LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

Category archive

cine - page 21

EN CARTELERA: Pasante de moda y El Transportador: El Legado

PASANTE DE MODA/ THE INTERN / EL BECARIO

Siempre que veo el nombre de Nancy Meyers me acuerdo de esa lindísima película que es Alguien tiene que ceder. Para mí, su mejor película hasta la fecha.

Y es que la Meyers tiene tanto en su escritura como en su dirección cierta sensibilidad que llega, que toca.

The Intern o Pasante de Moda bebe de esa veta, aunque ahora le echa un poco más de azúcar, vainilla y crema chantilly.

maxresdefaultBen (Robert de Niro) es un tipo viudo, jubilado cuya rutina es muy solitaria. Las primeras secuencias están impregnadas de cierta tristeza aunque la película tenga un tono optimista.

Nuestro personaje decide que quiere sentirse útil y darle un sentido a su día a día, así que se postula a un trabajo como Interno en el que especifican que se está buscando a gente mayor.

Así llega a una tienda de ropa online dirigida por Jules (Anne Hathaway).

El cine de Meyers está siempre afincado en las relaciones y en situaciones de la vida comunes. No sucede nada extraordinario, solo se profundiza una relación en la que generalmente se descubren miedos, alegrías, tristezas, fracasos, éxitos.

maxresdefault-1

Jules es trabajólica y vive pendiente de todos los detalles de su empresa, eso ha acarreado que descuide un poco su familia (o eso piensa ella) y que su esposo se convierta en ama de casa.

Y ahí esta el bueno de Ben que empieza a involucrarse en la vida personal de Jules, al mismo tiempo que se desarrolla como interno.

Quizás la visión de Meyers es demasiado amable, en un puesto de trabajo que sería la envidia de muchos de sus jóvenes compañeros, Ben es adorado y admirado por todos. Nada de cochina competencia desleal, tan usual en cualquier empresa.

TIN-FP-0076

Jules se muestra como una tipa autosuficiente, moderna, y pasa de ser la badass del boliche pasa a comportarse algo volátil, depender emocionalmente del interno,  y a considerarlo su mejor amigo.

Al final, cuando el puchichi explota y vemos a la protagonista entrar en un bache profundo, Meyers intenta que celebremos la decisión de Jules y que nos creamos que sí, que cosas tan dañadas se recomponen.

Más floreros rotos pegados con poxilina para el mundo.

tin-13

Dicho cuento de hadas es retratado con la fotografía estilosa y elegante de Stepehn Goldblatt (Closer, The Help, Julie y Julia).

Quitando el barniz rosa azucarado que Meyers intenta dejar, estamos ante una lindísima actuación de Robert de Niro, y una muy buena actuación, también, de Anne Hathaway que a sus 32 años se quejaba en una entrevista de que los buenos papeles le eran cada vez más escasos.

Pasante de moda se beneficia de estos dos grandes actores para contar una historia algo simplista. Meyers la filma muy correctamente, tan correctamente que al final, a pesar de la estafa emocional del que somos objeto, salís del cine medianamente satisfecho.

Punto para el azúcar.

Lo mejor: De Niro y Hathaway

Lo peor: demasiado amable

La escena: la de la computadora en la casa de la mamá de Jules (por absurda)

Lo más falsete: la bondad en tantos corazones empresariales

El mensaje manifiesto: hay que cumplir los sueños

El mensaje latente: Los sueños tienen su precio

El consejo: nunca es bueno involucrar a los empleados en la vida personal de uno. Diga lo que diga Nancy Meyers. Gracias.

El personaje entrañable: la hija de Jules

El personaje emputante: el marido de Jules

El agradecimiento: por Robert.

Si ya viste Pasante de moda, puntúala:

[yasr_visitor_votes size=»medium»]

EL TRANSPORTADOR: EL LEGADO / THE TRANSPORTER: REFUELED

Sí, todos disfrutamos El transportador del 2002, ese que nos presentó a Jason Statham (más mainstream que en Snatch) como una alternativa a héroe de acción. Jason, con su pelona, su aire sencillo, no muy fisicudo, no tan “bonito”, no tan “feo”, o sea, en un limbo de cierta corrientez que funcionaba.

Su buen vestir, sus reglas, eficiencia y su saber lidiar con situaciones difíciles, convirtieron a su personaje Frank en uno de los clásicos de acción y es en ese personaje que la franquicia descansó.

Ajá, a Frank yo le encargaría todos mis paquetes, tus paquetes y los del vecino más.

El Transportador ya tiene 3 entregas y este año se lanzaron con la cuarta.

transportersmall

Como no se pudo renegociar con Statham (pedía muchos quintos), prescindieron de él.

Primer error. En una franquicia de este tipo, Statham es tu mejor carta.

Tomada la decisión de sacar a Statham, los estudios contratan a Ed Skrein.

¿Quién es este caballero?

Amantes de Juego de Tronos, retrocedan y recuerden cómo el gran Khal Drogo era el recio, musculoso y masculino esposo de la Khalessi y recuerden cómo tras su partida se esperaba que la aparición de Daario Naharis haría que Drogo palidezca no solo ante la Reina de los Dragones sino ante nosotros, porque sí, supuestamente Daario y la Khalessi estaban destinados a incendiar las pantallas. Entonces, traen a Ed Skrein, cuya actuación estaba muy por debajo del nivel de la serie. Hasta el día de hoy no se sabe qué paso con el Daario Naharis de Ed Skrein, unos dicen que debido a su mala performance y a la cero química con la Khalessi lo botaron como a una chinela rota, y otros alegan que como era un personaje que iba y venía nunca se le hizo un contrato, así que cuando a Skrein le ofrecieron El Transportador: El Legado, el muchachón se cortó las mechas y dejó a los Segundos Hijos con los crespos hechos.

Da lo mismo, Juego de Tronos está mejor sin él y El Transportador, bueno…

AP_transporter_refueled_jef_150904_16x9_992

El guión escrito por Adam Cooper (Exodus) , Bill Collage (Exodus) y el mismísimo Luc Besson (The Transporter, The Professional, Taken, The fifth Element) narra lo que sucede cuando un grupo de mafiosos se apropia de la prostitución de una concurrida zona de Mónaco. Sus prostitutas llevan un collar con un corazón negro para identificarlas, y ya se sabe que si te topás con alguna es un Corazón roto. Cuatro de estas chicas que son del Corazón Roto, deciden vengarse de sus jefes y elaboran un descabellado plan.

Así es que Anna (la líder del grupo) contacta y contrata a Frank.

The-Transporter-Refueled-14

Esto de la rebelión de las prostitutas pudo funcionar muy bien si le hubieran puesto un poquito más de cariño al guión y no se notara a las claras que se pasaron por donde la espalda pierde su bello nombre cualquier intento de ir más allá.

Es como si hubieran hecho una maqueta con muñequitos y se hubieran dedicado a jugar sin ningún sentido. Visten a tres de las chicas iguales y las mandan a asaltar un banco. Ese plan no funcionaba ni en Porongo, con eso digo todo.

Luego se suceden escenas vistosas, una detrás de otra, pero donde la muerte segura sería el destino racional. No importa, a nadie le importa, ni siquiera a vos.

A esas alturas reconocés que estás ahí sabiendo que vas a ver la cuarta parte de una franquicia ya agotada, y disfrutás alguno que otro momento que te puede dar una película filmada con un presupuesto de casi 22 millones de dólares y unos cuantos chispazos de Luc Besson.

Screen-Shot-2015-03-20-at-10.12.00-AMCamille DelaMarre, cuya labor es más la edición pero que ha saltado a dirigir algunos proyectos, dirige una película sin sorpresas que se deja ver pero que no dejará huella de ningún tipo aparte de la rueda de un Audi impresa en el cadáver del Frank que interpretó Jason Statham.

Atropello que merece un severo castigo.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: dentro de todo, entretenida.

Lo peor: predecible, con escenas boludas.

La escena: la del auto y la manga del aeropuerto y la del gas y la del auto que avanza mientras Frank pelea.

Lo más falsete: todo lo del banco, todo lo del hospital, todo lo de la discoteca, todo lo del yate

El mensaje manifiesto: lo barato sale caro

El mensaje latente: hay protagonistas que son eso PROTAGONISTAS.

El consejo: no esperés mucho aunque tenga la firma de Luc Besson

El personaje entrañable: los Corazones Rotos que querían dejar de serlo

El personaje emputante: los maleantes que eran sus pimps

El agradecimiento: porque aunque estuviera Statham esto no levantaba, así que bien por Statham.

CINE CUBANO: Conducta (Ernesto Daranas)

Uno de los tantos carteles con mensajes de Fidel o del Che o de Martí que se pueden leer en las calles de La Habana dice:

El Futuro pertenece por entero al Socialismo

Y  no miente.

Para el turista, esa Habana es sinónimo de autos clásicos, habanos, souvenirs del Che, Tropicana, El Guajirito, Piñas coladas, Ropa Vieja y el Malecón.

