LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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cine - page 41

“¿Y dónde está Stauffenberg?”
Por: Mónica Heinrich V.

Esperaba Valkyria con buena expectativa. No había leído críticas ni nada, para no contaminarme con la opinión de otros y para que la historia me sorprenda.

Sólo sabía que se habían basado en un hecho real, enmarcado en la segunda guerra mundial y teniendo como protagonista al coronel Stauffenberg, uno de los alemanes que intentó liquidar a esa rata asquerosa llamada Adolf Hitler.

Lo notable de traer esta historia a la pantalla gigante, es sacudirnos de encima esa idea o prejuicio de que todos los alemanes estaban paspando moscas mientras Hitler llenaba sus hornos y las cámaras de gases con judíos. Incluso más importante aún, que dentro de las filas del ejército nazi y de la misma SS había gente que no estaba de acuerdo con ese mezquino genocidio.

Contextualicemos: la historia en la que se basa la película es FASCINANTE por donde se la mire. La Alemania Nazi gobernada por Hitler abarcó el periodo de 1933 a 1945. En el 33 fue canciller, y a partir del 34 asumió como Presidente y se convirtió en el temido Führer (palabra alemana que significa líder, guía)

Hitler, que puede haber sido un monstruo psicópata y todo lo que ustedes quieran, basó su gobierno en erigirse como una figura casi mesiánica, un salvador de los alemanes, el tipo que podía reencauzar el país y sacarlo de toda la miseria que dejó la primera guerra mundial.

Alemania, que no la estaba pasando muy bien, encontró en este carismático y seductor estratega alguien que les ofrecía el cambio anhelado, y en teoría realmente dio el cambiazo. Para eso tuvo que pisar a las minorías, mandar a la mujer a su casa, exigirle parir más hijos, y un montón de aberraciones que ya todos conocemos.

Luego vinieron los campos de concentración, las cámaras de gas, los hornos, los diabólicos experimentos, los números tatuados en los brazos, los “sobrevivientes” y la palabra horrenda “holocausto”.

Para el resto del mundo, cualquiera que hubiera estado involucrado con Hitler era igual de monstruoso. Sin embargo, mientras los medios y la historia se encargan de darles reconocimiento a las víctimas, los hechos de heroicidad del entorno de Hitler han pasado algo desapercibidos.

En total se contabilizan 42 atentados perpetrados contra el dictador. La mayoría de soldados cercanos, aunque ninguno tan cercano como el coronel Stauffenberg. Claus Von Stauffenberg estuvo en el ejército desde los 18 años, hijo de un conde, pertenecía a la nobleza de su país…

Se lo describe como un tipo alto, de porte aristocrático, carismático y que gozaba de buena reputación en su entorno. Tenía amigos judíos y fue testigo de los crueles eventos que se sucedieron durante la Noche de los Cristales Rotos (acción simultánea en todo el país contra los judíos que fue el paso previo al Holocausto, se arrestaron a miles de judíos esa noche y se asesinaron a casi un centenar) Esto hizo que se distanciara del nazismo y conforme la demencia de Hitler se hizo más evidente no dudó en que era momento de tomar partido.

La versión de la película comienza en 1943, cuando vemos por primera vez llegar a Tom (cara de complot) Cruise interpretando a Stauffenberg. La acción se sitúa en Africa, donde el personaje está cumpliendo su misión hasta que es atacado (junto a su grupo) por un avión británico. Esto deja como resultado la pérdida de una mano, de dos dedos de la otra mano y un ojo.

Lo primero que noté de Tom Curise fue su cara de complot, que no lo abandona en toda la película…o sea Tom nos avisa que algo se trae entre manos, que hay algo dentro de esa cabecita que se está cocinando y que lo tiene preocupadísimo.

Encima tiene el porte del más rancio soldado americano…así que ya de entrada lo de coronel alemán de la segunda guerra mundial, no se le da muy bien. Se dice que el verdadero Stauffenberg tenía porte aristocrático y elegante, cosa que en Tom Cruise nunca se ve.

Y debo reconocer que Tomsito no me parece mal actor, no…lo encontré muy bien en Nacido el 4 de Julio, en Magnolia, en Jerry Mcguire y hasta en Entrevista con el Vampiro. Así que no es nada personal, es que en esta película el aire de remilgado alemán no lo agarra nunca.

Luego, como es de esperar, notamos que a Stauffenberg, Hitler lo tiene hasta las mismas pelotas…aunque hay que reconocer que para esas épocas, más allá del tema con los judíos, Adolf andaba delirante y perdiendo hombres al trochis mochis, teniendo como una cifra de sus bajas a 350.000 soldados, estando asediado por los Aliados y con la opinión internacional absolutamente en contra. No es de extrañar que Stauffenber encontrara apoyo en otros colegas, y gente ligada a la política.

Es así que se gesta el atentado que más cerca estuvo de liquidar a ese inmundo ejemplo de ser humano. Stauffenberg tuvo acceso a las reuniones con Hitler, esas que se daban en el mismo Búnker, teniendo en cuenta esa facilidad fabrican una bomba que el coronel carga todo el tiempo consigo buscando el momento preciso, para que en alguna reunión la active, la deje debajo de la mesa (dentro del maletín), cerca de Hitler y BOOOMMM, chau petizo delirante.

El plan es un poco chapucero o la película hace verlo chapucero, porque parece que sólo lo intentan dos veces, mientras que en la realidad el coronel cargó muchas veces con la bendita bomba hasta que vio su oportunidad.

La película aborda todo eso, con algunos flashbacks o encuentros ñoños de Stauffenberg con su señora e hijos, para mostrarnos lo que el hidalgo coronel sacrificaba por el futuro de su patria. La compleja red que se teje para que este plan funcione, tampoco es explicada con exactitud o algunos no captan la naturaleza del compromiso de ciertos personajes como Fromm, que en la película tiene actitudes que en la vida real son de otra manera.

El personaje de Hitler tampoco está muy bien dibujado, pudiendo buscar (como bien lo recalcó mi acompañante) al brillante actor que lo interpretó en El Hundimiento.

La película está hablada en inglés y actuada por americanos, ese hecho no me molesta…aunque una historia de esta naturaleza contada con tanta liviandad pierde más sin elementos como el idioma.

A todo esto no he dicho en qué consistía específicamente el plan y por qué la película se llama Operación Valkyria. Operación Valkyria es el nombre que Hitler le dio a un plan que inmediatamente en caso de golpe o atentado, resguardaría su gobierno movilizando a un ejército de reserva por todo el país para poner orden y que el nazismo no corra peligro.

El coronel Stauffenberg junto a sus colaboradores correría la noticia de que Hitler había muerto en un atentado liderado por la SS y así el ejército de reserva (Operación Valkiria) neutralizaría a los hombres más importantes del Tercer Reich.

A pesar de que el filme es entretenido, y que para cualquiera que guste de la Historia resulte hasta apasionante, lo que el director arroja en pantalla es un producto liviano, que carece de profundidad, a veces inexacto si se compara con los datos reales, y con un personaje principal tan rico con Stauffenber desperdiciado en un Tom Cruise que definitiv
amente no era para ese papel.

El resto del elenco está muy bien elegido, la ambientación, la dirección de arte, la fotografía, la música, la edición, todo muy correcto. No es mala, pero tampoco es buena. Una historia que bajo los ojos de otro director pudo ser un peliculón, pero que desgraciadamente se queda en un ejercicio irregular cuyo aporte es entretenernos un rato.

Lo mejor: La historia
Lo peor: Liviana y pobremente dirigida
La escena: el abrazo final entre Stauffenberg y su ayuco
Lo más falsete: Tom Cruise y su única-monocorde expresión de complot
El mensaje manifiesto: No todos los alemanes querían a Hitler
El mensaje latente: Hay que rechazar cualquier tipo de inhumanidad, aunque venga de tu casa.
El consejo: No te esperés mucho
La pregunta: ¿No había otras opciones para director y actor principal?

CURIOSIDADES
– Las valkirias son dísir, deidades femeninas menores que servían a Odín bajo el comando de Freyja, en la mitología nórdica. Su propósito era elegir a los más heroicos de aquellos caídos en batalla y llevarlos al Valhalla, una especie de paraíso. Sin embargo, Hitler hace referencia a estas por la obra de Wagner (de quien era fan acérrimo) llamada El anillo del nibelungo. Música que el dictador amaba escuchar.
– la película costó 75 millones de euros, en Estados Unidos ha recaudado ya algo más de 80 millones. Quiere decir que no le ha ido mal, no sabemos si A PESAR de Tom Cruise o GRACIAS a Tom Cruise.
– El rodaje se realizó en el antiguo Cuartel General de la Luftwaffe, ahora Ministerio de Economía, en el aeropuerto Tempelhof, donde existe una enorme estructura que utilizaron los nazis, así como en el Messe Berlin, que los nazis construyeron originalmente para la Feria Mundial de 1933. También pudieron rodar el exterior de la casa donde Stauffenberg vivió con su hermano, y que sigue intacta
– Cruise inició el rodaje de Valkyrie en julio del 2008 en medio de la polémica con los herederos del oficial (que nunca lo vieron como el actor ideal para interpretar al coronel), y ha tenido que superar varios problemas, además de la cuestión de los permisos para filmar en lugares históricos. El más grave de ellos fue el accidente que tuvo lugar en agosto. En pleno rodaje ante el actual Ministerio de Finanzas, en el que ondeaban cruces gamadas, once extras que actuaban como soldados nazis resultaron heridos al caer de un vehículo. La productora tuvo que hacer frente a una demanda de indemnización.

