EN CARTELERA: Ant-Man /El Hombre Hormiga – Jurassic World y Terminator Génesis

Published on julio 20, 2015

ANT-MAN o Querida, encogí a Scott

Todo indicaba que sería una huevada. TODO. ¿Un hombre hormiga? ¿Un superhéroe Hombre/Hormiga? ¿Un blockbuster de un hombre hormiga que es un superhéroe?

Pues sí, estábamos preparados para el desencanto, para la insatisfacción post-proyección, para ese coitos interruptus. Ya nomás el tráiler nos hizo susurrar en la oscuridad: “Otra mamada de Marvel”, así, medio con asquito.

Además estaba el “problemita” de Paul Rudd como protagónico, como superhéroe, SÍ! El actor asociado en el inconsciente colectivo como el novio de Phoebe (Friends) o conocido por sus papeles más de loser ordinario en esas comedias muy americanas tipo Rol Models o I Love you man, iba a jugar a salvar el mundo.

Y qué decir del director: Peyton Reed cuyo currículo tiene títulos como The Break Up, Down with love y Yes Man, ajá, ajá, nada pintaba bien en esta nueva apuesta marveliana, nada.

Con esa pobres expectativas nos acercamos a la butaca, y… fanfarrias, por favor, maravíllense oh público compañero de salvajes aventuras cinematográficas, Ant Man entretiene y te hace salir del cine satisfecho. No con esa felicidad abrumadora de Guardianes de la Galaxia, pero sí con una muy digna sensación.

La versión elegida para traer al Hombre Hormiga es la más accesible para el público, es decir, en el comic original el Ant Man era Hank Pym, el personaje que en la película interpreta Michael Douglas, solo que su historia es un poco oscura para la platea, poco “familiar” dijeron los entendidos del dólar traquillero. Claro, Hank Pym sufre de personalidad múltiple y una de ellas, además, abusaba a su novia Jane, así que NEXT, mejor hablemos del pupilo, de Scott que quiere recuperar el amor de su hija y encontrar un lugar en este mundo cruel.

Empezamos en 1989 cuando Pym se indigna con el curso que ha tomado su investigación sobre una fórmula muy particular y decide largarse del boliche. Pasan muchos años y vemos a Paul Rudd que interpreta a Scott Lang, un fulano que está a punto de salir de la cárcel. Scott tiene una hija pequeña a la que no puede ver porque su exmujer ya rehízo su vida con un policía y claro, él, el ladronzuelo, no tiene pisada hasta que no se rehabilite socialmente. Hay que aclarar que Lang estuvo preso por hurto, NO ROBO, hurto, ya que no fue una acción violenta (las cositas que enseña el cine). Afuera de la cárcel lo espera Luis, un muy gracioso Michael Peña, que luego de fallidas experiencias en su reinserción a la sociedad, lo tienta con un trabajo. Dicho trabajo no es otro que irrumpir en la casa de Pym y saquear una bóveda que no saben qué guarda, pero que en definitiva debe ser importante por estar tan bien custodiada.

Scott da muestra de astucia y pericia, y claro, consigue allanar morada y hurtar algo que es principio y fin de la película, pero que NO puedo mencionar para no caer en el vulgar spoiler.

Mientras tanto, el villano es Darren Cross (Corey Stoll), otro ex pupilo de Pym al que la azotea se le llenó de chulupis (cucarachas) y anda peinando la muñeca.

El guión fue tocado por varias manitos, las principales son las de Edgar Wright fan del comic, que quiso hacer la película desde el 2003, el pobre hasta filmó un teaser, pero por diferencias creativas con Disney abandonó su sueño dorado. Dicho abandono se dio en los peores términos. Wright es conocido por ser guionista de Scott Pilgrim contra el mundo. A él lo acompañaron Joe Cornish, cuyo crédito también está en Scott Pilgrim y en Las Aventuras de Tin Tin, el señor Adam McKay con un trabajo más enfocado a los sketchs tipo Saturday Night Life y el mismísimo Paul Rudd.

No los voy a engañar, querubines marvelianos, no. La historia se desarma partiendo del hecho de que Hope (Evangeline Lilly), la hija de Pym, es una de las mandamases de la gran empresa que cobija los arrebatos de Cross, y que no sabemos cómo la susodicha no ha puesto orden en el gallinero antes de que Cross haga lo que hace, pero bueno, al final ahí están los Pym conspirando por la paz mundial.

Las secuencias de los chismes (Luis contando cómo fue que se enteró de lo que se entera) están fantásticas, y me arrancaron una sonrisa de pura felicidad. También el efecto del encogimiento y el agrandamiento están muy bien manejados y consiguen convertir lo absurdo en algo creíble.

El mundo de las hormigas, su categorización, la voladora Anthony, son otros puntos altos del filme, porque claro, las hormigas tienen mucho que ver con el Hombre Hormiga y vos salís del cine prometiéndote nunca más en la vida pisar a alguna de ellas (tan bonitas, tan trabajadoras, tan leales).

Ant-Man cumple con el objetivo de entretener, tiene su toque pro familia unida que tanto le gusta a los gringos, blandita, de fácil digestión, su mensajito de siempre: si le das más poder al poder, más duro te van a venir a c…hmmm sí, y es un espectáculo visual más que aceptable. No intenta venderte más de lo que es, una película pequeña de gran presupuesto cuya trama no cambiará el mundo.

Tiene sus fallas a nivel argumental, el villano es un completo inepto, los policías son otros ineptos, pero a estas alturas de la vida qué podemos hacer, se agradece que maneja un humor simple pero efectivo, y lo más importante de todo, lo que hace que mire a Ant Man con entornados ojos llenos de pestañas postizas: rechaza la ayuda de Los Vengadores.

Sí, hasta casi los perdono por dejar al pobre director-guionista (Wright) botado, llorando en un rincón después de más de una década de trabajo (Marvel no es un happy place).

Gracias totales.

Lo mejor: Es amena y ligera. Lo peor: un guión flojito que hace aguas por varios lugares La escena: el recurso utilizado para contar cómo Luis se entera de algunas cosas Lo más falsete: la imposibilidad de detener a Cross de una manera más frontal El mensaje manifiesto: las apariencias engañan El mensaje latente: Lo importante es la familia El consejo: vela, es disfrutable El personaje entrañable: Anthony El personaje emputante: Me llegó a fatigar Hope El agradecimiento: porque no hay bombas nucleares o reactores a los que destruir o llevar al fondo del mar.

CURIOSIDADES

Joseph Gordon Levit fue considerado para el papel de Scott Lang
Paul Rudd tuvo que someterse a una intensa rutina de ejercicios para tomar la musculatura de un superhéroe, lo hizo tan bien que tuvieron que adaptar su traje debido a que los músculos crecieron más de lo esperado.
En el comic el Hombre Hormiga era originalmente un Avenger.
La primera escena en la que se ve a un Michal Douglas más joven es en 1989, año en que salió la película Querida encogí a los niños, la película del Hombre Hormiga estaba en desarrollo desde los 80s, pero cuando salió la famosa película de la familia que era encogida, los estudios pensaron que la trama a nivel de efecto era muy similar y postergaron el proyecto. Hay un guiño a eso en la fecha.
Rashida Jones y Emma Stone fueron consideradas para interpretar a la esposa de Pym.
En los comics Pym como el Hombre Hormiga tuvo muchos nombres:Wasp, YellowJacket, Giant-Man, Goliath.
El casco de Ant Man es influenciado por el de Iron Man y el de Bumblebee.
Aunque Edgar Wright abandonó la película gran parte de su trabajo como guionista quedó en la versión final.
En los comics es Hank Pym quien crea a Ultrón.
Sean Bean, Pierce Brosnan y Gary Oldman fueron considerados para el rol de Pym.
En el comic la hija de Scott, Cassie, se vuelve superheroína también con el nombre de Stature.
Jessica Chastain fue considerada para el rol de Hope, pero rechazó el proyecto por conflictos de cronograma.
Bobby Cannavale fue convencido por Paul Rudd y por Adam McKay para hacer el papel de padrastro de Cassie, lo llamaron antes que Marvel lo convoque y le prometieron desarrollar un poquito más su papel.
Peyton Reed también fue considerado para dirigir Guardianes de la Galaxia o Los 4 Fantásticos.
Con tan solo 117 minutos, este es el film más corto del universo Marvel.
Stan Lee hace un cameo como bartender.
En el comic Scott Lang es pelirrojo.
Volviendo al temita del guión usurpado, reparchado de Ant Man, Joss Whedon afirmó que el guión escrito por Edgar Wright era el MEJOR guión jamas escrito para una película de Marvel. O seaaaaa…jamás lo veremos.
Wright y Cornish tuvieron que elevar una demanda legal para que Ant Man mantuviera sus créditos como guionistas en la película.

Jurassic World o Liberen a BLUE

Pasando a un punto medio muerto, que necesita desfibrilador, tenemos a Jurassic World.

Es para mí un misterio como una película con tanto presupuesto y que pretende ser un resurgimiento de la saga es encargada a Collin Trevorrow. Un tipo cuyo único título de dirección es Safety Not Guaranteed. Misterio 1.

Tampoco sé cómo dos guionistas que hasta la fecha nos dieron trabajos dignos, el señor Rick Jaffa y la señora Amanda Silver, ambos responsables de Planeta de los Simios, nos dan esto. Misterio 2.

Jurassic World es desangelada de principio a fin. Si ya viste las anteriores entregas la fórmula se repite levemente modificada. O sea: manipulación genética, mentiras corporativas, dinosaurios que no son del todo manejables, personajes fascinados por ellos, personajes aterrorizados por ellos, algo pasa, pum pam pim, caos.

ZzZZZZzzzzZZZZzzzz Es como si los productores, guionistas y director se hayan encerrado en un cuarto a tratar de manipular la primera entrega para darnos un clonsito tonto y deformado.

Partimos con un adolescente, Zach, y su hermano menor, Gray, que están yendo de visita al famosísimo parque Jurassic World en la Isla Nublar. La visita en realidad es porque son sobrinos de Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) quien es la directora del lugar.

Claire es el típico personaje corporativo, poco afectivo, que recibe a sus sobrinos pero que tiene un millón de cosas que hacer y que les pone a su asistenta para que los supervise mientras ella cumple sus funciones.

Dentro del parque están creando una nueva especie de dinosaurio, llamado “poéticamente” la Indominus Rex, que intentan sea la próxima gran atracción. Algo sale mal y el bicho da muestras de ser más inteligente que todos ellos juntos, así que claro, termina huyendo y sembrando caos y destrucción a su paso.

Para contrarrestar este despelote está el personaje de Chris Pratt, un muy americano Owen con un looksillo Indiana Jones. Nos presentan a este personaje como temerario, valiente, y capaz de lidiar con cualquier problema.

«Bryce, yo creo que lo peor es que te pusieron la misma estilista que a Hope, la de Ant Man»

Como los chicos andaban con la asistenta, una vez se desata el pánico, la tía Claire se fatiga y recupera su conciencia familiar, por lo que decide ir a rescatarlos no sin antes reclutar al temerario Owen.

La película es eso, la huida del bicho, y la desesperación de Claire y Owen por rescatar a los niños. En eso se van 124 minutos de tu vida y casi 30 $us (si la viste subtitulada en la única sala que pone películas subtituladas de ese tipo) que nunca recuperarás.

Quizás lo rescatable de la experiencia viene de la mano de John Schwartzman, cuya fotografía es cumplidora aunque no de esas que te dejan sin aliento. Schwartzman ha trabajado en películas como The Green Hornet, Saving Mr. Banks, Drácula, Pearl Harbor, entre otras.

Del apartado técnico hay poco o nada que reclamar, se trata de una película muy lograda en los efectos especiales, con un diseño de producción impecable, por eso el ladrillazo en la cabeza que supone verla es más sentido porque tiene elementos que de no ser por su desmañado guión y su poca inspirada dirección, harían que llegue a mejor puerto.

No es posible que mientras la película se desarrolla lo más interesante sean los raptores Charlie, Blue, Echo y Delta.

Después hasta entendés a la Indominus Rex y su furia asesina, con tanto corre corre al huevo, llega un punto en que te gustaría ver a la tía Claire siendo salvajemente engullida.

