LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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EN CARTELERA: Hitman: Agente 47

Bueno.
¿Qué podemos decir?
Vimos Hitman: Agente 47 y en la primera parte extrañamos al payaso del mal.

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Así es pequeños padawans, la del payaso (believe it or not) estuvo mejor.

Por lo menos había una búsqueda estética, un manejo actoral.

Acá, nada. Cero. Una película que se puede agarrar por cable un día y esito sería.

El alemán Aleksander Bach es la batuta, el director de orquesta de esta desangelada película de acción, encima es su ópera prima así que no sé qué podemos esperar de este señor. No sé.

Bach demostró una sólida carrera en videoclips y en comerciales, pero la jodió con su largometraje. No quiero decir que la caga hondo y profundo porque se vería muy ordinario y hay lectores sensibles en el blog.

Reconoceré, empero, que la historia (basada en el videojuego danés Hitman) pudo ser una bomba para los sentidos.

Claro, seres humanos manipulados genéticamente y convertidos en asesinos perfectos, varios frentes de intereses corporativos, laborales y personales pueden formar un interesante sancocho.

Por esos azares del destino, nuestro amigo Bach se las ingenia para arruinar todos los buenos momentos que Hitman: Agente 47 y su presupuesto prometían.

Michael Finch y Skip Woods son las manos detrás del guión, de ese guión sin mucho sentido (para variar) y portador de pocas emociones.

Finch escribió Predators, y  La Conspiración de Noviembre, mientras que Woods fue el guionista de la peor historia periférica de X-Men: Lobezno y también es el culpable de esa desastrosa versión cinematográfica de Los Magníficos, entre otras huevadas similares.

Podríamos decir que sobre aviso no hay engaño, y que el team base de la película nos prepara para lo que viviremos en la butaca, pero uno siempre espera lo mejor de la vida, de los seres humanos, de las cosas…
(insertar emoticón que mira al infinito)

Hitman: Agente 47 narra las peripecias del Agente 47 (Ruper Friend) al que le encargan la misión de eliminar dos objetivos, uno de ellos Katia (Hannah Ware), la hija abandonada de Peter Litvenko (Ciarán Hinds). Katia vive en Berlín, acosada por imágenes de su pasado que no consigue hilar y por la sensación de estar siempre perseguida.

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Agente 47 se traslada a Berlín para acabar con la tal Katia y así, de la nada y porque se le cantan los huevos a los guionistas, aparece el personaje de Zachary Quinto (John Smith).

Eso servirá para que ambos personajes (47 y Smith) tengan sus revolcones de intenciones al trochis mochis, porque sí, hay cosas que “no sabemos”.

La película avanza, dándonos la sensación de ser más larga de lo que parece y llevándonos a tropezones hasta el final.

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Patético final, con traslado al pedo a Singapur y nuevamente una tomadura de pelo general a un público que si ya ha visto películas del género similares, ESTA en particular nos suena a pasto para las vacas.

No negaremos que tiene un par de escenas que están bonitas desde el punto de vista de puesta, pero que en las manos de Bach no alcanzan nunca su clímax potencial (la de la embajada y la del auto con los cables).

Así, como cuando cae la lluvia primaveral, se fueron sin retorno 35 millones de dólares de la producción y 35 bolivianos nuestros.

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Mónica Heinrich V.

Lo mejor: que es cortita

Lo peor: muy chicha sin dulce

La escena: la del auto con los cables

Lo más falsete: el porqué buscan a Katia, y las motivaciones del personaje Jon Smith

El mensaje manifiesto: se puede gastar plata al pedo

El mensaje latente: hay que saber gastar

El consejo: Andá a verla al cine si te invitan

El personaje entrañable: Singapur

El personaje emputante: Katia

El agradecimiento: no sé si hay versión en 3d, pero gracias a Dios yo no la vi en 3d.

CURIOSIDADES

Hubo una versión en el 2007, a la que también le fue mal.

Al final de los créditos hay yapita sobre el próximo villano que aparecerá en la secuela, si se llegara a filmar.

Paul Walker estaba ligado al proyecto para el rol principal antes de su repentina muerte.

La película recomienza la franquicia y no tiene nada que ver con la película que se hizo en el 2007.

Dura apenas 93 min.

El rodaje tuvo lugar en Berlín y Singapur.

Tuvo un presupuesto aproximado de 35 millones y ya lleva recaudado alrededor de 40.

Se tendría que haber filmado en el verano del 2013 pero al final se filmó en marzo del 2014.

PROYECTO 1001: 2) Asalto y robo a un tren / The great train robbery (1903)

En el primer post de este proyecto hablamos sobre Méliès, su Viaje a la luna y  le dimos un repaso a las malas mañas de Edison, a su hilacha de ladronzuelo.

Qué tipito! estaba tan enfrascado en ser el número uno que incluso enviaba a malandrines a interrumpir y crear caos en rodajes que no estuvieran asociados a su estudio. Shame on you, Edison!

Pues Edwin S. Porter, el director del filme que nos ocupa, fue designado por Edison para copiar (así, descaradamente) las técnicas del momento y  llevar a los estudios Edison un trabajo que los pusiera al frente de todos.

Edwin sacó un poquito de los ingleses y un poquito de los franceses, de los primeros las nuevas técnicas narrativas (Ferdinand Zecca) y de los segundos (Méliès) la puesta en escena.

En 1903 salió a la luz The great train robbery, película que hoy por hoy es considerada como un hito dentro del cine y  el primer western.