EXTRAS
SEVEN POUNDS: Lacrimógena película sobre el amor, la culpa y la redención. Protagonizada por Will Smith, que al igual que Cruise nos muestra una sola expresión durante todo el largometraje: “estoy triste porque mi mujer murió” parece decir todo el tiempo. Will interpreta a un sujeto que anda buscando gente a la cual “ayudar”, pero gente que se lo merezca, porque él tiene que ser justo…ya que está involucrado en un asuntito que se nos va revelando en molestos flashbacks…aunque si sos lo suficientemente despierto vas a captar al tiro toda la historia. Por lo tanto te vas a aburrir, y si llorás va a ser porque querés irte a tu casa. Dirigida por la misma tipa de Buscando la felicidad, este trabajo nos muestra que ella necesita desesperadamente creer que el mundo es un buen lugar.

THE CONTRACT: Regular filme de suspenso protagonizado por John Cusack (actor que casi siempre detesto) que junto a su hijo se ve envuelto accidentalmente con un mafioso (Morgan Freeman) al que quieren liquidar. La película es medianamente entretenida, pero fácilmente prescindible.

DIARIO DE LOS MUERTOS: Rompí mi récord con esta película, no la aguanté más de 25 minutos. Había ido con la promesa de encontrarme con un filme muy clase Z, bien fiel al estilo de George Romero, o algo interesante modernito medio Cloverfield…ni lo uno, ni lo otro. Es una bosta desde el primer plano, una historia ridícula de unos crispines que andan filmando una película de terror para una tesis (qué ingeniosos) y claro, se enteran que los zombies están asolando la zona, entonces emprenden la graciosa huída con cámara de por medio. Además de hacer un muy pobre uso de la cámara digital, está PESIMAMENTE actuada, EMPUTANTEMENTE contada, y HORRIBLEMENTE dirigida. Ni siquiera el baño de sangre y las escenas crasas consiguen hacer que uno la vea con relativos buenos ojos. Y lo peor es que no es ese tipo de películas malas, malas, malas, que de tan mala y tan bizarra hasta la disfrutás para cagarte de risa. Aquí lo único que queda es abandonar dignamente la butaca.

“El aleteo del colibrí”
Por: Mónica Heinrich V. Fue raro. El día anterior al estreno de El Curioso caso de Benjamín Button, soñé que estaba en una sala del Cine Center, viendo esa película y alrededor de mi butaca había otros espectadores. Lo raro era que cada uno de ellos sostenía un bebé.
Se imaginan? Una sala de cine llena de espectadores que cargan bebés y en la pantalla Brad Pitt en su papel de Benjamin Button.

En todo caso, queda la anécdota y la explicación semifreudiana, de que dicho sueño se relacionaba con la enorme expectativa y emoción que causaba en mí esta película.

Al director de este filme, David Fincher, le debemos peliculones como Seven y como (una de mis favoritas) El club de la pelea. También ostenta en su filmografía títulos un poco más irregulares, pero no menos efectivos como La habitación del pánico, Zodiac y The game.

Cuando supe que Fincher estaba dirigiendo un filme basado en el relato corto de Scott Fitzgerald, fue el éxtasis. La historia llamaba la atención desde el título que ya remite a cierga magia, el argumento no podía ser más atractivo, que encima esté protagonizada por Brad Pitt…era simplemente un regalo divino. Quien además de buen actor, siempre alegra la pupila.

Y ahí estaba yo, en plena premier, esperando la felicidad. Me emputó el recurso de la vieja moribunda que cuenta su historia, para llevarnos a través de un diario a lo que nos interesa, EL PASADO. Me shockeé cuando vi a Julia Ormond (la protagonista femenina de Leyendas de Pasión) después de muchos años, en el papel de la hija de la vieja moribunda.
Después de unos breves minutos en que mi acompañante confundía a Gwyneth Paltrow con Cate Blanchett…la cosa se puso buena.

“Nací en circunstancias muy raras», iniciaba la voz en off de Benjamin Button, interpretado por Brad Pitt. De ahí en más me sentí tibiamente conmovida por la primera hora que supuso la magia que el título me evocaba. Bejamin Button nace con una extraña enfermedad, su cuerpo, su aspecto, y su salud son los de una persona de 80 años. A esta tragedia se suma el hecho de que su madre muere al dar a luz, y el padre desconsolado ante la pérdida de la esposa y el extraño padecimiento del bebé, toma a la criatura en brazos para abandonarlo en una casa, que casualmente es un hospicio para ancianos.

Hasta aquí, no les parece fascinante? Vemos la vida a través de los ojos de viejo de Benjamin Button, que en realidad es un niño. Una mujer, Queenie, que no puede tener hijos y que es la encargada del hospicio, lo toma como si fuera suyo…para el resto de los habitantes del lugar, él sólo será el Sr. Benjamin.

La primera hora transcurre de forma hermosa, conmovedora y con un halo de melancolía. Era difícil no tener un nudo en la garganta en algunas escenas del decrépito-niño Benjamin, que se preguntaba qué habría al otro lado de la calle, fuera de su casa, de su silla de ruedas.

Era difícil no sentir empatía, no conectarse con un ser que mientras Queenie dormía en una cama, él dormía en un colchoncito a su lado, teniendo alrededor de 9 años, pero luciendo como si tuviera 80. En la noche, tomaba su mano y decía:
– Mamá, Mamá…Algunos días me siento diferente que al día anterior…

Y así, El curioso caso de Benjamin Button, es realmente curioso… aparte de la historia que cuestiona el paso del tiempo, la vejez, la juventud, los encuentros y desencuentros del sentido que uno tiene de su existencia, existe una historia de amor.

Benjamin conoce a Daysi. Daysi está interpretada por Cate Blanchett, de niña iba al hospicio a visitar a su abuela, y siempre tuvo un lazo especial con el niño-viejo, sin siquiera tener la capacidad para entender muy bien la naturaleza de su condición.

Hasta ahí seguía enganchada con la historia, embelesada, era una de esas películas que uno no desea que terminen…pero lo que estaba tan prolijamente contado en la primera parte, lo que era algo casi irresistible para que el espíritu se sacuda, se va diluyendo mientras el metraje avanza y las reflexiones existenciales comienzan a verse más forzadas. A eso sumémosle la omnipresencia de la vieja moribunda, que obvio, no es otra que el personaje de Cate Blanchett en el ocaso de su vida.

De todas maneras, no podés menos que seguir con atención el argumento y ver a un Brad Pitt rejuvenecer ante nuestros ojos y volverse obscenamente perfecto. Ya cuando llega el final, se extraña la sensación (esa que es tan difícil sentir en el cine made in Hollywood) de éxtasis.

Actuaciones muy buenas de parte de todo el elenco. Desde Brad Pitt hasta personajes menores como el de Jared Harris, que interpreta al pintor-capitán que le da su primer empleo a Benjamin, o la actriz Taraji Henson que interpreta a la madre adoptiva Queenie. Se agradece un elenco tan homogéneo y talentoso.

Por otro lado, el maquillaje y la dirección de arte juegan un rol muy importante a la hora de que nosotros compremos y creamos esta historia. Una muy linda banda sonora, una excelente fotografía y una particular sensibilidad a la hora de enfocar aspectos humanos hacen que sean merecidas las 13 nominaciones que la han convertido en la favorita de la próxima entrega de los Oscar.

Para todos aquellos, que al igual que Quino (el creador de Mafalda) reflexionaban sobre la maravillosa posibilidad de nacer viejos e ir volviéndose niños, para aquellos que se levantan por las mañanas y observan con preocupación arrugas, canas, y otros símbolos inequívocos del paso inescrupuloso del tiempo, para esos que miran hacia atrás y sienten que no han vivido, y que la vida se ha pasado como un suspiro…para ellos, El curioso caso de Benjamin Button será una bocanada de aire fresco.

Aunque la analogía del colibrí aparece tan solo en dos o tres ocasiones, no pude menos que quedarme con la encendida descripción de un ebrio capitán Mike, que en un bar ruso contaba que el colibrí es el pájaro más pequeño del mundo, y que dado el tamaño de sus alas “Its a freakin Miracle” (un jodido milagro) que pueda volar y aletear tantas veces.

Una acertada afirmación.

Lo mejor: Mágica.
Lo peor: Se diluye gracias a la excesiva duración y a un guión que se pone demasiado forzado.
La escena: Cuando se describe el accidente de Daysi, otra escena buena es la que pongo en la opinión sobre Benjamin y su madre y todas las veces que aparecía el personaje que decía: “Te conté que a mí me cayó un rayo siete veces?”
Lo más falsete: El “achicamiento” del cuerpo de Brad Pitt para irse convirtiendo en niño, y finalmente en bebé…cuando envejece.
El mensaje manifiesto: “La vida está definida por las oportunidades que se tienen, incluso las que uno pierde”
El mensaje latente: Todo concluye, aunque se maneje en primera, o aunque se ponga retro.
El consejo: Mírala en el cine, por favor.
La pregunta: ¿Brad Pitt se llevará su primer Oscar por este papel?

CURIOSIDADES
Steven Spielberg y Tom Cruise fueron elegidos para dirigir y protagonizar la película respectivamente en los años 90.
En 1998, Ron Howard iba a dirigir el filme con John Travolta como protagonista.
La hija
de Brad Pitt, Shiloh Jolie-Pitt, apareció en la película como la hija de Benjamin y Daisy. La escena en que Shiloh aparecía fue filmada cuando ella tenía aproximadamente 10 meses de edad.
Spike Jonze estuvo en conversaciones para dirigir.
Elle Fanning (hermana de Dakota Fanning) interpreta a Daisy cuando era una niña.

EXTRAS

EL ARGENTINO: Esperada biopic de Steven Soderbergh sobre la mítica figura del Che Guevara. A ver, Soderbergh siempre me ha parecido un director algo insípido…sin mucha pasión, eso se transmite en su obra. Por lo que El Argentino termina siendo una biopic sobre un personaje súper polémico como el Che, bastante correcta, pero sin llegar a dar ninguna sorpresa. Para quienes como yo hemos seguido la figura tanto del Che como de Ernesto Guevara de la Serna, la visión de Soderbergh resulta demasiado benévola, y lo dice alguien que siente simpatía por el personaje y que lo conoce a fondo.