El resto de los personajes son incoherentes e inoficiosos. Ejemplo, cuando ya están a salvo y se les ocurre la brillantísima idea de usar a los raptores, va la doñita más lo sobrinos a la misión. Claro, claro.

Las escenas de amor boludas no faltan, es evidente que un beso en medio de la más desesperada huida por la sobrevivencia se colará o intentará colarse en la escena.

Nada señores, me aburren más que las peleas en Facebook sobre la llegada del Papa Francisco a Bolivia.

Sin embargo, el público le ha dado su bendición llevándola a romper records de todo tipo e incluso a estar en el top ten de las más taquilleras de la historia del cine. Misterio 3.

Lo mejor: los raptores Lo peor: aburrida y desangelada La escena: todas las que aparecen los raptores Lo más falsete: el gordo que quería usar a los dinosaurios como armas, no tenía pies ni cabeza El mensaje manifiesto: no jueguen a ser Dios El mensaje latente: no jueguen a ser un Dios estúpido El consejo: esperá a que salga en video o que alguien te invite a verla El personaje entrañable: los raptores El personaje emputante: el gordo, Hope, digo Claire, Owen, los niños, los padres de los niños, el chino, bueeee… El agradecimiento: porque la vi un día que dormí siesta.

CURIOSIDADES

Se filmó en Hawaii y New Orleans
En su primera semana ha recaudado $730 800 000, convirtiéndose en la película con mayor recaudación durante su primera semana, y superando los $1,000,000,000.
La girósfera fue idea de Steven Spielberg.
Bryce Dallas y Judy Greer hacen de hermanas en este filme, pero también interpretaron a hermanas en The Village.
Este filme sale 22 años después de la primera entrega.
Kristin Stewart fue considerada para hacer el papel de Claire, pero luego la vieron muy joven.
El primer borrador del guión, en cambio, se escribió once años antes y el paro de la producción -entre otros motivos- se debió a la huelga de guionistas estadounidenses de 2007. En el 2013, Trevorrow fue contratado como director y, junto a Derek Connolly, redactó el guión definitivo.

Terminator Génesis o la Khalessi necesita sus dragones

Y ya para finalizar este recuento agridulce de experiencias en ese hermoso lugar que es la sala de cine, llegamos a Terminator y su génesis que sí, sí, es viejo y obsoleto.

Este proyectito se lo emponcharon a Alan Taylor que dirigió la primera Thor y muchos capítulos de series como Juego de Tronos, Sex and the city, Los sopranos y más. Sospecho que el pobre no pudo hacer gran cosa ya que el guión estuvo en manos de Laeta Kalogridis responsable de esas pajas al infinito que fueron Shutter Island y Alejandro Magno, acompañada de Patrick Lussier que me parece debe tener los peores aportes en este Terminator, ya que su trabajo como escritor está visto en Dracula 2015, Dracula II, Dracula III y la muy nefasta Drive Angry.

Con estas papeletas qué se puede esperar de Terminator Génesis?…nada. Y nada es lo que tenemos.

No voy a negar que a pesar de todo, la conseguí disfrutar un poco más que Jurassic World (mucho más), pero se debe a que en la de los dinosaurios el tufillo familiar era demasiado apestoso y aquí todo se resume a cruentos enfrentamientos.

Supongo que los verdaderos fans de Terminator deben desear entrar a la cápsula del tiempo y volver al momento en que NO vieron esta nueva versión.

Porque sí, yo que no soy fan me quedé algo confundida y escandalizada por la desgraciada representación de John Connor. ¿Para esto Edward Furlong echó a perder su carrera cinematográfica encasillándose en un personaje?

Pues a los guionistas y productores se les ocurrió la idea de seguir estirando el chicle de la saga haciendo que John Connor (Jason Clarke) envíe a su pupilo Kyle Reese (Jai Courtney) al pasado para salvaguardar a su mamá Linda Hamilton, digo Sarah Connor. Supuestamente alguien irá a buscarla para asesinarla vilmente y así evitar que él, John Connor, nazca y lidere la revolución contra las máquinas.

Así nos vamos a 1984, donde Sarah es interpretada por Emilia Clarke, conocida por todos nosotros como la Khalessi. Cuando Kyle llega, la Khalessi está más enterada de lo que en el futuro se esperaban. La mamá de John cuenta con la ayuda del abuelo (Schwarzenegger) que la protege cual si fuera una flor del campo y que además nos recuerda a la audiencia que está viejo pero no obsoleto. Así, como esos chistes de borracho que se repiten una y otra vez, y la gente se ríe porque no queda otra.

De ahí pa´l frente es un derroche de giros caprichosos del destino, para que luego nos metan de refilón el revolcón del día SPOILER John Connor intentando matar a su mamá y a su papito: Kyle, que supuestamente debe aparearse con la Khalessi para que Connor nazca y luego intente asesinarlos en ese momento, divino FIN DEL SPOILER.

El filme, no obstante, recrea la fórmula que atrae público a las salas, tiene un conflicto la inminente muerte de Sarah Connor, al que sazonan con otros subconflictos y la siempre viva lucha contra las máquinas. Quizás el problema principal es que los guionistas no consiguieron hilvanar coherentemente la trama, lo suficiente, por lo menos, para hacerla creíble y que además no eche tierra sobre la memoria de personajes pasados (John).

Otro punto en contra es que resulta demasiado intrascendente para una saga que en su momento planteo ciertas reflexiones que iban más allá del apareamiento de la Khalessi y las soeces intenciones de conquistar el mundo.

A nivel técnico, no hay nada nuevo bajo el sol, cumple como todas las de su nicho, pero no hay una sola escena que te haga suspirar ante el avance de los efectos digitales.

Tendría que escribir demasiado y desarrollar demasiado para decir algo que voy a decir en una sola línea: Terminator, estás terminado.

Lo mejor: Que la Khalessi tiene Juego de Tronos Lo peor: que la Khalessi finja ser Sarah Connor La escena: La pelea del viejo Arnold con el joven Arnold Lo más falsete: no hay secuencia lógica que justifique que John Connor viaje al pasado El mensaje manifiesto: vieja y obsoleta El mensaje latente: sobre todo obsoleta El consejo: vela, aburrida no es, pero si tenés otras opciones mejores, adelante El personaje entrañable: los dragones de la Khalessi, no están ahí pero pensamos en ellos todo el tiempo El personaje emputante: John Connor El agradecimiento: porque la Khalessi tiene sus dragones en Juego de Tronos.

CURIOSIDADES

Los derechos volverán a James Cameron recién en el año 2019.
James Cameron amó la esta versión diciendo que era oficialmente la tercera de la saga.
Schwarzenegger entrenó por seis meses, casi 4 horas por día para lograr estar en forma.
El doble de Schwarzenegger en joven es Brett Azar, que ganó el papel después de un exhaustivo casting que buscara un cuerpo que luciera lo más similar posible al que aparece en la primera película de la franquicia.
Tom Hardy fue la primera opción para John Connor.
Es la primera de una trilogía nueva.
Se filmó bajo el nombre secreto de VISTA.
Es el primer filme en el que Schwarzenegger no aparece en los créditos como Terminator sino como Guardian.
Christian Bale no aceptó repetir su rol.
Se filmó en alrededor de 90 días con la primera unidad.
Brie Larson y Margot Robbie hicieron el casting para Sarah Connor.
Brett Ratner prefirió dirigir Hércules antes que esta entrega.
Hay una escena extra al final de los créditos.

Mónica Heinrich V.

EN CARTELERA: Intensa-Mente /Inside&Out/ Del revés

Published on julio 9, 2015

La tristeza NO es mala, suspiritos azules

Y sí, acá estamos, elaborando bolitas blancas, nubosas, papales, esas que producen las emociones religiosas, la moral arcaica, y la ilusa dicha virtuosa de recibir a quien vive entre oropeles. Pero ya sé, paremos la producción de bolitas blancas y empecemos con esas ya no doradas sino resplandecientes, casi enceguecedoras que solo provoca la emoción del cine.

¿Se acuerdan de la serie noventera Herman´s Head o lo que se tradujo en español como La cabeza de Herman? Pues el conceptito de personajes que representan tus procesos psicoemocionales estaba champado ahí, como chancho en lodazal.

24 años después, Pixar aparece con la creatividad reciclada para decir hey, hola amiguitos cómo están, saludos a Osmosis Jones.

Claro que primero tenemos que chuparnos uno de los cortos más melosos del estudio hasta la fecha, la canción de I LAVA YOU me perseguirá en las noches de frío para toda la eternidad.

Volviendo a «nuestra mente». Estamos ante el 15avo trabajo de Pixar, y el director es nada más y nada menos que Peter Docter, quien ya trabajó como guionista en las 2 primeras Toy Story, en Wall-E y como director en UP. A él lo acompaña Roonie del Carmen, cuya labor hasta antes de este filme ha sido principalmente en el departamento de arte.

Y sí padawanes, cuando se tienen infancias perdidas y tu pozo de desechos ya alcanzó profundidades insospechadas, ver Intensa-mente te producirá un montón de bolitas de distintos colores, la mayor parte azules y doradas.

inside-out-636-380 En sus primeros minutos, Inside Out consigue capturar la atención y hasta embelesar. Así como cuando te quedás estúpido viendo un arco iris o como cuando un picaflor revolotea en tu jardín y te susurrás maravillado “pero qué alitas más chiquititas tienen”.

La trama de Riley, sus primeros años de vida, la aparición de emociones que iban condicionando su paso por el mundo, las islas que simbolizaban los distintos pilares de su personalidad , todo estaba en la tesitura adecuada. Y a pesar de lo rebuscado o forzado del concepto, este escéptico y verdoso ser la pudo disfrutar.

(bolitas doradas)

La disfruté mucho en su primera parte, pero así como los arco iris desaparecen o los picaflores se van, luego se me fue poniendo un poco estridente y me resultó más difícil empatizar con la “dura” y “traumática” experiencia de niña bien, con padres ñoños estereotipados (mamá ama de casa que piensa en su ex novio cuando se enoja con papá/papá proveedor que piensa en deportes y no está realmente concentrado en nada) que se muda a otra ciudad y no puede adaptarse.

Sí, qué gran problema y desgracia lo que le sucede a esa criaturita del señor (bolitas verdes). Me sentí más o menos como cuando en una charla en Zurich, les preguntaron a unos adolescentes de alrededor de 13 años cuáles eran los grandes problemas que veían en su sociedad, en su generación, y uno de ellos dijo suelto de cuerpo: “es muy difícil conseguir marihuana”. Nombre de la novela: “los ricos también lloran”.

Así que no, no me derretí por la historia de la niña inadaptada cuya familia la adora, tiene un techo sobre su cabeza, dejó una gran amiga en su ciudad natal, asiste al colegio, no le hacen bullying y aun así está a punto de fugarse de su consolidado hogar.

Tampoco invalido su sufrimiento, a los 11 años sé que la presentación de un práctico incompleto puede significar una tragedia, simplemente que para los hechos me pareció demasiado dramático todo lo que sucede después, la metafórica pérdida de la inocencia, el comienzo de esa piñata de dulces y cuchillos llamada madurez.

Por otro lado, el argumento se vuelve algo repetitivo, como una molesta cacofonía de personajes unidimensionales y básicos, donde tenemos que creer que Alegría que siempre vivía en control de todo lo que le pasaba a Riley no se dio cuenta que en la anécdota del partido Tristeza tuvo algo que ver.

Avanzando un poquito más, el filme cautiva brevemente otra vez con lo de Bing Bong y no voy a negar que derramé algunas lágrimas en la oscuridad por él, ese elefante cursi y rosado, porque quizás el amigo imaginario que según yo no tuve sufrió el mismo fin.

La gorda, torpe y lenta Tristeza finalmente jugará un papel preponderante, la delgada, luminosa Alegría comprenderá que juntas hacen la fuerza.

Inside out es ambiciosa en su planteo, inteligente en lo que quiere lograr aunque no significa que lo consiga, quizás lo que me aleja de ella es su aparente complejidad y subtextos, cuando en realidad queda como una historia bastante sencilla y plana. Predecible, facilona, pero disfrutable.

Igual, sé que no estoy viendo un anime de Miyazaki, y que tampoco estamos ante una fábula tan llena de humanidad como Wall-E, así que me parece una buena animación de Pixar, un poco sobrevalorada, pero lo dicho, una buena animación a secas.