Detrás hay un aparato gubernamental que funciona como reloj suizo desde que se pone un pie en Cuba y que garantiza esa visión romántica, y al mismo tiempo mantiene al cubano dentro de los márgenes de lo establecido.

La burocracia que tan bien retrató Tomás Gutiérrez Alea en La muerte de un burócrata está presente en los taxis, en los servicios de city tours, en los hoteles, en los Paladares, en cualquier cosa que el turista o el cubano miren y, claro, también vive en la educación.

Conducta, el filme escrito y dirigido por Ernesto Daranas, cuenta principalmente la historia de Chala, un niño de once años cuya madre es alcohólica y drogadicta. Su supuesto padre (nadie sabe si realmente es o no el padre del muchacho) gana dinero de las peleas de perros, actividad en la que Chala también está involucrado. Como es de esperar, el entorno disfuncional hace que Chala sea un chico problemático que solo tiene el voto de confianza de su profesora Carmela.

Conducta-510225907-large

Carmela es una de las profesoras más antiguas de la escuela y se niega a aceptar que se envíe a Chala a la Escuela de Conducta, instancia última a la que se recurre cuando los niños son inmanejables.

Entrar a una Escuela de Conducta en Cuba significa llevar un estigma para toda la vida. El sistema directamente margina a los menores y los medica, lo hace dentro de esa burocracia inepta que no personaliza el trato y que ha arrojado dudosos datos sobre su eficacia.

Carmela lo sabe, pero las reglas de la escuela de Chala, las comisiones de educación y la maestra suplente, conspiran para que el niño tenga ese destino.

conducta_down

La película, también, toca por encima la situación de Yeny, niña compañera de clase de Chala. Yeny es hija única y con madre ausente, ella y su padre son “Palestinos”, porque migraron desde Holguín hacia la Habana. Nadie sabe muy bien cómo se empezó a designar Palestinos a los migrantes del interior a la Habana, el caso es que el término se usa peyorativamente ya no solo para rotular a la gente que migra, sino a los que son de ahí (zona oriental de Cuba) aunque estén legalmente establecidos en La Habana.

Tanto Chala como Yeny sufren por la burocracia y la estatización del sistema que no contempla excepciones ni una mirada humana a situaciones específicas. No importa que el papá de Yeny sea un hombre trabajador y que ella sea la mejor alumna de su clase, no están legales, son palestinos. La niña no se puede matricular y el padre no puede trabajar sin que la policía lo detenga cada cierto tiempo.

Sí, Conducta usa recursos conocidos: Profesora ejemplar que se enfrenta a las reglas, niño rebelde, mamá yonki, papá desconocido, abusos, pobreza, etc.. Sin embargo, la película no pretender ir más allá de lo que vemos: una historia sencilla y amable con las dosis justas de cuestionamientos a esa doble moral en la que se enseña al cubano sobre ser un hombre nuevo y al mismo tiempo se lo margina mezquinamente si no entra en el sistema.

conducta-755x490

Conducta en su sencillez y repetidos recursos, emociona. No importa si, por ejemplo, la escena de Yeny entregándole a Chala el libro de Jack London: Colmillo Blanco, suene a facilismo. Ni importa tampoco que algunos discursos de la profesora Carmela parezcan algo de panfleto: los calles de La Habana, las paredes descascaradas, los años 50s prácticamente estacionados en los edificios que siempre están en refacción, las puertas de los taxis que hay que cerrar despacio, los niños que crecen bajo una estricta educación, el miedo a las comisiones, a los castigos, a las “consecuencias”, los humildes regalos del amigo secreto, las reflexiones sobre las frases de Martí, lo que significa Patria, humanismo, el preso político que es liberado, todo eso hace que la película te llegue y capaz, sin darte cuenta, hasta derramés alguna lágrima insospechada.

Hermosa fotografía de Alejandro Pérez, sobre todo las escenas de las palomas, de Chala en lo alto de los edificios con una Habana de fondo que con todas sus precariedades es absolutamente maravillosa, de Yeni y sus clases de flamenco, de los abrazos, de los silencios.

En el apartado actoral, el director prescindió de los niños actores que se forman en la escuela estatal La Colmenita y usó niños sin experiencia de las zonas que la película retrata. Los niños cumplieron con lo que sus roles exigían. Especial mención a Armando Valdés (Chala) que en esa infancia rota que tiene que lidiar con cosas que los niños no deberían lidiar, hace una representación memorable.

Con los adultos tengo un poco más de reparos, sobre todo con la actriz que interpreta a la mamá de Chala y con Ignacio, el supuesto padre.

Aún así, estamos ante un filme correcto y emotivo. Curiosamente apoyado oficialmente por el gobierno a través del Ministerio de Cultura y además exhibido en los cines Yara y Chaplin con un éxito sin precedentes.

película-conducta

Cuando estuve en La Habana no pude resistirme a entrar al mítico cine Yara. Una encantadora niña de unos 6 años me tomó la mano en la oscuridad y me dijo: “Ven, te ayudo” y me llevó hasta mi butaca. La película era Vuelos Prohibidos, melosa historia entre un fotógrafo cubano que se topa en un aeropuerto con una francesa que está yendo a Cuba a conocer a su padre. Todo se resumía a charlas entre ambos sobre la Cuba de antes, la actual, la crítica de la francesa, la justificación del cubano ante algunas cosas y así, lo que me impresionó fue la reacción del público. Ellos se tomaban en serio lo que hablaban en la pantalla y detrás de mí un grupo de adolescentes discutían sobre si se irían de Cuba o no. Aunque la película era muy mala, un cerrado aplauso culminó su proyección.

maxresdefault

Mientras veía Conducta envidié la posibilidad de verla en el cine Yara, rodeada de cubanos. Me pregunté cuál sería su reacción, su sentir por la maestra Carmela, por Chala, por Yeny, por la inocente estampita que no puede estar ahí ante los ojos de la próxima Inspección, me pregunté si los créditos serían acompañados por aplausos o si sus mentes, al igual que la mía, se quedaron con la frase de la canción que los niños cantan un par de veces: ¡Que nunca jamás se manche de sangre la guayabera!

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: Linda y emociona

Lo peor: argumento ya visto, predecible y amable.

La escena: el final es un muy bonito final…

Lo más falsete: el cambio del tal Ignacio y tal vez, la relación con Yeny.

El mensaje manifiesto: la buena conducta es más que las normas establecidas.

El mensaje latente: La buena conducta tiene más que ver con una estatura moral y de nobleza.

El consejo: VELA EN EL FENAVID!!! este jueves 22 de octubre será exhibida en la AECID a las 20.30 (Arenales 583)

El personaje entrañable: Carmela y Chala

El personaje emputante: las temidas «consecuencias»

El agradecimiento: por la Habana, por Cuba.

EN CARTELERA: En la cuerda floja (The Walk) y Revancha (Southpaw)

The carrots are NOT cooked!

Hubo un tiempo en el que Robert Zemeckis fue un innovador. Santa Cruz no tenía tantas calles pavimentadas ni tantos edificios. Sus innovaciones generalmente se veían en el Cine Palace, en el René Moreno o en el cine El Arenal. No había 3D ni whatsapp, tampoco existía Justin Bieber y, claro, creíamos que el ser humano era puro y sincero. Hubo un tiempo.

Zemeckis nos lanzó existenciales preguntas como ¿Quién engañó a Roger Rabbit? o ¿Dónde carajos quedó Wilson?

Cuando la innovación cesó y dio paso a una actitud más conformista en su cine, este director que salió de los campamentos infantiles de Steven Spielberg, igual siguió dando películas que cumplen con aquello de «entretener”, como sea y con quien sea.

The Walk no es la excepción.

walk_ver2_xlg

Es difícil cagarla con un personaje como Philippe Petit a quien ya hemos espiado en ese grandioso documental que es Man on wire. Un tipo que a los 24 años consiguió la hazaña de tender un cable metálico entre las Torres Gemelas y caminar sobre él sin ningún tipo de protección, 8 veces! ida y vuelta.

Zemeckis opta por un relato edulcorado, carente de profundidad y algo plástico para narrar con un omnipresente Philippe (Joseph Gordon Levitt) cómo se gesta su amor por el funambulismo y se lleva a cabo el famoso scoop.

Veremos a sus cómplices, a una devota novia Annie (Charlotte Le Bon), a un didáctico Papa Rudy (Ben Kingsley) y a otros personajes cuya labor es magnificar o barnizar a los personajes reales. Porque sí, en la vida real ni Annie fue tan devota ni los cómplices tan condescendientes.

the-walk-movie

El guión que corre a cargo del mismo director y de Christopher Brown (Beowulf) rápidamente muta de un homenaje a la hazaña de Philippe a un homenaje a las desaparecidas Torres Gemelas o a New York mismo. Ajá, los gringos hacen de cualquier hueco una trinchera.

Como diría Juan Gabriel: ¿Pero qué necesidaaad, para qué tanto problema…? ¿Qué necesidad hay de tener a Gordon Levitt trepado, obvios efectos de por medio, en la estatua de la libertad all the fucking time, y el relato yendo y viniendo a él, cuando hubiéramos agradecido más una prosaica y miserable voz en off?

