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CINE: Cinco películas sobre malas amistades

Hay amigos y “amigos”. El cine tiene infinidad de películas que loan la amistad y hacen que dibujemos corazoncitos mientras pensamos con amor en esos pocos (porque la palabra se prostituye mucho) amigos de verdad. Esos que comparten algo más que tragos o salidas nocturnas. Esos a los que uno le donaría un riñón y viceversa.

En búsqueda implacable (guiñito a Liam) de romper la ñoñez imperante, aquí pongo a continuación algunos ejemplos que retratan a esos amigos que no lo son.

Iba a hacer una lista que fuera de menor a mayor intensidad en jodidez, pero reflexionándolo no sé cuál es peor que cuál. Así que se las planto con orden aleatorio.

Cinco películas sobre turbias amistades.

1) Respira (2014)

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Los franceses saben de amistades truncas. Cuando la resplandeciente Sarah (Lou de Laage) entra a su clase, la ñoña Charlie (Josephine Japy) queda prendada de ella. Sarah es divertida, extrovertida, con estilo, mientras Charlie es una chica más bien común, que puede pasar inadvertida. Ambas se vuelven mejores amigas, se cuentan sus secretitos, comparten ropa, salen, etc.. Pero resulta que Sarah es manipuladora, y de esas con las que hay que tener mucho cuidado.

Todo está bien en el paraíso hasta que pasan cosas que a Sarah no le gustan. Ejemplo: un desconocido español al que ella le echa el ojo en una fiesta al final termina durmiendo con la mamá de Charlie. Charlie la presenta como una compañera de clase y ella se indigna de que no la presentó como amiga. Detalles de este tipo hacen que Sarah cambie su comportamiento con la pobre Charlie.

Un día está toda babosa con ella, al otro no le habla o si le habla lo hace secamente. Un día salen juntas, otros dos se pierde. Un día está comprensiva y empática, al otro hace comentarios hirientes sobre las cosas que sabe de su supuesta mejor amiga. Es, abiertamente, envidiosa y resentida. Luego, le echa la culpa a Charlie como si Charlie fuera la villana. O sea, demasiado abuso mental. Uno como adulto dice: a esos crispines habría que cortarlos de tajo, sin embargo, Charlie aguanta porque es adolescente y no sabe manejar la situación, y lo peor: viene de un hogar en el que su madre soporta el maltrato psicológico de su padre, y ella inconscientemente replica esa conducta.

Cuando finalmente Sarah la deja de lado, Charlie es incapaz de continuar sola y cae en un pozo depresivo. Sarah, en lugar de tenerle compasión comienza una campaña de acoso y desprestigio sistemático en el colegio. La cosa llega a tal punto que dan ganas de entrarse a la película y agarrar a manazo limpio a las dos: a Charlie por no ser capaz de defenderse como Dios manda y a Sarah por ser tan hija de Pooh.

El final es shockeante, y la película, aunque me parece no termina de cerrar a nivel narrativo las necesidades de ese final, está filmada muy bellamente.

La también actriz Melanie Laurent dirige este filme que se mira sin pausa y con el corazón algo encogido.

2) Harry, un amigo que te quiere bien (Francia, 2000)

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Domink Moll nos trae esta película inquietante que pasa abruptamente del género suspenso al terror y tiene sus toques de un humor negro.

Harry (Sergi López), en un encuentro aparentemente fortuito, se aparece en la vida de Michel (Laurent Lucas) diciendo que fueron compañeros de secundaria.

Seamos sinceros, a quién no le ha pasado estar caminando por la calle y zas! alguien viene, te abraza y te soba DICHOSO porque supuestamente fueron compañeros de colegio/universidad/nidito y vos no recordás al pobre infeliz. ¿Qué queda por hacer? Obviamente fingir, seguir la conversación como si estuvieras igual de contento, preguntarle por lo que ha sido de su vida, despedirse como si se fueran a ver alguna vez más y listo. Michel no tiene ni puta idea de quién es Harry, pero en vista de que Harry recuerda TODO de él y habla sobre su persona con admiración, decide invitarlo a cenar.

Harry es un tipo de recursos, a las claras se ve que tiene plata, poder, estilo, formación, Michel, por otro lado, vive inmerso en el mundo real, ese de familia clasemediera con deudas, un matrimonio aburrido y unos hijos que ama, pero que en secreto suponen un obstáculo para dedicarse a él mismo.

Harry parece un buen amigo, quiere que Michel retome sus pasiones, que surja, que sea feliz. El pequeño problemita es que el tipo se va poniendo denso, y cuando Michel se viene a dar cuenta tiene a un psicópata al que no recuerda viviendo en su casa, con su esposa y sus hijos a su merced.

Nada como un mal amigo para valorar la dicha familiar.

3) Heavenly Creatures (1994)

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Quizás mi película favorita de Peter Jackson. No, con seguridad mi película favorita de Peter Jackson. Estamos ante una de las mejores interpretaciones de Kate Winslet, quien debutaba en el cine con 19 años.

La historia es más o menos similar a Respira en el inicio. La acción se desarrolla en la Nueva Zelanda de los años 50 y es basada en un caso real que escandalizó a Europa en esa época.

Chica nueva Juliette Hulme (Kate Winslet) entra a la clase y Pauline Parker (Melanie Lynskey, hoy infamemente conocida por hacer el papel de Rose en Two hand a half men) queda prendada de ella. Juliette pertenece a una familia acomodada, es linda, divertida, inteligente, mientras que Pauline es gordita, tiene una leve cojera, pasa desapercibida y su familia no es tan acaudalada, su padre es pescador.

Hasta ahí las similitudes con Respira. En Criaturas celestiales, ambas chicas construyen una amistad en la que prima la fantasía y el delirio. Ambas comparten una debilidad física, Juliette tiene tuberculosis y Pauline ha sufrido de una enfermedad en los huesos. A ambas les gusta leer, ambas tienen diarios, ambas fantasean con huir de sus casas y viajar a Estados Unidos.

La relación aumenta en decibeles, a tal punto que las familias de ambas comienzan a verla con malos ojos. El lesbianismo en esa época era considerado enfermedad y la posibilidad de que las chicas sean lesbianas hizo que los padres tratarán de mantenerlas separadas. Hasta el día de hoy se discute si fue una relación lésbica o una amistad llevada al extremo.

Estas chicas que habían creado su propia religión, su propio Dios, sus propias reglas morales y que vivían exclusivamente la una para la otra, deciden que la única manera de estar juntas y cumplir sus alocados sueños es matando a la mamá de Pauline.

Peter Jackson hizo una película impresionante. Impresionante por su casting, impresionante por cómo llevó a la pantalla una historia tan tétrica dotándola de una belleza casi poética.

Tiene unas cuantas imágenes que no se olvidan y te deja una muy rara sensación. Terminan los créditos y querés saber qué paso con las chicas. Por ser menores de edad pasaron solo 5 años en la cárcel. Juliette se convirtió en Anne Perry, una conocida escritora de bestsellers y Pauline, después de pasar por un convento, vive en un pequeño pueblo dando clases de equitación. ¿La condición para una pena tan leve? Que nunca tendrían que volver a verse.

4.-Perfume de violetas (2000)

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Esta da cosita. Es mexicana y la vi en las épocas doradas del Festival Iberoamericano de Cine. Ese año ganó el premio a Mejor Película.

Dirigida por Maryse Sistach, la trama está basada en un caso real y nos presenta a Yessica, una adolescente de bajos recursos que está, literalmente, meada por los dioses. Su familia la maltrata, su hermanastro la “vende” para que la violen, en el colegio le va mal, tiene un carácter explosivo e impredecible, y de pronto conoce a la dulce Miriam.

Miriam es esa compañerita que tiene todo aquello que ella querría para sí misma. Al principio Miriam, que cuenta con una mamá que la adora y una vida muy ordenada, siente compasión por Yessica, por sus carencias y como ella es, también, algo solitaria se convierten en mejores amigas.

Cuando la violación a Yessica es consumada, su situación de vida (la que la película pretende analizar) impide que ella lo cuente y queda con un frágil estado emocional refugiándose en Miriam. La otra niña se empieza a sentir incómoda con el excesivo interés de Yessica y la ve un poco cargosa, a eso se agrega la actitud de la mamá de Miriam que no ve con buenos ojos la amistad.

El final también es shockeante, y hasta el día de hoy me lo recuerdo vívidamente. La película en sí misma no es una maravilla. Está filmada con un airecito semidocumental, cae en algunos lugares comunes y como ya es habitual del cine mexicano tiene problemas de actuación, pero aún así es una película que te atrapa de principio a fin y que tiene un interés honesto por reflejar una problemática.

5) El Talentoso Mr. Ripley (1999)

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¿Quién no recuerda este poderoso filme? Fue antes de que Pitbull arruine el Tu Vuo Fa l Americano, y de que Jude Law venga a darse bañitos de cerveza Paceña por estos trechos.

Esta es mi película favorita de Anthony Minghella, en ella vemos a Matt Damon como el retorcido Tom Ripley.

Tom es un muchacho de condición humilde, con una buena formación, con inquietudes artísticas. Apretado económicamente, consigue un poco de dinero al tocar el piano en un evento social. Algo sucede con su chaqueta en un acto que necesita chaqueta, así pide prestada una que casualmente es de Princenton. El dueño de la casa asume que el chico estudió ahí y entre charla y charla queda convencido que es compañero de estudios de Dickie (Jude Law), su díscolo hijo. La suerte de Tom cambia cuando el señor le ofrece mil dólares para que vaya a Italia y traiga al tal Dickie de vuelta.

Tom no puede creer su buena fortuna y acepta. Va a Italia y se introduce en la vida de Dickie con el mismo engaño. Dickie, que es un dandy, lo cobija bajo su ala y empiezan una estrecha relación.

La relación se va convirtiendo en algo raro y oscuro a medida que la película avanza, sobre todo porque Tom (oh, Tom!) tiene una obsesión por Dickie y todo lo que le pertenece/rodea. Hay una doble mirada de Tom, una que se siente apabullado/maravillado por la gran vida que lleva, y otra que observa con rabia  su despilfarro, su arrogancia, mientras que él ( a sus ojos más inteligente y talentoso) está condenado a vivir con lo justo. El complejo es un mal consejero, y nuestro Tom empieza a rumiar turbios planes.

La película está narrada magistralmente, además de ser un gusto para los ojos. El final llega un poco esperado, sí, pero no deja de tener su impacto.

Una muy buena adaptación de la novela de Patricia Highsmith que también fue llevada a la pantalla grande por los franceses con el filme A pleno sol.

Mónica Heinrich V.

TELEVISION: Better Call Saul (1era. Temporada)

It´s showtime, folks!!