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Hito por la narrativa, porque las escenas están hiladas para que tengan sentido unas con otras, porque hay una secuencia temporal y además es la pionera del montaje paralelo.

«Basada en hechos reales» ocurridos en 1900, el filme narra en 12 minutos el asalto a un tren. Es decir, no es ni más ni menos que lo que su título sugiere.

Su toma más emblemática quizás sea la mejor. Aquella que en su época hizo que el público entrara en pánico y temiera por su vida, aquella que en ESTA época te hace mirar con absoluta simpatía ese atrevimiento, esa innovación.

Hablo del pistolero que aparece al final de la película, plano medio, sombrero, pistola que es apuntada directamente a la cámara y dispara. Maravilloso!

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Al ser una escena que solo se hizo para generar un efecto en los espectadores, los que proyectaban el filme ponían la escena donde se les antojaba, algunos lo hacían al principio, otros al final.

Asalto y robo a un tren puede que no sea fascinante por sí sola. Cuando notás sus detalles es cuando decís sí, hay que verla, pero más como ejercicio analítico.

La cámara que deja de ser estática, una narrativa de hechos que no suceden en pantalla (cuando sabemos que los asaltantes están tratando de entrar pero no los vemos), la incorporación de tramas paralelas, efectos especiales como las explosiones, y hacer uso de la profundidad de campo son solo algunos de los elementos que la coronan como necesaria e imprescindible.

Esta escena ya nos demuestra el manejo del suspenso y del lenguaje cinematográfico que el filme tuvo:

The Great Train Robbery

En taquilla fue un éxito y, de hecho, es también considerada el primer atisbo de blockbuster.

Como la industria estaba en pañales, se podría decir que había un mundo por descubrir, y el rotular este filme como el primer western también ha traído su polémica. Los puristas alegan que no fue rodada en el Oeste y que existen obras anteriores donde ya se intentaba mostrar cowboys. Ciertamente, las búsquedas de una técnica tan nueva crearon muchos aspirantes a revolucionarla aunque en la práctica solo unos pocos lo consiguieron.

The great train robbery sentó un precedente en términos narrativos lo que llevó al filme a ser imitado en estructura y estética infinidad de veces.

No cabe duda alguna que en los inicios del cine la pasión por el séptimo arte (y por los dólares) hizo que le pusieran empeño y pienso en mejorar las técnicas y las historias.

Una delicia descubrir esos momentos.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: innovadora

Lo peor: mirada sin apasionamientos ni análisis de sus logros técnicos o narrativos, es bastante simplona

La escena: el pistolero que apunta al público

Lo más falsete: las muertes, eran grandilocuentes y afectadas. Igual causan simpatía.

El mensaje manifiesto: las técnicas mutan, lo que hoy fue innovador mañana no lo será.

El mensaje latente: hay quienes dejan su huella

El consejo: verla por lo que representa

El personaje entrañable: la niña del telégrafo

El personaje emputante: Edison, por ladrón.

El agradecimiento: Que no se haya perdido en el olvido y que se pueda acceder a verla hasta en youtube: https://youtu.be/8oTdPklBE0Y

CURIOSIDADES

Tuvo un presupuesto de 150 $us. y cada copia costó 11 $us.

Se filmó en New Jersey.

Una copia original se custodia en los archivos de la Filmoteca del Vaticano.

Porter creó alrededor de 250 películas.

El actor que hace de pistolero, Justus Barnes, participó en alrededor de 70 películas y luego se retiró. Primero fue lechero para después tener una tienda de cigarros.

Se creó una estampilla con la figura del pistolero en honor a esta película.

Otro actor que le sacó partido a su racha fue Broncho Billy Anderson que en el filme sale de pasajero que muere al tratar de huir, Broncho continuó en la industria como actor, escritor y director, siendo la primera estrella del western conocida gracias a su papel de Broncho Billy. También le hicieron su estampilla, hay un festival en California que lleva su nombre e incluso tiene una estrella en el paseo de la fama de Hollywood.

 

EN CARTELERA: El Payaso del Mal (Clown)

Hay que asumirlo, de entrada el título nos haría escupir tres veces sobre la tumba de Stitches (ajá, también vi Stitches).

Si hay que repartir culpas, la culpa es en primer lugar del Multicine porque fui a ver Hitman y tenían un problema con la llave de la película, así que NO hubo proyección y tuve que elegir otra, en este caso El Payaso del mal; en segundo lugar el maquillaje del pinche payaso me hizo humedecer el corazón recordando a El Guasón y, tercero, la culpa también es de Eli Roth que hace aparecer su nombre en el afiche garantizando todo el asuntito. Eso le pasa a Eli por creer en maripositas preñadas. John Watts (Director y guionista) y Christopher Ford (co-guionista) lanzaron, allá por el 2010, un tráiler falso bajo la sugerente publicidad : “Del maestro del terror: Eli Roth”, y claro, Eli no sabía de la existencia de la película, de Watts o de Ford, pero le pareció chistosito, y pensó que esa mentira (o estrategia de marketing) en pro de visionados fáciles era muestra de arrojo, de valentía, y al final terminó contactando a los crispines y metiéndose de productor. De ahí que el póster haya quedado así:

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¿Resultado? Vi El Payaso del mal.

La idea de un payaso malo que despierta terror ya nos la vendió el mismísimo Stephen King con IT y los niños de los 90s vieron ese terror materializado en su película de TV y en la rechoncha figura de Pennywise.

Lo demás, son huevadas.

Ahora, como que estamos muy viejos y muy cansados para asustarnos con payasos malévolos.