Zemeckis se entretiene con el 3D y con truquitos tecnológicos en detrimento de la historia y su gran, gran crimen contra el arte, la vida, el dios Sol y nosotros es que transforma a Philippe en un odioso y altisonante payaso. Payaso que constantemente nos está explicando qué siente y de qué color es el uñero del pie.

the-walk-new-york-film-festival

Da un poco de ternura ver el empeño que le puso Gordon Levitt para interpretar al famoso francés, y en ese apartado podemos decir que zafa, aunque por momentos el guión lleve a nuestro personaje a estridencias más altas que las Torres.

La fotografía de Dariusz Wolski ,que también tiene otro gran trabajo suyo en The Martian de Ridley Scott, deja claro porqué lo contratan Sancho, Pedro y Martín. El hombre es talentoso y hay unos cuantos momentos solucionados de una manera muy linda, incluido el momento clímax de la película.

Porque claro señora, señor, no se sorprenda si a pesar de todo lo dicho usté se descubre conteniendo el aliento ante la hazaña del cruce de torre a torre de Joseph Gordon y su peluquín. No se sorprenda. Todos sabemos que ni el fulano ni el peluquín caerán al vacío newyorquino, pero igual lo sufrimos.

Y quizás sea lo único que pague la entrada: la hazaña en sí misma.

El resto es brillo y lentejuela de un director que siempre fue pipoquero, y que a ojos vista está enamorado de las nuevas tecnologías y de New York. Ese amor desmedido hace que su película The Walk no logre dar un pasito más allá de la confortable azotea en la que se encuentra.

The-Walk-Movie-2015-Zemeckis

Lo mejor: entretenida y la historia pelada es muy interesante Lo peor: artificial y magnificada en puntos pueriles La escena: el cruce de torre a torre Lo más falsete: lo de la gaviota: EL HORROR.  El mensaje manifiesto: Piensa en grande y se te concederá El mensaje latente: Un paso en falso y caés al vacío El consejo: mirate Man on Wire para emociones más duraderas El personaje entrañable: la cuerda El personaje emputante: el protagonismo de las Torres y la Estatua de la Libertad El agradecimiento: que si ves esto y no has visto Man on Wire, te llevarás una linda y emocionante sorpresa.

Si ya viste The Walk, puntúa la película!

[yasr_visitor_votes size=»medium»]

Jake, siempre Jake

He aquí una película simplona, convencional, bien filmada, sensiblera, que puede pasar sin pena ni gloria por la cartelera si no fuera por esa espectacular interpretación que hace Jake Gyllenhaal del boxeador caído en desgracia Billy Hope.southpaw-poster

Historias de boxeadores lamiendo el piso de la derrota las hemos visto muchas, desde la emblemática Rocky hasta El Luchador, de Aronofsky.

Revancha ya en su cursi título en español te dice de qué va la película y cómo termina.

Poca o ninguna sorpresa habrá en un filme que además, muy al estilo Hollywood, refuerza los lazos afectivos entre padres e hijos y que está dirigida por Antoine Fuqua, conocido por películas patrioteras, de simple acción, con personajes moralistas y finales relativamente felices.

Billy Hope es un boxeador con un pasado tumultuoso, criado en un orfanato donde conoció a su esposa, Maureen. Luego de algunos problemas con la ley se enfocó en el boxeo y se convirtió en campeón mundial de su categoría. Cuando al película arranca, Billy está mostrando menos resistencia en las peleas por lo que Maureen (Rachel McAdams) le pide que se retire y se dedique a la familia.

Desgraciadamente, su rivalidad con otro boxeador hará que pierda a la mujer de su vida en un confuso incidente, lo que será un detonador para que todo se venga abajo.

Hope, haciéndole honor al apellido, luchará por recuperarse con la ayuda de un nuevo entrenador interpretado por Forest Whitaker.

960

Como ven, nada nuevo bajo el sol aparte del forzado giro de la esposa muerta.

Kurt Sutter se quedó con la autoría del guión, aunque dicha autoría fue peleada por Richard Wenk y finalmente la corte falló a favor de Sutter, cuya experiencia se limita a episodios de series como Hijos de la Anarquía, o The Shield. El guión le pone a Billy obstáculos que parecen insalvables para luego levantarlo de la cenizas como un ave fénix.

Lindo. Y ya visto ene veces.

Eso no es impedimento para que la historia de pobre chico huérfano sin formación, explotado por su entorno, abandonado en época de desgracia, sin muchos elementos con los que retomar su vida sea accesible o genere empatías.

1280x720-GLq

Jake Gyllenhaal reluce cual gema de 1 kilo en medio del desierto. Él es por lo que te enganchás a la película, por lo que sufrís con la muerte chota de la esposa, y por lo que te alegrás cuando el momento de la revancha llega. Entrañable actuación de Jake, que película a película nos muestra que es uno de los mejores actores de su generación.

La dirección de Fuqua, a pesar de un guión bastante austero, se luce en los momentos de pelea gracias también a la expertise de su director de fotografía: Mauro Fiore (Avatar, Training Day, La Isla).

La banda sonora fue creada por James Horner, que la hizo gratis ya que Fuqua dizque no contaba con presupuesto para pagarle y se trató del último trabajo que hizo porque moriría tiempito después en un accidente de avión. Música acorde a una película de este tipo. Incidental, limpia, funcional.

Esta película planeaba ser la secuela de 8 miles protagonizada por Eminem, y el mismo Eminem iba a actuarla. El rapero decidió dedicarse a su disco y la historia fue cambiando hasta ser independiente a 8 miles y tener a Jake Gyllenhaal como Billy.

11082344_1076038662411376_5674279146973109520_o

El resultado es una película lacrimosa, de fácil estructura y sin sorpresas, pero muy mirable. Un filme que si no fuera por Jake Gyllenhaal  podría pasar directo al DVD y  se vería en una tarde lluviosa de gripe y sueño.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: la actuación de Jake Gyllenhaal y que, gracias a eso, se deja ver Lo peor: nada nuevo bajo el sol La escena: la escena inicial y la pelea final Lo más falsete: la muerte de Maureen El mensaje manifiesto: Llora y llorarás solo El mensaje latente: Ríe y el mundo reirá contigo El consejo: vela por Jake Gyllenhaal El personaje entrañable: Billy El personaje emputante: el agente de Billy  El agradecimiento: por esa lindísima interpretación de Jake.

EN CARTELERA: Sicario (Denis Villeneuve)

Un tipo como Denis Villeneuve que tiene en su currículum la feroz Incendios y la enigmática Enemy, un día se despierta y voilá: hace Sicario.

Main-Quad_AW_29617-Sicario-smallSí, el filme está siendo celebrado en circuitos festivaleros pero en definitiva es una, por demás, simplista aproximación al mundo del narcotráfico, al cruce o no de límites para “combatir el mal” y la ya archiconocida muletilla “sos lobo o sos cordero”.

Después de un operativo antisecuestro, la agente del FBI Kate (Emily Blunt) es reclutada por un grupo, digámosle alternativo, del gobierno en una misión que más tarde se revela es para descabezar el cartel de Juárez. El personaje de Kate es exasperante, es como si fuera una Winnie Pooh que nunca abrió un periódico en su vida o nunca se informó de nada del mundo exterior, se pasa la mitad de la película sin saber qué carajos sucede y la otra mitad conflictuada por lo que descubre.

¿2 más 2 son 4?
¿2 más 2 son 4?

A mí, en la butaca, me ocurrió exactamente lo mismo.

Como parte del triángulo de fuerzas clichés que quiere vendernos el debutante guionista Taylor Sheridan está la ya mencionada Inocencia/Ética (Kate), lo Político/InstitucionalAlternativo a través del enchinelado Matt Graver (Josh Brolin), que chicle en la boca tampoco se entiende muy bien porqué se toma la molestia de reclutar a alguien tan inoperante como Kate-WinniePooh, además de no darle lineamientos básicos de lo que se espera de ella y finalmente el Mal/Siniestro en Alejandro (Benicio del Toro) que está ahí con cara de circunstancia aunque a la legua se ve que debe tener el ADN de Pablo Escobar.

La famosa operación se lleva a cabo sin ningún asidero legal de parte de los americanos y es chapucera de principio a fin lo que hace que como espectador bordeés el análisis serio del filme o acusés recibo de una boba película americana más.

Bajo el paraguas de la constante sospecha/tensión puede suceder de todo, desde que nuestra Winnie Pooh se ligue a un desconocido en plena misión, hasta que nos muestren a un personaje marginal toda la película para que casi al final quieran dar su golpe bajo, autocomplaciente con él.

¿Y si vamos a Juárez, a poner ese rancho en orden?
¿Y si vamos a Juárez, a poner ese rancho en orden?

Villeneuve apuesta por climas y solemnidades que pretenden darle seriedad a las situaciones y revestir de profundidad un mensaje que está muy masticado a pesar de que se intente vender cierta ambigüedad y repartija de culpas grises entre ambos bandos.