Si te sobra tiempo, si no te sobra tiempo, la serie que tenés/debés ver es Better call Saul.

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Estamos ante el spin off de una de las series que más marcaron el milenio: Breaking Bad. Es como cuando estás en una reunión y alguien dice: Yo no vi Breaking Bad, y vos lo mirás con penita honda, así como cuando sabés que alguien nunca ha probado el saice.

Te azota la melancolía y recordás a Walter White en su escena final, rodeado de su amada meta, mientras un rechoncho Jesse Pinkman recobraba su libertad.

Qué tiempos aquellos.

(suspiro)

Quizás la apuesta más lógica y aburrida era seguir a Jesse, hacer un spin off de él, pero no. Vincent Gilligan y Peter Gould tenían otros planes y antes de que acabara Breaking Bad ya estaban preparando la serie con Saul Goodman como personaje principal.

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Saul, claro, ese abogadillo inescrupuloso y excéntrico que se ajustaba a cualquier situación y a cualquier cliente en pro del cochino dólar. Y aún así, hasta el final de Walter White pudimos ver que era de esos seres con los que se puede contar. La confianza no es poca cosa, señores, no es poca cosa.

Así que cuando se confirmó el spin off de Saul tuvimos variopintas sensaciones. La más importante era la duda, ¿funcionaría? O sería solamente una excusa barata para quemar minutos en pantalla y aprovecharse de nuestras nostalgias como el spin off de Joey Tribbiani (Friends).

Quizás el precedente más exitoso lo tenga Frasier, serie aclamadísima que fue un spin off de Cheers y que consiguió equiparar a su predecesora en número de temporadas (11).

Los productores de Breaking Bad lo tenían difícil, porque salir de una serie con tanto éxito y luego mandarse una cagada seguramente era la pesadilla que los perseguía hasta cuando se quedaban dormidos en el cine.

Finalmente, la duda se disipó y la premier de Better call Saul no solo rompió records en su cadena, sino que se convirtió en el estreno más visto en la historia de la televisión por cable.saul-ep-2-720x404

La mancuerna Gillian y Gould vuelve a hacer de las suyas y crea una serie que sigue manteniendo el humor negro que tanto nos gustaba de Breaking Bad, pero al mismo tiempo se trata de una serie de personajes y eso es importante resaltar.

Tanto Saul, interpretado brillantemente por Bob Odenkirk, como Mike (Jonathan Banks) como Chuck (Michael Mckeen) son personajes con muchos matices y subcapas. Y eso es lo que nos gustaba tanto de Breaking Bad, que los personajes no eran malos malos o buenos buenos, no había esa división moral tan marcada, los personajes podían mutar, transformarse a lo largo de la serie hacia un lado, hacia el otro, o regresar a lo que fueron.

Better call Saul, entonces, nos narra la génesis de Saul Goodman. Contará cómo Jimmy Mcgill, que es su verdadero nombre, llevaba una vida de estafadorsillo de poca monta hasta que su hermano, el gran abogado Chuck, le pone un ultimátum y decide acomodarse por la senda del bien.

Jimmy McGill se hará a sí mismo, pero la vida no es justa, la vida no es bonita, la vida nunca es como uno piensa que será y así, gracias a esos vaivenes y miserias, Jimmy terminará dando al mundo a Saul Goodman.

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En esta primera temporada veremos a personajes que ya conocemos de Breaking Bad, disfrutaremos de las locuras de Tuco Salamanca, Mike (Oh, Mike) volverá mágicamente a la vida para ser personaje recurrente de la serie y ahondar nuestro odio por Walter White al saber su triste final.

A eso agréguenle las bizarras situaciones legales/policiales/mafiosas que como abogado enfrenta Jimmy/Saul, mézclenle la carga emotiva con su hermano, el gran abogado Chuck (Muere Chuck, muere!), su obvio amor por Kim, su desesperado deseo de éxito, de triunfo, su papel de antihéroe, y tenemos Better Call Saul.

La serie ofrece un abanico de posibilidades narrativas y lo mejor es que Gilligan y Gould lo saben.

La primera temporada termina con esa crisálida Jimmy/Saul. La segunda temporada promete una mariposa salvaje y vengadora.

Hay que verla.

Mónica Heinrich V.

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Lo mejor: Muy bien elaborada, mantiene esa frescura, esa sensación de personajes fracasados y ese sentido del humor que nos gustó tanto de Breaking Bad.
Lo peor: que cuando termina querés ver inmediatamente la segunda temporada y no se puede, hay que esperar.
La escena: todo lo que sucede con Tuco Salamanca es muy gracioso, también lo del inodoro, lo de los stickers y los Kettlemans y actoralmente el monólogo que se manda Jimmy en el bingo.
Lo más falsete: que siendo tan buen abogado como es no haya tenido mejor suerte.
El mensaje manifiesto: Podemos ser más de lo que somos
El mensaje latente: Vos determinás que querés ser
El consejo: Vela, y vela de un tirón. Está en Netflix, en los torrents y no sé si en cable continua en algún horario.
El personaje entrañable: Mike. TE QUEREMOS MIKE, TE QUEREMOS!
El personaje emputante: Chuck, TE ODIAMOS CHUCK, TE ODIAMOS!
El agradecimiento: Por mantener la esencia que todos los que amamos Breaking Bad esperábamos.

CURIOSIDADES

La serie está situada en el año 2002, seis años antes de su aparición cronológica en la trama de Breaking Bad.

El nombre: Better call Saul, es el mismo título del episodio 8 de la segunda temporada de Breaking Bad que es donde aparece por primera vez el personaje de Saul Goodman.

El salón de manicure asiático donde Saul mantiene su oficina, es el mismo que en Breaking bad intenta venderle a Jesse para lavado de dinero.

Hablando de Jesse, el actor que lo interpreta, Aaron Paul, dijo que tuvo conversaciones series sobre su aparición en este spin off pero que al final no llegaron a un acuerdo.

Aunque en la serie su verdadero nombre es Jim Mcgill, se cambia el nombre a Saul Goodman porque suena como Its all good man.

Cada episodio tiene una secuencia de apertura diferente.

La frase característica de Saul (Jimmy) “It´s showtime, folks!” es una referencia a la película All That Jazz.

Vincent Gilligan tenía la idea de poner en forma a Better Call Saul y luego dejarle el show a Peter Gould, pero el proceso creativo fue tan satisfactorio para él que decidió meterse de lleno.

Bob Odenkirk y Julie Ann Emery participaron en la serie Fargo.

La serie fue filmada con dos cámaras 4k al mismo tiempo. Mientras Breaking Bad se filmó en 35 mm.

En la primera escena el personaje Saul está en Nebraska, él también participó en la película llamada Nebraska.

Jeremy Shamos y Julie Ann Emery, que interpretan a los Kettlemans, tuvieron libertad para improvisar ya que a los productores les gustó mucho la dinámica que tenían juntos.

El primer episodio sucede cronológicamente el 15 de mayo del 2002, solo unos pocos días después que en la vida real terminara la serie X Files, serie en la que Gilligan trabajó también.

EN CARTELERA: Ant-Man /El Hombre Hormiga – Jurassic World y Terminator Génesis

ANT-MAN o Querida, encogí a Scott

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Todo indicaba que sería una huevada. TODO. ¿Un hombre hormiga? ¿Un superhéroe Hombre/Hormiga? ¿Un blockbuster de un hombre hormiga que es un superhéroe?

Pues sí, estábamos preparados para el desencanto, para la insatisfacción post-proyección, para ese coitos interruptus. Ya nomás el tráiler nos hizo susurrar en la oscuridad: “Otra mamada de Marvel”, así, medio con asquito.

Además estaba el “problemita” de Paul Rudd como protagónico, como superhéroe, SÍ! El actor asociado en el inconsciente colectivo como el novio de Phoebe (Friends) o conocido por sus papeles más de loser ordinario en esas comedias muy americanas tipo Rol Models o I Love you man, iba a jugar a salvar el mundo.

Y qué decir del director: Peyton Reed cuyo currículo tiene títulos como The Break Up, Down with love y Yes Man, ajá, ajá, nada pintaba bien en esta nueva apuesta marveliana, nada.

Con esa pobres expectativas nos acercamos a la butaca, y… fanfarrias, por favor, maravíllense oh público compañero de salvajes aventuras cinematográficas, Ant Man entretiene y te hace salir del cine satisfecho. No con esa felicidad abrumadora de Guardianes de la Galaxia, pero sí con una muy digna sensación.

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La versión elegida para traer al Hombre Hormiga es la más accesible para el público, es decir, en el comic original el Ant Man era Hank Pym, el personaje que en la película interpreta Michael Douglas, solo que su historia es un poco oscura para la platea, poco “familiar” dijeron los entendidos del dólar traquillero. Claro, Hank Pym sufre de personalidad múltiple y una de ellas, además, abusaba a su novia Jane, así que NEXT, mejor hablemos del pupilo, de Scott que quiere recuperar el amor de su hija y encontrar un lugar en este mundo cruel.

Empezamos en 1989 cuando Pym se indigna con el curso que ha tomado su investigación sobre una fórmula muy particular y decide largarse del boliche. Pasan muchos años y vemos a Paul Rudd que interpreta a Scott Lang, un fulano que está a punto de salir de la cárcel. Scott tiene una hija pequeña a la que no puede ver porque su exmujer ya rehízo su vida con un policía y claro, él, el ladronzuelo, no tiene pisada hasta que no se rehabilite socialmente. Hay que aclarar que Lang estuvo preso por hurto, NO ROBO, hurto, ya que no fue una acción violenta (las cositas que enseña el cine). Afuera de la cárcel lo espera Luis, un muy gracioso Michael Peña, que luego de fallidas experiencias en su reinserción a la sociedad, lo tienta con un trabajo. Dicho trabajo no es otro que irrumpir en la casa de Pym y saquear una bóveda que no saben qué guarda, pero que en definitiva debe ser importante por estar tan bien custodiada.

Scott da muestra de astucia y pericia, y claro, consigue allanar morada y hurtar algo que es principio y fin de la película, pero que NO puedo mencionar para no caer en el vulgar spoiler.

Mientras tanto, el villano es Darren Cross (Corey Stoll), otro ex pupilo de Pym al que la azotea se le llenó de chulupis (cucarachas) y anda peinando la muñeca.

El guión fue tocado por varias manitos, las principales son las de Edgar Wright fan del comic, que quiso hacer la película desde el 2003, el pobre hasta filmó un teaser, pero por diferencias creativas con Disney abandonó su sueño dorado. Dicho abandono se dio en los peores términos. Wright es conocido por ser guionista de Scott Pilgrim contra el mundo. A él lo acompañaron Joe Cornish, cuyo crédito también está en Scott Pilgrim y en Las Aventuras de Tin Tin, el señor Adam McKay con un trabajo más enfocado a los sketchs tipo Saturday Night Life y el mismísimo Paul Rudd.