Entonces, la película está bien. Interesante (porque el personaje y el contexto lo son), pero aparte de ver detalles que uno sabe a través de cualquier biografía, lo que aporta Soderbergh en pantalla no es mucho. Situada en toda la campaña previa a la revolución cubana, y lo que fue la participación del Che en la misma…la cinta intercala esos momentos con imágenes en blanco y negro de entrevistas y discursos del Che ya posteriores a la revolución. Con un elenco bastante irregular, donde hay actuaciones muy malas como las de Santoro (interpretando a Raúl Castro) o un sobreactuado Bichir en su papel de Fidel Castro, que curiosamente ha sido muy alabado por la prensa en general, pero que a mí me incomodaba…teniendo en cuenta que Benicio del Toro mostraba un Che mucho más introspectivo, más “sentido”, y Bichir se lo veía como a un actor haciendo de Fidel. Quizás el actor que más me convenció junto con Benicio del Toro (que me gustó, pero no me fascinó) fue Santiago Cabrera interpretando a Camilo Cienfuegos.

En líneas generales es una buena película, pero extrañé mucha más mierda en las escenas de los enfrentamientos entre la guerrilla y el ejército de Batista, tomando en cuenta la magnitud de los acontecimientos, pero que dada la dirección de Soderbergh…en ningún momento llegás a conmocionarte ante semejante enfrentamiento armado. No obstante, esperaré con ansias la segunda parte y obvio, la participación de los actores bolivianos.

SPIRIT: Quiero decir que hacía MUCHO que no me salía tan indignada de una sala de cine. Generalmente tengo el temple suficiente para ver cualquier huevada, sin tener que recurrir al abandono de mi butaca. Me sentía orgullosa de haber resistido estoicamente a Max Payne o a El día que la tierra se detuvo, pero eso era hasta ver Spirit. Este intento de película, me hizo putear varias horas contra la industria hollywoodense y el dineral que se gastaron en esa bosta, que por lo menos podría haber contribuido a alimentar a algunos desamparados del tercer mundo. Spirit es una de las tantas adaptaciones de cómics, esta vez a cargo de Frank Miller que antes no me hizo pensar en el asesinato con sus películas Sin City o 300…El Spirit de Miller es rimbombante, y da vida al peor héroe que he visto en pantalla…desperdicia a actores como Samuel L. Jackson, Scarlet Johannson y hasta la tal Eva Mendez, que en medio de tanta estupidez ni su sensualidad la salva. Desde el primer plano, susurré: “No es una buena película”…ya cuando la ridiculez alcanza niveles estratosféricos es cuando decidí no seguir corrompiendo mi mente y mi alma…Si yo fuera Miller, al ver el resultado preferiría quedarme en la calle prostituyendo mi cuerpo antes de dejar que esa cosa salga a la luz pública.

JUEGO DEL MIEDO V: Señores de Saw, creo que ya es tiempo de PARAR. Debo decir que vi esta película hace tres semanas, pero como la historia siempre es la misma básicamente, me es muy difícil no mezclar escenas de las anteriores cuatro. En resumidas cuentas, hay otro pupilo de JigSaw que anda libre por ahí ejerciendo la justicia divina. Ya no hay la frescura, ni las ganas de seguir jodiendo con este temita. Encima los que la producen, dirigen, escriben, le han puesto el cariño que tiene un hombre maduro por el amante de su esposa joven. Parece un filme para televisión. Hay que saber retirarse a tiempo che.

MARLEY Y YO: Película divertida que entenderán a cabalidad, aquellos que como yo aman, adoran, e idolatran a los canes. Hace falta haber tenido un Marley en la vida, para captar la esencia de esta película. Marley es un perro, el perro de un periodista que narra el desarrollo de su carrera y matrimonio, siempre teniendo “al mejor amigo del hombre” como hilo conductor. Le sobran como 15 minutos, pero es una opción bastante recomendable para pasar un rato ameno. Esta basada en un best seller, y el autor es el mismo protagonista, por lo que la historia es autobiográfica. Está protagonizada por Owen Wilson y Jennifer Aniston. Recomendable para quienes tienen o tuvieron un Marley que dejó huella.

LA VIDA DE LOS OTROS: Por favor: TIENEN QUE VER LA VIDA DE LOS OTROS, fue una de las mejores películas que vi el año pasado. Espectacular, conmovedora, hermosa, todos los adjetivos no alcanzan para describir esta historia. Mi próxima reseña, será sobre este filme, pero no dejen de verla en el Cine Center. NO se van a arrepentir.

“Baz “Equal” Lurhman”
Por: Mónica Heinrich V.

En su momento admiré los huevos de Baz Lurhman por dirigir películas arriesgadas como Moulin Rouge o Romeo + Julieta, ambas con críticas a favor y en contra de su grandilocuencia, pero dentro de todo, con una propuesta estética aceptable.
En el último día del año 2008 y sumida en la necesidad de escapar de esa realidad que a veces nos congestiona…me fui a ver Australia.
Mi querido Baz Lurhman, nostálgico de los “grandes” filmes, intentó recrear su propia epopeya fílmica. Seguro que el pobre tipo juraba que estaba haciendo un “Lo que el viento se llevó” de esta era. Incluso hay un par de escenas que me recordaron vívidamente la legendaria película de Clark Gable y Vivian Leigh…Pero le tengo noticias a Lurhman, “hoy corren otros tiempos ya lo sabes buen amigo”…como dice la canción de Chayanne. Y no, no funcionó.
Situada en la Australia de la segunda guerra mundial, Luhrman coloca a una altisonante Nicole Kidman (que cada vez elige peores papeles) en el papel de Lady Sarah Ashley. Esta tipa es una inglesa cuyo esposo se trasladó a Australia para involucrarse en el negocio del ganado. En ella se muestran todos los clichés de dama inglesa remilgada de esos tiempos, mohínes, tonos aflautados y gestos ridículos. La individua llega al país de los canguros a reencontrarse con el marido, que Oh! Casualidad, ha sido asesinado. Ahí se topa con Hugh Jackman al que sólo le caché el “cargo”: El capataz. Desde el principio se nota que este par va a acabar tarde o temprano en la danza horizontal, porque “Australia”…señoras y señores…no es aventuras nada más, sino romance y reivindicaciones raciales a granel.
Para dichas reivindicaciones, pusieron a un molesto y sobreactuado chiquillo que seguro en Broadway recibiría ovaciones de pie, pero que a mí me hizo odiar con vehemencia a los niños actores. Una criatura que toda la película se la pasa con tono y cara de fascinación por las situaciones que vive. Este pequeño ser interpretaba a Nullah: mestizo, media casta, no blanco, no negro, bueno…nos quedó claro, porque repitieron hasta el hartazgo que el pobre chico andaba conflictuado por su ambigüedad racial.
Y como no puede ser de otra manera, está un personaje llamado King George, que es el aborigen en todo su esplendor, con poses y cantos a la tierra que pretenden mostrarnos la belleza de su cultura, lo místico, lo interesante de tanta cosa folklórica, pero que en determinados momentos de la película, uno se preguntaba: Y qué carajos está esperando King George para hacer algo aparte de cantar?

Bueno, que la gran trama resulta ser que a Lady Sarah Ashley le estaban robando su ganado descaradamente, y al que estiró la pata (el marido) lo asesinó la competencia que luego de tan rastrero accionar estaba queriendo comprar solapadamente sus tierras a precios risibles.

Ahí Nicole, en un contoneo de caderas, cabello y gestos por doquier, toma la decisión de no dejarse pisar con ESOS, y le dice a El capataz que la acompañe a arrear su ganado hasta un lugar x donde se lo iban a comprar.

Como si tanto despelote no fuera suficiente, son seguidos por los tipos que andan saboteando todo, a ojos vista y paciencia de King George, que se para en las colinas como un flamenco (en una pierna) y contempla los hechos con cara de circunstancia y cánticos hacia vaya a saberse quién.

Todo esto aderezado por: tensión sexual entre el que arrea el ganado y la Kidman; niño mestizo que quiere tener un hogar pero que no sabe cuál es su hogar; escenas donde nos muestran cómo eran discriminados negros y mestizos; la segunda guerra mundial, con bombardeos cortesía de los japucos, etc..

Sí, es harta huevada para una sola película. Y la mayoría encausada y tratada de manera edulcorada y grandilocuente.

La primera parte, se goza relativamente bien. Uno dice: “Qué ñoños”, pero todavía no hay resentimiento. Ya cuando el trámite del ganado es completado y empezás a esperar los créditos es ahí que la desesperación y el odio irracional llegan.

Se ponen más melosos, si eso es posible. Cantan, tararean, o tocan diez mil veces Somewhere over the rainbow. Lo tenemos que soportar con ganas de ir al baño y viendo constantemente a ese insoportable niño en pantalla gigante. Déjenme decirles que nunca un Año Nuevo se vio más lejano que durante la proyección de Australia.

Terminado el filme, y aun incrédula de que había sido liberada de mi cárcel suspiré un: FINALMENTE!….

Nos queda la ingrata sensación de que grandes epopeyas eran las de antes, y que ahora…como casi todo lo de la vida moderna, los filmes que intentan recrear magníficas historias son endulzadas con Equal.

Triste empezar el 2009 con una decepción así ¿no?