Lo que le da cierta verosimilitud es la más que buena interpretación del casting encabezado por un Benicio del Toro que no tiene desperdicio, otro punto a favor es la espectacular fotografía del experimentado Roger Deakins (No es país para viejos, Skyfall, Shawshank Redemption). Deakins recrea con maestría cuerpos colgados de los puentes, enfrentamientos en túneles ocultos, y una muy suculenta escena casi al final en la que Medellín/Alejandro invade la casa del capo de Juárez.

Lo de Deakins, empero, no alcanza para que el evidente paternalismo del filme no acabe por vencer cualquier simpatía estética que tengás y salgás del cine con la sensación de que has visto una fallida y genérica puesta en escena sobre el narcotráfico.

Fallida hasta el punto que podría servir como apoyo de campaña de Donald Trump.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: poderoso envoltorio

Lo peor: guión tonto y condescendiente

La escena: la de los túneles, la de la invasión de Medellín a la casa de su enemigo

Lo más falsete: lo de la carretera y el embotellamiento, el discurso ñoño de Medellín al enfrentarse con el capo, el cuasi encame de Kate, la escena de Kate al salir del túnel y la escena entre Kate y Medellín al final

El mensaje manifiesto: A esos mexicanos hay que ponerlos en vereda como sea

El mensaje latente: todos somos la misma cochinera

El consejo: para verla como un simple thriller

El personaje entrañable: ciudad Juárez.

El personaje emputante: Kate, Matt

El agradecimiento: por Deakins.

CURIOSIDADES

La pobrecita Emily Blunt sufrió de diarrea en México por lo que la escena en la que viajan en auto hacia la frontera se puede apreciar a Blunt sudorosa y pálida por la enfermedad.

Tuvo un presupuesto de 30.000.000 $us..

Denis Villeneuve describe su película como un poema oscuro.

Blunt acababa de dar a luz cuatro meses antes de empezar a filmar.

El alcalde de Ciudad de Juárez llamó a boicotear la película: «La película presenta como actuales una época de violencia que ya fue superada».

El guionista Taylor Sheridan llevó a cabo una exhaustiva tarea de investigación, que incluyó trabajar en el área en la que transcurre la película junto periodistas y junto a un agente del FBI, en el que está basado el personaje que interpreta Emily Blunt.

EN CARTELERA: Marte / The Martian (Ridley Scott)

Ridley Scott se sacudió todos los hijueputazos que le llovieron por Prometheus (2012), decidió reintentar con el género que lo hizo famoso: Ciencia Ficción y hacer una versión ligera del espacio, ligera como nube de algodón. Sacó su cabeza por un huequito y, a sus casi 80 años, dijo: Ola, k asen?

MARTE_Cartel_Def

Está bien. La nueva película de Ridley, Marte (The Martian), es, sin duda, muy entretenida.

De qué va? Un grupo de seis astronautas está en una misión en Marte. De pronto surge una tormenta, y la Comandante Lewis (Jessica Chastain) decide que es tiempo de agarrar los chécheres y salir tostando del planeta. No se olviden del dicho: Mejor aquí corrió que aquí murió.

Empiezan a caminar en fila india hacia la nave y pim pum pam, un pedazo de antena se lleva con todo a Mark Watney (Matt Damon). Los trajes de astronautas están diseñados para emitir las señales vitales, y el equipo no recibe señal alguna del traje de Mark, entonces piensan que ha muerto y con la tormenta ya encima no les queda otra que partir.

Mientras ellos están de regreso a la Tierra resulta que nuestro Mark estaba vivito y coleando en ese desolado y rojo planeta llamado Marte.

La película agarra un tono survival, donde el personaje principal tiene que luchar por sobrevivir, porque sí, porque la vida es un camino cuesta arriba. Lo hemos visto mucho y de todas las maneras posibles, esto sería una mezcla entre GravityEl Naúfrago, Robinson Crusoe y Kathy, la oruga.

Mark, que es un astronauta con una maestría en Botánica, dará muestras de ingenio en esa lucha por llegar con signos vitales hasta el final de la aventura. Ajá, McGyver un piojo tuerto, Sheldon Cooper un mero aprendiz. Ni Harry Potter con su varita se las podría haber ingeniado mejor que Mark Watney.

anigif_optimized-2453-1433777339-3

El tipo vuelca las adversidades a su favor, y todo con una predisposición y un buen estado de ánimo envidiable que es acompañado de clásicos de la música disco. Turn the beat around, Hot Stuff, Rock the boat, Don´t live me this way y hasta I Will Survive se campean por ahí.

Sí, Marte es una píldora contra la depresión y los deseos suicidas. Todo en ella es superación y ver el vaso tan llenito que ya se está derramando.

Paralelo a la situación del animado Mark, vemos lo que la NASA hace para manejar primero: la supuesta muerte de Mark ante la opinión pública y luego: el supuesto rescate. Hay que recordar que ir a Marte no es como agarrar un micro que te lleve a Warnes, no. Toma años llegar o salir de ahí, sin contar el gasto de millones de dólares que exige mandar una misión.

El montaje de Pietro Scalia (Gladiator, Prometheus, Good Will Hunting) colabora para que la historia sea accesible y veamos ambas puntas de manera efectiva.

El guión es de Drew Goddar, conocido por La Cabaña del Bosque y Guerra Mundial Z, créditos que nos permiten constatar que el público objetivo es el masivo, y que la idea es hacer una película taquillera con un esquema argumental más bien clásico.

Claro que se apegaron bastante al libro homónimo en el que se basa, tanto que su autor, Andy Weir, dijo que las lágrimas se le escaparon al ver el primer corte del filme.

The-Martian-viral-teaser-1

Lágrimas que esperan sean compartidas por un público que sí, que aún sabiendo que todo pinta a final feliz, sufre con los obstáculos por los que atraviesa Mark y se ríe bobamente con los chistes americanos del abandonado personaje.

Dariusz Wolski (Prometheus, Exodus, Piratas del Caribe) pone su impronta detrás de la cámara y a través de su hermosa fotografía transforma los paisajes de Jordania en un espectacular planeta marciano.

Mención aparte merece Matt Damon, que al igual que Sandra Bullock por Gravity y Tom Hanks por El Naúfrago, seguro recibirá un reconocimiento por su papel del chabacano y animoso Mark Watney. Estos papeles que sirven de humanos paradigmas siempre son bien recibidos por la Academia, y si encima el actor/actriz perdió algunos kilos en el proceso, pues es casi seguro que lo tendremos en los Oscar 2016.

The+Martian

El resto de los actores que interpretan tanto a los compañeros de Mark como a la gente que trabaja en la NASA, también demuestran su solvencia: Chastain, Daniels, Chiwetel, Kristen Wigg, Sean Bean están en la medida correcta y con personajes igual de luminosos que Mark. No hay muchas mezquindades, ni siquiera un odioso antagónico, porque como decía El PUMA: Juntos podemos llegar, Unan sus manos conmigo.

Ridley, por su parte, se mete a la piscina del conformismo y nos entrega una película común y corriente, bien hechita, bien filmada, bien contada, bien actuada, pero con la que no pasa más nada. Sus detractores dicen que nuestro Ridley se ha convertido en un vulgar Ron Howard.

(insertar emoticón del monito con los ojos tapados)

No sé si llegaremos a tanto. Marte no será la apuesta más innovadora o lo más jugado de Ridley Scott pero es su mejor y más entretenida película desde Gladiator, es la menos accidentada, la menos bizarra, la menos ceremoniosa, la menos petulante.

Conseguir un buen blockbuster tampoco es tan sencillo, todas las semanas estrenan huevadas que son infumables a pesar de ser solo productos destinados a escapar del mundanal ruido un rato, en el caso de Marte están todos los elementos que hablan de un buen director y un buen equipo, aunque sí, sí, hay que reconocer que poco o nada se ve del director de Blade Runner.

En esa metáfora que son las inclemencias por las que atraviesa Mark Watney supongo que Ridley ha bajado los brazos y ha decidido entregarse a una industria donde repetir una historia de sobrevivencia con un mensaje global de superación personal que bien pudo ser escrito por Coelho o Dyer, aun funciona.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: Funciona.

Lo peor: bastante simplona.

La escena: todo lo relacionado a cómo Mark supera los imprevistos.

Lo más falsete: en general: demasiado buena onda, buen corazón y buen ánimo. y claro, lo de Iron Man.

El mensaje manifiesto: Vos podés.

El mensaje latente: Vos podés.

El consejo: Vela, está bonita. No sé si valga mucho el 3D, a excepción del inicio y el final, creo que no hay mucha necesidad de los lentes.

El personaje entrañable: las plantitas

El personaje emputante: Prometheus, ah no. Eso era en la otra…hmmm

El agradecimiento: porque es ligera y entretenida.

CURIOSIDADES

El libro en el que se basó: The martian (El Marciano), fue escrito primero por capítulos en un blog, en el que el autor tomaba los consejos que le daban los lectores para ir desarrollando la historia. El texto final fue rechazado por varias editoriales hasta que Weir decidió subirlo a Amazon para comercializarlo por su cuenta. De ahí, la alta venta de su versión virtual hizo que una editorial lo contactara y lo llevara a papel, el resto es historia.