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No los voy a engañar, querubines marvelianos, no. La historia se desarma partiendo del hecho de que Hope (Evangeline Lilly), la hija de Pym, es una de las mandamases de la gran empresa que cobija los arrebatos de Cross, y que no sabemos cómo la susodicha no ha puesto orden en el gallinero antes de que Cross haga lo que hace, pero bueno, al final ahí están los Pym conspirando por la paz mundial.

Las secuencias de los chismes (Luis contando cómo fue que se enteró de lo que se entera) están fantásticas, y me arrancaron una sonrisa de pura felicidad. También el efecto del encogimiento y el agrandamiento están muy bien manejados y consiguen convertir lo absurdo en algo creíble.

El mundo de las hormigas, su categorización, la voladora Anthony, son otros puntos altos del filme, porque claro, las hormigas tienen mucho que ver con el Hombre Hormiga y vos salís del cine prometiéndote nunca más en la vida pisar a alguna de ellas (tan bonitas, tan trabajadoras, tan leales).

Ant-Man cumple con el objetivo de entretener, tiene su toque pro familia unida que tanto le gusta a los gringos, blandita, de fácil digestión, su mensajito de siempre: si le das más poder al poder, más duro te van a venir a c…hmmm sí, y es un espectáculo visual más que aceptable. No intenta venderte más de lo que es, una película pequeña de gran presupuesto cuya trama no cambiará el mundo.

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Tiene sus fallas a nivel argumental, el villano es un completo inepto, los policías son otros ineptos, pero a estas alturas de la vida qué podemos hacer, se agradece que maneja un humor simple pero efectivo, y lo más importante de todo, lo que hace que mire a Ant Man con entornados ojos llenos de pestañas postizas: rechaza la ayuda de Los Vengadores.

Sí, hasta casi los perdono por dejar al pobre director-guionista (Wright) botado, llorando en un rincón después de más de una década de trabajo (Marvel no es un happy place).

Gracias totales.

Lo mejor: Es amena y ligera. Lo peor: un guión flojito que hace aguas por varios lugares  La escena: el recurso utilizado para contar cómo Luis se entera de algunas cosas Lo más falsete: la imposibilidad de detener a Cross de una manera más frontal El mensaje manifiesto: las apariencias engañan  El mensaje latente: Lo importante es la familia  El consejo: vela, es disfrutable El personaje entrañable: Anthony El personaje emputante: Me llegó a fatigar Hope El agradecimiento: porque no hay bombas nucleares o reactores a los que destruir o llevar al fondo del mar.

CURIOSIDADES

  • Joseph Gordon Levit fue considerado para el papel de Scott Lang
  • Paul Rudd tuvo que someterse a una intensa rutina de ejercicios para tomar la musculatura de un superhéroe, lo hizo tan bien que tuvieron que adaptar su traje debido a que los músculos crecieron más de lo esperado.
  • En el comic el Hombre Hormiga era originalmente un Avenger.
  • La primera escena en la que se ve a un Michal Douglas más joven es en 1989, año en que salió la película Querida encogí a los niños, la película del Hombre Hormiga estaba en desarrollo desde los 80s, pero cuando salió la famosa película de la familia que era encogida, los estudios pensaron que la trama a nivel de efecto era muy similar y postergaron el proyecto. Hay un guiño a eso en la fecha.
  • Rashida Jones y Emma Stone fueron consideradas para interpretar a la esposa de Pym.
  • En los comics Pym como el Hombre Hormiga tuvo muchos nombres:Wasp, YellowJacket, Giant-Man, Goliath.
  • El casco de Ant Man es influenciado por el de Iron Man y el de Bumblebee.
  • Aunque Edgar Wright abandonó la película gran parte de su trabajo como guionista quedó en la versión final.
  • En los comics es Hank Pym quien crea a Ultrón.
  • Sean Bean, Pierce Brosnan y Gary Oldman fueron considerados para el rol de Pym.
  • En el comic la hija de Scott, Cassie, se vuelve superheroína también con el nombre de Stature.
  • Jessica Chastain fue considerada para el rol de Hope, pero rechazó el proyecto por conflictos de cronograma.
  • Bobby Cannavale fue convencido por Paul Rudd y por Adam McKay para hacer el papel de padrastro de Cassie, lo llamaron antes que Marvel lo convoque y le prometieron desarrollar un poquito más su papel.
  • Peyton Reed también fue considerado para dirigir Guardianes de la Galaxia o Los 4 Fantásticos.
  • Con tan solo 117 minutos, este es el film más corto del universo Marvel.
  • Stan Lee hace un cameo como bartender.
  • En el comic Scott Lang es pelirrojo.
  • Volviendo al temita del guión usurpado, reparchado de Ant Man, Joss Whedon afirmó que el guión escrito por Edgar Wright era el MEJOR guión jamas escrito para una película de Marvel. O seaaaaa…jamás lo veremos.
  • Wright y Cornish tuvieron que elevar una demanda legal para que Ant Man mantuviera sus créditos como guionistas en la película.

Jurassic World o Liberen a BLUE

Pasando a un punto medio muerto, que necesita desfibrilador, tenemos a Jurassic World.

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Es para mí un misterio como una película con tanto presupuesto y que pretende ser un resurgimiento de la saga es encargada a Collin Trevorrow. Un tipo cuyo único título de dirección es Safety Not Guaranteed. Misterio 1.

Tampoco sé cómo dos guionistas que hasta la fecha nos dieron trabajos dignos, el señor Rick Jaffa y la señora Amanda Silver, ambos responsables de Planeta de los Simios, nos dan esto. Misterio 2.

Jurassic World es desangelada de principio a fin. Si ya viste las anteriores entregas la fórmula se repite levemente modificada. O sea: manipulación genética, mentiras corporativas, dinosaurios que no son del todo manejables, personajes fascinados por ellos, personajes aterrorizados por ellos, algo pasa, pum pam pim, caos.

ZzZZZZzzzzZZZZzzzz Es como si los productores, guionistas y director se hayan encerrado en un cuarto a tratar de manipular la primera entrega para darnos un clonsito tonto y deformado. jurassic_movie

Partimos con un adolescente, Zach, y su hermano menor, Gray, que están yendo de visita al famosísimo parque Jurassic World en la Isla Nublar. La visita en realidad es porque son sobrinos de Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) quien es la directora del lugar.

Claire es el típico personaje corporativo, poco afectivo, que recibe a sus sobrinos pero que tiene un millón de cosas que hacer y que les pone a su asistenta para que los supervise mientras ella cumple sus funciones.

Dentro del parque están creando una nueva especie de dinosaurio, llamado “poéticamente” la Indominus Rex, que intentan sea la próxima gran atracción. Algo sale mal y el bicho da muestras de ser más inteligente que todos ellos juntos, así que claro, termina huyendo y sembrando caos y destrucción a su paso.

Para contrarrestar este despelote está el personaje de Chris Pratt, un muy americano Owen con un looksillo Indiana Jones. Nos presentan a este personaje como temerario, valiente, y capaz de lidiar con cualquier problema.

«Bryce, yo creo que lo peor es que te pusieron la misma estilista que a Hope, la de Ant Man»

Como los chicos andaban con la asistenta, una vez se desata el pánico, la tía Claire se fatiga y recupera su conciencia familiar, por lo que decide ir a rescatarlos no sin antes reclutar al temerario Owen.

La película es eso, la huida del bicho, y la desesperación de Claire y Owen por rescatar a los niños. En eso se van 124 minutos de tu vida y casi 30 $us (si la viste subtitulada en la única sala que pone películas subtituladas de ese tipo) que nunca recuperarás.

Quizás lo rescatable de la experiencia viene de la mano de John Schwartzman, cuya fotografía es cumplidora aunque no de esas que te dejan sin aliento. Schwartzman ha trabajado en películas como The Green Hornet, Saving Mr. Banks, Drácula, Pearl Harbor, entre otras.

Del apartado técnico hay poco o nada que reclamar, se trata de una película muy lograda en los efectos especiales, con un diseño de producción impecable, por eso el ladrillazo en la cabeza que supone verla es más sentido porque tiene elementos que de no ser por su desmañado guión y su poca inspirada dirección, harían que llegue a mejor puerto.

No es posible que mientras la película se desarrolla lo más interesante sean los raptores Charlie, Blue, Echo y Delta.

Después hasta entendés a la Indominus Rex y su furia asesina, con tanto corre corre al huevo, llega un punto en que te gustaría ver a la tía Claire siendo salvajemente engullida.

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El resto de los personajes son incoherentes e inoficiosos.  Ejemplo, cuando ya están a salvo y se les ocurre la brillantísima idea de usar a los raptores, va la doñita más lo sobrinos a la misión. Claro, claro.

Las escenas de amor boludas no faltan, es evidente que un beso en medio de la más desesperada huida por la sobrevivencia se colará o intentará colarse en la escena.

Nada señores, me aburren más que las peleas en Facebook sobre la llegada del Papa Francisco a Bolivia.

Sin embargo, el público le ha dado su bendición llevándola a romper records de todo tipo e incluso a estar en el top ten de las más taquilleras de la historia del cine. Misterio 3.

Lo mejor: los raptores Lo peor: aburrida y desangelada La escena: todas las que aparecen los raptores Lo más falsete: el gordo que quería usar a los dinosaurios como armas, no tenía pies ni cabeza El mensaje manifiesto: no jueguen a ser Dios El mensaje latente: no jueguen a ser un Dios estúpido El consejo: esperá a que salga en video o que alguien te invite a verla El personaje entrañable: los raptores El personaje emputante: el gordo, Hope, digo Claire, Owen, los niños, los padres de los niños, el chino, bueeee…  El agradecimiento: porque la vi un día que dormí siesta.

CURIOSIDADES

  • Se filmó en Hawaii y New Orleans
  • En su primera semana ha recaudado $730 800 000, convirtiéndose en la película con mayor recaudación durante su primera semana, y superando los $1,000,000,000.
  • La girósfera fue idea de Steven Spielberg.
  • Bryce Dallas y Judy Greer hacen de hermanas en este filme, pero también interpretaron a hermanas en The Village.
  • Este filme sale 22 años después de la primera entrega.
  • Kristin Stewart fue considerada para hacer el papel de Claire, pero luego la vieron muy joven.
  • El primer borrador del guión, en cambio, se escribió once años antes y el paro de la producción -entre otros motivos- se debió a la huelga de guionistas estadounidenses de 2007. En el 2013, Trevorrow fue contratado como director y, junto a Derek Connolly, redactó el guión definitivo.