Lo mejor: La fotografía. Y la primera parte que se deja ver.
Lo peor: Nullah, una narrativa poco creíble, excesivamente azucarada y claro, demasiado larga.
La escena: La escena de la estampida, y la del cine cuando Nullah ve El Mago de Oz
Lo más falsete: casi todo, pero tengo que repetir ese odioso nombre: NULLAH.
El mensaje manifiesto: “En algún lugar por encima del arco iris”…(quedé traumada…)
El mensaje latente: Tienen que prohibirle a Baz Luhrman hacer epopeyas.
El consejo: No tomés mucho líquido antes de entrar y no te comprés las cocas colas grandes.
El consejo para Baz Luhrman: Menos es más.La pregunta: ¿El actor que encarna a Nullah irá a triunfar en Hollywood en el futuro?

CURIOSIDADES
– El papel de Hugh Jackman se lo ofrecieron primero a Russel Crowe y luego a Heath Ledger, este último prefirió interpretar al Guasón. Sólo por eso, Dios debe tenerte en el cielo Heath.
– Tuvo un presupuesto estimado de 130 millones de dólares (tanta plata gastada al pedo)
– El rodaje duró 9 meses (tanto tiempo desperdiciado al pedo)
– La crítica fue tan mala, que Luhrman tuvo que cambiar el final antes de empezar a comercializarla. De hecho el director tenía como 6 finales preparados…(eso pasa cuando no se sabe qué hacer con una película)
– Se dice que sus ganancias hasta el momento han sido tan bajas que la posibilidad de recuperar lo invertido, cada día se hace más lejana.
– Baz Luhrman produjo, escribió y dirigió Australia (el que mucho abarca, poco aprieta)

EXTRAS
– Quarantine: Entretenida película que dicen debe todas sus virtudes a su versión española REC. No he visto REC, pero vi Quarantine y me entretuve un rato como boluda. No es una gran película, pero es heredera del estilacho Cloverfield, tiene sus momentos que sobresaltan y nada más, para pasar el rato. Una periodista cubre una nota con los bomberos, y lo que parecía una entrevista como cualquier otra termina siendo un camino hacia el terror. Los bomberos son requeridos en un edificio que luego es puesto arbitrariamente en cuarentena por las autoridades. Un virus se ha propagado, periodista, bomberos, e inquilin
os del edificio se las verán negras (literalmente) para salvar sus pescuezos, viviendo sangrientos momentos. No suena mal, no? ‘

– August Rush (Escucha tu destino): August Rush es una de esas películas que a pesar de ser ñoñísima es imposible que no te guste. Un niño huérfano decide ir a buscar a sus padres, bajo la convicción de que la música que escucha en su cabeza lo guiará hasta ellos. El niño no es otro que August Rush, que parece un pequeño Mozart…un superdotado, un genio musical a sus escasos años. Escapado del orfanato, vivirá aventuras que nada tienen que ver con las desgracias ocurridas al Oliverio Twist de Dickens…no. Amen de que el villano es interpretado por mi siempre ODIADO Robbin Williams, los obstáculos que atraviesa el pequeño músico no son de grueso tenor. Como no puede ser de otra manera, resulta que sus padres también eran músicos. La madre interpretada por la ex Felicity, Keri Russel es violonchelista, y el padre es cantante de rock. EL niño es fruto de una sola noche de pasión que ambos personajes tuvieron. Así que además habrá romance. Todo esto aderezado por buena música clásica y contemporánea instrumental. Recomendable, para aquellos que aún no son diabéticos.

“You dirty bastard”
Por: Mónica Heinrich V. Después de un par de tropiezos fílmicos y de su fallido matrimonio con Madonna, Guy Ritchie vuelve a sus raíces. Rock´an rolla es su más reciente película y para qué, la disfruté.
Puede ser que ver (en una función anterior) la nefasta: El día que la tierra se detuvo, haya hecho que la valore mucho más, pero el caso es que la película es buena.
Rock´an rolla guarda una enorme similtud con filmes que ya lanzaron a la fama a Ritchie, Lock Stock and Two Smoking Barrels, y Snatch, la que definitivamente lo llevó a la gloria.
Luego de eso, se puso la argolla de Mister Madonna y para complacerla hizo una de las peores películas que he visto de un director relativamente bueno: Swetp Away (What the hell was that?), asco, asco. Como Ritchie no es estúpido quiso encausar su camino y dirigió Revólver, con mi siempre adorado Jason Statham, que intentó ser lo que solía ser, pero se quedó a medio camino.
Cansado de fracasos, es que el ahora ex marido de la reina del pop, nos trae Rock´an rolla, que de contar con los mismos actores de sus dos primeros filmes, parecería parte de una trilogía. Es en este detalle que se condensa lo bueno y lo malo de esta película.
Por una parte, Ritchie vuelve a lo que sabe hacer mejor, retratar la decadencia de la cultura del crimen, con su variopinta mezcla de personajes, razas y acentos. Y claro, los junkies como elemento ornamental y filosófico. Por otro lado, Ritchie se repite en los mismos elementos ya harto conocidos para gente que haya visto su filmografía entera, y quitando algunas situaciones, la película nos deja la curiosa sensación de ser la misma chola con otra pollera.
En pleno corazón de Londres, Uno Dos y Mumbles son unos criminales de poca montan que se prestan dinero de Lenny para comprar un edificio. Lenny es un mafioso que controla todas las instancias de la burocracia que da los permisos para construir cualquier cosa. Les presta el dinero, pero hace que se les niegue el permiso para construir. Resultado? Uno Dos y Mumbles le deben a Lenny millones de dólares que tienen que pagar para no morir.
Uri es un ruso millonario, que contacta a Lenny para que “por debajo de la mesa” se le conceda un permiso imposible de conseguir sobre una construcción, Lenny accede a cambio de 7 millones de euros. Cada vez que el ruso intenta retirar el dinero del banco Uno Dos y Mumbles interceptan el retiro gracias a la ayuda de Stella, la contadora de confianza del ruso.

El ruso al cerrar el trato con Lenny le presta una pintura que es SU pintura de la suerte, con la condición de que se la devuelva una vez la transacción se concrete. Jhonny Quid, el hijastro junkie de Lenny, se roba la pintura, provocando un despelote mayúsculo, porque más allá del dinero, recuperar la pintura es primordial…aunque nunca vemos la pintura.

Todo esto es narrado por Archy, hombre de confianza de Lenny, tío del junkie, esposo de Stella.
La película es rica en acción y en situaciones graciosas. Quizás otro punto negativo, sería que como hay tantos personajes, las casi dos horas del filme se vuelven insuficientes para darle profundidad a cada uno de ellos.

Sin embargo, en general se nota una gran dirección por parte de Guy Ritchie que vuelve a presentarse en su mejor forma, el argumento es algo rocambolesco pero las correctas actuaciones, así como la excelente banda sonora y la dinámica edición, hace que sea una película digerible, entretenida y bien lograda.

Con un gran elenco que incluye a Gerard Butler, Thandie Newton, el gran Tom Wilkinson, Mark Strong, y hasta Ludacris, Rock an rolla se puede ver y disfrutar.

Mención aparte merece Toby Kebbel en su papel del junkie mesiánico: Jhonny Quid, que por sí solo hace que la película valga la pena completamente.

Una buena opción para recordar los primeros trabajos de Guy Ritchie, seguramente será una decepción para sus más acérrimos seguidores, pero un buen descubrimiento para aquellos que no han visto ninguna de sus películas.

Qué significa Rock an Rolla? Hay quienes quieren drogarse, coger, ser famosos, tener glamour, tener dinero, pero hay otros como los Rock an rolla que quieren el paquete completo. Eso es un Rock an rolla.

Actualmente Guy Ritchie se encuentra dirigiendo a Jude Law y a Robert Downey Jr. en un filme sobre el interesantísimo personaje Sherlock Holmes. ¿Esperaremos ansiosos? Elemental, mi querido Watson.

Lo mejor: Todas las escenas de Jhonny Quid
Lo peor: que Guy Ritchie se repite hasta el cansancio
La escena: La del piano de Jhonny Quid y los cigarrillos
Lo más falsete: nada
El mensaje manifiesto: Las traiciones están donde menos te lo esperas
El mensaje latente: El crimen paga
El consejo: Mírala sin prejuicios
La pregunta: ¿Qué tal irá a estar Sherlock Holmes?

CURIOSIDADES
– Rock an Rolla es escrita por Guy Ritchie
– En la banda sonora podés encontrar temas de The Clash, The Hives, Lou Reed, The sonics, entre otros.
– Las críticas recibidas han sido mixtas, teniendo en global un 59% de aceptación en la famosa página de Rotten Tomatoes.
– Guy Ritchie ha hablado sobre la posibilidad de una trilogía que tenga su origen en esta entrega. La secuela se llamaría: The Real Rock an Rolla
– Tuvo un presupuesto aproximado de 20 millones de dólares, cifra bastante pobre para la cantidad y calidad del elenco.
EXTRAS
– El día que la tierra se detuvo: A alguien se le ocurrió hacer un remake de una película de finales de los 50s, llamada: Ultimatum a la tierra. Esta película “viejita” es catalogada como una de las 10 mejores películas de ciencia ficción de la historia del cine. Por eso fui a verla. La pregunta es: POR QUE??? Por qué nos hacen esto??? Tiene un guión que hace a ET (el de Spielberg) parecer Milan Kundera. Muy mala película, donde el otrora Neo, Keanu Reeves, se transforma en un ser llamado Klaatu. Este alien tiene como misión eliminar a la humanidad por su mezquindad y salvar al planeta tierra de la destrucción a la que los humanos la sometemos. Hasta ahí yo estaba conforme, me parecía muy razonable que Klaatu barra con todo y no deje ni el polvo. Pero no, claro que no. Resulta que en el fondo tenemos cosas buenas y que el alien estaba tan sensible como si tuviera la menstruación, y se conmovía con dichas cosas buenas. Todo eso acompañado de Jennifer Connelly y el insoportable hijo de Will Smith. Un despliegue aparatoso de efectos especiales que maquillan una historia vacía y ñoña. No pierdan su tiempo.