Roth y Watts y  Ford pensaron que aún hay tela para cortar y el 2014 se estrenó Clown: lo que por estas tierras tropicales se denominó El Payaso del mal.

CLW_2447Kent McCoy (Andy Powers) es un agente de bienes raíces. Está casado con Meg (Laura Allen) y tiene un pequeño hijo llamado Jack. Jack está de cumpleaños y espera que a su cumple llegue un payaso. El payaso contratado cancela y Meg desesperada le avisa a Kent que NO hay payaso. Kent se encuentra en una de sus tantas casas que está poniendo a la venta y recibe la llamada en un cuarto donde OH! SOPRESA! descubre un disfraz de payaso que él mismo usa para que Jack no sea decepcionado.

¿Ven? cosas malas ocurren cuando malcriás a los niños: Si NO hay payaso, NO hay payaso. Punto.

Kent se pone el disfraz, va a su casa, y para alegría del cumpleañero y de los invitados se convierte en Tontín.

La fiesta termina, el abnegado padre se duerme, Meg posterga la noticia de su recién descubierto nuevo embarazo y chan! Al día siguiente despierta con la novedad de que el traje, la peluca, el maquillaje y la nariz de payaso no se los puede quitar.1280x720-BaQYo me imaginé que el payaso malo iba a ser un cojudo vestido de payaso onda psicópata, compañero de butaca pensó que quizás el payaso iba a ser reemplazado por un psicópata y bla bla bla. La palabra clave es psicópata.

Entonces, cuando Kent queda sin poder desprenderse de los objetos que lo hacen payaso, se abre una brecha narrativa surreal: tiene que ir a dejar a su hijo al colegio vestido así, tiene que aparecerse en el trabajo así, y vemos sus vanos esfuerzos por quitarse los elementos que cuasi cuasi se han fundido con su cuerpo.

Terrible.

Watts intenta manejar cierto humor negro, pero creo que en su caso apenas consigue desprenderse del absurdo y generar más bien risas incómodas.

Roth comentaba que como parte de su decisión de producir el filme pensó que esta era una buena oportunidad para hacer una versión de La Mosca, y asistir a una suerte de transformación grotesca.

Ok, Eli, entendemos lo de La Mosca y de hecho, la transformación está: Kent es un hombre bueno que a merced del traje de payaso experimenta cambios en su personalidad y en su físico. Pero la comparación llega hasta ahí, la dieta infantil y cómo es resuelta la transformación del personaje hablan de la inexperiencia del director y sus guionistas.

La película desbarranca del todo y se pone pesada. Pesada en giros, pesada en escenas, pesada en extensión.

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Llegó el momento en que solo le decía a la pantalla: SPOILER “Ya decapiten al maldito payaso!” FIN DEL SPOILER

A destacar una excelente fotografía del casi debutante en largometrajes Matthew Santo y una linda elección de colorimetría.

Podríamos decir que lo más logrado de El Payaso del mal son las cosas que insinúa, cuando no se pone gore al pedo y  aspira a salirse del lugar común, lo que sucede en muy poca parte de su metraje.

No diré que es aburrida, se ve con relativo entretenimiento, pero tal como su título promete no te deja nada más que los 100 minutos pasados en la butaca.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: su fotografía y la idea base de que el payaso no se pueda quitar el traje

Lo peor: el personaje boludo que hace de dueño anterior del traje

La escena: la parte de la nariz, creo que fue lo más intenso.

Lo más falsete: el personaje boludo que hace de dueño anterior del traje, el bicho en el que se convierte y casi toda la secuencia final es muy estúpida.

El mensaje manifiesto: si NO hay payaso, No hay payaso y PUNTO.

El mensaje latente: Te queremos Pennywise.

El consejo: Para asustar a uno que sufra de coulrofobia.

El personaje entrañable: el pobre Shadow…

El personaje emputante: Debo decir que Meg y el papá de Meg y claro, el personaje boludo que hace de dueño anterior del traje. AH! y hay espacio para decir que en la función que estuve una parejita llevó a sus niños pequeños a ver esa atrocidad y las pobres criaturas lloraban asustadísimas.

El agradecimiento: porque las he visto peores.

CURIOSIDADES

  • Es bueno ser amigo de Eli Roth, después de Clown, a Watts le ofrecieron hacer una peli que se estrenó este año llamada Cop Car con Kevin Bacon y gracias a esa película nuestro Watts, con solo 34 años, dirigirá el reboot de El Hombre Araña. Bien por él.
  • Eli Roth hace un cameo en el filme como el payaso Frowny.
  • En Italia prohibieron el poster por encontrarlo demasiado para el público general.

Cine mexicano: Los insólitos peces gato

No es fácil estar solo. O lo que es lo mismo, , la soledad es pendeja.

Desde México nos llega Los insólitos peces gatos, película que ofrece una sensible mirada a un mundo en el que convergen soledades.

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Claudia (Ximena Ayala) es una chica joven que trabaja en un supermercado. Anda por la vida sin familia, sin amistades sólidas, sin nada que destaque en su pequeño mundo.

Como ella hay muchos, seguro atrás de esta pantalla luminosa algún solitari@ leerá estas palabras y dirá:

yo también me siento solo

Las primeras imágenes del filme están destinadas a retratar esa rutina, ese ir y venir de este personaje sumido en su urbe, en el sistema laboral, con sueños postergados o enterrados, sin otro objetivo que pagar lo básico: casa y comida.

Una noche, Claudia sufre un ataque de apendicitis y, claro, la tienen que operar.