Terminator Génesis o la Khalessi necesita sus dragones

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Y ya para finalizar este recuento agridulce de experiencias en ese hermoso lugar que es la sala de cine, llegamos a Terminator y su génesis que sí, sí, es viejo y obsoleto.

Este proyectito se lo emponcharon a Alan Taylor que dirigió la primera Thor y muchos capítulos de series como Juego de Tronos, Sex and the city, Los sopranos y más. Sospecho que el pobre no pudo hacer gran cosa ya que el guión estuvo en manos de Laeta Kalogridis responsable de esas pajas al infinito que fueron Shutter Island Alejandro Magno, acompañada de Patrick Lussier que me parece debe tener los peores aportes en este Terminator, ya que su trabajo como escritor está visto en Dracula 2015, Dracula II, Dracula III y la muy nefasta Drive Angry.

Con estas papeletas qué se puede esperar de Terminator Génesis?…nada. Y nada es lo que tenemos.

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No voy a negar que a pesar de todo, la conseguí disfrutar un poco más que Jurassic World (mucho más), pero se debe a que en la de los dinosaurios el tufillo familiar era demasiado apestoso y aquí todo se resume a cruentos enfrentamientos.

Supongo que los verdaderos fans de Terminator deben desear entrar a la cápsula del tiempo y volver al momento en que NO vieron esta nueva versión.

Porque sí, yo que no soy fan me quedé algo confundida y escandalizada por la desgraciada representación de John Connor. ¿Para esto Edward Furlong echó a perder su carrera cinematográfica encasillándose en un personaje?

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Pues a los guionistas y productores se les ocurrió la idea de seguir estirando el chicle de la saga haciendo que John Connor (Jason Clarke) envíe a su pupilo Kyle Reese (Jai Courtney) al pasado para salvaguardar a su mamá Linda Hamilton, digo Sarah Connor. Supuestamente alguien irá a buscarla para asesinarla vilmente y así evitar que él, John Connor, nazca y lidere la revolución contra las máquinas.

Así nos vamos a 1984, donde Sarah es interpretada por Emilia Clarke, conocida por todos nosotros como la Khalessi. Cuando Kyle llega, la Khalessi está más enterada de lo que en el futuro se esperaban. La mamá de John cuenta con la ayuda del abuelo (Schwarzenegger) que la protege cual si fuera una flor del campo y que además nos recuerda a la audiencia que está viejo pero no obsoleto. Así, como esos chistes de borracho que se repiten una y otra vez, y la gente se ríe porque no queda otra.

De ahí pa´l frente es un derroche de giros caprichosos del destino, para que luego nos metan de refilón el revolcón del día SPOILER John Connor intentando matar a su mamá y a su papito: Kyle, que supuestamente debe aparearse con la Khalessi para que Connor nazca y luego intente asesinarlos en ese momento, divino FIN DEL SPOILER.

El filme, no obstante, recrea la fórmula que atrae público a las salas, tiene un conflicto la inminente muerte de Sarah Connor, al que sazonan con otros subconflictos y la siempre viva lucha contra las máquinas. Quizás el problema principal es que los guionistas no consiguieron hilvanar coherentemente la trama, lo suficiente, por lo menos, para hacerla creíble y que además no eche tierra sobre la memoria de personajes pasados (John).

Otro punto en contra es que resulta demasiado intrascendente para una saga que en su momento planteo ciertas reflexiones que iban más allá del apareamiento de la Khalessi y las soeces intenciones de conquistar el mundo.

A nivel técnico, no hay nada nuevo bajo el sol, cumple como todas las de su nicho, pero no hay una sola escena que te haga suspirar ante el avance de los efectos digitales.

Tendría que escribir demasiado y desarrollar demasiado para decir algo que voy a decir en una sola línea: Terminator, estás terminado.

Lo mejor: Que la Khalessi tiene Juego de Tronos Lo peor: que la Khalessi finja ser Sarah Connor La escena: La pelea del viejo Arnold con el joven Arnold Lo más falsete: no hay secuencia lógica que justifique que John Connor viaje al pasado El mensaje manifiesto: vieja y obsoleta El mensaje latente: sobre todo obsoleta El consejo: vela, aburrida no es, pero si tenés otras opciones mejores, adelante El personaje entrañable: los dragones de la Khalessi, no están ahí pero pensamos en ellos todo el tiempo El personaje emputante: John Connor El agradecimiento: porque la Khalessi tiene sus dragones en Juego de Tronos.

CURIOSIDADES

  • Los derechos volverán a James Cameron recién en el año 2019.
  • James Cameron amó la esta versión diciendo que era oficialmente la tercera de la saga.
  • Schwarzenegger entrenó por seis meses, casi 4 horas por día para lograr estar en forma.
  • El doble de Schwarzenegger en joven es Brett Azar, que ganó el papel después de un exhaustivo casting que buscara un cuerpo que luciera lo más similar posible al que aparece en la primera película de la franquicia.
  • Tom Hardy fue la primera opción para John Connor.
  • Es la primera de una trilogía nueva.
  • Se filmó bajo el nombre secreto de VISTA.
  • Es el primer filme en el que Schwarzenegger no aparece en los créditos como Terminator sino como Guardian.
  • Christian Bale no aceptó repetir su rol.
  • Se filmó en alrededor de 90 días con la primera unidad.
  • Brie Larson y Margot Robbie hicieron el casting para Sarah Connor.
  • Brett Ratner prefirió dirigir Hércules antes que esta entrega.
  • Hay una escena extra al final de los créditos.

Mónica Heinrich V.

CUENTO: En lo alto para siempre (David Foster Wallace)

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Feliz cumpleaños. Tu decimotercer cumpleaños es importante. Tal vez sea tu primer día realmente público. Tu decimotercer cumpleaños es la ocasión para que la gente se dé cuenta de que te están pasando cosas importantes.

Te han estado pasando cosas durante el último medio año. Ahora tienes siete pelos en tu axila izquierda. Doce en la derecha. Espirales duras y amenazadoras de pelo negro y encrespado. Un pelo crujiente, animal. Alrededor de tus partes íntimas te han salido más pelos duros y rizados de los que puedes contar sin perderte. Y otras cosas. Tu voz es llena y rasposa y se mueve entre octavas sin previo aviso. Tu cara empieza a brillar cuando no te la lavas. Y dos semanas de dolor profundo y temible la pasada primavera hicieron que algo se te descolgara desde dentro: tu saco se ha llenado y se ha vuelto vulnerable, un articulo de lujo que tienes que proteger. Levantado y amarrado por unos suspensorios prietos que te dejan rayas rojas en las nalgas. Te ha brotado una nueva fragilidad.

Y sueños. Durante meses has tenido sueños que no se parecían a nada que hubieras visto antes: húmedos, trepidantes y distantes, llenos de curvas cimbreantes, de pistones frenéticos, de calor y de un vértigo tremendo. Y te has despertado con los párpados convulsos al ritmo de una descarga, un borbotón y un espasmo que te ha sacudido desde el cuero cabelludo hasta los dedos de los pies procedente de una zona en las profundidades de tu interior que nunca imaginabas que tuvieras, estremecimientos producidos por un dolor profundo y dulce, las farolas del otro lado de las persianas de tus ventanas proyectando estrellas brillantes en el techo negro del dormitorio, y una gelatina blanca y densa rezumándote entre las piernas, goteando y pegándose, enfriándose sobre ti, endureciéndose y aclarándose hasta que no queda nada más que nudos retorcidos de pelo animal duro y pálido en la ducha matinal y en esa maraña húmeda persiste un olor dulce y limpio que no puedes creer que proceda de nada que tú hayas creado en tu interior.

Más que a ninguna otra cosa, el olor se parece a esta piscina: una sal dulce mezclada con lejía, una flor de pétalos químicos. La piscina tiene un fuerte olor azul claro, aunque ya se sabe que el olor nunca es tan fuerte como cuando uno está dentro del azul, como tú ahora, recién salido del agua, descansando en la parte menos profunda de la piscina, con el agua a la altura de las caderas lamiéndote esa zona que te ha cambiado.

La terraza de esta vieja piscina pública situada en el extremo occidental de Tucson está rodeada por una verja Cyclone del color del peltre, decorada con un enredo brillante de bicicletas sujetas con cadenas. Detrás de la verja hay un aparcamiento negro y caluroso lleno de líneas blancas y coches resplandecientes. Un prado indistinto de hierba seca y matojos duros, cabezas aterciopeladas de viejos dientes de león que estallan y flotan como copos de nieve en el viento que se levanta. Y más allá de todo esto, doradas por un redondo y lento sol de septiembre, están las montañas, dentadas, con los ángulos agudos de sus picos recortándose contra una luz cansina de color rojo intenso. Sobre el fondo rojo sus picos afilados y conectados trazan una línea serrada, el electrocardiograma del día que agoniza.

Las nubes se tiñen de color en el borde del cielo. Flotan lentejuelas en el azul claro del agua, a esa temperatura cálida propia de las cinco de la tarde, y el olor de la piscina, igual que el otro olor, conecta con una niebla química que hay dentro de ti, una penumbra interior que desvía la luz hacia los bordes y difumina la distinción entre lo que termina y lo que empieza.

Tu fiesta es esta noche. Esta tarde, la tarde de tu cumpleaños, has pedido permiso para venir a la piscina. Querías venir solo, pero un cumpleaños es un día familiar, tu familia quiere estar contigo. Es amable por parte de ellos, no sabes explicar por qué querías venir solo, y la verdad es que tal vez no quisieras estar realmente solo, de manera que han venido. Están tomando el sol. Tu padre y tu madre toman el sol. Sus hamacas han estado señalando la hora toda la tarde, siguiendo la curva del sol a través de un cielo despejado y tan recalentado que ha adquirido la textura de una película gelatinosa. Tu hermana juega a Marco Polo cerca de ti en la parte menos profunda con un grupo de niñas flacas de su curso. Le toca a ella quedar, dice «Marco» y ha de perseguir a ciegas a quienes le replican chillando «Polo». Tiene los ojos cerrados y va dando vueltas al compás de un coro de gritos, girando en el centro de una rueda de niñas chillonas con gorros de baño. De su gorro sobresalen flores de goma. Los pétalos de color rosa viejos y flácidos tiemblan cada vez que ella se abalanza en dirección a los ruidos invisibles.

En el otro extremo de la piscina están el «tanque», la zona destinada a saltos, y la torre elevada del trampolín. En la terraza de detrás está la CAF TERÍA, y a ambos lados de la misma, atornillados sobre las entradas de cemento de las duchas oscuras y húmedas y los vestuarios, están los megáfonos de metal gris que emiten el hilo musical de la piscina, ese ruidito metálico y mortecino.