La película fue filmada en Wadi Rum Jordania. Las escenas de set se filmaron en Budapest.

NASA y varios científicos fueron consultados para pulir los aspectos científicos del filme.

Aunque en la película Mark tiene que ver la manera de crear agua, 4 días antes de que la película fuera lanzada al mercado se supo que se había encontrado agua en Marte.

Cerca de 20 sets fueron construidos para filmar Marte.

Matt Damon filmó sus escenas en 5 semanas.

La escena en que el personaje de Donald Glover (Rich) se cae cuando está tratando de hacer cálculos para la sonda, fue una caída real en la primera toma, a Ridley le gustó como quedó y la dejó en el corte final.

Bastante material que se investigó y consiguió para hacer Prometheus fue usado/reciclado para The Martian.

El rodaje duró alrededor de 70 días y tuvo un presupuesto aproximado de 180.000.000 $us..

Mark es el equivalente inglés a Marcus que es el equivalente latino de Marte.

CINE FRANCÉS: Love – Amor (Gaspar Noé)

El Amor.

¿Qué es el amor?

Era una calurosa noche de principios de año, estábamos en una fiesta y un conocido, al calor del trago, contaba entretenidas anécdotas sobre estrellas de cine. De pronto, las estrellas de Hollywood pasaron a segundo plano y así, de la nada, empezó a divagar sobre el amor. Hay pocas cosas más incómodas que escuchar a alguien catarrear sobre el amor mientras de fondo se escuchan canciones de Agapornis.

Con mirada turbia y ademanes misteriosos, en plan “te voy a contar un secreto que nadie sabe”, le soltó a la noche y a nosotros: “el amor es un concepto. Algo aprendido. O sea, el amor no existe como tal en su idea romántica, sino como una excusa para aferrarse a alguien”.

Luego, confesó que él no estaba con su esposa por Amor, sino por lo que la unión le daba: estabilidad, sentido de hogar, sentido de familia. Fueron como 30 eternos minutos de introspección cobijada por el vino, cerveza, whisky, y vaya a saberse qué más.

Hago mención a esto porque Love parece el divagar etílico de Gaspar Noé.

Love

El director de Solo contra todos, Irreversible y Enter de Void, vuelve este 2015 con su incesante y poco disimulado afán de escandalizar.

Esta vez, quizás es su historia más fallida y la que genere más furiosos detractores porque cuando el borracho se sube a la mesa y empieza a bailar, deja de ser chistoso y se convierte en un invitado pesado.

Uno de los personajes, estudiante americano de cine en Paris, dice en una parte del filme:

Las películas deberían ser sobre sexo, amor y lágrimas!

y claro, Noé parece usar a Murphy como un catalizador de lo que él mismo piensa del cine.

En Love hay sexo, hay amor y hay lágrimas. Desgraciadamente, todo se ve bajo un prisma deformado. Las escenas explícitas, pornográficas, con planos frontales del acto sexual, o del miembro masculino eyaculando en 3D, son repetitivas y exageradas. El Amor es representado de una manera patética, que no digo que no sea real, sino que en la película está mezclado con muchas cosas y de ese trago cóctel hay poco o nada que rescatar, finalmente las lágrimas son más un adorno, un artificio como cuando te echás colirio a los ojos o cortás cebolla. Es un llanto a la fuerza.

Fiel a su estilo que saca al espectador de su zona de confort, Noé abre su película con un plano fijo frontal de Murphy (Karl Glusman) y Electra (Aomi Muyock), ambos desnudos en plena masturbación. La escena dura sus buenos minutos, y cierta parte de la platea comienza a revolverse incómoda en sus butacas.

XVM7ddbc3b2-1bec-11e5-b398-d350d7c71e31

Luego, vemos a Murphy que se encuentra un poco más gordo, con bigote, haciendo vida familiar con OH, sorpresa! Otra chica que no es Electra sino la rubia Omi (Klara Kristin). Aparentemente, tiene un hijo con Omi, y su voz en off nos cuenta lo infeliz que es y lo mucho que lo emputa la mujer que ahora es la madre de su hijo.

Noé, entonces, fragmenta su historia, sus tiempos y sus espacios y va eficazmente de un lugar a otro sin que el relato se diluya o se vuelva confuso para el espectador.

Así sabremos cómo Murphy se quedó con Omi y que Electra, la que él considera el amor de su vida, ha desaparecido.

En dos horas y 15 minutos, Love va hacia los inicios de la relación entre Murphy y Electra y narra su caída.

Hermoso plano secuencia de ellos paseando por el parque, hablando sobre las cosas que extrañan el uno del otro, y sobre cómo el estar juntos los ha dejado más viejos, más tristes, menos productivos, menos capaces de perseguir sueños y hacerlos realidad. Hermoso plano secuencia cuando se conocen, cuando se ven jóvenes, felices, tranquilos, productivos, capaces de perseguir sueños y hacerlos realidad.

Hay buenos momentos en Love, esos en los que curiosamente no se dice mucho, cuando la emputante voz en off de Murphy deja de taladrarnos los oídos, cuando hay escenas que realmente nos trasladan a la melancolía de una pareja que se quiere o que no se quiere más.

346782.jpg-c_640_360_x-f_jpg-q_x-xxyxx

Noé parece no conformarse con una historia chiquita y trata de darnos algo más rimbombante repitiendo las escenas sexuales una y otra vez sin que haya un motivo real para mostrarlas, en tu butaca vos pensás con algo de hastío: “Otra más?”.

Los personajes se vuelven antipáticos, el tal Murphy es un patán en toda regla, Electra le dice que él no sabe amar, pero ella lanza frases cursis e infantiles sobre el amor. Hay instantes en que uno se pregunta si Noé lo hace a propósito, si ese divagar etílico es su forma perversa de decirnos que el Amor no existe o que siempre estará manchado.

No importa, nada importa. El final es un excelente final, pero para llegar a ese excelente final te comés dos horas y quince minutos en los que el enfant terrible del Festival de Cannes no se pone límites.

Murphy (personaje principal), es el apellido de su mamá, Nora (nombre de la mamá de Electra) es el nombre de su mamá, llama Noé a la Galería de Arte del ex novio de Electra, le pone Gaspar al hijo de Murphy y Omi. Love es una autoreferencia constante, e incluso repite escenas de sus anteriores películas (escena ginecológica similar a la de Enter the Void, túnel similar al de Irreversible, Orgía similar a la del bar Rectum), tampoco puede resistirse al cameo y como en sus anteriores películas aparece en una escena como el dueño de la galería de Arte Noé y de paso su pene es el que eyacula en 3D.

love-3d-gaspar-noe

El evidente narcisismo de Noé puede tomarse con humor o sembrar más dudas respecto a la valía de este su último trabajo.

Un trabajo que en su pretendida irreverencia, solo es una triste película de personajes chatos que nunca termina de dar el prometido shock o transmitir, siquiera, emociones duraderas.

Hasta el 3D parece elegido por capricho más que para brindar una experiencia sensorial fuera de lo común dejándonos con un porno cursi a secas.

Más efectivos han sido sus anteriores filmes, aunque ya desde Irreversible acusábamos el abuso del cine de Noé, porque mostrar un pingüino boca abajo sobre una pelota de tenis una vez puede ser novedoso e interesante, pero si lo mostrás 100 veces perdés la capacidad de sorprender.

Algunos críticos han comparado a Love con 50 sombras de Grey, lo que me parece excesivo. Puede que en el armado inconsistente de su argumento sea prescindible, pero cinematográficamente nadie puede negar el talento de Gaspar Noé para filmar. Un talento que pone a su película lejos de 50 sombras de grey, muy lejos.

Love con todas sus carencias y fallas tiene un sólido envoltorio con hermosas escenas, y una aproximación estética a la pornografía.

Lástima que no alcance, y que parezca que Noé anda tambaleante en una fiesta, desinhibido y narcisista como solo un borracho puede serlo hablando del Amor, mientras de fondo se escucha algo similar a Agapornis.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: estéticamente es muy linda (a pesar de su exceso de penes y tetas)

Lo peor: la actriz que interpreta a Electra, la autoreferencia constante, el exceso.

La escena: los planos secuencia del parque y el callejón.

Lo más falsete: el exceso de escenas sexuales, la del café con el policía, la mayor parte de las voces en off y alguna de las discusiones entre Murphy y Electra.

El mensaje manifiesto: Gaspar Noé se ama a sí mismo

El mensaje latente: Ese amor no siempre será compartido con el público

El consejo: igual es una película que no dejará indiferente a quien la vea, así que si la pillás por ahí adelante…

El personaje entrañable: Gaspar, el hijo de Murphy…porque uno dice, qué vidita le espera a ese niño

El personaje emputante: Murphy, Electra, Omi, el director de la galería, la mamá de Electra, Julio, el paco, sí…

El agradecimiento: porque a pesar de todo tiene sus buenos momentos.