En el hospital, sin perro que le ladre, la paciente de la cama de al lado entabla una empática conversación con nuestra abandonada jovencita.

Se trata de Marta (Lisa Owen), una señora que está con SIDA en su fase terminal y cuyos 4 hijos la atienden en todas sus recaídas.

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Sin querer, o queriendo, se va estableciendo una relación entre la familia de Marta y la chica sola. Un cariño nacido de necesidades mutuas, de vacíos mutuos.

En medio de la tragedia que parece cernirse sobre todos, la directora pinta escenas con algo de humor y personajes bien definidos.

Ale, la hija mayor agobiada por el peso que supone la responsabilidad de quedarse a cargo de sus tres hermanos y al mismo tiempo, presenciar la agonía de su querida madre. Wendy, la hija con sobrepeso, que toma cocteles de medicamentos sin que nadie lo note. Mariana y Armando, los hijos menores, que a pesar de la corta edad tienen que aprender a vivir con la certeza de que su madre muere día a día.

Hay una belleza cristalina y madura en el relato que hace Claudia Sainte-Luce de esta su ópera prima. Se puede percibir la verdad, la honestidad en su historia, quizá tenga que ver con que el personaje principal se llama Claudia porque, efectivamente, la directora y guionista vivió una historia muy similar en la vida real.

Esa cercanía con el relato se siente en la estructura del guión, en cómo da vida a las situaciones convencionales que parecen no decir nada pero dicen mucho.

Vos, desde tu asiento podés empatizar, podés entender porqué esas personas actúan así, aunque parezca de lo más inverosímil.

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La historia tiene tanto peso al principio y en su desarrollo que esperás que la directora siga por esa senda hábilmente trazada, pero al llegar al final, aunque tiene un lindo final, la mirada es demasiado amable, demasiado conciliadora. Queda casi como algo «acomodado».

Hay cierto esfuerzo en dar un mensaje positivo, en convertir el filme en una “feel good movie” o en una suerte de catarsis autoral. Supongo que tiene que ver con el apego a lo que Sainte-Luce vivió. En la práctica, el lenguaje cinematográfico requiere de mayores sutilezas que en Los Insólitos peces gato se dan muy bien en la mayor parte de su metraje pero que falla a la hora de redondear.

Aún sintiendo que ese hermoso globo que tenemos se va desinflando de a poquito, esta propuesta mexicana es digna de verse y además promete grandes cosas para su joven autora.

Su dirección, su manejo de actores, sus detalles hablan de talento, de un talento que en el futuro puede sorprender.

Punto aparte merece la fotografía, obra de la francesa Agnès Godard habitué de Claire Denis que se sumó al proyecto porque el guión le gustó muchísimo. La mano de Agnès eleva el filme en momentos clave: las escenas  en el playa o  los primeros minutos que conocemos a Claudia, o al final, con las tomas frontales.

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Los insólitos peces gato está lejos del cine que acostumbramos ver de México, ofrece un bocadillo intimista lleno de emoción a un público que sabrá apreciarla a pesar de sus pequeños escollos narrativos y de su autocomplaciente final.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: un filme honesto y sensible

Lo peor: termina siendo demasiado amable consigo mismo

La escena: la secuencia de la playa me gustó bastante, cuando están todos en el mar

Lo más falsete: la escena de Wendy con la licuadora, y algunas conversaciones algo armadas

El mensaje manifiesto: es difícil estar solo

El mensaje latente: se puede no estar solo

El consejo: Vela, es una película muy mirable

El personaje entrañable: Claudia…el guardia del súper.

El personaje emputante: la jefa de Claudia…

El agradecimiento: pudo hacerla lacrimógena a morir, pero está muy contenida…muy precisa.

CURIOSIDADES

Ximena Ayala es la actriz protagonista de Perfume de Violetas, la mencionamos aquí. 

Wendy es la Wendy real, la que pertenece a la familia a la que se apegó la directora Claudia y que le sirvió de inspiración para hacer el filme. Wendy, obviamente, no tiene ninguna experiencia como actriz.

La directora hacía extenuantes ensayos antes de filmar cada escena, eso porque quería que los actores hicieran suyos los textos y que no se viera recitado. Dice que al principio sentía cómo la detestaban porque lo consideraban un exceso, pero que luego, al verse en la pantalla se sintieron agradecidos.

La película se iba a llamar en un principio Encuentro.

Costó conseguir financiamiento, pero finalmente pudo terminar la película.

Claudia se metió a estudiar cine y en la universidad le dijeron que sus historias eran malas, dejó la carrera decepcionada y se dedicó a trabajar en asistencia de dirección, hasta que una guionista la animó a escribir su primera historia.

Actualmente se encuentra trabajando en su película La caja vacía, que ella misma protagoniza.

Claudia tiene apenas 32 años.

LITERATURA: El año del pensamiento mágico (Joan Didion)

Algunas veces lo hemos comentado: la pérdida es para lo que nunca se está realmente preparado.

En ese triste universo que es la literatura del duelo, Joan Didion ha conseguido crear una obra que está sustentada en pérdidas, en llanto y en el «show must go on«.

Leí El Año del Pensamiento Mágico hace unos meses, no podía creer la enormidad de la fortaleza que tuvo la autora.

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En un momento estaba casada con el amor de su vida y su compañero en casi todos los aspectos, tenía una hija (Quintana)  casada también, viviendo sus propias experiencias, y de pronto, Quintana enferma.

Su única hija sufre una enfermedad que parecía de rutina pero que fue empeorando.

Mientras la hija estaba en el hospital, el marido muere de un ataque sorpresivo, en plena cena, delante de ella.