Lo que nos lleva al mensaje final (ese que está súper masticado), a la moraleja estilo a las que salían en He-man o She-ra cuando finalizaban sus episodios: podés crecer y convertirte en un gris adulto, tu infancia quedará atrás y algunas de tus islas (bobadas, familia, amistad, trabajo, futuro,) colapsarán pero aunque no lo creás amiguito, sí, vos, el que está ahí detrás de la computadora, vas a llorar, vas a sentirte triste (bolitas azules) la vida te golpeará como una bola de demolición (bolitas azules) y zas! Luego de tanto despelote cha chan cha chan volverás a ser feliz (bolitas…este…hmmm… azules) y a estar bien (bolitas… azules)

Lo mejor: Está muy bien lograda en cuanto a estética. Lo peor: Para mí se volvió algo aburrida y plana La escena: Lo de Bing Bong Lo más falsete: quiere ser más profunda de lo que en realidad es El mensaje manifiesto: estar triste no es malo El mensaje latente: la tristeza es gorda, fea y lenta El consejo: vela, es disfrutable El personaje entrañable: Bing Bong El personaje emputante: Alegría, alguien pásele una aspirina El agradecimiento: por no haber puesto más emociones, iba a ser un circo eso.

Mónica Heinrich V.

CURIOSIDADES

– Un cortito que encontré similar https://www.youtube.com/watch?v=JuyB7NO0EYY

– Algunas de las bolas de recuerdo de Riley contienen escenas de otras películas de Pixar.

– Es la primera película de Pixar para la que se creó un set de Lentes Virtuales como los Cook y los Zeiss Ultra Prime.

– De acuerdo al director, las emociones fueron basadas en formas, Desagrado (asco) en un brocolí, Alegría en una estrella, Tristeza en una lágrima, Temor en un nervio e Ira en un ladrillo.

– Se consideraron 27 emociones, pero al final se quedaron en 5 para hacer más accesible y menos confusa la trama. Quedaron fuera el orgullo, la sorpresa y la confianza, por mencionar algunas.

– Esta película tuvo un proceso de producción de 5 años y medio.

– Trabajó un grupo pequeño de 45 animadores, que es la mitad del número de animadores que han trabajado en películas Píxar anteriores.

– Pete Docter, se inspiró al escribir el guión en el comportamiento de su hija cuando la familia se mudó de Montana a California.

– Richard Kind, la voz en inglés de Bing Bong, estaba llorando de verdad cuando grabó la línea, “Llévala a la luna por mí, Alegría”.

– En las primeras versiones de la película, Alegría estaba junto a Miedo, en vez de Tristeza.

CINE HÚNGARO: Feher Isten/ White God/ Hagen y yo/Buscando a Hagen

Published on mayo 26, 2015

REVOLUCIÓN CANINA

Por: Mónica Heinrich V.

Si me decís que hiciste una película con 274 perros abandonados ya me ganaste como espectadora.

Hay cierta magia en Feher isten, algo que te hace sentir empatía por esta fábula de rebelión, de lucha de clases/especies y que encima es una oda a ese sentimiento al que algunos tildan solo de concepto: el amor.

La película húngara llamada en inglés White God (Dios Blanco) o cursimente en español Hagen y yo/ Buscando a Hagen nos cuenta la historia de la pequeña Lili y su perro Hagen.

Lili viene de un hogar disfuncional, sus padres son separados. La mamá (que ya tiene otra pareja) consiguió un trabajo de tres meses en Australia y por lo tanto tiene que dejar a Lili a cargo del padre.

El señor trabaja como inspector de mataderos por lo que asumimos de entrada que el respeto por la vida de los animales no es precisamente su fuerte.

Por eso, cuando su hija adolescente de la que no sabe mucho se aparece en su departamento con Hagen, un perro relativamente grande, hay rechazo.

La vecina del tipo, con una actitud muy mezquina, lo reporta porque aparentemente en Hungría las leyes sobre tenencia de animales son muy estrictas y los perros de raza “mestiza” no son bien vistos ni bien recibidos. El padre al verse en la disyuntiva de pagar un impuesto por tener derecho a conservar al animal, toma la peor decisión: abandonar a Hagen en las hostiles calles de Budapest.

El dicho: “lo dejó como a un perro”, tiene totalmente sentido mientras ves a Hagen solo, sorprendido ante el auto que parte sin él.

Desde ese momento, la película se desdobla para contarnos por un lado lo que sucede con Hagen y por otro lo que sucede con Lili.

Hagen descubre que lejos de su pequeña mamá humana, la vida es dura y las personas no lo consideran el mejor amigo del hombre, sino un ser al cual se pueda maltratar y abusar.

Quizás lo mejor de Feher Isten es todo aquello que sucede con Hagen y los perros. La soledad del canino ante el abandono, su confusión, su resignación, su búsqueda de un lugar seguro, el maltrato al que es sometido, la palabra para designarlo como “bastardo/mestizo” como si fuera algo muy malo y lo hiciera merecedor de peor suerte, la desgracia de toparse con alguien que lo entrenará para volverlo violento y usarlo en peleas de perros, la desidia de la perrera, su cambio de animal sumiso a perro salvaje, todo eso duele y duele mucho. Más aún si tenés mascotas/hijos a las que considerás parte de la familia y a las que nunca someterías a ningún vejamen.

La travesía de Hagen es un feroz analogía a la sociedad, a la discriminación, a la inhumanidad de la humanidad, a la capacidad oscura y monstruosa de las personas de convertir algo bueno en algo malo.

Dios blanco lleva en su título el escupitajo que echa sobre el espectador.

Lo que sucede con Lili es menos atractivo. A eso contribuye que las actuaciones de los humanos sean menos precisas que la de los canes y que el argumento creado fuera de Hagen sea mucho más simplista. Lili no se lleva bien con su papá, hay que reconstruir la relación con el papá. Lili está atravesando momentos duros, Lili tendrá problemas con chicos y discotecas.

Mientras Hagen nos muestra lo podrido de la sociedad, Lili es parte de una orquesta y toca a Wagner estableciendo a duras penas un nexo con su papá en la fría Budapest. Mientras Hagen ha mutado de un ser pacífico y carente de amor/atenciones a un salvaje vengador, Lili ya bajó los brazos y decidió seguir adelante con su vida, más o menos bajo la idea de que al final de cuentas “es solo un perro”.

Hagen muy al estilo El Planeta de los simios, liderará una revolución canina intentando llevarse por delante a todo aquel humano que osó humillarlo, denigrarlo y lastimarlo. No habrá piedad, ni misericordia.

La banda sonora elegida para esta debacle es Tannhäuser de Richard Wagner, una ópera que, como dicen en la misma película, habla del amor y del conflicto entre dos mundos con valores opuestos, una ópera cuyo leitmotiv principal es la redención.

El director Kornél Mundruczó construye en este su sexto largometraje un admirable apocalipsis canino. El manejo que hace de la jauría es para sacarse el sombrero, los estados que logra con Hagen como protagonista eleva a su película más allá y hace que le perdonemos las secuencias humanas (sosas y mal actuadas).

El guión del mismo director junto con su colaboradora habitual Viktória Petránya y la actriz Kata Wéber, queda protegido por esa misma imponente jauría y por una edición que crea la tensión necesaria para que nos creamos que sí, que es cierto, los perros se cansaron de ser mascotas u objetos de abuso y van a tomar el control.

Una muy muy linda fotografía, y un diseño de arte y vestuario acorde a lo relatado completan los puntos a favor de esta apuesta húngara para los Oscar 2015.

La escena final nos pone poéticamente frente a la reflexión que la película plantea al principio bajo los versos de María Rilke:

“Perhaps everything terrible is something that needs our love”

Lo mejor: Está muy lograda en su metáfora social/polìtica Lo peor: las secuencias de los humanos están mal actuadas y el argumento se vuelve muy tópico La escena: la del abandono, rompe el corazón. La del reencuentro, la de la trompeta Lo más falsete: la certeza de Lili de que Hagen es causa y efecto de la hecatombe El mensaje manifiesto: no somos los mejores amigos del perro, ni de nadie El mensaje latente: el ser humano tiende a ser más animal y primitivo que otro ser vivo El consejo: hay que verla El personaje entrañable: todos y cada uno de los perritos que viven en situación de calle sin el amor que se merecen, así como aquellos que son maltratados y abusados en las perreras El personaje emputante: el que hizo que Hagen sea perro peleador El agradecimiento: porque en el lado canino plantea una reflexión jodida.

CURIOSIDADES

– El director hace un cameo como el afgano

– Hagen es interpretado por dos perros gemelos llamados Luke y Bobby

– Los sonidos de la pelea de perros fueron grabados con voces humanas por actores en Suecia

– Es la película que ostenta el récord de haber utilizado mayor cantidad de perros hasta la fecha

– Luego de la filmación y gracias al éxito del filme se hizo una campaña para que todos los perros que aparecieron en la película fueran adoptados, consiguiendo su objetivo a principios de este año.

– Se le sugirió al director hacer la película con perros de raza más aptos para el entrenamiento, pero el director se negó porque iba en contra de lo que la película cuestiona, finalmente se entrenó a los perros de refugios y calle en grupos durante 6 meses con excelentes resultados.

– Dura 119 minutos y tuvo un presupuesto de tan solo 250.000 $us.

EN CARTELERA: Mad Max:Fury Road

Published on mayo 20, 2015

“What a day! WHAT A LOVELY DAY”

Me subo al pony de la dicha cinéfila y desde ahí puedo gritarle al mundo con propiedad que Mad Max: Fury Road es todo eso que el trailer prometía: ES-PEC-TA-CU-LAR.

Y miren que la luna salió y se escondió muchas veces, que estas semanas extrañé al cine como el cine extraña a Marlon Brando, que supe (for sure) que el cine es más bonito de afuera que de adentro y que desparramarte en una butaca y encontrarte con una película así convierte tu día en «a lovely day».

Lo que ha hecho George Miller (el director) es una hazaña. Y no es que le falte currículum, poseedor de una trilogía de culto, artífice de Babe, el cerdito valiente, a sus 70 años, Miller hace lo suyo con gracia.

Apuesto que cualquiera que haya leìdo la noticia de este “nuevo episodio en la vida de Max” seguro se quedó puteando en la oscuridad y sacando el muñeco vudú de Miller y de Mel Gibson (nunca está de más sacar el muñeco de Mel) para detener ese despropósito. Seguro.

Alfiler pim pum pam.

Pero no. Me quito el sombrero, las gafas, la cartera, el beldent, la copa de vino y hago un montón de significado a los pies de este hombre.

Georgie, como ahora puedo llamarlo, agarró la tiza, dibujó con expertise lo que se supone es una película blockbuster por todo lo alto y nos dejó con la boca abierta.

Jódanse Avengers.

Y hay que decir que un aproximado del 80% de la película carece de efectos especiales computarizados, ajá, lo que ven en pantalla obedece simplemente al talento de Georgie, a un excelente diseño de producción y a la capacidad del fotógrafo de conseguir crear la ilusión de escenas complicadas sin recurrir al pinche croma. Oh talento, bendito talento.

Jódanse Avengers.

En esta entrega, que no tiene lógica temporal con ninguna de las anteriores películas de Mad Max, el mundo se ve casi post-apocalíptico, como un desierto en el que no hay vegetación y cuesta encontrar agua. En esa escasez/aridez es que Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne) surge como líder y tirano de un grupo de humanos (y otras variaciones) azotados por el hambre.

Immortan Joe es un personajillo asqueroso que además le raciona el agua a la Ciudadela.

A Max (Tom Hardy) lo capturan al inicio y encima lo ponen como bolsa de sangre de Nux, un war boy. Este war boy es un personaje freak, enfermo, “solo un chico” como dicen más adelante, perturbado por una crianza orientada a en algun momento encontrar la muerte y entrar a Valhalla.

“I live, I die, I live again”,es una de las frases que marcan el perfil del war boy.

Nicholas Hoult es quien tiene la difícil labor de hacer de este personaje alguien con quien la platea termina empatizando.