CURIOSIDADES

La película planeaba filmarse antes de Irreversible y la idea era que Belucci y Cassiel sean los personajes principales, sin embargo al leer el guión ambos actores lo encontraron demasiado y se declararon en contra de exhibir su vida sexual de esa manera, así que declinaron el proyecto. Noé, entonces, decidió filmar primero Irreversible.

Las primeras escenas en filmarse fueron las sexuales. La primera escena de todo el rodaje fue el primer plano del pene Murphy y el actor que lo interpreta se sintió súper incómodo con ganas de agarrar un avión y volver a Estados Unidos, sin embargo, conforme la filmación fue avanzando las siguientes escenas se hicieron más fáciles de rodar.

Fue filmada con la Red Epic Dragon y tuvo un presupuesto aproximado de 3.000.000 $us.

Karl Glusman ya era actor, pero a Aomi Muyock y Klara Kristin el director las conoció en salidas nocturnas a antros y fiestas, y las invitó a participar de la película.

Noé dijo que el guión solo tenía siete páginas.

Se filmó desde octubre del 2014 a febrero del 2015. La postproducción se hizo en 3 meses para poder llegar al Festival de Cannes.

Se presentó fuera de la competencia oficial, porque no llegaron a tiempo para eso, pero Noé quería que la película esté dentro del festival y que se presente como sea.

El Hotel Love que se ve en Enter the Void, se muestra en diferentes escenas de Love.

EN CARTELERA: Everest

Muchas veces, a lo largo de la vida, escuchás aquello de “Llegar a la cima”. Frase que se usa como metáfora para describir el triunfo, una suerte de mullida almohada color esperanza, un símbolo de realización.

También hemos escuchado lo de “Es mi Everest” para referirse a un asunto que representa un reto. Ejemplo: superar una ruptura, perder una amistad, comerte la hamburguesa más grande de la ciudad, levantarte para ir al gimnasio por las mañanas, bajar 20 kilos, olvidar un rencor, que una persona te caiga bien, conseguir hacer una receta que nunca te sale, vivir sin celular, tapar la tristeza para que deje de ser tristeza, leerte el Ulises de Joyce, mirarte la trilogía de 10 horas de La Condición Humana o llegar a sentir cariño por Michael Bay.

La idea se entiende, todos tenemos un Everest a alcanzar. Importancia más, importancia menos.

Pero existen personitas para las que la frase no es una metáfora, que efectivamente sueñan con alcanzar la cima de la famosa montaña y para ello están dispuestos a pagar la ridícula suma de 65,000 $us..

Everest, la película dirigida por el islandés Baltasar Kormákur, nos habla de eso y de un poquito más.

everest5-1

Hubo un tiempo en que el Everest estaba reservado para los deportistas de más fina estampa. La cima era una codiciada presea que significaba prestigio, y que separaba la paja del heno en cuanto a alpinismo.

En Nepal la montaña es llamada La frente del cielo y en China: Madre del universo.

Nombres, quizás, más acordes a lo que en realidad representa.

El caso es que, como todo en la vida, el Everest se ha ido convirtiendo en un lugar turístico al que la gente con dinero y sueños de trascendencia, alpinistas o no, llega para alcanzar su punto más alto.

Cada uno quiere posar para la foto y ver su banderita ondeando ahí, banderita que luego se pudrirá.

La otrora sagrada montaña se ha llenado de heces humanas, cadáveres de los que no lo consiguieron, tanques de oxígenos vacíos y basura.

El año 1996 tuvo lugar un suceso que se conoció como El desastre del 96 y que se cobró la vida de 14 escaladores y que hasta el año pasado fue el año récord de muertes en esas altitudes.

El filme de Kormákur narra ese suceso centrándose en las condiciones y las situaciones por las que atravesó Rob Hall (guía jefe de expedición) y su equipo.

Los protagonistas reales
Los protagonistas reales

Para entender el contexto es conveniente decir que el Everest actualmente está loteado por empresas que prometen la llegada a la cima de la misma manera en que podés ofrecer un paseo en canoa en el lago Titicaca o la visita a las aguas danzantes del Parque Urbano.

Ya en mayo del 96 el escenario era lamentable, con cerca de 50 escaladores que conformaban distintos grupos de ascenso, de distintas empresas guías, tratando de llegar a la cima el mismo día.

Esto suponía un peligro y un manejo irresponsable del espacio teniendo en cuenta que en el Everest hay zonas de difícil acceso que no pueden ser abordadas a través de colas de gente cual si fuera un Starbucks. No. En el Everest hay dos cosas cruciales: el tiempo (timing) y el oxígeno.

El mismo Rob Hall (interpretado por Jason Clark) lo sabía y tenía como regla llegar a la cima hasta las 14:00 o sino emprender la retirada. Este protocolo de seguridad resguardaba a sus clientes de algo que se llama la zona de la muerte (7,500 metros), altitud en la que el cuerpo privado de oxígeno comienza a morir lentamente aunque tengás la mejor condición física del mundo.

Lo que quiere decir que la ventana para llegar a la cima del Everest (8,847 m.) es muy pequeña y se debe usar con la mayor prudencia posible.

Everest nos cuenta cómo Rob está a punto de ser papá por primera vez y con su esposa encinta decide encabezar una vez más la subida a la cima. Rob es el propietario de Adventure Consultants y con él subirán 8 clientes que han pagado los 65.000 $us. por el derecho a subir y la guía del experto Rob.

Rob fue un alpinista neozelandés que se cansó de buscar patrocinios y vio que la manera de ganar dinero era como líder de expediciones de gente acomodada que sueñe con escalar las cimas más altas del mundo.

Bajo su mando, 39 personas habían alcanzado la cima sin contratiempos, él mismo había trepado el Everest cinco veces y por eso la cifra de 65.000 $us no corría a potenciales soñadores teniendo opciones más baratas en otras agencias.

Entre los protagonistas tenemos a Doug Hansen (un siempre maravilloso John Hawkes) cartero americano que está intentado la subida después de un fracaso y que no cuenta con dinero suficiente para regresar por tercera vez; también está Beck (Josh Brolin) el testarudo texano que abandonó a su familia por esta aventura para escapar de una nube negra que solo se disipaba cuando escalaba; la japonesa Yazuko Namba (Naoko Mori) a la que solo le restaba escalar el Everest para completar las siete montañas más altas; está Scott Fischer (genial Jake Gyllenhall) el competidor hippie descontraído de Rob, con su empresa Mountain Madness y sus respectivos 8 clientes; tenemos a Michael Groom (Thomas Wright) el segundo al mando de Rob; Jan (Keira Knightley) la esposa embaraza de Rob; Helen (Emily Watson) como la persona de confianza en campamento que ayuda a Rob; el polémico guía Anatoli Boukreev (Ingvar Egger) y muchos otros personajes que componen el microcosmos propiciador del desastre del 96.

Everest_poster_goldposter_com_15

El guión escrito por William Nicholson (Nell, Unbroken, Gladiador) y el ganador del Oscar Simon Beaufoy (124 horas, Quiero ser millonario, Los Juegos del Hambre, Full Monthy) funciona en su modesta aspiración: una efectista película de sobrevivencia y acción.

Uno como espectador ajeno a las motivaciones de esas personas, se pregunta por qué, ¿por qué esta gente decide pagar esa cantidad de plata por pasar inclemencias que pueden terminar en la muerte o la amputación de algunas extremidades?

El guión lo acaricia tibiamente cuando el periodista Jon Krakauer que forma parte de los clientes de Rob le pregunta al resto del equipo sobre el porqué escalar la montaña. “Porque está ahí!”, bromean parafraseando a George Mallory, montañista que se sospecha fue el primero que pisó el pico del Everest en 1924, pero que desapareció en el intento hasta que el 2001 encontraron su cuerpo.

Y sí, a uno el argumento le parece poca cosa, y te agarra la estupefacción ante ese prójimo que encuentra adrenalina estando a un resbalón de tumbas de hielo. En la sala se escucha un muy criollo comentario: “Son huevadas!” y sabés que no estás solo en esa desaprobación.

El 3D contribuye a ampliar tu espanto, un espanto que al llegar las escenas de la coronación se convierte en  mediano entendimiento y te imaginás que ahí en el techo del mundo, la sensación de llegada debe ser descomunal.

Sobrecogedora.

maxresdefault

Algo de esa adrenalina se te traspasa, porque claro, la fotografía de Salvatore Totino te vende la cima, los acantilados, el cielo, las banderas de los que llegaron y nuestros protagonistas que sí, que lo consiguieron.

El embeleso termina y volvés a la realidad, y te acordás que estás viendo un desastre, el desastre del 96 y tu mente grita: “Negligencia Everywhere”.

Rob dice al principio de la película: “A las 14:00 tenemos que bajar” y los pendejos siguen arriba a las 16:00.

«BAJATE ROB, BAJATE!» empezás a gritarle a la pantalla, como si tuvieras un poder divino de cambiar lo que ya está filmado.

El director nos da los indicios de lo que pasó pero no hace ningún juicio de valor, cosa que se agradece y que la separa de películas como Los 33.