A los meses, la hija, aparentemente recuperada, sigue al padre y Joan Didion se queda sola con sus fantasmas.

El relato que hace esta escritora americana es desgarrador, la vida cambia en un instante dice, el día que pasan cosas malas suele ser descrito como un día normal, donde las personas afectadas hicieron su rutina, donde nadie imaginaba que sí, que iban a pasar cosas malas.

Ella, como periodista, comentaba que cuando entrevistó a gente que sobrevivía a un terremoto, a un huracán, a la caída de las torres gemelas, la descripción sonaba igual:

era un día como cualquier otro

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Y el libro se titula como se titula porque cuando somos niños (a veces hasta en adultos) hay algo llamado el pensamiento mágico, esa capacidad de pensar que todo se va a arreglar por arte de magia, que si rompiste un jarrón se volverá a unir o nadie se dará cuenta, que si nuestros padres se separan en el fondo siguen enamorados y se juntarán cualquier rato, o que uno tiene un poder sobrenatural para que las cosas, buenas o malas, sucedan, son ideas que escapan al raciocinio, a la aceptación de la realidad.

El libro de Joan nos cuenta cómo fue su año del pensamiento mágico, cómo tuvo que adaptarse a la pérdida, cómo aprendió a vivir con ella.

Hay un momento, casi al final, donde el duelo está tan maduro que escribe:

Sé por qué intentamos mantener vivos a los muertos: intentamos mantenerlos vivos para que sigan con nosotros.

También sé que si hemos de continuar viviendo llega un momento en que debemos abandonar a los muertos, dejarlos marchar, mantenerlos muertos.

Dejarlos que se conviertan en la fotografía de la mesa.

Soltarlos en el agua. El saberlo no me hace más fácil tener que soltarlo en el agua.

De hecho, la constatación de que nuestra vida en común irá poco a poco dejando de ser el centro de mi vida cotidiana, me pareció hoy, en Lexington Avenue, una traición tan clara que perdí la noción del curso del tráfico.

Hoy, la magnífica Joan tiene 80 años, 13 han pasado desde que perdió a su esposo y a su hija. Ella continúa siendo la gran periodista, ensayista, pensadora que siempre fue.

Lean El Año del Pensamiento Mágico, un libro tan hermoso como la foto familiar de la querida Joan.

Link para descargar el PDF: El año del pensamiento mágico

Mónica Heinrich V.

Si  ya lo leíste, puntúa el libro!

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Proyecto 1001: 1) Viaje a la luna/ Trip to the moon/ Le Voyage dans la Lune (1902)

Querido vecino, querida vecina:

Hay momentos determinantes en la vida como cuando das el primer paso, se te cae un diente, leés tu primer libro, ves tu primera película, tenés tu primer cogida, el primer orgasmo, tu primer sueldo, hijos, arrugas, canas, y después de sabores y sinsabores varios: la famosa muerte.

No soy de las que teme a la muerte, al contrario, soy de las que si el avión se empieza a mover raro pienso: “Si se va a caer que se caiga de una puta vez”, PERO mientras tanto hay que andar con faldas y a lo loco.

Entonces, estaba viviendo un momento determinante cuando pillé entre mis tesoros ocultos el libro 1001 películas que debes ver antes de morir.

Obsérvenlo:

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Seamos honestos, todos hemos tenido libros de listas pelotudas para hacer antes de morir: discos que escuchar, libros que leer, lugares que visitar, comidas que comer, cosas que hacer, curiosidades que saber, pero nadies se las toma en serio, solo Jack Nicholson y Morgan Freeman en The Bucket list.

Pues adivinen qué! Este 20 de agosto de 2015 empieza el Proyecto 1001. Me tomaré en serio el libro de este gringo e iré hojita por hojita viendo todas las películas mencionadas y además compartiendo la experiencia.

Aunque he visto un montón de la frondosa lista y he escrito también sobre algunas, el proyecto entusiasma. ¿Podremos terminarlo? Será una lista que se concluirá algún día antes que la niña albina vestida de blanco (así me gusta imaginarla) me/nos visite?…

Un poquito de música Chopinera para acompañar el momento…

-Funeral March-

Luego de ese paréntesis musical champémonos a la piscina de la pretensión y los sueños desquiciados con la película número 1.

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Imagino lo chancho que se lo pasarían en 1902 cuando salió Viaje a la luna, lo consigo imaginar porque en el 2015 me la pasé chancho viéndola otra vez.

No se puede dejar de sentir algo de ternura y una furiosa admiración por el trabajo más emblemático del muy francés George Méliès (inventor, ilusionista, director de teatro, actor, entre otras cosas).

La misma que Méliès sintió, seguramente, por lo que vivió como espectador en la presentación que hicieron los Lumiéres de su invento en 1895 y que sería clave (momento determinante) para el camino que seguiría en el cine.

Méliès le rogó a los Lumiere que le vendieran una de sus cámaras, ante la negativa se hizo fabricar una y además la personalizó.

Fue el primero en usar maquetas, luces artificiales, y en crear efectos especiales, algunos por accidente, otros cuidadosamente planeados.

Así es, allá en una época remota y bastante más escasos de elementos técnicos, le ponían alma, vida y corazón al séptimo arte (saludos a la “industria” alfombrera roja del cine nacional)

Y es que después de las apacibles y rutinarias tomas de los Lumiéres, que aunque innovadoras en su momento no buscaban un relato o un sentido real de entretenimiento, Méliès es quizás el padre de eso que hace al cine cine.