Tan es así que solo quería tomarlo en brazos y cantarle canciones de cuna:
Duérmete, war boy, duérmete ya…

Quiero decir algo más de Nicholas, y quiero decirlo porque amerita, porque no lo podía creer y porque es otro motivo de lanzar un fueguito artificial al firmamento. Nicholas es el niño de About a boy. Sí! La película donde Hugh Grant salía de cínico y terminaba haciendo amistad con un curioso/peculiar niño. Estamos, entonces, ante la evolución de un actor que hasta el momento no es un juguete roto de Hollywood y que ya lleva en sus espaldas películas como Furia de Titanes, X-Men y uno de los protagónicos de la serie de culto inglesa Skins.

Vale la pena seguir la carrera de Hoult.

Volviendo a Mad Max.

Paralelamente, Furiosa (Charliez Theron) se puso furiosa en serio y le tuvo penita a las «parideras» de Immortan Joe, decidió tomar ese toro por las astas y salir tostando con las chicas en busca de una mejor vida.

El Lugar Verde (Paraje Verde, Tierra Verde) se alza como quimera de esa vida que Furiosa conoció cuando era niña. Niña y feliz. Esa es la esperanza: dejar esos áridos caminos, encontrar verdor, y sobre todo, un lugar donde esas chicas que eran tratadas como objetos de placer e incubadoras humanas consigan su libertad. “No somos cosas” dice una de las fugitivas.

Sigo aumentando el montón de significado a los pies de Miller, le boto encima mi primera rosa y el primer libro que me regalaron, porque resulta que de un guión que tiene todas las papeletas para ser muy pedorro, este señor saca algo menos conformista. Pudo quedarse en el facilismo de una película de acción cualquiera y tiene el tupé de en su peliculita de acción, pipoquera meter una reinvindicación a los personajes femeninos.

No son las damas asustadas que serán salvadas por Max, no son doncellas resignadas a su suerte, no, son guerreras, son mujeres buscando un futuro para ellas.

George Miller, y los novatos Brendan McCarthy y Nick Lathouris, componen el equipo de guionistas de esta fastuosa puesta en escena en la que tampoco falta como consultora de guión la escritora feminista Even Ensler.

Furiosa y Max se encontrarán en algún momento de la película, y Max así con su poco hablar y su mirada torva, dejará de lado sus intereses por el bien común deseando encontrar una segunda oportunidad en ese/este mundo hostil.

Mientras ellos escapan, Immortan Joe con todo su séquito quiere recuperar a sus esposas cueste lo que cueste con una electrizante persecución.

Charlize Theron y Tom Hardy, ambos actores del método, se miden en sus interpretaciones tratando de trasladar toda esa impotencia de una realidad a la que hay que controlar por la fuerza, porque sí, porque hay gente mala, porque hay opresión, porque hay enfermedad, y hay oportunismo. Mientras eso exista solo queda ser artífice del cambio, romper el calzón de castidad y que caiga al piso hasta hacerlo temblar.

No hay muchos diálogos, pero los pocos diálogos tienen hasta su toque de furiosa y gustosa poesía, palabras que te hacen revolverte en la butaca y susurrar: «qué buena que está!» y esta vez no te referís a una mujer/hombre admirado/cosificado sino a la única expresión que le cabe a un impactante espectáculo de fuego y ruedas.

Estamos todos locos y qué. Desde el mismísimo director, pasando por War Boy hasta las chicas traumadas, no hay espacio para la cordura ni para el respiro, tomando en cuenta que el relato que hago de la sinopsis se produce en imparables escenas de acción, las reflexiones y las miradas a las estrellas son casi nulas.

Y está bien.

Las escenas coreografiadas, casi circenses acompañadas de un vestuario y una dirección de arte notables consiguen que la experiencia sea tremenda. Nadie olvidará a ese guitarrista vestido de rojo, enmascarado, colgado cual títere tocando una guitarra que escupe fuego mientras los tambores marcan una persecución que solo puede traer muerte. Nadie.

Visualmente es un placer para los ojos, y aunque estés acostumbrado a ver montón de películas, no dejás de escapar un asombrado suspiro ante algunas secuencias. John Seale, que ya trabajó con Miller en Lorenzo´s Oil y que ha estado nominado al Oscar por Rain Man, Cold Montain y Witness es el hombre detrás del lente.

La sinergia la completa la banda sonora, una banda sonora poderosísima que eleva los momentos de acción a la gloria, responsabilidad total de Junkie XL, un conocido DJ y músico de los Países Bajos que sin duda ha sido un acierto y cuya experiencia en películas se resume a Divergente, 300: Rise of an Empire y Una noche para sobrevivir (entre otras menos importantes).

En realidad, Mad Max: Fury Road tiene todos los elementos para un desastre épico, estoy segura que en las manos de otro crispín correrían ríos de venenoso resentimiento, pero gracias a Georgie no sucede. No. Estamos ante un renacimiento del género, y hasta del mismo Miller.

Sí, sí, sí, podemos decir que hay unos momentos (casi al final) donde la adrenalina disminuye y el guión entra en esa salvaje encrucijada de irse a la mierda con todo o complacer plateas, sí. Así es la vida, mastercard y la pulpería de la esquina. Y sí, aceptamos también que los últimos 15 minutos de cierre son eso: complacientes con la platea, algo atropellados en narrativa, facilistas en guión, hasta boludos.

Pero ¿saben qué? No me importa.

Te compro todo Georgie, al enano, a los war boys y al (SPOILER ALERT) aparato que baja para dejar subir a los asesinos de Immortan Joe como si llegaran de recoger margaritas en el campo, te compro a Immortan Joe sin ninguna capacidad de estrategia para atrapar a Max y las parideras, te compro el revolcón de lealtad del War Boy, el letrerito cursi del final, la rubia raquítica que actuaba tan mal, los mensajes a la conciencia chotos, te compro todo (SPOILER FIN)

Filmada en el desierto de Namibia durante 6 meses, en condiciones extremas, donde los actores describen que Miller subió la música a todo volumen y apenas escuchaban nada, y que la arena se les metía por sus más recónditos lugares, Mad Max: Fury Road es de esas películas que da gusto ver y que merece un segundo o tercer visionado.

Llegando a mi hogar, con la mente llena de guitarras flameantes y sprays plateados, no me quedó otra que buscar la trilogía original (la que evadí estos años por tener el nombre de Mel Gibson en ella) y sentarme, finalmente, a ver la Mad Max de culto por primera vez en mi vida.

Esa es otra historia.

Lo mejor: visualmente una obra de arte y una trama donde las dos horas no se sienten pasar Lo peor: que nos deja con ganas de más, pero tardarán un montón en sacar las otras La escena: hay un montón! cuando el primer war boy se inmola y grita lo de Sean Mis Testigos!, cuando Immortan Joe sale a perseguirlos y se abre el plano para ver la caravana, las escenas en la noche, las escenas de acción cuando los palos bajaban con el enemigo, las escenas de la guitarra llameante, la última escena de Nux, lo de la embarazada, cuando nace el hijo de Immortan Joe y Rictus discursea, pucha, hay demasiadas! Lo más falsete: los últimos 15 minutos son como too much, pero se podría interpretar que a rey muerto, rey puesto. El mensaje manifiesto: qué moderno se puede ser a los 70 años El mensaje latente: se pueden hacer blockbusters inteligentes El consejo: vela no una sino varias veces, en versión ORIGINAL SUBTITULADA El personaje entrañable: Nux, las chicas El personaje emputante: Immortan Joe El agradecimiento: por dos horas de puro placer (permiso, me voy a fumar un pucho)

CURIOSIDADES

Tuvo un presupuesto de 150.000.000 $us. y se filmó en alrededor de 6 meses!
En la mitología nórdica, Valhalla (del nórdico antiguo Valhöll, «salón de los muertos»1 ) es un enorme y majestuoso salón ubicado en la ciudad de Asgard gobernada por Odín.2 Elegidos por Odín, la mitad de los muertos en combate viajan al Valhalla tras su fallecimiento guiados por las valquirias,
Tom Hardy ya firmó por tres películas más de la saga.
La hija de Lenny Kravitz, Zoe Kravitz, es una de las esposas de Immortan Joe.
El director quería que la película tuviera un look de alto contraste y colorido, para diferenciarla de las imágenes lavadas y opacas que suelen usar las películas distópicas.
Filmada en mayor parte con muchos planos secuencia.
Miller tuvo planes para filmarla en el 2003 con Gibson en el casting, pero la obsesión de Mel por La pasión de Cristo (2004) hizo imposible el proyecto.
Tom Hardy y Mel Gibson tuvieron encuentros para hablar sobre el personaje (Max) y Gibson se sintió complacido con la posibilidad de que Hardy lo interprete.
El storyboard fue elaborado con la colaboración de 5 artistas y tuvo alrededor de 3500 paneles. De hecho fue creado antes que el guión porque como la mayor parte de las Mad Max, el filme tiene poco diálogo y se apoyo más que nada en lo visual.
Tom Hardy se disculpó con Miller en el festival de Cannes, porque al parecer hubo roces en el set ya que Hardy no entendía muy bien lo que Miller proponía y se frustraba pensando que las cosas estaban saliendo mal. Una vez vio la proyección se quedó tan obnubilado que tuvo que pedir disculpas al director.
Charlize Therón se rapó para el rol de Furiosa y luego tuvo que usar pelucas para sus proyectos posteriores.
Heath Ledger fue considerado para el rol de Max . De hecho era el candidato más fuerte para el director, pero lamentablemente el actor falleció en el 2008.
Por los problemas y postergaciones que hubo con el proyecto, Miller se desesperó y llegó a pensar en hacer la película animada y en 3D.
La escritora y feminista Even Ensler fungió como consultora de guión para crear los personajes femeninos.
El guitarrista de fuego de la película es Sean Hape, mejor conocido como iOTA, es un músico australiano. En una entrevista dijo que la guitarra pesaba más de 50 kilos y que botaba fuego de verdad que él tenía que controlar.

CINE: JOACHIM TRIER: REPRISE y OSLO,31 DE AGOSTO

Published on febrero 12, 2015

Hace mucho que quería hablar de Joachim. Mucho. Soltar una diarrea verbal que describa lo que sentí al ver sus dos únicas películas hasta la fecha.

Hablar de Joachim, de Noruega, de la soledad, de los 30s, de eso que pasa y que luego descubrís es la vida, de ese no saber estar pero estar, de polleras y carnavales, de Lars, su primo lejano, de la locura de Lars, de Herzog, de Uyuni, de tantas cosas.

Hace mucho. Y aquí estamos.

Lo bueno es que esta alabanciosa introducción a Joachim servirá, además, para luego (mañana o quién sabe) hablar de Eskil Vogt y su linda opera prima Blind, hablar también de El arte de llorar en coro o de los herederos de Haneke, pero eso más adelante, prontito, junto con las polleras y los carnavales.

Joachim, por su parte, transita la senda de lo sutil, de lo ambiguo, de esa melancolía que él define como “la incapacidad de conectar con la belleza, y de entender su cualidad marchita, que las cosas pasan y nada dura para siempre».

Joachim Trier tiene apenas 41 años y dirigió su primera película a los 32. Hijo del sonidista Jacob Trier, técnico de la película más famosa de Noruega Pinchcliffe Grand Prixe, empezó como skateboarder. Fue filmando sus concursos y experiencias en ese deporte que se metió en el mundo audiovisual. Luego estudiaría cine en Inglaterra.

Nacido en Dinamarca pero criado en Oslo, Noruega, es esta ciudad, Oslo, la que se convierte en origen y fin de su trabajo. Oslo, considerada como una de las ciudades más seguras para vivir y visitar, Oslo, paradójicamente, también cuna del asesino de Utoya.

Las dos películas que conforman la pequeña filmografía de Joachim nos presentan a un cineasta sólido, al que hay que seguirle los pasos como al flautista de Hamelin.

Gran parte de su éxito se debe a su guionista y amigo Eskil Vogt (siempre Eskil), cuyos guiones son tan especiales que si ya viste una película escrita por él, reconocerás su mano, así de fuerte es su estilo. Un estilo que respira además de cinematografía, literatura.

Pero empecemos, empecemos y spoileemos.

JOACHIM, EL PRIMO DE LARS

En Reprise (2006), cineasta y guionista narran la historia de dos amigos de infancia: Philip (Anders Danielsen Lie) y Erik (Espen Klouman-Høiner), ambos devoradores de libros, ambos aspirantes a escritores.

La película arranca cuando llenos de expectativa meten, cada uno, su manuscrito en un buzón.