– Madagascar 2: A veces lo bueno no debe repetirse. Madagascar fue una linda película, donde lo mejor eran los pingüinos. Por eso fui a verla! (yo siempre con excusas) Su secuela es un tanto desangelada, aun
que tampoco da para cortarse las venas, una película entretenida, a ratos divertida, pero no imprescindible.

– La casa de las conejitas: Supongo que esto ya tiene que ver con el auge de ese programa llamado “The girls next door”, donde las tres “novias” de Hugh Heffner nos muestran lo sacrificado de su diario vivir. En la película, una rubia conejita interpretada por Anna Faris, es echada de la mansión Playboy por vieja (27 años). Aunque se trata de una trampa, la patada le servirá al personaje para descubrirse. Ella en su “reinserción” a la sociedad se mete a una hermandad de universidad: las Zetas…como mentora. El mensaje no es otro que: recauchutarte, maquillarte, ponerte ropa bonita, y jugar a ser sexy, te pueden conseguir amigos, parejas, amantes, y una buena vida. PERO, recordemos el pero encubierto, todo eso no sirve si no sos tan buena, o en este caso, tan boba como el personaje de Anna Faris. En general, es una película que intenta parodiar todo ese mundo, pero que parece se contagia de la estupidez que quiso retratar. Liviana, con un humor que dada la temática pudo ser mucho más corrosivo, y muy autocomplaciente. Una más para que te ahorrés unos pesos sin verla.

«El desconsuelo»
Por: Mónica Heinrich V.

No sé, no sé.

En primer lugar, odio decirlo pero Daniel Craig es un gringo insípido que cuando no está vestido de traje, puede pasar por cualquier crispín del mundo. Cero sex appeal, supuestamente la idea es que James Bond agarre una dimensión más humana. Que no sea onda Sean Connery, donde el personaje era más maquiavélico o que no tenga la actitud de Pierce Brosnan, como de dandy sofisticado. Lo triste es que lo de Craig, queda como en una nebulosa, donde el personaje apenas se salva de la absoluta nada (conexión emocional) que logra despertar en la platea tanto masculina como femenina.

No es lo suficientemente “duro”, como para que los aspirantes a galanes criollos tengan sueños aspiracionales con él, ni lo suficientemente seductor como para que las féminas envidien el lugar de la “chica bond”.

En esta nueva entrega de la saga, el agente 007 aparece más soso que en su debut. Atormentado por la muerte (suicidio) de Vesper, sucedida en la entrega de Casino Royale, el rubio galán está haciendo caso omiso del dicho: La venganza nunca es buena, mata el alma y la envenena. Así que Bond, James Bond, anda queriendo vengarse de aquél que orilló a su damisela a traicionarlo y a luego suicidarse ante la culpa de semejante traición.

Según el hampa cinéfilo, Quantum Solace empieza temporalmente horas después de la última escena de Casino Royale. En una trepidante persecución de autos, que no me movió ni un cabello, se inicia esta historia que lleva a Bond, irrisoriamente hasta…adivinen? Bolivia.

Parece que estamos de moda, chicos. Y encima somos sinónimo de “exótico”. Como Bond anda jugando a la cadenita, va de muerto en muerto buscando la manera de llegar hasta quien según él, es culpable directo del suicidio de su amada. Ahí aparece como por arte de magia, una tipa que interpreta a una agente del Servicio Secreto boliviano, y que en la vida real es rusa. Olga Kurylenko es Camille, una supuesta agente que vive entregándose a los malos, hasta ahora no sé cómo pensaba sobrevivir, pero ahí está ella.

La nueva chica bond tiene con Craig la misma química que un alga marina con una estrella de mar. Es decir, inexistente. A eso se suma el hecho de que los guionistas (cuatro crispines, aunque no lo crean) no contemplaron ninguna escena de “amor-sexo-metida de mano” o cualquier similar, entre ambos personajes.

La historia, que como en toda la saga, es tirada por los pelos y rica en fantasía, adolece de ritmo y de credibilidad. Cuando digo credibilidad no me refiero a que las otras hacían que nos creamos todas las cosas bizarras que pasaban, sino que por lo menos el argumento se sostenía de alguna forma y los personajes conseguían dibujarse de manera tal, que uno salía del cine satisfecho y agradecido.

Ahora no, las escenas de acción se suceden unas detrás de otras, sin mayor interés y lo único que me mantuvo enganchada a la trama fue la supuesta aparición de Bolivia como personaje ornamental.

Bolivia aparece porque en este país hay un general que anda queriendo dar un golpe de Estado, para eso los americanos quieren apoyarlo, al igual que un tipo (el villano Dominique Green) que desea hacerse con el agua de la zona para lograr contratos millonarios.

El general Medrano hace gala de su corrupción y es capaz de hipotecar medio país para cumplir sus mañosos objetivos. Aunque él representa a otro de los villanos del filme, es a través de Dominique Green, que Bond encausa su venganza y termina llegando a La Paz.

Con una buena dirección de arte consiguen hacernos creer a los espectadores que Panamá es La Paz. Aunque en las escenas finales esta percepción se termina, cuando vemos al elenco supuestamente aún en La Paz, pero en medio del desierto (originalmente chileno) y sufriendo de calor. Detallito.

Y así se sucede la trama, rica en escenas de acción pero pobre en contenido y provocando una emoción tan pasajera como la del rocío de la mañana.

No es una película aburrida, pero tampoco te hará arañar la butaca. En general se deja ver, pese a su corta duración (1 hora y cuarenta minutos), la ausencia de trama hace que la sintás más larga y el poco carisma de personajes acartonados y pobres emocionalmente, hacen que cualquier nexo de empatía se pierda irremediablemente.

Los diálogos donde generalmente descansa el cliché de frases hechas y con doble sentido, brillan por su ausencia. Judy Dench cumple la función de mentora-jefa-casi madre de Bond y lo hace a su manera. Una gran actriz, para un papel pobre como Etiopía.

La culpa de todo la tiene Marc Forster, un director suizo que ha sabido manejar muy bien dramas como Monster´s Ball, Cometas en el cielo, o pelis como Más extraño que la ficción, pero por algún motivo queda casi aplazado en su performance como director de un filme de acción.

Las actores hacen lo que pueden con sus respectivos papeles, y una buena fotografía termina dándole un punto extra al filme.

Terminada la película, sólo me quedaba una inquietud: Y por qué carajos le pusieron Quantum of solace? el título lo sacaron de un cuento de Ian Fleming, escritor que creó el personaje del agente 007. La traducción más aproximada sería: Una pizca de consuelo y tiene que ver con el holocausto emocional por el que atraviesa James Bond al perder a su amada Vesper.

Un holocausto que en Daniel Craig mucho no se percibe, aparte de sus insomnios y su mirada azulada que clama con urgencia la intervención del mejor psiquiatra del mundo. A nosotros nos queda aparte de la hora y cuarenta que perdimos, el desconsuelo de saber…que existe un mañana en que Bond regresará… por vigésima tercera vez.

El tiempo pasa.

Lo mejor: Medianamente entretenida
Lo peor: no produce ninguna empatía con los personajes
La escena: el final cuando el fuego está por devorarlos
Lo más falsete: aquí todo se ve falsito
El mensaje manifiesto: Hasta Bond necesita una pizca de consuelo
El mensaje latente: La venganza es el mejor consuelo
El consejo: No esperés mucho
La pregunta: ¿Realmente, QUANTUN OF SOLACE?

CURIOSIDADES

– Jack White y Alicia Keys son los intérpretes del tema principal de Quantum of Solace, el nuevo film de James Bond protagonizado por Daniel Craig, que se estrenará en las salas de cine a principios de noviembre. Jack integra el famoso duo de rock The White Stripes, junto a su hermana Meg. Alicia Keys por su parte, es una de las mejores cantantes actuales de R&B y Soul de los Estados Unidos. Originalmente, el tema iba a ser cantado por Amy Winehouse, pero debido a sus constantes recaídas producto de drogas y alcohol, fue reemplazada por Alicia Keys.
-Daniel Craig y Olga Kurylenko se entrenaron con Gary Powell y su asombroso equipo en Bodyflight durante varias semanas antes de rodar durante un día el salto del avión en Bolivia.
– Bodyflight, el p
rimer túnel de viento para paracaidismo del Reino Unido y el más grande del mundo, en Bedford, se utilizó, para una secuencia de Bolivia. El túnel tiene 4.95m de diámetro y casi 8 metros de alto y simula la experiencia que se obtiene en una caída libre a 200 Km. por hora ¡sin tener nunca que saltar de un avión!
-La producción se instaló en los históricos Pinewood Studios en Buckinghamshire a las afueras de Londres. Pinewood se ha convertido en sinónimo de las películas de James Bond a los largo de los años: Todas menos dos, 007: Licencia para matar (Licence To Kill) y Goldeneye, se han rodado allí. Los productores usaron el famoso 007 Stage y cinco otros platós para construir los interiores de 14 localizaciones diferentes durante los seis meses de rodaje.
-007 QUANTUM OF SOLACE, vigésimo segunda aventura de James Bond, la saga más larga en la historia del cine.
– El 2010 se estrenará la próxima entrega.
– Se filmó en Inglaterra, Panamá, Chile, Italia y Austria
– El 19 de marzo de 2008, el diario chileno La Cuarta aseguró que los paisajes del norte de Chile, utilizados en el rodaje de Quantum of Solace, serán mostrados como parte de Bolivia. []La información causó malestar en algunos personajes chilenos. El 29 de marzo, un grupo de personas protestaron contra la producción de Quantum of Solace en una plazoleta frente a la municipalidad de Sierra Gorda.[]Sólo portaban banderas chilenas y gritaban a coro: «¡Queremos respeto, no somos bolivianos!».[]Las protestas cesaron cuando se supo que las referencias a Bolivía estarían asociadas al tráfico de drogas.