Su amor por el séptimo arte se traduce en la frase inmortal que nos dejó:

“Las películas tienen el poder de capturar los sueños”

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Inspirado en la obra de Julio Verne y de H. G. Wells, el francés escribió, dirigió, protagonizó, decoró, coreografió y bueno, puso sus manitos en cuanto oficio pudo, para llegar a filmar durante tres meses su famoso Viaje a la luna.

Se trata del primer filme conocido de ciencia ficción, dura apenas 14 minutos. Ajá, son 3 meses de trabajo para 14 minutos (nuevamente, saludos a la “industria” alfombrera roja del cine nacional) En estos días que nos comemos 3 horas de algunas películas chotas, 14 minutos nos parece nada, pero allá por 1902 era la primera vez que un filme duraba tanto.

Viaje a la luna se compone de 30 escenas, todas planos fijos, donde destacaban unos decorados súper recargados y la presencia de personajes variopintos moviéndose constantemente.

El estilo es casi teatral, todavía no ponían los letreritos con diálogos o relatos “en off”.

La trama gira en torno a un grupo de científicos que viajan a la luna, se topan cara a cara con los selenitas, asesinan a su líder y regresan, literalmente, descolgándose de la luna para caer en agua terrícola y ser recibidos cual héroes de fina estampa. Por si fuera poco, en una adelantada alegoría de la civilizada sociedad que tendríamos: vuelven con un selenita al que parecen amaestrar, del cual se burlan y que solo provoca más sensación de heroísmo.

Viva la France.

Méliès desarrolló técnicas como el fundido, y algunos truquitos que lo hicieron famoso como el acercamiento a la luna: el equipo de cámara era tan pesado que era imposible moverlo hacia la luna creada, lo que hizo fue usar algo similar a un dolly debajo del actor que puso la cara a la luna y arrastrarlo hacia la cámara.

Ningún gran actor que se preciara participaría en ese momento de una actividad que todavía no era considerada arte, por lo que Méliès se gastó buena parte de su presupuesto en contratar bailarines profesionales del teatro de Chatelet, coristas del Music Hall y acróbatas del Folies Bergére.

Cuando ves todo el cuidado, todo el detalle, todo el amor que este francés le puso a su trabajo, algo se te mueve adentro como un pájaro aleteando y pensás en lo injusta que a veces es la vida con los artistas.

Viaje a la luna tuvo una gran acogida entre el público, pero desgraciadamente Méliès se convirtió en una de las tempranas víctimas de la piratería que en esos años y sin industria todavía establecida ya había aparecido. Thomas Edison (de quien siempe he leído negras anécdotas) hizo que sus pupilos robaran una copia y luego él la comercializó en USA ganando bastante dinero.

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Méliès, al final, no pudo acompañar los avances del cine y las exigencias del público que rápido mutó a esperar películas por cortes y con cámara en movimiento, lenguaje que no dominaba y que además, estando en la ruina, no tenía capacidad de explorar.

Sin duda, es una obligación ver Viaje a la luna, una pena saber que el señor Méliès murió pobre, enfermo de cáncer y sin el debido respeto que un innovador como él mereció en vida.

Pero como todo genio, su obra nunca muere y 113 años después de su estreno, la película que le significó desvelos, esfuerzos y ensoñaciones sigue dando que hablar y cautivando al que tiene la fortuna de verla.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: hermosa e innovadora

Lo peor: obviamente, si la miras con lupa y con expectativas actuales tiene una historia muy básica

La escena: todas las escenas son dignas de estudio y admiración, por su composición, por el diseño de producción, por el manejo y movimiento de actores.

Lo más falsete:…

El mensaje manifiesto: sí, el cine captura sueños

El mensaje latente: no todos son tan buenos cazadores

El consejo: Hay que verla, es verdad que es una de las must see

El personaje entrañable: Méliès en su amorosa dirección de casi todo apartado de su película

El personaje emputante: Edison, por ladrón.

El agradecimiento: Que no se haya perdido en el olvido y que se pueda acceder a verla hasta en youtube: https://www.youtube.com/watch?v=_FrdVdKlxUk

CURIOSIDADES

Hay una versión con música de Air que no me gustó, pero que ahí está para quien quiera ver la alternativa.

En la película HUGO, el personaje que hacía Ben Kingsley interpretaba a George Méliès.

Después de terminar su trabajo en el filme, Méliès intentó lanzarlo en América con la esperanza de ganar dinero y recuperar lo invertido. Desgraciadamente, técnicos de Thomas Edison secretamente hicieron varias copias del la película y la estrenaron en América solo semanas después de que Méliès la estrenó en Europa.

En el 2002 se descubrió una copia en Francia, lo más impactante fue que además de ser la copia más completa hasta la fecha, estaba coloreada enteramente a mano. El 2003 el filme fue exhibido remasterizado y restaurado.

Se lo considera el primer filme de ficción, y al tener una escena animada cerca del filme, también se dice que es la primera película en contener una animación.

Hay alrededor de 30 escenas sin ningún diálogo ni primer plano

Tomó 3 meses hacer el filme.

El propio Georges Méliès aparece en la película en el personaje del presidente de la Sociedad de Astrónomos.

Existen dos finales: Uno recortado donde la historia finaliza con el arribo a la Tierra. En el otro (la versión íntegra), uno de los selenitas aparece en medio del festejo y se muestra amaestrado, sometido por una cuerda en su cuello para luego mostrar una estatua donde un astrónomo pisa la cara de la Luna con el cohete incrustado en su ojo mientras se realiza un desfile.