Caes bien a tu familia. Eres inteligente y callado, respetuoso con los mayores, aunque no te faltan agallas. Te portas bien en general. Vigilas a tu hermana pequeña. Eres su aliado. Tenías seis años cuando ella tenía cero y estabas enfermo de paperas cuando la trajeron a casa envuelta en una manta amarilla muy suave; le diste un beso de bienvenida en los pies por miedo a contagiarle las paperas. Tus padres dijeron que aquello era un buen augurio. Que marcaba la tónica. Ahora creen que tenían razón. Están orgullosos de ti y satisfechos en todos los sentidos y se han retirado a esa distancia afable en la que se mueven el orgullo y la satisfacción. Os lleváis bien.

Feliz cumpleaños. Es un gran día, tan grande como la bóveda del cielo del suroeste. Lo has estado cavilando. Ahí arriba está el trampolín. Pronto querrán marcharse. Súbete y hazlo.

Te sacudes de encima la limpieza azul. Estás lleno de cloro, suave y resbaladizo, reblandecido, con las yemas de los dedos arrugadas. La niebla de olor demasiado limpio de la piscina se te ha metido en los ojos; descompone la luz en colores suaves. Te golpeas la cabeza con la base de la mano. En un lado de la cabeza suena un eco fofo. Inclinas la cabeza hacia ese lado y das un saltito, un calor repentino en tu oído, delicioso, mientras el agua calentada en tu cerebro se enfría en el nautilo exterior de tu oreja. Ahora oyes la música más nítida y metálica, los gritos más cercanos, mucho movimiento en mucha agua.

La piscina está llena para ser tan tarde. Hay chicos flacos, hombres peludos como animales. Chicos desproporcionados, todo cuello, piernas y articulaciones huesudas, estrechos de pecho y vagamente parecidos a pájaros. Como tú. Hay ancianos que se mueven a tientas por la parte menos profunda con las piernas rígidas como patas de palo, palpando el agua con las manos, fuera de todos los elementos a la vez.

Y niñas-mujeres, mujeres, curvilíneas como instrumentos o como frutas, con la piel barnizada de color castaño oscuro, la parte superior de sus bañadores sostenida por frágiles nudos de cordón de colores delicados que aguantan el peso de cargas misteriosas, la parte inferior encabalgada sobre las suaves prominencias de unas caderas totalmente distintas a las tuyas, hinchazones desmedidas y giratorias que se funden bajo la luz con un espacio circundante que sostiene y acomoda sus curvas suaves como si fueran objetos preciosos. Casi lo puedes entender.

La piscina es un sistema de movimientos. Aquí y ahora se ven: chapoteos, combates de salpicaduras, zambullidas, acorralamientos en las esquinas, Tiburones y Sardinas, caídas desde lo alto, Marco Polo (tu hermana todavía Lo es, medio llorosa, hace demasiado rato que Lo es, el juego rayano en la crueldad, pero no te compete defenderla ni avergonzarla). Dos chicos de color blanco brillante con toallas de algodón atadas como si fueran capas corren por el borde de la piscina hasta que el socorrista les hace detenerse en seco gritando por el megáfono. El socorrista es de color castaño como un árbol, el vello rubio le forma una línea vertical sobre el estómago, lleva un sombrero de explorador de la selva y su nariz es un triángulo blanco de crema. Una niña rodea con el brazo una de las patas de su torreta. Está aburrido.

Ahora sales y pasas junto a tus padres, que están tomando el sol y leyendo y no te miran. Olvídate de tu toalla. Detenerse a recoger la toalla significa hablar y hablar requiere pensar. Has decidido que el miedo lo causa básicamente el hecho de pensar. Sigue adelante, hacia el tanque que hay en el extremo hondo de la piscina. Al borde de tanque hay una torre enorme de hierro de color blanco sucio. Un trampolín sobresale de la alto de la torre como una lengua. La terraza de cemento de la piscina es áspera y está caliente al tacto de tus pies llenos de cloro. Cada una de las huellas que dejas es más fina y tenue. Va menguando detrás de ti sobre la piedra caliente hasta desaparecer. Flotan hileras de salchichas de plástico alrededor del tanque, que es un mundo en sí mismo, ajeno al ballet convulsivo de cabezas y brazos del resto de la piscina. El tanque es azul como la energía, pequeño y profundo y perfectamente cuadrado, flanqueado por las calles de la piscina y por la CAF TERÍA y la terraza áspera y caliente y la sombra inclinada bajo la luz del atardecer de la torre y el trampolín. El tanque está silencioso y tranquilo y quieto en el lapso entre dos zambullidas.

Tiene un ritmo propio. Como la respiración. Como una máquina. La cola de quienes esperan para subir al trampolín forma una curva que retrocede desde la escalera de la torre. La cola se tuerce gradualmente y se endereza al acercarse a la torre. Uno por uno, van llegando a la escalera y suben. Uno por uno, separados por un latido del corazón, alcanzan la lengua del trampolín que hay en lo alto. Y una vez en el trampolín, hacen una pausa, siempre exactamente la misma pausa que se prolonga durante un latido del corazón. Sus piernas los llevan hasta el extremo, donde todos dan el mismo bote para impulsarse y trazan una curva con los brazos como si estuvieran dibujando algo circular y total. Pisan con fuerza el extremo de la tabla y hacen que esta los lance hacia arriba y afuera.

Es una máquina de descensos en picado, de líneas de movimiento discontinuas a través de la dulce neblina de cloro del atardecer. Uno puede contemplar desde la terraza cómo golpean la superficie fría y azul del tanque. Cada zambullida crea un penacho blanco que se eleva, se desploma sobre sí mismo, se extiende y se deshace en forma de espuma. Luego aparece un azul puro en medio de la mancha blanca y crece como un pudín, hasta limpiarlo todo de nuevo. El tanque se cura a sí mismo. Tres veces mientras tú recorres el camino.

Estás en la cola. Mira a tu alrededor. Tienes que parecer aburrido. En la cola casi nadie habla. Todos parecen ensimismados. La mayoría miran la escalera y parecen aburridos. Casi todos tenéis los brazos cruzados y estáis congelados por un viento vespertino que se está levantando y que golpea las constelaciones de partículas de cloro azul puro que cubren vuestras espaldas y vuestros hombros. Parece imposible que todo el mundo pueda estar tan aburrido. A tu lado tienes el extremo de la sombra de la torre, la lengua negra inclinada que es el reflejo del trampolín. La sombra es un sistema enorme, largo, escorado a un lado y unido a la base de la torre formando un ángulo oblicuo y agudo.

Casi todos los que están en la cola del trampolín miran la escalera. Los chicos mayores miran el trasero a las chicas mayores que suben. Los traseros están enfundados en una tela suave y fina, en nilón ajustado y elástico. Los buenos traseros ascienden por la escalera como péndulos sumergidos en líquido, siguiendo un código lento e indescifrable. Las piernas de las chicas te hacen pensar en ciervos. Tienes que parecer aburrido.

Mira más allá. Mira al otro lado. Puedes ver perfectamente. Tú madre está en su hamaca, leyendo, con los ojos entornados, con la cara inclinada hacia arriba para recibir la luz del sol en las mejillas. No ha mirado para ver dónde estás. Da un sorbo de alguna bebida dulzona de una lata. Tu padre está tumbado sobre su enorme panza, su espalda parece una cresta en el lomo de una ballena, los hombros cubiertos de rizos de pelo animal, la piel untada de aceite y de color castaño oscuro por culpa del exceso de sol. Tu toalla está colgando de la silla y ahora se mueve una punta de la tela: tu madre la ha golpeado al espantar a una abeja a la que parece gustarle lo que ella tiene en la lata. La abeja vuelve enseguida y parece flotar inmóvil sobre la lata trazando un suave borrón. Tu toalla tiene una cara enorme del oso Yogi.

En algún momento ha tenido que haber más gente en la cola detrás de ti que delante. Ahora no hay nadie por delante excepto tres personas que suben por la estrecha escalerilla. La mujer que hay delante de ti está en los travesaños de abajo, mirando hacia arriba. Lleva un bañador ajustado de nilón negro de una sola pieza. Asciende. Desde lo alto llega un retumbo, luego una caída tremenda, un penacho y el tanque se cura a sí mismo. Ahora quedan dos personas en la escalera. Las normas de la piscina dicen que solamente puede haber una persona en la escalera, pero el socorrista nunca grita a los que suben. El socorrista es quien dicta las verdaderas normas gritando o dejando de gritar.

La mujer que hay por encima de ti no tendría que llevar un bañador tan ajustado. Es tan mayor como tu madre e igual de corpulenta. Es demasiado corpulenta y está demasiado blanca. Su bañador rebosa. La parte posterior de sus muslos queda constreñida por el bañador y tiene un aspecto parecido al queso. Sus piernas están marcadas con los garabatos pequeños y abruptos de las venas varicosas y azules que circulan por debajo de la piel blanca, como si sus piernas tuvieran algo roto o herido. Parece que sus piernas tendrían que doler si uno las apretara, de tan llenas como están de garabatos árabes retorcidos de un azul roto y frío. Sus piernas hacen que te duelan las tuyas.

Los travesaños son muy delgados. No te lo esperabas. Cilindros delgados de hierro envueltos en fieltro de seguridad mojado y resbaladizo. El olor del hierro mojado a la sombra te hace sentir un sabor metálico. Cada travesaño se te clava en las plantas de los pies y te deja una marca. Las marcas se clavan hondo y duelen. Te sientes pesado. Cómo debe de sentirse la mujer corpulenta que tienes por encima. Los pasamanos a los lados de la escalera también son muy delgados. Parece que no puedan sostenerte. Confías en que la mujer también se coja bien. Y, por supuesto, desde lejos parecía que hubiera menos travesaños. No eres estúpido.

Subes hasta la mitad, a la vista de todos, la mujer corpulenta por delante de ti, un hombre robusto, calvo y musculoso bajo tus pies. El trampolín todavía está lejos en lo alto y es invisible desde aquí. La tabla retumba y hace un ruido batiente, y un chico al que puedes ver a lo largo de unos cuantos pies a través de los finos travesaños de la escalera cae trazando una línea resplandeciente, con una rodilla abrazada contra el pecho, y se zambulle al estilo bomba. Un enorme signo de exclamación de espuma aparece en tu campo visual, se disgrega y se desmorona sobre el enorme borbotón. Luego, el murmullo del tanque curando de nuevo su superficie azul.