Muere Bella, muere!!!

Por: Mónica Heinrich V. Si los vampiros existieran realmente y no formaran parte de una interesante leyenda, Stephanie Meyer (escritora de la Saga Crepúsculo) habría sido perseguida y cazada salvajemente por darles tan mala fama.
Vampiros ñoños, hombres lobos ñoños, heroínas ñoñas, todo revestido de tal ñoñez que si yo no fuera tan cueruda, habría muerto de intoxicación en plena sala de cine.
Lo dice alguien que se leyó (me sonrojo de bochorno) los cuatro tomos de la saga, aún sabiendo (al igual que los obesos ante una McDonald) que me hacía daño y que estaba consumiendo porquerías.
Sí, mi queridísima Stephanie Meyer es parte de ese atado de escritores como Paulo Coelho, Dan Brown y otros que por algún motivo se hacen populares, generan club de fans, apasionados seguidores que seguramente dejarán sus muestras de «cariño» en mi mail.
Escritores de malos libros y que encima a merced de la vox populix, dichos malos libros se transforman en películas.
Quienes esperaban que ocurra un milagro cósmico y que las pantallas de cine no sufran la tortura de Luna Nueva, deben estar decepcionados. Después que yo misma pasé 2 horas en ese maldito infierno, es mi deber, mi obligación como ser humano advertirles que Luna Nueva es una de las bostas más insoportablemente aburridas del año.
Cuando supe que habían despedido a Catherine Hardwick (directora de Crepúsculo) pensé que era para mejor, que como Catherine es una directora más de cine independiente, por ahí habían buscado a alguien ¨comercial¨ que le ponga el toque espectacular a lo que vendría después. No queridos, no. Llamaron a Chris Weitz un crispín que dirigió la primera American Pie y una peli que me gustaba mucho About a boy, ambas direcciones acompañado de su hermano…por lo que sospecho que lo que faltó en Luna Nueva fue la mano fraterna.
Si en Crepúsculo había unas cuantas escenas que encontrabas «bonitas» o que dejaba a la muchachada suspirando, pero con algo de estilo, en Luna Nueva no existen tales momentos.
Retomamos la historia donde la dejamos, la mamerta de Bella y el afeminado de Edward andan por la vida de manita sudada, mirándose con ojos de borrego menso a medio morir. Ellos tienen un amor puro…genuino como el deseo de Michael Jackson de ser blanco.
Por x o z, no lo digo aunque en el trailer aparece casi todo lo que se puede decir de esta insulsa trama, Edward decide dejar a Bella (yo también lo hubiera hecho) y se aleja, dizque, para que ella pueda ser feliz en su mortalidad.
Mientras Edward ¨necesito bronceador¨ Cullen, anda paspando moscas…Jacob Black (el «lobito» como cariñosamente termina llamándolo la platea) se asoma como paño de lágrimas. En su fornido pecho (una de las pocas cosas rescatables) se recostará la sonsa de Bella intentando superar el gran trauma de haber perdido el amor.
Aquí podría hacer un paréntesis para contar la vida atormentada y desgraciada de Romy Schneider (actriz de Sissi Emperatriz), que haría ver la situación de Bella como lo más estúpido del mundo, pero decido pasar.
Eso es básicamente todo, que si el vampiro me quiere, no me quiere, que si necesito al lobo, no lo necesito, que si el vampiro me quiere, o no me quiere, ZZZZzzzzzzzzzzzzzzZZZZZZZZzzzzzzz
Y no me malentiendan, Crepúsculo la soporté, y hay filmes ñoñísimos como Encantada o hasta Avatar, que amén de sus defectos, cursilerías y otros, están magníficamente filmados y no nos ofrecen una visión desangelada y apagada del séptimo arte.
En el caso de Luna Nueva hay desgano, apatía en la narrativa, encima la cosa se sitúa en una ciudad gris, Bella anda deprimida, y si a eso le agregamos una dirección cansina, muy muy muy poco inspirada, que abusa de la cámara lenta tal cual una molesta negrilla, y unos actores mal dirigidos que escupen sus textos como si estuvieran posando para una cámara fotográfica, ya se imaginan el desastre.
Entiendo que se trata de un producto hecho para las adolescentes y ramas aledañas, de hecho las infantes estaban haciendo cola para entrar casi 40 minutos antes de la premier, y obviamente el 99% habrá salido pensando que era la mejor película que han visto en su vida, no sé. Compañero de butaca me increpó diciéndome que si yo tuviera esa edad, capaz que salía igual de contenta, a lo que le recordé que sin cumplir los 20s no caí bajo el embrujo de Titanic ni de Todo Sobre mi madre (habéis leído bien), así que dudo mucho que Luna Nueva haya corrido mejor suerte.
Desagradable, una película que espero no toparme ni en el cable. Ni siquiera el tan esperado encuentro con los Volturi generó interés, otra tétrica muestra de hasta dónde puede caer una película que está tan mal dirigida. Buen trabajo, no obstante, de Dakota Fanning que consigue dotar a su personaje Jane de personalidad en los breves minutos que interviene, a pesar de que todos los actores involucrados en este filme parecen postes de luz.
Aún así, las malas noticias son más de las que me imaginaba, el guión había sido escrito por una de las guionistas de Dexter, cosa que hizo que quisiera botarme del palacio de justicia. No entiendo cómo Luna Nueva puede estar tan horrorosamente mala, si teóricamente tiene los elementos y los verdes necesarios para lograr un buen producto.
Odio decirlo, pero faltan DOS filmes que ya están en desarrollo bajo la batuta del mustio de Weitz. Según lo escrito por la Meyer, las cosas se van a poner más freaks y absurdas (ajá, MAS) y yo ardo en deseos de ver qué carajos piensan hacer con lo que viene. No imagino a Bella (tal cual nos la han presentado hasta ahora) viviendo tan tórridas aventuras.
Luna Nueva, un filme que demuestra que Hollywood apuesta a fondo por historias vacías, lights, interpretando que el adolescente promedio es bruto e ignorante y que no merece nada mejor que protagonistas ¨lindos¨, directores alelados y los vampiros más pijos del mundo.
Lo mejor: cuando empiezan a salir los créditos finales y podés continuar con tu vida.
Lo peor: no sé, casi todo.
La escena: todas, todas las veces en que Jacob Black estaba sin camisa. Era un destello de luz en la cloaca.
Lo más falsete: personajes, trama, todo es más falso que muela de palo
El mensaje manifiesto: No todo lo que involucra vampiros será bueno
El mensaje latente: la muchachada tolera cualquier cosa
El consejo: Si cometés el pecado de verla, andate a una hora que no sea pico, porque las adolescentes se van con cámara fotográfica al cine, acompañadas de amigas o amigos, a los que durante el filme comentan el libro, lo que viene, lo que pasó y consiguen que la experiencia sea el doble de insoportable.
La pregunta: ¿qué premios ganaràn en la entrega de los Razzie? (La frambuesa de oro, es el antioscar, se le otorga a lo peor del cine)

La felicidad y otros demonios
Por: Mónica Heinrich V. Desde chicos nos enseñan que la felicidad existe, que es algo alcanzable… La publicidad intenta ligar ese sentimiento de dicha a sus productos, un efecto placebo para que vaciemos los bolsillos y se los llenemos a la gente que a su vez, piensa, que el dinero puede hacerlos felices.

Todos la necesitan, todos la añoran, hay quienes se conforman con la felicidad en minúscula, hay quienes juran que no existe. El hecho es que se la busca conciente o inconcientemente. En el sexo, en las parejas, en la estabilidad económica, familiar, incluso en esos deseos prohibidos que escondemos. Algunos perversos, otros no tan perversos, pero siempre tabúes. Happiness habla de eso. El director Todd Solondz es un pendejo, hizo una película sobre la miseria humana y, como una bofetada, la titula FELICIDAD.

Más o menos cumple la declaración del escritor argentino Alejandro Dolina, que en un libro decía: “Al lado de la desdicha, se encuentra el verso perfecto”. Y Happiness es un recuento de desdicha, de soledades, de angustias, y por qué no? De crueldad.

La película se abre con una cena, ambientada en un restaurant de lujo. Una pareja conformada por Joy Jordan y su pretendiente de turno se encuentran rodeados de un halo romántico. En ese momento Joy justifica la decisión de finalizar la relación semi-amorosa que los une, le pide disculpas, le dice que lo lamenta, que él es un gran tipo, que le desea lo mejor…etc…El regordete y calvo individuo, observa al objeto de su afecto con sorpresa, no puede creer que lo dejen. Hasta ese momento, pensamos “pobre crispín”, empatizamos con el dejado…hasta ese momento. El gordo saca un obsequio para Joy, le dice que lo mandó a hacer especialmente para ella, es un objeto de colección…Joy llora emocionada, le agradece, le dice que nunca lo va a olvidar…y entonces, el gordo se lo quita, y le empieza a gritar que eso se lo va a regalar a su futura esposa y no a una cualquiera como ella, no a una nadie como ella, una pobre cojuda que está “llena de mierda”, palabras textuales…

Con esa primera escena, ya estamos casi preparados para toda la avalancha de crueldad y sordidez que se avecina. Un argumento realista que desnuda no sólo las llagas espirituales y psicológicas de la sociedad americana, sino que con un bisturí opera a corazón abierto al ser humano, mostrándonos íntimamente la oscuridad y la perversión que habita en cada uno de nosotros.