EN CARTELERA: Unfriended (Eliminar Amigos – Eliminado)

Muchachos, son otros tiempos.

Ahora vivimos sumergidos en el internet: como Willy cuando todavía no era libre, y las nuevas generaciones vuelcan en las redes sociales TODO, impúdica y obscenamente todo.

Nuevas generaciones: TÁPENSE!

Las relaciones se mantienen a través del inbox, el whatsapp, el amor nace en una ventanita luminosa, amistades se rompen por comentarios en los muros del Facebook, el stalkeo galopa sin control y hasta los crímenes tienen nuevo escenario: la virtualidad.

El director georgiano Levan Gabriadze lo sabe,  y con Unfriended se arriesga y propone un argumento que funciona únicamente a través de las redes sociales.

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El poster choto puede engañar y darnos la idea de que se trata de un nuevo y asqueroso found footage…por ahí el guionista tampoco tiene los créditos suficientes para entregar nuestra apaleada confianza, pero no, no, no.

Oh, Sorpresa! Feliz día de San Roque.

El casi sin currículum Greaves se inspira en el infame bullying sufrido por la canadiense Amanda Tood y nos cuenta una historia de horror comprimida en ZIP, con unas cuantitas escenas slasher que harán mirar con asquito hacia otro lado, y las confesiones de actos ruines y mezquinos, tal como nos gusta.

Así es, pequeños saltamontes.

Nosotros, que también tenemos cuentas de Skype, Facebook, youtube, veremos la película a través de la computadora de Blair (Shelley Henning actriz regular de Teen Wolf).

Esta chica está en una conversación vía Skype con su novio, Mitch (Moses Storm), hablando las boludeces típicas de una pareja, planeando lo que harán en la fiesta de promoción. Ahí sabremos que Blair aún “no entregó su flor” y que hay un cochino secreto que guarda celosamente aparte de “su virtud”.

De pronto, a la conversación se suman cinco usuarios más, cuatro de ellos amigos de la parejita, y un quinto del que no se ve la foto y a quien nadie invitó/agregó.

Todo comienza con ese cuadradito azul de usuario no identificado que busca acosar y torturar psicológicamente a este grupo de amigos aparentemente unidos. Ajá, el odio corriendo por la fibra óptica.

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Pero el cuadradito azul no identificado no aparece porque pasaba por ahí y vio la luz, no, acá hay una venganza, una venganza más grande que la de Bernardette contra Jacques Chirac.

Y uno se debate ante la eclesiástica educación del perdón o la necesidad de que esas personitas reciban su merecido.

Gabrieadze maneja bien los ritmos, los momentos en que la película pretende dar un respiro y en los que vuelve a la carga con renovados ímpetus. Su casting contribuye a hacer más creíble la increíble situación. Unos actores casi desconocidos en un ambiente bastante descontraído, le impregnan mayor realismo al filme.

Como en toda película de adolescentes asesinados que se precie, la escalada de violencia y terror tiene que seguir hasta el final y coronarse con una sorpresa que además te brinde una que otra sacudida.

La fórmula se cumple, aunque en mi cruel corazón SPOILER hubiera deseado que nuestra querida Blair se quede vivita y coleando con las muertes en su conciencia y el quemón virtual a pleno FIN DEL SPOILER.

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Después de apenas 86 minutos de habernos inmiscuido en esta conversación privada a la que nos agregó el tal Gabriadze, la sesión de Skype termina.

No, no viste una obra maestra del género, bien analizada es flojita, limitada digámosle,sin lo del Skype sería «otra tonta película americana», también comentemos que después de media hora el artificio de hacerlo todo a través de la pantalla de Blair se convierte en una malsana curiosidad de ver hasta dónde aguanta el director, hasta dónde sostiene la historia.

Curiosidad que se satisface al final.

Unfriended es una interesante propuesta en su premisa, en su planteo, que quizás pudo tener mayores logros de los que al final consigue, pero que en general brinda unos momentos de vacío y sangriento entretenimiento.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: su propuesta

Lo peor: aparte de su envoltorio de originalidad, es la misma historia de siempre

La escena: El juego «YO NUNCA HE»

Lo más falsete: la página sobre no responder mensajes a los muertos, las acciones finales de Blair, el forzado triángulo amoroso

El mensaje manifiesto: Karma is a bitch

El mensaje latente: Nadie conoce a nadie

El consejo: Para ver por el artificio.

El personaje entrañable: el Skype, pobrecito, una herramienta en manos de tantos boludos

El personaje emputante: Blair y Mitch.

El agradecimiento: Es cortita y pasable

 CURIOSIDADES

Se filmó con un presupuesto aproximado de 1.000.000 de $us. y ya recaudó más de 50.000.000 $us.

Se filmó durante 16 días en una misma casa en la que los actores se repartieron en distintos ambientes.

Ya está confirmada la secuela: Unfriended 2

El casting se hizo a través de una conversación por Skype.

El título de la película pasó de Offline, a Cybernatural a finalmente Unfriended.

Partes que salen en el trailer y en la campaña gráfica no entraron en el corte final.

Todas las cuentas que aparecen en la película de Facebook y de Skype existen realmente.

Para mantener el realismo se instruyó a los actores sobre la posibilidad de improvisar y buscar emociones mientras se filmaban las escenas.

Está compuesta por secuencias de tomas largas.

En la cuenta de Facebook de Blair se puede leer un inbox de Nelson Greaves, el guionista de la película.

 

CINE AUSTRALIANO: The Babadook

Lo de Jennifer Kent es peculiar. Es de esas historias que pueden sonar maravillosas, freaks, e increíbles al mismo tiempo.

