller subió la música a todo volumen y apenas escuchaban nada, y que la arena se les metía por sus más recónditos lugares, Mad Max: Fury Road es de esas películas que da gusto ver y que merece un segundo o tercer visionado.
Llegando a mi hogar, con la mente llena de guitarras flameantes y sprays plateados, no me quedó otra que buscar la trilogía original (la que evadí estos años por tener el nombre de Mel Gibson en ella) y sentarme, finalmente, a ver la Mad Max de culto por primera vez en mi vida.
Esa es otra historia.
Lo mejor:visualmente una obra de arte y una trama donde las dos horas no se sienten pasar Lo peor:que nos deja con ganas de más, pero tardarán un montón en sacar las otras La escena: hay un montón! cuando el primer war boy se inmola y grita lo de Sean Mis Testigos!, cuando Immortan Joe sale a perseguirlos y se abre el plano para ver la caravana, las escenas en la noche, las escenas de acción cuando los palos bajaban con el enemigo, las escenas de la guitarra llameante, la última escena de Nux, lo de la embarazada, cuando nace el hijo de Immortan Joe y Rictus discursea, pucha, hay demasiadas! Lo más falsete: los últimos 15 minutos son como too much, pero se podría interpretar que a rey muerto, rey puesto.El mensaje manifiesto:qué moderno se puede ser a los 70 años El mensaje latente: se pueden hacer blockbusters inteligentes El consejo: vela no una sino varias veces, en versión ORIGINAL SUBTITULADA El personaje entrañable:Nux, las chicas El personaje emputante:Immortan Joe El agradecimiento: por dos horas de puro placer (permiso, me voy a fumar un pucho)
CURIOSIDADES
Tuvo un presupuesto de 150.000.000 $us. y se filmó en alrededor de 6 meses!
En la mitología nórdica, Valhalla (del nórdico antiguo Valhöll, «salón de los muertos»1 ) es un enorme y majestuoso salón ubicado en la ciudad de Asgard gobernada por Odín.2 Elegidos por Odín, la mitad de los muertos en combate viajan al Valhalla tras su fallecimiento guiados por las valquirias,
Tom Hardy ya firmó por tres películas más de la saga.
La hija de Lenny Kravitz, Zoe Kravitz, es una de las esposas de Immortan Joe.
El director quería que la película tuviera un look de alto contraste y colorido, para diferenciarla de las imágenes lavadas y opacas que suelen usar las películas distópicas.
Filmada en mayor parte con muchos planos secuencia.
Miller tuvo planes para filmarla en el 2003 con Gibson en el casting, pero la obsesión de Mel por La pasión de Cristo (2004) hizo imposible el proyecto.
Tom Hardy y Mel Gibson tuvieron encuentros para hablar sobre el personaje (Max) y Gibson se sintió complacido con la posibilidad de que Hardy lo interprete.
El storyboard fue elaborado con la colaboración de 5 artistas y tuvo alrededor de 3500 paneles. De hecho fue creado antes que el guión porque como la mayor parte de las Mad Max, el filme tiene poco diálogo y se apoyo más que nada en lo visual.
Tom Hardy se disculpó con Miller en el festival de Cannes, porque al parecer hubo roces en el set ya que Hardy no entendía muy bien lo que Miller proponía y se frustraba pensando que las cosas estaban saliendo mal. Una vez vio la proyección se quedó tan obnubilado que tuvo que pedir disculpas al director.
Charlize Therón se rapó para el rol de Furiosa y luego tuvo que usar pelucas para sus proyectos posteriores.
Heath Ledger fue considerado para el rol de Max . De hecho era el candidato más fuerte para el director, pero lamentablemente el actor falleció en el 2008.
Por los problemas y postergaciones que hubo con el proyecto, Miller se desesperó y llegó a pensar en hacer la película animada y en 3D.
La escritora y feminista Even Ensler fungió como consultora de guión para crear los personajes femeninos.
El guitarrista de fuego de la película es Sean Hape, mejor conocido como iOTA, es un músico australiano. En una entrevista dijo que la guitarra pesaba más de 50 kilos y que botaba fuego de verdad que él tenía que controlar.
En sus primeros minutos, Inside Out consigue capturar la atención y hasta embelesar. Así como cuando te quedás estúpido viendo un arco iris o como cuando un picaflor revolotea en tu jardín y te susurrás maravillado “pero qué alitas más chiquititas tienen”.