Para Solondz no hay concesiones. Y elige a una ficticia familia Jordan para mostrarnos los diversos grados de putrefacción, soledad y amargura. Joy es una treinteañera, que aún vive con sus padres, música fracasada, con personalidad frágil e ingenua, siempre presa fácil de vividores, abusivos y maleantes. Helen es la “exitosa” de la familia, escritora famosa, decepcionada por no haber experimentado violaciones ni sexo fuerte, tal como muestra en sus libros. En su vida diaria se desenvuelve con aires de diva, pero en la soledad de su departamento tiene las mismas frustraciones que todos. Trish es la que aparentemente tiene una vida perfecta, casada, con hijos, viviendo una vida apacible y de ensueño, que ella misma recalca siempre: es “perfecta”. Sin embargo, el sexo con su marido es casi inexistente y la relación que mantiene con su familia es absurdamente irreal. Como un comercial de detergente o de sopa Maggie.
El padre de estas tres chicas infelices, decide abandonar su matrimonio de muchísimos años, buscando algo que le permita reconectarse con el mundo, que le permita emocionarse, no esa pasividad asfixiante en la que se mueve con una mujer a la que prácticamente le ha visto la jeta toda la vida. La madre de estas tres chicas infelices, no entiende, no capta porqué su hasta entonces leal esposo necesita abandonar un vínculo del que ella depende.

Alrededor de estos personajes, INFELICES, pululan otros igual de oscuros, perversos, despiadados y patéticos. Un acosador telefónico que calma sus ansiedades sexuales llamando a su vecina de piso. Pero que en el fondo es un pobre tipo tímido, al que le sudan las manos y le tiembla la voz, cuando se topa cara a cara con el objeto de su acoso. Una solterona obesa que siente cosas profundas por el acosador y que en una escena que sólo puede calificarse de GRANDIOSA, le cuenta mientras se come un helado, cómo mató al portero del edificio y cortó su cuerpo en pedacitos para ponerlo en el refrigerador.

Y luego, el personaje más perturbador de todos, el que se lleva la palma, el que me persigue por las noches, el que me hace replantearme la idea de reproducirme o de traer hijos al mundo, pensando que existen tipos por ahí igualitos sueltos. Este retorcido personaje es Bill, el esposo de la que jura llevar la vida perfecta, Trish. A Bill lo conocemos a través de su primera escena, cuando en una sesión psiquiátrica cuenta un sueño recurrente: Él está en un parque, durante un soleado día. Los niños juegan, las parejas están haciéndose mimitos, los viejos caminan, los perros corren…etc…De un momento a otro, Bill saca una metralleta y barre con todo lo que pilla a su paso. “Y qué es diferente ahora?” le pregunta el psiquiatra sobre su relato. “Que en esta ocasión, no me suicido”, dice Bill. Ahí todos se estarán imaginando a un Cho Seung Hui (el de la masacre de Virginia Tech), pero lo de Bill es otra cosa. Bill es pedófilo y los amigos de su hijo pequeño lo tienen tan caliente que termina ideando un plan bastante perturbador para poder violar a uno de ellos. Si ustedes creen que la violación del amigo de su hijo, es lo peor que puede pasar con relación al tema de la pedofilia, es que todavía no vieron la “charla” que tiene este señor con su hijo acerca del tema, y lo que el hijo le pregunta. Otra escena INOLVIDABLE.

Cuenta con un reparto de lujo como la presencia de Philip Seymour Hoffman, Jon Lovitz, Jane Adams, Lara Flyn Boyle y otros actores que se meten dentro de la piel de personajes que pueden parecer demasiado oscuros, pero que en la vida real existen.

Todd Solondz es un polémico director, graduado de Yale, que se hizo relativamente conocido en el circuito independiente con “Bienvenidos a la casa de muñecas”, un filme que retraba la vida suburbana de una chica feucha y su entorno. Lo que en un principio nos suena a Betty La Fea, …se transforma en una cuestión menos complaciente con los no bendecidos por la naturaleza. Según Solondz, sí es difícil ser feo, sí en el colegio los compañeros te cagan con burlas, desplantes y otros, pero los feos pueden ser crueles también. Y el personaje creado por Solondz consigue empatía de la platea, y luego rabia. Así de jodido es este gringo. Y lo más interesante es que aunque en apariencia se trata de una historia sencilla, tiene unas dos o tres escenas que se quedarán grabadas como un tatuaje.

Solondz se ha caracterizado por hacer un cine mucho más jugado que el personaje con el que lo suelen comparar: Woody Allen. Allen a su lado, se ve políticamente correcto. Solondz no permite que le quiten escenas duras, no permite que le censuren un guión, por eso le cuesta filmar, le cuesta encontrar financiamiento, porque hay que recordar que a la mayor parte de la gente no le gusta verse al espejo sin maquillaje o después de una borrachera con la cara hecha mierda. No.

Eso es lo que hace Solondz, humor negro, corrosivo, un sarcasmo que apunta directamente al ombligo y dice: La sociedad apesta. C
onsiguiendo con Happiness su trabajo más redondo y más jodido hasta el momento. Un retrato de una familia como cualquier otra. Cuya apariencia “perfecta”, resulta ser un espejismo, donde los hallazgos macabros se suceden uno detrás de otro, y lo más pasmoso es que mientras el metraje avanza y uno dice: “Qué pervertidos”, nos queda la sensación de que estamos espiando por la ventana del vecino, de ese crispín al que le vemos su cara todos los días, pero del que no sabemos absolutamente nada.

Sí…es como cuando alguien lleva a cabo un acto atroz, un asesinato, un secuestro de un niño durante 8 o 10 años, o vuela un edificio con 300 personas dentro, o sencillamente se levanta una mañana aburrido y sale con un cuchillo a matar gente (como el japonés que lo hizo recientemente) y luego, luego los vecinos, la familia y la gente que los conocían, salen en la TV o en la prensa diciendo: “No entiendo, era tan buena persona. Un tipo educado, amable….”

De eso trata HAPPINESS, de la sordidez que habita dentro de cada uno de nosotros. De esa sordidez con que disfrazamos bajo esa infructuosa búsqueda de felicidad. Porque nosotros también somos “buenas personas, educadas, amables…”, pero en la soledad de nuestra habitación existen otros demonios.

CURIOSIDADES

– “Happiness” trajo consigo victorias y derrotas. Logró estrenarse sin calificaciones ominosas y sin que se la marginara a una “Red Box”. Pero también supuso el fin de Solondz con la distribución mayoritaria. October Films, subsidiaria de la Universal, se negó a distribuirla por su contenido. En específico por la escena de la charla entre Bill y su hijo sobre la violación de sus amigos.
– Fue considerada por muchos medios como la mejor película de 1998.
– Todd Solondz escribe y dirige todas sus películas.
– ganó por votación unánime el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes de 1998, entre otros importantes reconocimientos.

Lo mejor: Una visión mordaz y crítica de las mentiras que nos contamos todos los días.
Lo peor: Dura y cruel.

La escena: La de la gorda que cuenta su asesinato y la de la charla entre padre pedófilo e hijo.
Lo más falsete: nada
El mensaje manifiesto: No existe la felicidad
El mensaje latente: De verdad! No existe la felicidad!!
El consejo: Mírala.
La pregunta: ¿O vos te considerás feliz?
EXTRAS
Haciendo un repaso de la cartelera local. Les puedo decir que:
1.- Se estrenó finalmente y porque Dios es grande: “No country for an old men” cuyo título en español es el poético No es país para viejos, pero que en la cartelera local aparece como Sin lugar para los débiles (qué horror!) …el caso es que se estrenó, tienen que verla, es un peliculón. Ya la vi, pero debo verla en pantalla gigante…además de la actuación de Bardem, tiene una de las escenas más buenas del año pasado: la de la moneda con la frase: “call it frendo”.
2.- Sobre La Momia 3, ahórrense 30 Bs, largas colas para entrar, y casi dos horas de película. Una cosa HORROROSA, con decirles que la última entrega de Indiana Jones parece cine de autor a su lado. Mal hecha, aburrida, con un argumento más pobre que Etiopía. Así que ya saben. Mala, mala, mala, muy mala.
3.- The Prom Night, es cine para adolescentes. Y lo peor, para adolescentes tarados. Con muy poca calidad, nada nuevo bajo el sol de lo que el género propone. Mal actuada, con una dirección poco inspirada. Relativamente entretenida, aunque prescindible del todo.
4.- Quiero Robarme a la novia, bien nomás. Nada para lanzar cohetes, y su argumento nos recuerda a My Best Friend Wedding, sin Julia Roberts y versión masculina, pero digerible. Bonita, sí…puede pasar.
5.- Hancock. Es difícil hablar sobre Hancock. Por un lado, si no te la tomás en serio la podés pasar muy bien, es hasta bizarra en su argumento por el poco sentido que tiene todo. PERO eso también le juega en contra. Porque no sabés qué carajos viste al final. De todas formas, por lo menos es entretenida y consigue arrancar una que otra sonrisa.

Vení que te muerdo

Por: Mónica Heinrich V.
Vampiros. Vampiros. Vampiros.
Cuando supe que la película del momento en USA era Crepúsculo, y que trataba sobre vampiros…me faltaron dedos para googlear y para enterarme que se trataba de la primera parte de una historia, basada en una saga escrita por una tal Stephanie Meyer.
Era el fenómeno de los últimos meses del 2008, se había apoderado (sorpresivamente) de la taquilla sobrepasando películas de mayor presupuesto y envergadura. En mi caso, era la respuesta a una plegaria largamente elevada hacia la nada (no digo hacia Dios porque mi espíritu no lo soportaría)
Y como en esa época supe que la película recién llegaría en enero, me pareció justo matar mi curiosidad sumergiéndome en la versión literaria. Aproveché un viaje de mis progenitores hacia Obamalandia y les encargué esa misión. Fue misión cumplida.

La primera parte, se llama Crepúsculo y narra la historia de Bella Swan, una muchacha que ante el reciente nuevo matrimonio de su madre, decide mudarse a Forks (pequeño pueblito donde siempre llueve y está nublado) a vivir con su padre. Se inscribe en la secundaria, y en un momento dado se cruza con el protagonista masculino de este entuerto: Edward Cullen. Para más señas: el vampiro.