Jennifer era actriz, y digo era porque perdió el interés en actuar cuando vio Dancer in the dark de Lars Von Trier, yo perdí muchas cosas cuando vi Dancer in the dark, pero Jennifer no quiso ser más actriz y en una epifanía descubrió que quería ser cineasta.

Así de heavy.

Como el disparador de tal deseo fue la película de Lars pues que le escribe a Lars y le pide trabajo o mejor dicho: educación. Ella no quería ir a una escuela de cine, lo que quería era foguearse en el rodaje detrás de cámara.

No imagino los ovarios grandes que hay que tener para contactar a Lars y pedirle pega, evidentemente Jennifer los tenía gigantes y, en el 2002, Von Trier le permitió asistir al rodaje de Dogville.

La vida siguió su curso, hizo algunos cortos y el año pasado (2014) se lanzó finalmente al vacío con su ópera prima: The Babadook.

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Este primer largometraje de Kent, que además es la guionista, ha sido objeto de numerosas alabanzas y ha cosechado uno que otro premio en los circuitos festivaleros.

¿Por qué tanto éxito? ¿Qué tiene de especial?

Digamos que tiene un excelente comienzo, de esos que te hacen decir:

“Qué buena que está!”

Incluso como fábula anti-maternidad en una sociedad acostumbrada a enaltecer la relación madre-hijo, funciona de una manera deliciosa.

Essie Davis interpreta a Amelia, una sufrida viuda que perdió a su esposo en un accidente de auto cuando ella estaba en labor de parto. Al quedarse sola con su hijo, de ahora 6 años., tiene que lidiar con la manutención de la casa, su agotamiento y poca motivación para cualquier cosa y claro, la educación de su pequeño vástago.

El niño, Samuel (Noah Wiseman), es un hijo de Pooh. Hay que decirlo, si no has tenido hijos aún, en esas primeras escenas las ganas se deshacen como pompas de jabón.

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Solo podés sentir simpatía por esa abnegada madre que parece estar atrapada irremediablemente en ese mundillo doméstico, con ese pequeño demonio que es Samuel.

Si ya la conducta del hijo es insostenible, se le suman las constantes pesadillas que dice tener, el agobio del trabajo, de las personas alrededor que ven con malos ojos su labor de madre, y la llegada de un libro que aparece de la nada.

El libro no es otro que The Babadook, y su lectura lo único que hace es acrecentar los temores de Samuel y crear fenómenos paranormales en una casa ya de por sí fría y oscura.

Nuestra Amelia no puede dormir, y ante la privación del sueño comienza a derrapar también en una espiral de conductas perturbadoras que recaen en Samuel.

En esos momentos es cuando el oficio de Kent como directora brilla, en su capacidad de poner silencios incómodos y enrarecidos, en su habilidad para crear climas de tensión, en el aprovechamiento de elementos que permiten sacudirte en la butaca.

The Babadook

Hasta ahí creo que la directora nos tiene en sus manos y yo esperaba que ese camino fielmente trazado sea llevado hasta el final, hasta un punto en el que no iba a existir piedad ni clemencia.

Sin embargo, The Babadook termina volviendo a la ruta de las películas del género y además a reivindicar el nexo materno. Porque sí, ya el mundo es demasiado cruel y duro como para que alguien te diga que está bien no querer a tu hijo.

En unos 30 minutos que son predecibles y muy de la misma onda de cualquier película de terror, el filme concluye sin mayores sorpresas y Jennifer Kent nos deja la sensación de que es una directora/guionista que dará cosas interesantes en el futuro.

El polaco Radek Ladzcuk participa con una fotografía excepcional.  Otro de los puntos que hicieron al filme grande es que tiene una excelente factura, muy por encima de la media en cuanto a estética. Está filmada de una manera bella y elegante y actuada de una manera sobresaliente también.

The Babadook no será, para mí, esa obra maestra que nos dicen que es por todos lados,  pero en definitiva es una digna película de terror que sucumbe a los efectismos propios del género pero que tiene unos primeros minutos demasiado buenos.

Mónica Heinrich V.

BABADOOK

Lo mejor: el comienzo

Lo peor: que no se animó a solidificar su planteo

La escena: Cuando le pasa lo que le pasa al perro (insertar emoticón llorón)

Lo más falsete: debo decir que no me gusta cuando aparecen los monstruos o fantasmas o lo que sea, me creo más el cuento cuando todo es supuesto o intuido. Así que las apariciones de Babadook me parecían chotas y ridículas.

El mensaje manifiesto: Amarás a tu hijo por sobre todas las cosas

El mensaje latente: Amarás a tu madre por sobre todas las cosas

El consejo: Vela, se puede llegar a disfrutar.

El personaje entrañable: Percy, el perro.

El personaje emputante: Samuel, obvio

El agradecimiento: Una estética bella y elegante.

CURIOSIDADES

Babadook es un anagrama de Bad Book (Libro Malo)

La directora tuvo mucho cuidado con su pequeño actor Noah Wiseman, y le contó una versión «amigable» del argumento de la película. Las escenas en las que Amelia abusa de su hijo fueron grabadas por un doble adulto.

Se lanzó un libro exactamente igual al que se ve en la película por un precio de 80 $us. y con los autógrafos del casting principal y la directora.

El director de El Exorcista, William Friedkin, dijo que nunca había visto una película tan aterradora.

La directora, Jennifer Kent y la actriz principal Essie Davis, acudieron juntas a la escuela de drama.

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