“Aquí es cuando empieza todo”, dice uno de nuestros personajes.

Se desarrolla una realidad ideal, onírica que será sepultada por lo tangible.

Mientras Philip será publicado inmediatamente, Erik quedará a la sombra del éxito de su mejor amigo.

Philip, sin embargo, se sentirá superado por ese mismo éxito y tendrá un brote psicótico que lo llevará a oscuros periodos, depresivos, autodestructivos, exultantes.

Finalmente será hospitalizado.

La película dará un vistazo también a los amigos de ambos, a la banda punk Kommune que en sus inicios se vestía de anti-sistémica y a la que el tiempo y la edad convertiría en una agencia de publicidad.

Habrá espacio para la tormentosa relación entre Philip y Kari, una relación absolutamente co-dependiente o para la de Erik y Lilian, relación que Erik quiere terminar una vez le aceptan su manuscrito.

Uno de sus amigos declarará: “los tipos con relaciones serias se vuelven tan débiles…Acaban como retrasados burgueses sin iniciativa”, y así se siente Erik, quiere dedicarle todo el tiempo a la escritura.

Icónico será cuando el amigo al que apodan Porno Lars, el amigo al que ven como una especie de payaso inculto, absolutamente negado para cualquier paso serio de la vida, se ponga en pareja, se vista bien y empiece a comportarse como cualquier ser humano de esa franja etárea.

Al saber que tiene novia y se ha vuelto convencional, los que fueron el grupete de amigos van a su casa y espían la ventana de Porno Lars, para descubrirlo con camisa impecable blanca y un nuevo grupo de amigos, igual de impecables.

Philip dirá: “No puedo soportarlo, es demasiado triste”.

Reprise (al igual que Oslo, 31 de agosto) dialoga con aquello que una vez fue todo y luego se convierte en nada, con esa juventud desenfrenada que tiene que mutar en responsable adultez.

Reprise habla de una generación, de realidades paralelas, de ensoñaciones, de repetir momentos, repetir sensaciones, tarea casi imposible, pero el ser humano siempre busca la repetición, revivir infancias, juventudes, amores, amistades.

Algo en la película te hace mirar también tu propio pasado y descubrir todas las personas que se quedaron en el camino a la adultez.

A veces, solo a veces, dan ganas de seguir el ejemplo de Philip, subirte a una bici en el centro de la ciudad, cerrar los ojos y avanzar.

10

9

8

7

6

5

4

3

2

1

Cinco años después, Joachim avanzó y en el 2011 lanza Oslo, 31 de agosto.

En Oslo, 31 de agosto se recuerda. Se recuerda una infancia, se recuerda a unos padres, se recuerda una contexto social, político, se recuerda una vida que ahora se mira ajena, lejana. Se recuerda.

El recuerdo viene de Anders (nuevamente Anders Danielsen Lie), que a sus 34 años decide que la fiesta ya acabó y que después de la fiesta no queda nada.

Anders cayó en el pozo de la adicción, se metió de todo: drogas ligeras, drogas pesadas y pasó de ser un prometedor periodista a ser un yonqui.

La historia es tópica y típica, tanto para la vida real como para lo que sucede en la gran pantalla, sin embargo, Trier tiene la capacidad de hacer de esta historia tópica y típica una mirada profunda y desoladora a ese puente que se cruza cuando los 20s pasan. Si no fuiste capaz de cumplir el ciclo vital (estudiar, trabajar, establecerte emocional-económicamente) el futuro se convierte en días de remembranza, de recuerdo.

No hay lugar, no hay espacio para lo que la sociedad considera perdedores.

Anders se quedó detenido y sin rumbo mientras el resto de las personas de su vida siguieron adelante: su hermana lesbiana vive con su amante, sus padres venderán la casa de la familia, su ex novia Islenie trabaja en Nueva York, su mejor amigo es padre de familia y abnegado esposo, y él, él sale de rehabilitación en vísperas del último día de agosto. El día que termina el verano en Oslo.

“Siempre pensé que las personas felices debían ser imbéciles», dice Anders en una escena, añorando un poco de esa imbécil felicidad.

La cámara desenfoca a ratos al personaje, para desdibujar aun más una presencia que no pega con la veraniega Oslo.

Anders desea suicidarse y encuentra en una frase dicha por su mejor amigo una buena justificación:

“Si alguien quiere autodestruirse, la sociedad debería permitírselo”

La película no te engaña, la primera escena es Anders intentando suicidarse, y el resto es un desesperado intento de reconectarse con su familia, con la posibilidad de un trabajo, con la posibilidad de un amor. Po-si-bi-li-dad.

Como ya dije, el relato aborda esa desesperanza de una manera muy sutil, y llegás a impregnarte de esa tristeza que no te dicen que es tristeza, sino que hace que simplemente te sintás triste.

Anders festejará una noche de desenfreno. Beberá, conocerá una linda chica, una chica veinteañera, a la que le escupirá su vacío al decirle:

“Tendrás miles de noches como esta. Todo será olvidado”

Luego buscará el eco, el eco en un amanecer. Volverá a su casa de infancia, esa que será vendida con la vida que ya no tiene.

Al día siguiente, el verano termina pero Oslo amanecerá como siempre.

REPRISE

Lo mejor: un buen guión contado con agilidad y algo de humor Lo peor: que como el personaje es el mismo actor que Oslo, hay escenas que se pueden entremezclar indistintamente en tu memoria La escena: los amigos mirando la ventana de Porno Lars convertido en un ser socialmente funcional Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: todo pasa, el amor, los amigos, todo pasa El mensaje latente: lo que permanece es por algo El consejo: vela El personaje entrañable: Porno Lars El personaje emputante: Hennigen El agradecimiento: por esa mirada diáfana sobre lo que se va.

OSLO, 31 DE AGOSTO

Lo mejor: hermosa fotografía en una película abrumadora La escena: la de la bicicleta o los espacios concurridos en los que un solitario Anders se siente desconectado Lo más falsete:… El mensaje manifiesto: a veces la inhabilidad para fundirte con el mundo es demasiado peso El mensaje latente: recordar es vivir El consejo: hay que verla, mejor si después de Reprise porque están ligadas en temática y visión, la primera un poco más ingenua, esta más oscura El personaje entrañable: El vacío de Anders El personaje emputante: el vacío de Anders El agradecimiento: por su redondez, porque fotografía, actuaciones, pulso, confluye en un buen trabajo.

EN CARTELERA: Interstellar

Published on noviembre 24, 2014

Queridos y queridas:

Hoy, noviembre de 2014, a punto de que el año reciba el dulce beso de la muerte, escribo estas líneas sumida en el desconcierto que me provoca la ola de alabanzas que está recibiendo ese esperpento llamado Interstellar.

Interstellar-vida — Me parece que vi un lindo gatito, Murph.

Ajá, rotulé como esperpento a la última película de Nolan, la que es tomada como biblia de la diversión y profundidad cinéfila en algunos agujeros negros de la red, la que hará que me putee a los gritos con los nolanbelievers, y la que supuso, para mí, el punto de inflexión con el trabajo de Nolan.

Este despelote, bien analizado, ya se lo veía venir. Nolan ha tenido una carrera plagada de excesos pero siempre sobresaliendo por la magnificencia de esos excesos, siempre dejando que obviemos la estupidez, la dejadez narrativa, en pos de una experiencia en la butaca que resulte a grandes rasgos satisfactoria.

Nos pasó con El gran truco, en la última Batman o en Inception donde los enrevesados tejes y manejes de la trama dibujaron un signo de interrogación en la cara de más de uno, y claro, lo que se ignora solo puede dar pie a dos actitudes: Poner altares y flores, hincarse de rodillas y rezarle a una imagen hecha de madera o tratar de entender, ver qué no cuaja, qué no se explica, qué no funciona para mirar hacia otro lado luego de la disección.

Interstellar resume todos los vicios y mañas vistos a lo largo de la filmografía Nolan (hermanos Nolan) y ojo, a mí me gustan los Nolan: Peca de excesiva, pretenciosa, intenta meter tramas sobre subtramas para disfrazar el vacío de la premisa principal, y tiene situaciones que desafían cualquier grado de sentido común e inteligencia.

No voy a ser mentecata y a decir que lo que no me gusta de Interstellar es la falta de precisión científica, creo que da lo mismo si el agujero negro rota, se revuelca o escupe galletas con la cara de Hello Kitty, o si el agujero gusano lleva a otra Galaxia o a Porongo, da exactamente igual.

Lo que me emputó fue la falta de coherencia de los personajes y de las situaciones, y una sensación de tomadura de pelo general que me distrajo de los momentos “ñoños-sobrecogedores” en los que debía sumergirme cual si fuera una piscina de leche de burra.

Y aquí Matthew haces esto, aunque no lo entendás — Y así Matthew, vos que hiciste papelazos, que el año pasado ganaste un Oscar, harás de Cooper

Voy a pasar a contar la película tal como la viví, voy a soltar spoilers como lluvia de confetti.

Será largo y pajero, como corresponde a una película larga y pajera.

SPOILERS (recalco porque nunca falta un despistado)

DE CÓMO UN ACTORAZO COMO McCONAUGHEY HIZO EL PAPEL DEL BOLUDO COOPER

Estamos ante un escenario distópico. El ser humano sobrevive como puede. Los cambios climáticos han dado paso también a tormentas de polvo/arena/loquecarajossea y eso hace que el alimento esté en los últimos toques y despegues.

Cooper (Matthew McConaughey) un ex ingeniero espacial/piloto devenido en granjero, quedó viudo y con dos hijos pequeños (chico y chica). A la familia disfuncional en un futuro distópico acompaña el suegro de Cooper interpretado por Trinity (John Lithgow).

Pasan los primeros minutos en onda contemplativa para contarnos la vida de estos crispines y su difícil día a día. No se ahonda mucho en política ni en aspectos sociales de cómo se mueve esta sociedad moribunda porque como no hay ejércitos, ni nada de nada, el disparate que supone el argumento llegaría a niveles de abandono de sala.

Murphy, la hija menor de Cooper (la adulada, la preferida, porque el otro pobre hijo está de adorno), empieza a percibir fenómenos extraños en la casa y dice que hay un fantasma que le envía mensajes. Sí, sí, I see dead people. Luego de unos cuantos bailoteos alrededor de esa idea, OH!!!! SORPRESA!!! Cooper interpreta (así nomás) que unas marcas de polvo que quedan después de una tormenta son coordenadas de un lugar misteriosísimo al que (OBVIO) hay que ir.

“Hermosa” epifanía.

Youngmurph — Hola, soy Murph, decodificadora de mensajes de aquí, de allá y de más allá.

Porque se le cantan los huevos a los guionistas (hermanos Nolan) el don parte en busca de resolver esa inquietud acompañado de Murph (la hija) que se da maneras para colarse en la aventura.

Después de manejar un buen rato, llegan a una verja, y pa dentro curiosos e impertinentes visitantes.

Resulta ser que en medio de la hambruna, la pobreza y el caos que supone el fin del mundo, Estados Unidos mantuvo en “secreto” una instalación de la NASA, desde donde se creaban misiones y se despachaban cohetes como si nada y la gente de los alrededores no se daba cuenta de que había “cosos” volando por el aire ni se preguntaban acerca de la gigantesca instalación que se necesitaría para crear bichos de ese tipo, poner una pista de lanzamiento e infinitos etcéteras.

Ok, estaba alejado, había preocupaciones más importantes del campesino promedio y bla bla bla. OK.

Corte. Vemos a Cooper siendo interrogado por el robot-estante más pelotudo que he visto en la vida, lo siento amantes de TARS/CASE/KIPPER, pero la escena me recordó vívidamente a ese capítulo choto de Friends en el que Joey está emocionado por una serie de televisión en la que es protagonista junto con un robot, la serie se llamaba Mac&Cheese (espacio para asumir que sí, que el robot-estante se creó para nada más que tener a quién botar al agujero gusano y hacer el pase de datos).

Nosotros sí sabemos que sos un robot trucho

Por si ya no hiciera ruido la llegada mesiánica y de ribetes divinos a dicha estación de la NASA, el menso de Cooper se topa cara a cara con el Profesor Brand (Michael Caine), que OH!!! sorpresa de nuevo!! y jugarreta del destino, era su mentor antes!!