La situación es tan terrible que solo podés pensar en la indefensión del ser humano ante la naturaleza.

En la vida real, los sherpas (nativos de las montañas) tienen una vida muy espiritual y creen que la montaña se enoja con los escaladores por algunos motivos. Ese 10 de mayo del 1996, los sherpas se preguntaban cuál era el enojo tan grande de la montaña, por qué dejó caer tanta desgracia.

Everest simplemente se vale de la anécdota para traspasarnos una más que correcta versión de los hechos, entretenida, bellamente filmada, muy bien actuada, y en líneas generales una película lo suficientemente interesante para que llegués a tu casa a googlear a todos y te intentés bajar los libros en los que se basaron para la historia.

Así encontrás Mal de altura, el libro con el que John Krakaure exorcizó sus culpas de ese fatídico día y también Everest, 1996 de Anatoli Boukreev. En el primero, el periodista de la revista Outside describe ese loteamiento de agencias del que hablé al principio de la reseña, hace una revisión al papel de los alpinistas, del gobierno y de los sherpas en la explotación del Everest, revisa la negligencia que derivó en la muerte de sus compañeros y además, la mala toma de decisiones de guías experimentados en momentos que son cruciales; en el segundo, Anatoli intenta lavar la mala imagen que deja el primer libro sobre él, a quien se critica por no llevar oxígeno y por no auxiliar a tiempo a los clientes. A los que les interese les dejo los links de ambos libros:

Mal-De-Altura-Jon-Krakauer-pdf

Everest-1996-Anatoli-Boukreev

Lo más cuestionable de la película, para mí, sería el desdibujado papel de Scott Fischer en relación a lo sucedido. Es decir, todos se preguntan qué es de Rob y qué pasará con Rob, pero otro líder de agencia, otro jefe, está en problemas y nadie parece estar al pendiente. Puede que tenga ver con tiempo de pantalla y la necesidad de comprimir la historia para que no resulte muy pesada, pero me pareció que la pérdida de Fischer debió generar igual movimiento que la de Hall.

También creo que el poco protagonismo de los sherpas, reales héroes y elementos imprescindibles a la hora de encarar la montaña, le resta algo de veracidad, pero lo mismo, son tiempos de pantalla. Leyendo los libros mencionados: las batallas entre agencias, los roces entre grupos y otros, los detalles son tantos que no se pueden condensar en una película así nomás.

Everest5

En la ética real de la montaña, los escaladores/clientes solo anhelan llegar a a la cumbre sin importar cuántos cadáveres se encuentren en el camino o cuántos escaladores aún vivos se topen en malas condiciones, ellos pagaron una alta cifra de dinero y su recompensa es la nevada punta.

Hoy, mientras escribo estas líneas, el japonés Nobukazu Kuriki intentará por SEXTA vez alcanzar su Everest. Ya ha perdido 9 dedos de las manos y lo intenta en una época no muy propicia para hacerlo, encima es el primero en intentarlo después del terremoto ocurrido en Nepal. Todo está en contra, pero Nobukazu a sus 33 años tiene la montaña en la cabeza, como muchos de los que perdieron la vida en mayo de 1996.

Mañana, domingo, se sabrá si la Madre del Universo, la Frente del Cielo, lo devuelve con vida.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: muy bien filmada, bien actuada y entretenidísima.

Lo peor: es solo una película que se vale de la anécdota para vendernos dos horas de adrenalina y acción.

La escena: hay un plano cenital donde uno de los tipos está bordeando un muro con el precipicio de fondo. Otra escena es la de la escalera.

Lo más falsete: el flashback de Beck me hizo algo de ruido. Y como dije la absoluta desaparición de Fischer como personaje casi desde la mitad de la película.

El mensaje manifiesto: los protocolos de seguridad son para cumplirse, no podemos ponernos ñoños y sentimentales

El mensaje latente: si te comportás como un crispín te van a pasar huevadas


El consejo: Vela, está muy bien

El personaje entrañable: la prostituida montaña

El personaje emputante: me emputó Rob…y un poquito me emputaron los cojudos que estaban ahí con familia que sufrirá por ellos si algo les pasa.

El agradecimiento: Bastante ligera a pesar de la temática.

CURIOSIDADES

Keira Knightley filmó sus escenas en seis días.

Anatoli, el rudo guía que no usó oxígeno, moriría un año después escalando el Annapurna.

Lopsang, uno de los sherpas guías que sobrevivió a la tragedia, moriría meses después, en septiembre, en el mismo Everest haciendo de guía de una expedición de japoneses y sepultado por una avalancha.

Christian Bale fue el elegido para hacer el papel de Rob Hall, pero tuvo que declinar para comprometerse a pleno con Exodus.

Beck, sobrevivió pero tuvieron que amputarle uno de los brazos a la altura del codo, los dedos de la otra mano y ambos pies.

Mientras la película se filmaba, sucedió el terremoto en Nepal y el Desastre del 96 perdió el título del suceso más trágico sucedido en el Everest ya que el 2014 perdieron la vida 16 personas, la mayoría sherpas.

Una gran parte de la película fue filmada en las faldas del Everest y en el campamento base verdadero. “Al principio, creo que todos teníamos un poco de miedo de ir a la montaña. Pero cuando fue momento de irnos y regresar al estudio, nos dimos cuenta de lo maravilloso que fue esta experiencia”, platica Josh Brolin. Para el director Baltasar Kormákur, ir al Everest, sentir el frio y estar en la nieve era parte fundamental de su visión y el realismo que quería darle al filme.

El australiano Jason Clarke fue el único actor del reparto que había tenido experiencia en alpinismo previamente, al haber escalado el conocido glaciar Tasman de Nueva Zelanda.

Después de filmar en locación, la película tuvo otras dos grandes sedes: Val Senales un resort de ski en las Dolomitas italianas, y los icónicos estudios Pinewood en Londres. En las Dolomitas, los actores filmaron en condiciones extremas, a 3,300 metros de altura y en temperaturas bajo cero donde “durante 18 horas no podías sentir tus pies ”. En los Pinewood Studios, el cambio fue radical. De estar a merced de los elementos, la nieve fue reemplazada por sal y enormes ventiladores para recrear los vientos de 100km por hora.

Todos los actores tuvieron la oportunidad de hablar con los sobrevivientes o los familiares de los que lamentablemente perdieron la vida.

Jake Gyllenhall casi pierde una oreja durante la filmación. «El único día que decidí no llevar nada para cubrir mi cabeza y casi me congelo la oreja. Fue la cosa más estúpida que he hecho en mi vida», comentó el actor en una entrevista.

A pesar de ser una producción de Hollywood, las estrellas tuvieron no solo que aclimatarse a la altura y a las caminatas, también a la falta de comodidades. El agua se helaba, no había calefacción y usaban mantas eléctricas para dormir. Tampoco había asistentes y cada actor tenía que llevar su propio equipo.Las temperaturas en rodaje llegaron a caer hasta los menos 30 grados centígrados.

PROYECTO 1001: 3) The Birth of a Nation / El Nacimiento de una Nación (1915)

Hay algo muy vomitivo en El Nacimiento de una nación.

Cierta repulsión que se genera hacia Griffith, hacia lo que la película ensalza, hacia algunos seres humanos, y hacia los que ponen a esta película como ejemplo de obra maestra.

Curiosamente, me vi otras películas de Griffith antes de la que nos ocupa y fue por eso que mi sorpresa y asquito se hizo mayor. No podía creer que el mismo hombre que hizo Intolerancia o Lirios Rotos había filmado esto.

Pero así es la vida: películas vemos, corazones no sabemos.

Hay un montón de ñoños, incluido el que escribe el libro de las 1001 películas que hay que ver antes de morir (el que estamos siguiendo en este Proyecto 1001), que dicen que Griffith no se dio cuenta del mensaje racista y que sus ambiciones/motivaciones eran más técnicas que ideológicas.

Un poquito de seriedad che, Griffith se endeudó hasta el último vello púbico para realizar este filme, gastó un montón de dinero que no se gasta así nomás, a menos que estés convencido hasta la médula del trabajo. Además, era sureño, hijo de un sureño (Coronel Confederado) caído en desgracia luego de la guerra, así que no.

No nos vendamos simulacros.

Por si fuera poco, estamos hablando de un tipo obviamente formado, un vanguardista, un genio, que a veces trabajaba sin guión ni apuntes, que se forjó una carrera de más de 500 películas en las que adaptó a Dickens y a otros. Decir que NO se dio cuenta o que era ajeno al sesgo racial es pues tomarnos por estúpidos.

Veamos el poster, pequeñas luciérnagas tropicales:

maxresdefault

Digan, así a ojo pelado, cuántas cosas están mal en esta imagen y en los textitos que la acompañan.

(espacio para la honda reflexión y análisis)

La película se basa en un libro de Thomas Dixon llamado The Clansman, que el fulano (hijo de Coronel Confederado TAMBIÉN) escribió como un claro mensaje al Norte de mantener la segregación racial, ya que según su teoría los negros al verse libres se convertirían en violentos y salvajes. El libro también ponía al Ku Klux Klan como la fuerza de equilibrio entre los negros liberados y el orden de la sociedad. Una especie de héroes, de vigilantes que mantendrían a los ex-esclavos a raya.