Más travesaños delgados. Agárrate fuerte. La radio se oye más alta aquí, uno de los altavoces colocado sobre una de las entradas de cemento de los vestuarios te queda a la altura de los oídos. Un tufillo húmedo y frío sale del interior del vestuario. Te agarras fuerte a las barras de hierro, te doblas, miras hacia abajo y a tu espalda y puedes ver a la gente comprando chucherías y refrescos allí abajo. Puedes verlo todo desde arriba: la cima blanca y limpia de la gorra del vendedor, los envases de helado, las neveras de latón humeantes, los tanques de sirope, las serpientes de las mangueras de soda, las cajas abultadas de palomitas saladas recalentadas por el sol. Ahora que estás en lo alto puedes verlo todo.

Hace viento. Cuanto más alto llegas más viento hace. El viento es fino; cuando sopla a la sombra te enfría la piel mojada. Con el fondo de la escalera y a la sombra tu piel se ve muy blanca. El viento te produce un silbido agudo en los oídos. Faltan cuatro travesaños para el final de la escalera. Los travesaños te hacen daño en los pies. Son delgados y te demuestran cuánto pesas. En la escalera pesas mucho. El suelo te quiere de vuelta.

Por fin puedes ver lo que hay por encima de la escalera. Ves el trampolín. La mujer está ahí. Tiene dos caballones de callos rojos y de aspecto doloroso en la parte posterior de los tobillos. Está de pie al principio del trampolín y le miras los tobillos. Ahora estás por encima de la sombra de la torre. El hombre corpulento que hay debajo de ti está mirando por entre los travesaños de la escalera el espacio que la mujer tiene que atravesar.

Ella se detiene durante el instante que dura un latido del corazón. No hay ni rastro de lentitud. Te quedas helado. En un abrir y cerrar de ojos llega al final del trampolín, toma impulso hacia arriba, luego hacia abajo, el trampolín se comba hacia abajo como si no la quisiera. Luego asiente, rebota y la arroja violentamente hacia arriba y hacia fuera. Sus brazos se abren para trazar el círculo y de pronto desaparece. Se esfuma en un parpadeo oscuro. Y pasa tiempo antes de que oigas el impacto allí abajo.

Escucha. No parece apropiado, esa manera de desaparecer durante el tiempo que transcurre hasta que se oye el ruido. Como cuando tiras una piedra en un pozo. Pero te da la impresión de que ella no piensa lo mismo. Ella era parte de un ritmo que excluye el pensamiento. Y ahora tú también te has convertido en parte de él. El ritmo parece ciego. Como las hormigas. Como una máquina.

Decides que es necesario pensar en esto. Después de todo, puede ser apropiado hacer algo temible sin pensarlo, pero no cuando lo temible es el propio hecho de no pensar, Ion cuando resulta que el penar es inapropiado. En algún momento los detalles inapropiados se han amontonado hasta cegarte; el aburrimiento fingido, el peso, los travesaños finos, el dolor en los pies, el espacio segmentado por la escalera en encuadres unidos solamente mediante una desaparición en el tiempo. El viento en la escalera que nadie hubiera esperado. La manera en que el trampolín sobresale de la sombra para entrar en la luz y no puedes ver más allá de su extremo. Cuando todo resulta distinto a lo esperado uno tendría que ponerse a pensar. Es lo que habría que hacer.

La escalera está atestada debajo de ti. La gente está apilada, separados los unos de los otros por unos pocos travesaños. La escalera está conectada a una nutrida cola que retrocede y traza una curva hasta la oscuridad de la sombra escorada de la torre. La gente de la cola tiene los brazos cruzados. Los que están al pie de la escalera están ansiosos y miran todos hacia arriba. Es una máquina que solamente se mueve hacia delante.

Subes a la lengua de la torre. El trampolín resulta ser muy largo. Tan largo como el tiempo que pasas en él. El tiempo se ralentiza. Se condensa a tu alrededor mientras tu corazón late cada vez más veces por segundo y sus latidos abarcan todos los movimientos del sistema de la piscina allí abajo.

El trampolín es largo. Desde donde estás parece estrecharse hasta la nada. Te va a enviar a alguna parte que su propia longitud te impide ver y parece inadecuado entregarse a esto sin pararse a pensar.

Mirado de otro modo, el mismo trampolín no es más que una cosa larga, plana y delgada cubierta con una sustancia plástica blanca y áspera. La superficie blanca es muy áspera y tiene motas y rayas de un color rojo pálido y acuoso que sin embargo nunca deja de ser rojo para convertirse en rosa: viejas gotas de agua de la piscina que atrapan la luz del sol vespertino sobre las montañas escarpadas. La sustancia blanca y áspera del trampolín está mojada. Y fría. Los pies te duelen por culpa de los travesaños delgados y tienen una sensibilidad exacerbada. Se resienten de tu peso. Hay barandillas en el principio del trampolín. No son como las barras laterales de la escalera. Son gruesas y están muy bajas, de modo que casi tienes que agacharte para cogerte a ellas. Solamente son de adorno, nadie se coge a ellas.. Agarrarse lleva tiempo y altera el ritmo de la máquina.

Es un trampolín largo, frío, áspero y blanco de plástico o fibra tic vidrio, veteado del mismo color triste cercano al rosa que las golosinas baratas. Pero al final del trampolín blanco, en su extremo, en donde te apoyas con todo tu peso para hacer que te arroje lejos, hay dos zonas de oscuridad. Dos sombras planas bajo la luz del sol. Dos formas ovales difusas y negras. El final del trampolín tiene dos manchas sucias.

Son de toda la gente que ha pasado antes que tú. Mientras estás aquí de pie tus pies están reblandecidos y marcados, doloridos por la superficie áspera y mojada, y ves que las dos manchas oscuras las ha hecho la piel de la gente. Es piel erosionada de los pies por la violencia de la desaparición de gente provista de un peso real. Más gente de la que podrías contar sin perderte. El peso y la erosión causada por su desaparición deja trocitos de pies reblandecidos, migas, grumos y tiras de una piel sucia, oscurecida y morena cuyos trocitos diminutos y deslavados se ven a la luz del sol al final del trampolín. Se amontonan, se deslavan y se mezclan. Se oscurecen formando dos círculos. Fuera de ti el tiempo no transcurre en absoluto. Es asombroso. El ballet vespertino que tiene lugar allí abajo se mueve a cámara lenta, con los movimientos pesados de mimos sumergidos en jalea azul. Si quisieras podrías quedarte aquí encima para siempre, vibrando tan deprisa por dentro que flotarías inmóvil en el tiempo, como una abeja flotando sobre alguna sustancia dulce. Pero tendrían que limpiar el trampolín. Cualquiera que lo piense un segundo se dará cuenta de que tendrían que limpiar del extremo del trampolín toda esa piel de la gente, esas dos huellas negras de lo que queda del pasado, esas manchas que desde aquí detrás parecen ojos, ojos ciegos y bizcos.

El sitio donde estás ahora es tranquilo y silencioso. La radio grita al viento y chapotea en otra parte. No hay tiempo ni más sonido real que tu sangre chillándote en la cabeza.

Estar aquí en lo alto comporta visiones y olores. Los olores son íntimos, recién blanqueados. Es ese peculiar aroma floral de la lejía, pero de su interior emanan otras cosas hacia ti como una nieve sembrada de hierba. Notas un olor intenso a palomitas amarillas. A un aceite dulce y tostado como el de los cocos calientes. Deben de ser perritos calientes o maíz tostado. Un rastro diminuto y cruel de Pepsi muy oscura en vasos de papel. Y ese olor especial a toneladas de agua emanando de toneladas de piel, elevándose como el humo de un baño reciente. Calor animal. Desde lo alto es más real que nada.

Míralo. Puedes verlo todo en toda su complejidad, azul y blanco, marrón y blanco, bañado en un destello acuoso de color rojo cada vez más intenso. Todo el mundo. Esto es lo que la gente llama una vista. Y sabías que desde abajo no te podía parecer que estuvieras tan alto aquí arriba. Ahora ves qué alto te encuentras. Sabías que desde abajo no se puede saber.

El tipo que tienes debajo te dice, con la vista clavada en tus tobillos, el hombre calvo y corpulento: Eh, chico. Quieren saber. ¿Tienes pensado pasarte todo el día aquí o qué te pasa exactamente? Eh, chico, ¿estás bien?

Todo este tiempo ha habido tiempo. No puedes matar al tiempo con el corazón. Todo ocupa tiempo. Las abejas tienen que moverse muy deprisa para permanecer quietas.

Eh, chico, te dice. Eh, chico, ¿estás bien?

Brotan flores metálicas en tu lengua. Ya no hay tiempo para pensar. Ahora que hay tiempo no tienes tiempo.

Eh.

Lentamente ahora, atravesándolo todo, surge una mirada que se extiende como las ondas que aparecen en el agua cuando lanzas algo. Mira cómo se extiende desde la escalera. Tu hermana, a la que acabas de ver, y sus amigas blancas y delgadas, señalándote. Tu madre mira hacia la parte menos profunda de la piscina donde estabas antes y pone la mano en forma de visera. La ballena se agita y se sacude. El socorrista levanta la vista, la niña que le agarra la pierna levanta la mirada, echa mano al megáfono.

Debajo para siempre hay una terraza áspera, chucherías, música tenue y metálica, ahí abajo donde solías estar. La cola está abarrotada y no permite marcha atrás. Y el agua, por supuesto, solamente es blanda cuando estás en su interior. Mira hacia abajo, Ahora se mueve bajo el sol, llena de monedas duras de luz dotadas de un resplandor rojizo a medida que se alejan y se funden con una niebla que es la sal de tu propio sudor. Las monedas estallan formando lunas nuevas, cascotes alargados procedentes de los corazones de estrellas tristes. El tanque cuadrado es una sabana fría y azul. Lo frío es una modalidad de lo duro. Una modalidad de la ceguera. Te han pillado desprevenido. Feliz cumpleaños. ¿Creías que ya había pasado? Sí y no. Eh, chico.

Dos manchas negras, un momento de violencia y desapareces en el pozo del tiempo. La altura no es el problema. Todo cambia cuando vuelves abajo. Cuando impactas con todo tu peso.

Entonces, ¿cuál es la mentira? ¿Lo duro o lo blando? ¿El silencio o el tiempo?

La mentira es que haya que elegir entre una cosa y otra. Una abeja quieta y flotante se mueve demasiado deprisa para pensar. Desde lo alto la dulzura la hace enloquecer.

El trampolín asentirá y tú saldrás despedido, y los ojos de piel podrán cruzar a ciegas un cielo empañado de nubes, la luz horadada se vaciará detrás de esa piedra afilada que es la eternidad. Que es la eternidad. Pisa la piel y desaparece.

Hola.

EN CARTELERA: Intensa-Mente /Inside&Out/ Del revés

La tristeza NO es mala, suspiritos azules

Y sí, acá estamos, elaborando bolitas blancas, nubosas, papales, esas que producen las emociones religiosas, la moral arcaica, y la ilusa dicha virtuosa de recibir a quien vive entre oropeles. Pero ya sé, paremos la producción de bolitas blancas y empecemos con esas ya no doradas sino resplandecientes, casi enceguecedoras que solo provoca la emoción del cine.