Ahí también está una bióloga, hija de Brand (Anne Hathaway) que se la pasa con las manos en los bolsillos y haciéndose la cariñosa con Murph.

Luego interrogan a Cooper, le preguntan que qué hace ahí, él cuenta lo de las coordenadas, nadie ahonda sobre eso ni se pregunta cómo el universo conspiró coelhianamente para llevar a Cooper y a su hija a tan recóndito escondite. Nadie dice: “Oye, qué raro ese temita de las coordenadas ¿no? Qué raro que este don aparezca de la nada”

Acto seguido, deciden que ya que está ahí y vio la luz, sea el piloto de la próxima e importantísima misión que están pensando llevar a cabo para salvar a la humanidad. Porque sí, porque han interpretado que el agujero gusano cerca de Saturno es un MENSAJE de unos seres pentadimensionales para que podamos salvar nuestros polvorosos cuerpitos humanos. Gracias, oh, seres quintadimensionales. Gracias por darnos ese mensaje y no decirnos cuál planeta era el que servía.

WTF.

Sí, de la nada (enésima repetición de la palabra nada) le ofrecen el puestito a Cooper que ni pestañea y el fulano Brand le explica con pelos y señales plan a y plan b. Plan A, volver al planeta Tierra y salvar a sus habitantes, plan B colonizar con embriones (que llevan consigo) otro planeta y dejar que la Tierra se las apañe. Y claro, Cooper tampoco reflexiona mucho qué onda, porque oh! Qué divertido volver a pilotar, oh! Qué interesante el plan de salvar el mundo! Oh! Por ahí no vuelvo a ver a mis pobres hijos ya huérfanos de madre, por ahí no veo crecer y/o morir a Murph mi hija predilecta, la niña de mis ojos, pero VOY! Claro que voy, mañana mismito me voy con ustedes desconocidos científicos que hasta la fecha no han hecho nada por nosotros.

Así, cual héroe de fina estampa, Cooper decide partir no sin antes comunicarles las “buenas nuevas” a sus hijos. El hijo adorno lo despide como si estuviera yendo a comprar Marlboro y Murph se pone histérica para luego decirle que ha descubierto OTRO mensaje del supuesto fantasma en clave Morse que dice STAY (quédate), Cooper que creyó en los mensajitos de la arena y las coordenadas pelotudas de la estación de la NASA, no se problematiza ni ahí con ese dato. No.

Tampoco le dan una clasesita de pilotaje, porque a pesar de los años pasados y de los avances de la ciencia, Cooper es tan talentoso como para lidiar con la ENDURANCE (nave espacial) y MÁS.

Todo este dramita familiar es la primera parte de la película.

DE CÓMO UNA PELICULA CHOTA COMO INTERSTELLAR ES PUESTA A LA PAR DE 2001 ODISEA EN EL ESPACIO

Sí.

En serio, sí.

Hay naves espaciales, hay robots, hay astronautas y paren de contar. Kubrick debe estar pateando el cajón con ganas de prendernos fuego a todos, para eso uno se muere con obras maestras sobre la espalda.

Mientras que la suya fue una película que rompió moldes, que en narrativa, en arte, en vestuario, en música, en todo lo que uno pueda mencionar como elemento de cine está a años luz de cualquier otra con temática similar, Interstellar se estrella en el lugar común, en lo ya visto:

– Héroe abnegado, rebelde, antisistémico que al final no seguirá las reglas sino que hará las suyas, y que sacrifica familia por un bien común

– Personaje que era bueno vira en malo para que haya un antagonista sorpresivo

– Chota historia de amor a la fuerza

– Resentimientos familiares producto de la acción heroica que luego serán subsanados en un glorioso y emotivo encuentro.

Prosígome.

En el espacio la trama girará alrededor del objetivo a cumplir que es salvar la tierra y de lo triste/atormentado que está Cooper por el tema de sus huérfanos, esos que abandonó sin mucha reflexión.

Veremos el viaje, el “aventurero” viaje de esa abnegada tripulación, contaremos con el personaje de Amelia Brand (Hathaway) que al principio se la ve con aires de mucha eficiencia pero que luego resulta absolutamente inoperante a excepción de la parte en que salva la vida del boludo de Cooper y cuyo macabro futuro es de incubadora/madre de las nuevas generaciones humanas.

Está Romilly, el físico que al partir se fatiga por el encierro y la posibilidad de pasar años ahí y luego cuando ocurre el desfase temporal y Brand-Cooper regresan 23 años después, está en onda zen casi casi haciendo origami. Seh…seguro. También vemos al pobre Doyle, un geógrafo cuyo único fin en la película es morir de la manera más inoficiosa del mundo. Y ya para rematar: TARS/CASE con su dosis de humor, sarcasmo igual a -0.

Ya puestos en materia, luego de fallar en la elección del primer planeta (el de las olas gigantes) vuelven para decidir ir al planeta del Dr. Mann (Matt Damon). Solo les queda algo de combustible y deciden ir al planeta de ese fulano por encima del Edmunds, novio de Amelia que tenía mejores datos. ¿Quién decide esa huevada? Cooper, claro.

Llegan ahí y resulta que Damon se nos había tronau y él que lideró a un equipo de 11 personas, que era un capo de capos, que era el héroe del boliche, que era una de las mentes más brillantes, el que prácticamente era el papi chulo de la ciencia junto con Brand, él que era un sensei del pilotaje (más avanzado que Cooper), muere tratanto de acoplar su nave a la otra, también, de la manera más estúpida del mundo no sin antes llevarse consigo a Romilly, en otro episodio de 1001 maneras estúpidas de morir.

Los baches argumentales son tan hondos como los pozos que encontrás de ida a las Lomas de Arena.

Murph ya creció y desperdician a esa gran actriz que es Jessica Chastain en su versión adulta. La fulana nunca perdonó la escapada del padre pero cuida con mucho mimo a Brand, el hombre que se lo llevó de su lado. Ahí descubre que lo del plan A nunca existió porque Brand siempre supo que solo había Plan B (jódanse terrícolas) y Murph se lo dice en mensajito virtual al padre y a la Amelia.

Más baches argumentales de por medio, muere el profesor Brand, el tiempo sigue pasando y Murph va a pasearse por su vieja casa donde ahora vive el hermano-hijo adorno con su mujer/hijo adornos y encuentra un reloj que su padre le dio antes de partir.

En ese punto, Cooper ya es parte de la quintadimensión y es el ser pentadimensional. Eso previo sacrificio del robot y escena similar a la del personaje de George Clooney y Sandra Bullock en Gravity (el combustible no alcanza para los dos, mejor me dejo ir y vos sobreviví Amelia, sobreviví por mí, por ellos, por nosotros).

Bueno, está Murph queriendo que su hermano y su familia abandonen la casa y para eso le prende fuego a su cosecha, brillante decisión. Mientras se pasea dentro de la casa con el maldito reloj ve que las manecillas se mueven e INTERPRETA-porque la película es una oda a la decodificación de mensajes escondidos- que es SU padre diciéndole en MORSE un montón de huevadas.

Murph sale reloj en mano como una poseída diciéndole a su hermano lo del mensaje y luego CORTE.

Elipsis temporal, la criaturita del señor terminó una teoría que salvaría a la humanidad, corre por los pasillos de la NASA con los papeles en su mano y los bota por un balconcito al grito de EUREKA.

Mil veces cojudos.

Hola, soy Murph. Ya crecí y sigo decodificando mensajes de acá, de allá y de más allá

Cooper que está en la quintadimensión derrepente despierta y OH! Murph había conseguido sus coordenadas y envió a un equipo a rescatarlo. Claro que el desfase temporal hace que Cooper siga igualito y Murph ya esté anciana a punto de morir. Nadie se pregunta por el hijo adorno y su respectiva familia adorno. NO ES NECESARIO.

Cooper va a ver a Murph a su lecho de muerte en un cuarto de hospital y Murph le dice que vaya a buscar a Brand con discursito lacrimoso incluido. Mientras Coop se va con esa nueva misión, ingresa al cuarto todo el familión de Murph (hijos/nietos/bisnietos/whatever) que seguro deben haber crecido escuchando las historias sobre ÉL, el abuelo perdido en el agujero gusano que ayudó a salvar el mundo y que ha sido rescatado y que está igualito que cuando se fue, pero nadie al entrar saluda al don, ni dan muestras de ser seres humanos medianamente normales. En caso de que NO sepan quién es, nadie dice nada acerca de ese extraño que llora junto a la vieja. Escena coreografiada al pedo y que no tiene ningún ápice de sentido.

Según la rocambolesca historia, para Cooper han pasado más de 100 años, sehhh! Y para la tierra deben ser unos 70 u 80. Nuevamente, no importan los grandes adelantos científicos, COOPER está en condiciones de ir a la NASA y robarse una nave espacial, manejarla como si fuera una bicicleta-triciclo e ir a buscar a la mamerta de Brand que anda deshojando margaritas en su colonia.

FIN.

Planeta Tierra, Santa Cruz Bolivia, sala de cine, 2014, seres tridimensionales: unos cuantos llorando a moco tendido, otro porcentaje con cara de haberse dormido en varias partes de la película, otros con cara de quécarajospasóaquí y otros con cara de haters.

Porque así es la vida y el mundo, hay para todos los gustos.

En un accidentado y no menos pajero resumen:

Para no decir que todo está impregnado de mierda:

Interstellar sigue siendo una película cuya factura es superior a la media. Buena fotografía del suizo Hoyte Van Hoytema (Her, Let the right one in, Fighter, El topo), aunque no arranca ningún asombrado suspiro. No vi nada a nivel fotografía que me apantalle. No alcanza ni la fastuosidad de 2001, Odisea en el espacio ni lo visto en Gravity, por decir algo.

Una banda sonora de Hans Zimmer que muchos alaban, y que a mí me pareció hasta por ahí nomás. Semi-eclesiástica edulcorando momentos ñoños y enfatizando momentos «intensos».

Actuaciones cumplidoras dado el disparate de guión. Había líneas de los diálogos que me causaban risa porque me imaginaba cómo los actores las ensayaron.

Hay que reconocer también que hay momentos que sí son «emocionantes» como por ejemplo cuando regresan y el negro está viejo, o cuando pasa lo de las olas gigantes, o cuando Matt Damon casi asesina a Cooper, o cuando éste se lanza al agujero gusano, situaciones que están diseñadas para eso.

Agreguemos los huevos de Nolan para hacer una trama tan enrevesada sin despeinarse/ni ruborizarse y lograr el asesoramiento de uno de los grandes científicos contemporáneos Kip Thorne (padre de la teoría del agujero gusano) aunque en global, ante mis resentidos ojos, haya sido en vano, más o menos echarle margaritas a los chanchos.

También destaco que a Nolan no le guste el asqueroso 3D y no nos haya sometido a la tortura que me supuso su película con los desagradables lentes.

No todo está impregnado de mierda, pero lo que sí está impregnado apesta

Al final es una película lenta y tonta, que no termina de ser ni el puto blockbuster ni una película de autor.

Es engañosa, y por eso permite ene pajeos de las interpretaciones del agujero negro, gusano, y del asterisco más si les da la gana. Ni siquiera quiero meterme en esa bañera séptica que supone la paradoja de Cooper, ELLOS, y el círculo de acciones y la imposibilidad de que la acción inicial que da razón al resto se produzca sin otro evento catalizador. Eso me da igual, yo vi una obra de 3 horas llena de baches en el guión que no voy a intentar tapar bajándome manifiestos de internet.

Respeto que existan seres tridimensionales que la encuentren emotiva, divina, hermosa, espectacular. No es mi caso. La encontré aburrida por ratos, irritante la mayor parte del tiempo, y un desperdicio de plata y grandes actores. No la vería de nuevo ni pescándola en el zapping.

Lo mejor: cuando termina Lo peor: las tres largas y eternas horas que te tortura La escena: lo de eureka fue un poquito too much Lo más falsete: todo, desde el inicio hasta el final El mensaje manifiesto: podés ver mensajes en las grietas de tu baño o en cómo se caen tus libros y nadie pensará que estás loco El mensaje latente: lo tópico no cansa a la platea El consejo: vela, igual puede que seás del porcentaje de seres tridimensionales que no la odian El personaje entrañable: ninguno, esta vez quería que todos mueran en una sangrienta explosión planetaria El personaje emputante: el más, más? Cooper, seguido muy de cerca por Murph El agradecimiento: por no sufrirla en 3D.