Desde su salida a la luz pública el libro fue objeto de polémica y rechazo, en una sociedad que trataba de curar sus heridas.

Luego, viene Griffith y gasta su dinero en hacer una épica de ese nefasto argumento.

Sigo sin entender cómo teniendo el talento de Griffith y la plata que manejaba, decidió adaptar ese tonto libro a la pantalla gigante.

Desde el primer intertítulo (rótulos con textos que se usaban en las películas mudas) la fetidez nos golpea:

Cuando trajeron a los primeros

africanos a América, se plantó la

primera semilla de la desunión.

Bello. Cualquiera cree que los africanos se vinieron solitos y por su propio pie, y que su sueño dorado era ser esclavos de los gringos.

Ese es el preámbulo que da Griffith para introducirnos a los albores de la Guerra Civil americana. Para eso usa dos familias: 1) Los Cameron abiertamente pro-Sur y 2) Los Stoneman apoyando a los del Norte.

Los Cameron han dado tres de sus hijos al ejército para defender sus ideales, cosa que es resaltada nuevamente por los intertítulos y por todo el tono (música, climas) de la película alrededor de la parte sureña.

Los Stoneman tienen dos hijos y una hija. Uno de sus hijos morirá en la guerra, junto a dos hijos de los Cameron.

Griffith, conocido por meter historias de amor con mucha pericia, coloca la flecha de cupido entre el hijo que les queda a los Stoneman y una de las hijas de los Cameron.

Norte contra Sur.

La primera parte de la película, alrededor de hora y media, está destinada a mostrar la debacle de la guerra, como ya dije cargando las tintas a favor de los sureños.

Birth-of-a-Nation-Still

Casas sureñas invadidas por feroces mulatos convertidos en soldados del ejército del Norte. Mujeres indefensas huyendo de violaciones seguras. Sureños acongojados por perder sus pertenencias para mantener sus convicciones.

La ama de llaves mulata de Stoneman es presentada como manipuladora y maquiavélica y así pintarán la relación con el congresista, una encubierta relación amorosa: como una oportunidad que la mujer de color aprovechó a su favor.

En esta primera parte es donde sucede el asesinato de Lincoln, secuencia que es motivo de análisis y estudio en escuelas de cine.

La segunda parte está dedicada a lo que sucede después de la guerra y a la adaptación de la sociedad a las nuevas reglas del juego. Estas reglas del juego son lo que mencionamos como trama central del libro: que los negros al ser libres se volvieron borrachos, ladrones, violadores, y trepadores en las altas esferas del Estado, permitido o, mejor dicho, socapado por los amigos del Norte.

Después de la muerte de Lincoln, Stoneman es uno de los hombres más fuertes del gobierno y tiene al mulato Silas Lynch en muy alta estima, en la película se lo presenta como un personaje perturbado y claramente peligroso. Un villano a todo trapo.

Ambos viajan a Carolina del Norte para ver que la Reconstrucción se esté llevando a cabo correctamente.

Se insinúa que los negros hacen fraude, mientras tanto Ben, el hijo sureño enamorado de Elise la hija del Norte, forma una suerte de milicia que pondrá a esos salvajes en orden: el Ku Klux Klan.

hero_EB20030330REVIEWS08303300301AR

Elise, agobiada por la lealtad hacia su padre, termina su relación amorosa. Su padre, el Dr. Cameron, es encarcelado.

Eso desemboca en un conflicto final terrible, que hace que nuestra protagonista vaya hasta Lynch a pedirle que que interceda a favor de la libertad de su progenitor. A Lynch lo ponen como un pobre cojudo que añora casarse con una mujer blanca, obviamente recibe a Elise borracho y luego suelta frases (a través del intertítulo) como:

Mira! Mi gente llena las calles. Con ellos voy a construir un imperio Negro y tú como mi Reina, te sentarás a mi lado

Claro, un ejemplo de cómo los negros se aprovecharán de su libertad y controlarán a los blancos.

A punto de ser violada por el susodicho y a último momento (como en muchas de sus películas) Griffith rescata al personaje femenino de las garras del temible negro con una impactante escena de miembros del Ku Klux Klan a caballo, ataviados de pies a cabeza con sus ridículos trajes, en un acto de heroísmo hacia la atribulada dama.

De ahí el póster, queridos.

Luego de sus rescates: un Stoneman se casa con una Cameron, y un Cameron se casa con una Stoneman.

Cerramos la desagradable película con unos letreritos ñoños sobre la libertad, el amor, la paz.

THE BIRTH OF A NATION, Miriam Cooper, Lillian Gish, Henry B. Walthal, 1915
THE BIRTH OF A NATION, Miriam Cooper, Lillian Gish, Henry B. Walthal, 1915

Ya.

Acá se abre el debate sobre lo que se puede pensar acerca de la película como película a secas sin contextualizar su origen, trascendencia y lo que la película significa al cine por sus innovaciones.

Puede ser que a nivel técnico contenga algunos hitos. Aunque la épica como tal ya había sido llevada a cabo por los italianos con Giovanni Pastrone y su Cabiria que un año antes (1914) sirvió a Griffith como punto de partida para su propuesta pro Ku Klux Klan.

The Birth of a Nation, quitándole la pica que provoca su tenor racista, tiene todos los grandes elementos que hicieron a Griffith famoso y que en otras películas sí le dieron una merecida fama. Un manejo narrativo avanzado a su época, una composición de planos que alcanza la perfección en sus obras posteriores, una ambición de puesta, de diseño de producción que serviría para sentar las bases de cualquier superproducción actual, el uso de primeros planos para redondear climas o situaciones y otros detalles que son una constante en la obra de Griffith.

En lo particular, me parece una obra sobrevalorada por lo mismo, porque antes y después de este filme, Griffith ya mostraba una personalidad detrás de cámara, y un sello propio, porque cuando hablan del montaje paralelo eso ya se hacía desde El gran robo al tren, porque cuando hablan de épica los italianos ya lo estaban haciendo antes que él, porque en la época había innovadores en Italia, Francia, Rusia pero fueron los gringos los que supieron sacarle partido a la naciente industria cinematográfica. No le quito sus hitos históricos, ni la facilidad del señor para filmar con derroche de talento escenas como el asesinato de Lincoln, o las de la guerra o las de la cabalgata de la vergüenza, soy fan de Griffith incluso teniendo esta película en su currículum, pero al ir acompañado de un mensaje y un contenido tan deleznable me quita cualquier intento de recomendación.

Se pueden escribir montañas de lo que significa para la historia del cine, a mí me tocó comerme tres horas de propaganda racista, no sé si el público raso al que no le interesa lo innovador del montaje y otros, realmente pueda disfrutarla.

Para recomendar a Griffith hay mejores y más potentes obras, no esta infamia.

Lo mejor: aspectos técnicos.

Lo peor: tan racista que da asco

La escena: la del heroico rescate del Ku Klux Klan. NO PODÉS

Lo más falsete: … Los actores blancos pintados con tintura negra para actuar de negros…ajá, tal cual. Como el actor que interpreta a Lynch (George Siegmann) o la actriz que actuaba de la empleada doméstica de Stoneman (Mary Alden). NO PODÉS

El mensaje manifiesto: se puede hacer una obra maestra con una apología horrible

El mensaje latente: en el fondo, Griffith también fue en sí mismo un representante de esa dualidad entre los racistas y los no racistas y claro, un reflejo del nacimiento de esa nación.


El consejo: hay otras películas mejores de Griffith

El personaje entrañable: …

El personaje emputante: creo que todos, desde los que actuaban de sufridos sureños hasta los que actuaban de salvajes negros.

El agradecimiento: porque gracias a Dios, hemos avanzado lo suficiente como para condenar el contenido sin miramientos.

CURIOSIDADES

La película tenía un presupuesto previsto de US$40,000[ (uno $932,500 hoy en día) y al final terminó gastando $100,000 (el equivalente de $2,331,250)

Griffith le pagó a Dixon la suma de 10.000 $us (250.000 $us. hoy) por los derechos de su obra, pero al quedarse sin dinero se los pidió asegurándole un 25 % de las regalías de la película. El trato convirtió a Dixon en millonario.

Inauguró los comentarios públicos sobre una película, ya que la repercusión sobre su contenido racista fue tal que llevó a numerosas personalidades de la época a escribir a favor y en contra de la misma.

Fue también la primera película en tener una banda sonora en toda regla.

Como era de prever, la película sirvió para un resurgimiento del Ku Klux Klan que había bajado el perfil debido a su mala reputación pero con una película mainstream que los convirtió en héroes tenían caldo de cultivo para un relanzamiento.

A Dixon le gustó tanto la fama y la repercusión que hizo su propia secuela llamada The Fall of a nation, y tuvo tres actos y un prólogo. El filme se vendió bien fuera de USA, pero en suelo americano fue un fracaso y actualmente no existen copias para verlo.

1 19 20 21 22 23 47
Go to Top