¿Se acuerdan de la serie noventera Herman´s Head o lo que se tradujo en español como La cabeza de Herman? Pues el conceptito de personajes que representan tus procesos psicoemocionales estaba champado ahí, como chancho en lodazal.

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24 años después, Pixar aparece con la creatividad reciclada para decir hey, hola amiguitos cómo están, saludos a Osmosis Jones.

Claro que primero tenemos que chuparnos uno de los cortos más melosos del estudio hasta la fecha, la canción de I LAVA YOU me perseguirá en las noches de frío para toda la eternidad.

Volviendo a «nuestra mente». Estamos ante el 15avo trabajo de Pixar, y el director es nada más y nada menos que Peter Docter, quien ya trabajó como guionista en las 2 primeras Toy Story, en Wall-E y como director en UP.  A él lo acompaña Roonie del Carmen, cuya labor hasta antes de este filme ha sido principalmente en el departamento de arte.

Y sí padawanes, cuando se tienen infancias perdidas y tu pozo de desechos ya alcanzó profundidades insospechadas, ver Intensa-mente te producirá un montón de bolitas de distintos colores, la mayor parte azules y doradas.

inside-out-636-380En sus primeros minutos, Inside Out consigue capturar la atención y hasta embelesar. Así como cuando te quedás estúpido viendo un arco iris o como cuando un picaflor revolotea en tu jardín y te susurrás maravillado “pero qué alitas más chiquititas tienen”.

La trama de Riley, sus primeros años de vida, la aparición de emociones que iban condicionando su paso por el mundo, las islas que simbolizaban los distintos pilares de su personalidad , todo estaba en la tesitura adecuada. Y a pesar de lo rebuscado o forzado del concepto, este escéptico y verdoso ser la pudo disfrutar.

(bolitas doradas)

La disfruté mucho en su primera parte, pero así como los arco iris desaparecen o los picaflores se van, luego se me fue poniendo un poco estridente y me resultó más difícil empatizar con la “dura” y “traumática” experiencia de niña bien, con padres ñoños estereotipados (mamá ama de casa que piensa en su ex novio cuando se enoja con papá/papá proveedor que piensa en deportes y no está realmente concentrado en nada) que se muda a otra ciudad y no puede adaptarse.

Sí, qué gran problema y desgracia lo que le sucede a esa criaturita del señor (bolitas verdes). Me sentí más o menos como cuando en una charla en Zurich, les preguntaron a unos adolescentes de alrededor de 13 años cuáles eran los grandes problemas que veían en su sociedad, en su generación, y uno de ellos dijo suelto de cuerpo: “es muy difícil conseguir marihuana”. Nombre de la novela: “los ricos también lloran”.

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Así que no, no me derretí por la historia de la niña inadaptada cuya familia la adora, tiene un techo sobre su cabeza, dejó una gran amiga en su ciudad natal, asiste al colegio, no le hacen bullying y aun así está a punto de fugarse de su consolidado hogar.

Tampoco invalido su sufrimiento, a los 11 años sé que la presentación de un práctico incompleto puede significar una tragedia, simplemente que para los hechos me pareció demasiado dramático todo lo que sucede después, la metafórica pérdida de la inocencia, el comienzo de esa piñata de dulces y cuchillos llamada madurez.

Por otro lado, el argumento se vuelve algo repetitivo, como una molesta cacofonía de personajes unidimensionales y básicos, donde tenemos que creer que Alegría que siempre vivía en control de todo lo que le pasaba a Riley no se dio cuenta que en la anécdota del partido Tristeza tuvo algo que ver.

Avanzando un poquito más, el filme cautiva brevemente otra vez con lo de Bing Bong y no voy a negar que derramé algunas lágrimas en la oscuridad por él, ese elefante cursi y rosado, porque quizás el amigo imaginario que según yo no tuve sufrió el mismo fin.

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La gorda, torpe y lenta Tristeza finalmente jugará un papel preponderante, la delgada, luminosa Alegría comprenderá que juntas hacen la fuerza.

Inside out es ambiciosa en su planteo, inteligente en lo que quiere lograr aunque no significa que lo consiga, quizás lo que me aleja de ella es su aparente complejidad y subtextos, cuando en realidad queda como una historia bastante sencilla y plana. Predecible, facilona, pero disfrutable.

Igual, sé que no estoy viendo un anime de Miyazaki, y que tampoco estamos ante una fábula tan llena de humanidad como Wall-E, así que me parece una buena animación de Pixar, un poco sobrevalorada, pero lo dicho, una buena animación a secas.

Lo que nos lleva al mensaje final (ese que está súper masticado), a la moraleja estilo a las que salían en He-man o She-ra cuando finalizaban sus episodios: podés crecer y convertirte en un gris adulto, tu infancia quedará atrás y algunas de tus islas (bobadas, familia, amistad, trabajo, futuro,) colapsarán pero aunque no lo creás amiguito, sí, vos, el que está ahí detrás de la computadora, vas a llorar, vas a sentirte triste (bolitas azules) la vida te golpeará como una bola de demolición (bolitas azules) y zas! Luego de tanto despelote cha chan cha chan volverás a ser feliz (bolitas…este…hmmm… azules) y a estar bien (bolitas… azules)

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Lo mejor: Está muy bien lograda en cuanto a estética.  Lo peor: Para mí se volvió algo aburrida y plana La escena: Lo de Bing Bong Lo más falsete: quiere ser más profunda de lo que en realidad es El mensaje manifiesto: estar triste no es malo El mensaje latente: la tristeza es gorda, fea y lenta El consejo: vela, es disfrutable El personaje entrañable: Bing Bong El personaje emputante: Alegría, alguien pásele una aspirina El agradecimiento: por no haber puesto más emociones, iba a ser un circo eso.

Mónica Heinrich V.

CURIOSIDADES

– Un cortito que encontré similar https://www.youtube.com/watch?v=JuyB7NO0EYY

– Algunas de las bolas de recuerdo de Riley contienen escenas de otras películas de Pixar.

– Es la primera película de Pixar para la que se creó un set de Lentes Virtuales como los Cook y los Zeiss Ultra Prime.

– De acuerdo al director, las emociones fueron basadas en formas, Desagrado (asco) en un brocolí, Alegría en una estrella, Tristeza en una lágrima, Temor en un nervio e Ira en un ladrillo.

– Se consideraron 27 emociones, pero al final se quedaron en 5 para hacer más accesible y menos confusa la trama. Quedaron fuera el orgullo, la sorpresa y la confianza, por mencionar algunas.

– Esta película tuvo un proceso de producción de 5 años y medio.

– Trabajó un grupo pequeño de 45 animadores, que es la mitad del número de animadores que han trabajado en películas Píxar anteriores.

– Pete Docter, se inspiró al escribir el guión en el comportamiento de su hija cuando la familia se mudó de Montana a California.

– Richard Kind, la voz en inglés de Bing Bong, estaba llorando de verdad cuando grabó la línea, “Llévala a la luna por mí, Alegría”.

– En las primeras versiones de la película, Alegría estaba junto a Miedo, en vez de Tristeza.

CINE HÚNGARO: Feher Isten/ White God/ Hagen y yo/Buscando a Hagen

REVOLUCIÓN CANINA

Por: Mónica Heinrich V.

Si me decís que hiciste una película con 274 perros abandonados ya me ganaste como espectadora.

Hay cierta magia en Feher isten, algo que te hace sentir empatía por esta fábula de rebelión, de lucha de clases/especies y que encima es una oda a ese sentimiento al que algunos tildan solo de concepto: el amor.

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La película húngara llamada en inglés White God (Dios Blanco) o cursimente en español Hagen y yo/ Buscando a Hagen nos cuenta la historia de la pequeña Lili y su perro Hagen.

Lili viene de un hogar disfuncional, sus padres son separados. La mamá (que ya tiene otra pareja) consiguió un trabajo de tres meses en Australia y por lo tanto tiene que dejar a Lili a cargo del padre.

El señor trabaja como inspector de mataderos por lo que asumimos de entrada que el respeto por la vida de los animales no es precisamente su fuerte.

Por eso, cuando su hija adolescente de la que no sabe mucho se aparece en su departamento con Hagen, un perro relativamente grande, hay rechazo.

La vecina del tipo, con una actitud muy mezquina, lo reporta porque aparentemente en Hungría las leyes sobre tenencia de animales son muy estrictas y los perros de raza “mestiza” no son bien vistos ni bien recibidos. El padre al verse en la disyuntiva de pagar un impuesto por tener derecho a conservar al animal, toma la peor decisión: abandonar a Hagen en las hostiles calles de Budapest.

El dicho: “lo dejó como a un perro”, tiene totalmente sentido mientras ves a Hagen solo, sorprendido ante el auto que parte sin él.

whitegod_topimageDesde ese momento, la película se desdobla para contarnos por un lado lo que sucede con Hagen y por otro lo que sucede con Lili.

Hagen descubre que lejos de su pequeña mamá humana, la vida es dura y las personas no lo consideran el mejor amigo del hombre, sino un ser al cual se pueda maltratar y abusar.

Quizás lo mejor de Feher Isten es todo aquello que sucede con Hagen y los perros. La soledad del canino ante el abandono, su confusión, su resignación, su búsqueda de un lugar seguro, el maltrato al que es sometido, la palabra para designarlo como “bastardo/mestizo” como si fuera algo muy malo y lo hiciera merecedor de peor suerte, la desgracia de toparse con alguien que lo entrenará para volverlo violento y usarlo en peleas de perros, la desidia de la perrera, su cambio de animal sumiso a perro salvaje, todo eso duele y duele mucho. Más aún si tenés mascotas/hijos a las que considerás parte de la familia y a las que nunca someterías a ningún vejamen.

La travesía de Hagen es un feroz analogía a la sociedad, a la discriminación, a la inhumanidad de la humanidad, a la capacidad oscura y monstruosa de las personas de convertir algo bueno en algo malo.

Dios blanco lleva en su título el escupitajo que echa sobre el espectador.

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Lo que sucede con Lili es menos atractivo. A eso contribuye que las actuaciones de los humanos sean menos precisas que la de los canes y que el argumento creado fuera de Hagen sea mucho más simplista. Lili no se lleva bien con su papá, hay que reconstruir la relación con el papá. Lili está atravesando momentos duros, Lili tendrá problemas con chicos y discotecas.