CINE: Ida (Polonia,2013)

Published on agosto 29, 2014

Blanco y negro.

Como el pasado. Como el ajedrez. Como los extremos. Como aquello que ya perdió color.

Una muchacha.

Blanco y negro. Como la fe. ¿Creés o no creés?

Una muchacha, Anna-Ida, que quiere ser monja.

Blanco y negro. Como la post-guerra. Como Anna, la monja. Como Ida, la huérfana.

Una tía, Wanda, que guarda los secretos de una infancia tortuosa que Anna-Ida no recuerda, pero que debe recordar porque solo así podrá “entregarse a Dios”.

Una monja que descubre que es judía. Una monja-judía.

Anna-Ida.Católica-Judía.

Vos en la butaca, a colores, como el presente. Como los que no vivieron una guerra.

Anna-Ida escarbando en las fotos viejas, descubriendo a su madre, a su padre.

La desdicha de eso que se enterró y no se sabe dónde está. La desdicha de desenterrar y ver lo que había en el hueco.

Un director, Pawel Pawilkowski, que habla estoica y bellamente del dolor.

Una fotografía de Ryszard Lenzewski y Lukasz Zal que habla estoica y bellamente del dolor.

Una Polonia heredera de los horrores de la Segunda Guerra Mundial y del Socialismo Soviético.

Un guión que no quiere darte mensajes morales, ni plantearte retóricas políticas o sociales, sino que te deja a tu aire, sumido en el viaje de Anna-Ida.

La nieve cayendo como cuando cae la tristeza.

Sencilla, delicada, con un pequeño giro que no te esperás, Ida consigue con poco lo que muchos no logran con más.

Finaliza y el plano de esa caminata cierra el viaje. Una sensación tibia anida en tu estómago y en tu garganta.

Vos en la butaca tiñéndote de blanco y negro.

Ida. De esas películas que dan ganas de abrazar.

10606011_10204265363292799_361093854679160792_n

Lo mejor: hermosa Lo peor: tristeza La escena: el desentierro, la ventana Lo más falsete: …. El mensaje manifiesto: el pasado ha moldeado tu presente El mensaje latente: la vida continúa, a pesar de… El consejo: para verla sin prisas El personaje entrañable: Ida, la huérfana El personaje emputante: el horror El agradecimiento: por su austeridad y la falta de artificios.

CURIOSIDADES

– El director tenía una historia mucho más elaborada, pero decidió extraerle la esencia y dejar que el espectador acompañe la película sin mucha retórica.

– El casting fue muy complicado de encontrar, sobre todo la actriz protagónica que sería IDA. El director les pidió a sus amigos que saquen fotos de desconocidas y vean si encontraban a alguien que le pueda servir. Un amigo descubrió a Agata Trzebuchowska en un café, le tomó una foto y la convenció de que vaya a la audición.

– Ambas actrices protagónicas se llaman Agata en la vida real.

– El director de foto Lenzcewsky tuvo que ser reemplazado 10 días después de haber iniciado el rodaje por motivos médicos.

– Dura tan solo 80 minutos.

CARTELERA: Guardianes de la Galaxia, El amanecer del planeta de los Simios, Tortugas Mutantes Ninjas y un extra

Published on agosto 14, 2014

Señorit@s, es Blockbuster Time! repasaremos la cartelera local y esos regalitos que Hollywood nos deja en los pocos cines que hay en el país. Regalitos que, esta vez, no es abrirlos y destapar el fétido aroma de Transformers, ajá, ahora podemos hacernos coronitas de flores y cantar en el bosque porque no, no están mal. Es decir, hay en cartelera algunas películas de entretenimiento masivo muy dignas de ver y que hacen que renueve mi fe en la humanidad, en Hollywood, en los Doritos, en la cerveza Heineken y en toda marca que aparece camuflada en ellas.

1) Guardianes de la galaxia o mi perro se parece a Rocket

No esperaba un peso partido al medio de esta nueva película basada en comics. Cero. El desconocido James Gunn que había escrito huevadas como Scooby Doo y dirigido Slither (La Plaga) no era garantía de calidad. Grande fue mi sorpresa y dicha, cuando fui al cine, me senté en la butaca y me divertí como cuando trepaba a los árboles de palta en mi infancia. Sí.

Guardianes de la galaxia tiene todos los ingredientes para pasar un rato ameno en el cine: buenos personajes, está bien dirigida, efectos especiales notables y un sentido del humor del que acuso recibo: RECIBIDO GUNN, RECIBIDO!

Chris Pratt se puso a dieta para interpretar a Peter Quill. Peter es el típico personaje un poco atarantado y pagado de sí mismo que en otras películas se hace muy detestable y lo querés matar a lapos, pero que aquí lo mirás como se mira a un gatito dormir. Obviamente que parte de ese encanto está en la abnegada troupe que lo acompaña: un divino Rocket con la voz de Bradley Cooper, un adorable Groot con la voz de Vin Diesel, Zoe Saldaña haciendo de Gamora, y la presencia de Benicio del Toro y Glen Glose que se campean por ahí.

El mismo director (Gunn) y una debutante Nicole Pearlman se encargaron del guión que se basa en el comic de Dan Abnett y Andy Lanning (la nueva generación de GDLG), en él Peter es un saqueador de poca monta que se topa con un objeto que será la manzana de la discordia. Tras de su cuerpito irán Rocket y Groot tratando de ganar una recompensa por su captura y Gamora será la que le pondrá la onda Rome/Julieta la asunto. Claro, el romance NUNCA puede faltar (gracias, Carrusel)

No me jode ni que Ronan (Lee Pace) actúe tan mal, ni que Drax (Bautista) parezca hecho de las piedras incaicas de Samaipata o que las acciones de Nebula (Karen Gillian) no tengan ningún sentido, da igual. Lo compro.

Una hermosa banda sonora con su Awsome Mix Vol. 1 y Awsome Mix Vol.2 con temazos como Hooked on a feeling de Blue Swede, I want you back de los Jackson 5, y uno de mis favoritos de siempre Aint no mountain high enough de Marvin Gaye y Tammi Terrel, logran llevar la película a momentos de clímax emotivo.

La huevada termina, y una sonrisa estúpida sigue pegada en tu cara.

Lo mejor: dura dos horas y no las sentís pasar Lo peor: que vamos a tener que esperar harto pa la secuela La escena: hay varias: la de la pierna es un cague de risa, la de las luces es muy bonita, la ñoña de agárrense de las manos como en el spot de Doria Medina está cute Lo más falsete: …. El mensaje manifiesto: la unión hace la fuerza El mensaje latente: No hay montaña suficientemente alta El consejo: para verla en su idioma original con subtitulitos y quédense porque después de toda la chorizada de créditos HAY YAPITA El personaje entrañable: todos amamos a Groot y a Rocket El personaje emputante: Nebula, por pelotuda El agradecimiento: la plantita final.

CURIOSIDADES

El luchador Dave Bautista rompió en llanto cuando le confirmaron que su papel sería el de Drax, el destructor y firmó el contrato inmediatamente.

Según Vin Diesel la línea I´am Groot, fue grabada más de 1000 veces y que además la grabó en varios idiomas (español, ruso, francés, mandarín) para que sea siempre su voz la que se escuchara.

Pratt perdió cerca de 30 kilos para interpretar a Peter Quill, su audición fue tan buena que el director le dijo que el papel era suyo siempre y cuando se pusiera en forma.

Diesel ha afirmado que interpretar a Groot lo ayudó a lidiar con la muerte de Paul Walker. Su amigo acababa de morir cuando la filmación comenzó, y el personaje que es una celebración a la vida lo ayudó a salir del lugar oscuro en el que estaba.

El creador de Rocket, Bill Mantlo, fue atropellado en 1992 en un hecho nunca esclarecido, Mantlo estuvo en coma mucho tiempo y al despertar sus capacidades cognitivas no eran las mismas, ha pasado los últimos 22 años institucionalizado en un hospital con enfermeras especiales, se hizo una presentación especial para él de la película.

Lee Pace (Ronan) audicionó para el papel de Peter Quill, y al final quedó como el villano.

El perro que aparece con el casco de astronauta es el perro del director James Gunn.

2) El amanecer del planeta de los simios o la triste historia del mundo

Sí, mis amadas gotas del rocío boliviano, después de ver El amanecer del planeta de los simios, algo se te queda en el corazón, una triste sensación de que así nomás es.

La historia continúa lo dejado por el despelote que armaron James Franco, Trinity y César en la anterior Planeta de los Simios. Pasaron los años y el virus desarrollado por los humanos barrió con casi todos los humanos (bella redundancia).

César y los suyos (los otros simios) se unieron y crearon una sociedad con reglas, con un líder, con rutinas, que viven pacíficamente en medio del bosque.

Como no puede ser de otra manera, llega un grupo de humanos y se les meten al rancho. Estos humanos necesitan trabajar en territorio de los simios para poder generar electricidad en el refugio humano. Si no lo hacen, los humanos igual atacarán a los simios para conseguirlo.

César, que es un líder en todo su esplendor, decide hacer un pacto con ellos para ayudarlos y a sabiendas de que sin ese pacto habrá un enfrentamiento que derramará sangre de ambos bandos.

Pero no todo es criterio, ni entre los simios, ni entre los humanos, en ambos bandos nunca falta un loquito inestable que cagará los esfuerzos por llevar la fiesta en paz.

Una clara alegoría de la historia del mundo, una fábula de lo humano, en donde los procesos de paz se ven siempre interrumpidos por aquellos que odian tanto a su enemigo que no les importa el baño de sangre con tal de hacer lo que se les canta.

Explosiva, y con momentos que alguna lagrimita arrancan, El amanecer del planeta de los simios cumple con la estela que promete una historia donde la máxima es: Simio no mata a Simio.

Matt Reeves es la mano que mece la cuna y hace lo suyo dignamente. Un director que tiene películas como Cloverfield y la versión americana de Let me in.

Rick Jaffa y su esposa, Amanda Silver, que también participaron en la película anterior, y en The Relic, y en la peli con Sally Field esa de Ojo por ojo entregan un guión en el no hay grandes sorpresas pero que funciona. A ellos los acompaña Mark Bomback cuya expertise se ha visto en películas como Duro de matar 4, Wolverine, y The Night Caller, entre otras.

Andy Serkis dándole vida al imponente César, Nick Thurson como Blue Eyes, Toby Kebbell como el atormentado Koba, Karin Konoval como Maurice, hacen un trabajo que eleva el filme a algo más.

Por el lado de los humanos: Jason Clarke como Malcolm, Gary Oldman como Dreyfus y la siempre recordada Felicity: Keri Russell como Ellie, tampoco decepcionan ni desentonan.

Mención aparte merecen los efectos especiales, esas tomas multitudinarias de simios, los primeros planos en los momentos emotivos o tensos, estamos ante una película trabajada con esmero y que merece reconocimiento por haber puesto la técnica al servicio de una historia.

Lo mejor: bien filmada y emociona Lo peor: es bastante predecible La escena: cuando César le dice a su hijo la gran verdad, rompe el corazón y también la de los simios a caballo y también la de Koba y su tomadura de pelo y la del final Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: Simio mata a Simio El mensaje latente: Hombre mata a hombre El consejo: para verla en su idioma original con subtitulitos El personaje entrañable: Koba, demasiado dañado El personaje emputante: el hijo de pooh que estaba de ayudante de Felicity y su marido, ese que casi los hizo botar del campamento El agradecimiento: por Andy Serkis. Hay que dar gracias a Dios todos los días por ese hombre.

CURIOSIDADES

Koba, el nombre del simio que es la mano derecha de César, es un guiño a Stalin, así se llamaba a sí mismo el famoso dictador ruso.

Matt Reeves fue co-creador de la serie Felicity, de ahí que casi 15 años después, le hiciera casting a Keri Russel a quien le dio el papel protagónico de esa serie.

Es la primera Planeta de los Simios en ser filmada y lanzada en 3D.

Otros directores que fueron considerados para este proyecto fueron: Carlos Fresnadillo, J.A. Bayona, Guillermo del Toro y Jeff Nichols

3) Las tortugas Ninjas o alimenten a Megan Fox

Y bueno, ahora nos toca ocuparnos del retorno de Megan Fox a las grandes lides o de nuestra mancha en el mantel de los buenos blockbusters.