Tengo que recordarles que esta saga pertenece al género romance vampírico, género que en nuestro país es casi desconocido, e incluso hasta hace un par de años era imposible conseguir libros más “normales” de Romance de Bolsillo, Editorial Vergara o Editorial Cisne. Ahora, ya se puede conseguir algunos títulos, aunque son pocos los que están interiorizados en todo ese mundillo…como (modestia y humillación pública aparte) Yo.

Haciendo esa salvedad, diremos que Crepúsculo es básicamente una historia de amor, el amor extraño y casi imposible entre la humana y el vampiro. Edward Cullen es parte de la familia Cullen, uno de los doctores del pueblo (Carlisle) y su esposa Esme son sus padres adoptivos. Junto a Edward están sus hermanos adoptivos que son Alice, Jasper, Emmet y Rosalie. Obviamente son vampiros también: excepcionalmente bellos, fuertes…y algunos dotados de curiosos poderes.

Bella Swan resulta ser el personaje femenino más insufrible que he visto en mucho tiempo, la mala suerte y la torpeza la rodean durante los cuatro tomos de la historia. Edward siempre estará pacientemente lidiando con sus decisiones (generalmente In-decisiones) estúpidas, y claro, con el imán que lleva para atraer el peligro. Como no puede ser de otra manera, existen antagonistas… que aquí resultan ser los vampiros “malos”, porque los Cullen son tan buenos, nobles y especiales, que son vampiros “vegetarianos”…no se alimentan de sangre humana….y existen otros que no tienen sus mismos hábitos alimenticios y para quienes Bella será el bife a la plancha perfecto.

Por eso Edward vive todo el libro atormentado porque Bella, SU Bella es el humano que mejor olor desprende. En otras palabras, se la pasa con ganas de brincarle y sacarle hasta la última gotita de sangre, y luego ese sentimiento se mezcla con el más “desgarrador” amor. Bella anda de babosa por Edward desde el primer capítulo, y la autora consigue que la baba aguante cuatro tomos, casi de 1000 páginas cada uno.

Además de ese par…está Jacob Black, quien en un principio es el mejor amigo de Bella y que pertenece a los licántropos (hombres lobos y enemigos naturales de los vampiros) Este personaje es sumamente importante porque será algo así como el alma gemela de Bella, el amigo el que se apoya en momentos de dolor, compartirá cosas con él que con el vampiro no puede compartir y creará un lazo casi indestructible con este personaje…Así que…el triángulo está servido: Vampiro, hombre lobo y humana insufrible.

En mi amplia experiencia dentro del género me quedó claro que Stephanie Meyer escribe para la mierda, con mucho respeto hacia la horda de lectores que esta mujer ha conseguido. La saga parece escrita por una adolescente, onda diario de quinceañera…y aunque el objetivo es ese, el talento narrativo brilla por su ausencia. El mismo Stephen King coincidió en decirlo a voz en cuello cuando le preguntaron si él había influido en Rowling (Harry Potter) o en Meyer…y él dijo que mientras que Rowling era una muy buena escritora…Meyer apenas lo conseguía.

Aún así, debo reconocer que me leí los cuatro tomos, estuve a punto de dejarlo en el segundo…pero la esperanza de que Bella Swan muera de alguna manera lenta y horrorosa, me mantuvo leyendo la historia hasta el final. De los cuatro tomos, el cuarto es el más digerible porque ofrece mucho más detalles fantásticos sobre los vampiros, y finalmente se delimita ese trío emputante que se forma entre vampiro (amor de la vida de Bella), hombre lobo (amiguito del alma de Bella) y Bella (la que sabemos) Si un buen director agarra este tomo, puede resultar una película muy buena.

No es de extrañar que cuando asistí a la premier de Crepúsculo tuviera muchas ideas preconcebidas de lo que debían ser historia y protagonistas…y la secreta ilusión de que la directora hubiera suavizado las ñoñeces de telenovela juvenil mexicana, la haya hecho más oscurita y perversa y pueda sentarme a ver algo decente.

Pero nop. Crepúsculo es tal cual el libro, una peli para adolescentes americanos cansados de realities shows, buscando el amor en una historia fantástica con diálogos forzados y situaciones poco convincentes. Aún así, la dirección de Catherine Hardwicke, hace que un argumento tan simple se deje ver y encima entretenga (ídem a su versión literaria). Hardwicke es conocida por su ópera prima “Thirteen”, interesante y minimalista filme protagonizado por Evan Rachel Wood que tuvo varios premios y recorrió un montón de festivales.

Eso se agradece, se agradece que hayan buscado una directora que hizo que la experiencia no sea tan nefasta y que acompañada de una muy agradable banda sonora, una buena fotografía y algunos momentos intensos, la hagan llevadera.

Sobre las actuaciones diré que Kirsten Stewart (Bella Swan) lo hace muy bien. Lleva el papel de una manera digna, la hace ver menos estúpida de lo que en realidad es y tiene carisma. Recordamos a esta actriz como la hija asmática de Jodie Foster en La Habitación del Pánico.

Lo opuesto ocurre con Rob Pattinson (Edward Cullen) que aunque ya tiene una legión de admiradoras, me resulta casi insoportable de ver…lo hallo soso, le quita dignidad al único personaje algo ecuánime de la saga y no condice con la imagen que yo tenía del vampiro. A eso agreguémosle que este actor ha trabajado en nada más y nada menos que Harry Potter…interpretando a Cedric Diggory. Y sus dotes histriónicas están muy por debajo de las que alcanza su coprotagonista femenina. No lo imagino enfrentando las cosas que van a seguir en las próximas entregas fílmicas.

El resto de los personajes están bien representados por los actores elegidos, y sorprende un Charlie (papá de Bella) que en el libro se ve más insulso, pero que en la pantalla grande aporta a la película unos cuantos momentos de humor. Bien por ello.

En general, todo el casting “juvenil” parece sacado de una de esas series de televisión de niños “bien”, “pijos” (dirían los españoles), los vampiros parecen modelos de catálogo y sus reflexiones o actitudes suelen ser mucho más livianas que los de seres que no duermen, que viven en la oscuridad, luchando contra una sed abrasadora, atormentados por la inmortalidad.

Me gustó? No la odié, me entretuve, mediocremente, pero me entretuve… todavía sigo elevando mis plegarias hacia la nada por una gran película sobre vampiros, una que tenga la pasión de Drácula (Bram Stoker), la profundidad de Entrevista con el vampiro (Anne Rice), lo tétrico de La hora del Vampiro (Stephen King), lo erótico-sexual de la Saga Oscura (Christine Feehan) y claro…pongámosle alguito (pero sólo una pizca) de la ñoñez de esta.

Lo mejor: Relativamente entretenida, y cumple a cabalidad su función de encandilar adolescentes.
Lo peor: Edulcorada y con personajes estereotipados y artificiales.
La escena: la del beisbol y cuando Edward carga a Bella trepando árboles
Lo más falsete: Situaciones absurdas que no tienen que ver con la película, sino con el libro en el que se basó.
El mensaje manifiesto: El amor todo lo puede
El mensaje latente: El amor todo lo puede (es triste que en una película haya un solo mensaje no?)
El consejo: Para paladares poco exigentes
La pregunta: ¿La segunda parte será mejor? (tomando en cuenta que Hardwicke dejará la secuela, y que será Chris Weitz el encargado de Eclipse…Weitz ha dirigido American Pie, About a boy y la Brújula Dorada, entre otras pelis)

CURIOSIDADES
– Fueron 48 días de rodaje en Canadá y tuvo un presupuesto de aproximadamente 37 millones de dólares.
– La cinta lleva recaudados más de $ 180 millones de dólares.
– Henry Cavill era la primera opción para Edward Cullen, OPCION QUE YO APROBABA! Pero cuando empezó la producción, el actor ya tenía 25 años y no parecía para nada un adolescente de 17.
– La autora Stephanie Meyer aparece brevemente en una de las escenas donde se ve a Bella comiendo con su padre en un restaurante al que acostumbran ir seguido
– Meyer, licenciada en literatura inglesa por la Universidad Brigham Young, dice que la idea de Crepúsculo surgió a partir de un sueño. “Cuando me desperté, quería saber qué pasaba a continuación. El primer día escribí 10 páginas. Cuando lo terminé, nadie estaba más sorprendido que yo de que hubiera realmente escrito un libro entero”.
– El fiel seguimiento de Crepúsculo ha generado más de 350 sitios web y una entrega y dedicación propias de una obra de culto.
EXTRAS- 88 MINUTOS: Qué asco de thriller. Me sorprende que Al Pacino se desperdicie tan groseramente en esta película donde el mejor adjetivo que se le puede dar es: Tonta. Si no me salí del cine (como últimamente suelo hacerlo) fue por Pacino y porque el tema de los serial killers siempre me ha interesado. Pacino interpreta a un psiquiatra que ayudó a meter preso a un asesino serial, que fue sentenciado a la pena de muerte. Cuando dicho asesino está por cumplir su condena (9 años después del juicio) Pacino recibe misteriosas llamadas donde le anuncian que tiene 88 minutos de vida, por mentir en el juicio y convencer al jurado de la culpabilidad de un hombre inocente. Lo que suena interesante, NO lo es. Es una película plagada de los clichés del género, absolutamente chapucera en el engranaje del “suspenso”, muy tonta y que irrespeta al espectador con su ausencia de argumento coherente. El final es risible, muy mala. Pobremente actuada, a pesar de contar con muchos actores conocidos. La dirige John Avnet que tiene en su haber películas como Tomates Verdes Fritos (que en su momento, disfruté mucho) o The War (regularona), pero que usó a Pacino en una de las peores películas que he visto con actores legendarios…una peli horrible junto a Robert De Niro…llamada Righteous to Kill…MUY MALA! Oye Pacino, dejá de juntarte con Avnet.

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