Pobrecita Megan, después de su desafortunado comentario en el que comparaba a Michael Bay con Hitler, prácticamente la borraron del escenario hollywoodense. Michael Bay se quejó de que, además, la tipa andaba prendida al blackberry y que ponía cara de estreñimiento en todo el rodaje, sí. Pues ese mismito Bay es el productor del nuevo intento de lanzar a las Tortugas Ninjas a la pantalla de cine.

Parece que todo ha sido perdonado y ahora Megan Fox interpreta a April O´Neil una periodista en ciernes que está cansada de reportear huevadas y que quiere hacerse con una gran historia.

Por casualidad, la desnutrida April presencia la aparición de las tortugas ninjas como vigilantes de Nueva York y decide ahondar en esa investigación.

Ese es el meollo. Chica linda quiere ser periodista seria y se topa con la súper historia. Tortugas normales, usadas para experimentar, con nombres de grandes pintores se convierten en súper héroes y viven una súper historia. Y no nos olvidemos de la rata gigante que es su mentor. Todos viven en las alcantarillas y comen pizza.

Como el título promete, esto es una película TEEN, o sea para adolescentes/niños/lactantes/adultosconsíndromePeterPan, de otro modo es muy difícil encontrarle más sentido que el de algunos chistes opas y evidentes.

Tampoco puede faltar en una película de este estilacho: un malo maloso que tratará de arrasar con el mundo y de ponerlo bajo su pie izquierdo y claro, el héroe salvador, en este caso las tortugas gigantes mutantes ninjas adolescentes come-pizza que tratarán de impedirlo.

Jonathan Liebesman es el director de esta descafeinada versión mutante, aunque Liebesman ya nos había demostrado un talento especial para hacer películas aburridas y poco memorables con Ira de Titanes, Invasión a la Tierra, La matanza de Texas, el origen y En la oscuridad, ZZZZzzzzZZZZ.

Tiene buenos efectos especiales, pero si ya has visto X men, El planeta de los Simios y Guardianes de la Galaxia, como que miras con cara de: sí, sí, qué bonita la nieve, y el patín, y el camión, algo más?

Nada gente, esta versión de las Tortugas Ninjas no me supo tan horrible como las Transformers (ajá, tengo un issue con las Transformers a excepción de la 1) pero hasta ahí, apenas alcanza para pensar en una que otra escenita, en uno que otro chiste, en las ganas de hacerle un menú criollo lleno de carbohidratos a Megan Fox, y esito sería todo.

Lo mejor: uno que otro chiste funciona Lo peor: aburrida y estúpida hasta decir basta La escena: cuando parece que están por morir y alguien menciona a Lost Lo más falsete: April y su relación con el poco masculino camarógrafo El mensaje manifiesto: lo retro no siempre pega El mensaje latente: los 80s no volverán El consejo: para verla si NO hay otra cosa mejor El personaje entrañable: Donatello y su amor por April El personaje emputante: El camarógrafo El agradecimiento: que se deja ver.

CURIOSIDADES

Megan Fox y Will Arnett comentaron que sus hijos fueron un factor determinante a la hora de aceptar hacer la película.

El creador de las Tortugas Ninjas, Kevin Eastman, hace un cameo en la película como doctor.

Es la primera Tortuga Ninja en ser catalogada para PG-13 en Estados Unidos.

Jane Levy, Anna Hendrick y Elizabeth Olsen hicieron casting para el rol de April.

El lanzamiento de la película coincide con el 30 aniversario de la saga de Tortugas Mutantes Ninjas.

EXTRA-TARDÍO EXTRA

Quedé debiendo la de X-men que la tenía escrita pero nunca tuve tiempo de subirla, a pedido de G.A. que escribió al mail reclamándome de una manera muy coloquial mi desidia, acá la dejo y cumplo.

X-men o cómo los mutantes siguen funcionando

La nueva entrega de X-Men es todo eso que esperamos de un blockbuster. Sí. Esta parte V, este Días del futuro pasado llega a momentos de sublime felicidad cinéfila y hace que con más ahínco pensemos que el resto de directores del mismo nicho (el de Amazing Spider Man 2, Godzilla, Divergente y todas las Transformers a excepción de la 1) son, de verdad, for real, crispines de oficio.

Y eso que con Bryan Singer hemos tenido nuestros encuentros y desencuentros. Encuentros con películas como Los sospechosos habituales, o las respectivas X-men que dirigió previamente, y desencuentros con esa bosta al infinito que fue Superman Returns y con la mustia Valkyria.

No importa.

Para los que dudábamos que un quinto retorno de los mutantes sería un desperdicio, es un placer decirles que no, las X-men no decepcionan nunca y esta nueva entrega es quizás una de las mejores.

El filme arranca con una trabajada secuencia de nuestros mutantes en un futuro apocalíptico (año 2023) huyendo de los Centinelas.

Me encantaron los portales de Blink y su caracterización, plin, plun, plon. Ahora me ves, ahora no me ves.

Magneto y Xavier se unen en pro de la supervivencia colectiva y deciden lanzar un disparo a la oscuridad: Kitty Pride (Ellen Page) cuyo poder es hacer saltos mentales en el tiempo, trasladará la mente de uno de los mutantes al pasado, para impedir que Mystique lleve a cabo una acción que es el detonante del despelote imperante.

Temblad, pasado, temblad!

La acción se trasladará a 1973 donde los mutantes que conocemos hasta ahora están en su versión más joven, igual que en la anterior entrega.

Michael Fassbender interpretará nuevamente a Erik (Magneto en sus primeros escarceos), James McAvoy volverá a ser Xavier, aunque esta vez apesadumbrado por la pérdida de Raven, sus piernas y su escuela, y claro, también aparecerá Mystique/Raven (Jennifer Lawrence) un conflictuado personaje que en distintas versiones hemos visto a la sombra de Magneto o a la sombra de Xavier, mientras que aquí será el personaje en torno al cual gire el futuro de los mutantes.

Quizás el gol de media cancha se lo lleva la incorporación de Evan Peters como QuickSilver (Mercurio) en su adolescente versión. Claro, aún cuando hay fans que se arrancaban la piel a mordiscos cuando supieron que este jovencito sería Quicksilver, al final del día poco importa si el chico es o no fiel al cómic, su personaje funciona. Todo lo que sucede mientras Quicksilver está en pantalla es entretenido, interesante, bien filmado e hizo que, apresurada, escribiera una carta llena de corazones con MyB a Singer. En especial, la secuencia de la cocina en el Pentágono.

Gracias, fui 3600fps feliz.

En ese momento, bien pude gritar: «Apaguen todo que nos vamos», largarme e igual recomendar esta película, así de buena es la escena. Pero obviamente me quedé sentadita en la butaca, porque además, por si la aparición de este personaje no fuera suficiente, otra dicha que nos deparó Singer en su casting fue la incorporación de Peter Dinklage como Bolívar Trask. Sí!!!!!! ese gran actor (no es ironía) que es Peter, salta de cada episodio de Juego de Tronos, a la pantalla gigante en X-men como un fascista científico que intentará acabar con los mutantes creando los Centinelas.

Muere, Tyrion facho, muere!!!!

Pero no solo hay girasoles meciendose en el viento, en su apresurado desarrollo hay inconsistencias argumentales que nos llevan a un sopapo de realidad y a decir resignadamente: “Y bueeee, es un blockbuster” habría que hacerse las siguientes preguntas, sólo como ejercicio lúdico: Por qué dejan a QuickSilver si a ojos vista se ve que es menos inútil y problemático que el mamerto de Magneto. Por qué buscar a Magneto que piensa con la uña del pie izquierdo y que se sabe NO pueden confiar en él. Si vas a mandar al pobre Wolverine al pasado mínimo puej contale bien con qué se va a encontrar porque es muy pérdida de tiempo largarlo así solo con frases como “Te va a ser complicado porque no era lo que conoces ahora” y bla bla bla. Los humanos van a quedar tranquilos solo porque vieron que Mystique salvó a Nixon y compañía, luego de ver el despelote que hizo Magneto?. Viviré lo suficiente para ver la próxima secuela?.

Esas y otras preguntas quedan flotando en el aire. Aún así, con los baches argumentales y las jaladas de cabello que te podés dar por el manoseo al cómic, salimos del cine satisfechos.

Con la barriga llega y el corazón contento, emborrachados de efectos especiales, de algunas bromitas bien dichas, y de esa casi onírica secuencia final donde se pasan por el traste a todas las anteriores X-men y nos devuelven las lágrimas derramadas.

Lo mejor: una de las mejores de la saga y con una bellísima factura Lo peor: algunos baches argumentales La escena: Quicksilver en el Pentágono: AMÉ Lo más falsete: la huevada de Nixon y el estadio, ya puejjjjj El mensaje manifiesto: eliminar nunca funciona El mensaje latente: al malo solo el cariño lo vuelve puro y sincero El consejo: si no la viste, vela en DVD o BLURAY El personaje entrañable: Quicksilver: AMÉ El personaje emputante: Magneto, Nixon El agradecimiento: Quicksilver: AMÉ.

CURIOSIDADES

Patrick Stewart y Ian McKellen se encontraban haciendo la obra Esperando a Godot cuando fueron llamados para la película.
Es la séptima vez que Hugh Jackman interpreta a Lobezno
Bryan Singer solo estaba dispuesto a hacer la película si Stewaart y McKellen confirmaban su participación
El personaje de Halle Berry, Storm, fue reducido al mínimo debido a que la actriz estaba embarazada
A pesar de que el personaje de Anna Paquin aparece solo 3 segundos y no tiene diálogo, es una de las actrices mejor pagadas de esta entrega.
Singer basó a Bolívar Tras en Adolfo Hitler.
Jamie Campbell (Billy Elliot) y Nico Tortorella audicionaron para Quicksilver.
Bryan Singer tiene un cameo como fotógrafo en el bollo de gente que se forma cuando Mystique cae del edificio y trata de huir.

LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

cine - page 24

EN CARTELERA: Ant-Man /El Hombre Hormiga – Jurassic World y Terminator Génesis

ANT-MAN o Querida, encogí a Scott

CURIOSIDADES

Jurassic World o Liberen a BLUE

CURIOSIDADES

Terminator Génesis o la Khalessi necesita sus dragones

CURIOSIDADES

EN CARTELERA: Intensa-Mente /Inside&Out/ Del revés

La tristeza NO es mala, suspiritos azules

CURIOSIDADES

CINE HÚNGARO: Feher Isten/ White God/ Hagen y yo/Buscando a Hagen

REVOLUCIÓN CANINA

CURIOSIDADES

EN CARTELERA: Mad Max:Fury Road

“What a day! WHAT A LOVELY DAY”

CINE: JOACHIM TRIER: REPRISE y OSLO,31 DE AGOSTO

JOACHIM, EL PRIMO DE LARS

REPRISE

OSLO, 31 DE AGOSTO

EN CARTELERA: Interstellar

CINE: Ida (Polonia,2013)

CARTELERA: Guardianes de la Galaxia, El amanecer del planeta de los Simios, Tortugas Mutantes Ninjas y un extra

1) Guardianes de la galaxia o mi perro se parece a Rocket

2) El amanecer del planeta de los simios o la triste historia del mundo

3) Las tortugas Ninjas o alimenten a Megan Fox

X-men o cómo los mutantes siguen funcionando

cine - page 24

ANT-MAN o Querida, encogí a Scott

CURIOSIDADES

Jurassic World o Liberen a BLUE

CURIOSIDADES

Terminator Génesis o la Khalessi necesita sus dragones

CURIOSIDADES

La tristeza NO es mala, suspiritos azules

CURIOSIDADES

You might be interested in

REVOLUCIÓN CANINA

CURIOSIDADES

“What a day! WHAT A LOVELY DAY”

You might be interested in

JOACHIM, EL PRIMO DE LARS

REPRISE

OSLO, 31 DE AGOSTO

You might be interested in

You might be interested in

1) Guardianes de la galaxia o mi perro se parece a Rocket

2) El amanecer del planeta de los simios o la triste historia del mundo

3) Las tortugas Ninjas o alimenten a Megan Fox

X-men o cómo los mutantes siguen funcionando

You might be interested in