Mientras Hagen nos muestra lo podrido de la sociedad, Lili es parte de una orquesta y toca a Wagner estableciendo a duras penas un nexo con su papá en la fría Budapest. Mientras Hagen ha mutado de un ser pacífico y carente de amor/atenciones a un salvaje vengador, Lili ya bajó los brazos y decidió seguir adelante con su vida, más o menos bajo la idea de que al final de cuentas “es solo un perro”.

Hagen muy al estilo El Planeta de los simios, liderará una revolución canina intentando llevarse por delante a todo aquel humano que osó humillarlo, denigrarlo y lastimarlo. No habrá piedad, ni misericordia.

white_godLa banda sonora elegida para esta debacle es Tannhäuser de Richard Wagner, una ópera que, como dicen en la misma película, habla del amor y del conflicto entre dos mundos con valores opuestos, una ópera cuyo leitmotiv principal es la redención.

El director Kornél Mundruczó construye en este su sexto largometraje un admirable apocalipsis canino. El manejo que hace de la jauría es para sacarse el sombrero, los estados que logra con Hagen como protagonista eleva a su película más allá y hace que le perdonemos las secuencias humanas (sosas y mal actuadas).

El guión del mismo director junto con su colaboradora habitual Viktória Petránya y la actriz Kata Wéber, queda protegido por esa misma imponente jauría y por una edición que crea la tensión necesaria para que nos creamos que sí, que es cierto, los perros se cansaron de ser mascotas u objetos de abuso y van a tomar el control.

Una muy muy linda fotografía, y un diseño de arte y vestuario acorde a lo relatado completan los puntos a favor de esta apuesta húngara para los Oscar 2015.

La escena final nos pone poéticamente frente a la reflexión que la película plantea al principio bajo los versos de María Rilke:

“Perhaps everything terrible is something that needs our love”

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Lo mejor: Está muy lograda en su metáfora social/polìtica Lo peor: las secuencias de los humanos están mal actuadas y el argumento se vuelve muy tópico La escena: la del abandono, rompe el corazón. La del reencuentro, la de la trompeta Lo más falsete: la certeza de Lili de que Hagen es causa y efecto de la hecatombe El mensaje manifiesto: no somos los mejores amigos del perro, ni de nadie El mensaje latente: el ser humano tiende a ser más animal y primitivo que otro ser vivo El consejo: hay que verla El personaje entrañable: todos y cada uno de los perritos que viven en situación de calle sin el amor que se merecen, así como aquellos que son maltratados y abusados en las perreras El personaje emputante: el que hizo que Hagen sea perro peleador El agradecimiento: porque en el lado canino plantea una reflexión jodida.

CURIOSIDADES

– El director hace un cameo como el afgano

– Hagen es interpretado por dos perros gemelos llamados Luke y Bobby

– Los sonidos de la pelea de perros fueron grabados con voces humanas por actores en Suecia

– Es la película que ostenta el récord de haber utilizado mayor cantidad de perros hasta la fecha

– Luego de la filmación y gracias al éxito del filme se hizo una campaña para que todos los perros que aparecieron en la película fueran adoptados, consiguiendo su objetivo a principios de este año.

– Se le sugirió al director hacer la película con perros de raza más aptos para el entrenamiento, pero el director se negó porque iba en contra de lo que la película cuestiona, finalmente se entrenó a los perros de refugios y calle en grupos durante 6 meses con excelentes resultados.

– Dura 119 minutos y tuvo un presupuesto de tan solo 250.000 $us.

EN CARTELERA: Mad Max:Fury Road

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“What a day! WHAT A LOVELY DAY”

Me subo al pony de la dicha cinéfila y desde ahí puedo gritarle al mundo con propiedad que Mad Max: Fury Road es todo eso que el trailer prometía: ES-PEC-TA-CU-LAR.

Y miren que la luna salió y se escondió muchas veces, que estas semanas extrañé al cine como el cine extraña a Marlon Brando, que supe (for sure) que el cine es más bonito de afuera que de adentro y que desparramarte en una butaca y encontrarte con una película  así convierte tu día en «a lovely day».

Lo que ha hecho George Miller (el director) es una hazaña. Y no es que le falte currículum, poseedor de una trilogía de culto, artífice de Babe, el cerdito valiente, a sus 70 años, Miller hace lo suyo con gracia.

Apuesto que cualquiera que haya leìdo la noticia de este “nuevo episodio en la vida de Max” seguro se quedó puteando en la oscuridad y sacando el muñeco vudú de Miller y de Mel Gibson (nunca está de más sacar el muñeco de Mel) para detener ese despropósito. Seguro.

Alfiler pim pum pam.

Pero no. Me quito el sombrero, las gafas, la cartera, el beldent, la copa de vino y hago un montón de significado a los pies de este hombre.

Georgie, como ahora puedo llamarlo, agarró la tiza, dibujó con expertise lo que se supone es una película blockbuster por todo lo alto y nos dejó con la boca abierta.

Jódanse Avengers.

Y hay que decir que un aproximado del 80% de la película carece de efectos especiales computarizados, ajá, lo que ven en pantalla obedece simplemente al talento de Georgie, a un excelente diseño de producción y a la capacidad del fotógrafo de conseguir crear la ilusión de escenas complicadas sin recurrir al pinche croma. Oh talento, bendito talento.

Jódanse Avengers.

En esta entrega, que no tiene lógica temporal con ninguna de las anteriores películas de Mad Max, el mundo se ve casi post-apocalíptico, como un desierto en el que no hay vegetación y cuesta encontrar agua. En esa escasez/aridez es que Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne) surge como líder y tirano de un grupo de humanos (y otras variaciones) azotados por el hambre.

Immortan Joe es un personajillo asqueroso que además le raciona el agua a la Ciudadela.

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A Max (Tom Hardy) lo capturan al inicio y encima lo ponen como bolsa de sangre de Nux, un war boy. Este war boy es un personaje freak, enfermo, “solo un chico” como dicen más adelante, perturbado por una crianza orientada a en algun momento encontrar la muerte y entrar a Valhalla.

“I live, I die, I live again”,es una de las frases que marcan el perfil del war boy.

Nicholas Hoult es quien tiene la difícil labor de hacer de este personaje alguien con quien la platea termina empatizando.

Tan es así que solo quería tomarlo en brazos y cantarle canciones de cuna:
Duérmete, war boy, duérmete ya…

Quiero decir algo más de Nicholas, y quiero decirlo porque amerita, porque no lo podía creer y porque es otro motivo de lanzar un fueguito artificial al firmamento. Nicholas es el niño de About a boy. Sí! La película donde Hugh Grant salía de cínico y terminaba haciendo amistad con un curioso/peculiar niño. Estamos, entonces, ante la evolución de un actor que hasta el momento no es un juguete roto de Hollywood y que ya lleva en sus espaldas películas como Furia de Titanes, X-Men y uno de los protagónicos de la serie de culto inglesa Skins.

Vale la pena seguir la carrera de Hoult.

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 Volviendo a Mad Max.

Paralelamente, Furiosa (Charliez Theron) se puso furiosa en serio y le tuvo penita a las «parideras» de Immortan Joe, decidió tomar ese toro por las astas y salir tostando con las chicas en busca de una mejor vida.

El Lugar Verde (Paraje Verde, Tierra Verde) se alza como quimera de esa vida que Furiosa conoció cuando era niña. Niña y feliz. Esa es la esperanza: dejar esos áridos caminos, encontrar verdor, y sobre todo, un lugar donde esas chicas que eran tratadas como objetos de placer e incubadoras humanas consigan su libertad. “No somos cosas” dice una de las fugitivas.

Sigo aumentando el montón de significado a los pies de Miller, le boto encima mi primera rosa y el primer libro que me regalaron, porque resulta que de un guión que tiene todas las papeletas para ser muy pedorro, este señor saca algo menos conformista. Pudo quedarse en el facilismo de una película de acción cualquiera y tiene el tupé de en su peliculita de acción, pipoquera meter una reinvindicación a los personajes femeninos.

No son las damas asustadas que serán salvadas por Max, no son doncellas resignadas a su suerte, no, son guerreras, son mujeres buscando un futuro para ellas.

George Miller, y los novatos Brendan McCarthy y Nick Lathouris, componen el equipo de guionistas de esta fastuosa puesta en escena en la que tampoco falta como consultora de guión la escritora feminista Even Ensler.

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Furiosa y Max se encontrarán en algún momento de la película, y Max así con su poco hablar y su mirada torva, dejará de lado sus intereses por el bien común deseando encontrar una segunda oportunidad en ese/este mundo hostil.

Mientras ellos escapan, Immortan Joe con todo su séquito quiere recuperar a sus esposas cueste lo que cueste con una electrizante persecución.

Charlize Theron y Tom Hardy, ambos actores del método, se miden en sus interpretaciones tratando de trasladar toda esa impotencia de una realidad a la que hay que controlar por la fuerza, porque sí, porque hay gente mala, porque hay opresión, porque hay enfermedad, y hay oportunismo. Mientras eso exista solo queda ser artífice del cambio, romper el calzón de castidad y que caiga al piso hasta hacerlo temblar.

No hay muchos diálogos, pero los pocos diálogos tienen hasta su toque de furiosa y gustosa poesía, palabras que te hacen revolverte en la butaca y susurrar: «qué buena que está!» y esta vez no te referís a una mujer/hombre admirado/cosificado sino a la única expresión que le cabe a un impactante espectáculo de fuego y ruedas.

Estamos todos locos y qué. Desde el mismísimo director, pasando por War Boy hasta las chicas traumadas, no hay espacio para la cordura ni para el respiro, tomando en cuenta que el relato que hago de la sinopsis se produce en imparables escenas de acción, las reflexiones y las miradas a las estrellas son casi nulas.

Y está bien.

Las escenas coreografiadas, casi circenses acompañadas de un vestuario y una dirección de arte notables consiguen que la experiencia sea tremenda. Nadie olvidará a ese guitarrista vestido de rojo, enmascarado, colgado cual  títere tocando una guitarra que escupe fuego mientras los tambores marcan una persecución que solo puede traer muerte. Nadie.

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Visualmente es un placer para los ojos, y aunque estés acostumbrado a ver montón de películas, no dejás de escapar un asombrado suspiro ante algunas secuencias. John Seale, que ya trabajó con Miller en Lorenzo´s Oil y que ha estado nominado al Oscar por Rain Man, Cold Montain y Witness es el hombre detrás del lente.

La sinergia la completa la banda sonora, una banda sonora poderosísima que eleva los momentos de acción a la gloria, responsabilidad total de Junkie XL, un conocido DJ y músico de los Países Bajos que sin duda ha sido un acierto y cuya experiencia en películas se resume a Divergente, 300: Rise of an Empire y Una noche para sobrevivir (entre otras menos importantes).

En realidad, Mad Max: Fury Road tiene todos los elementos para un desastre épico, estoy segura que en las manos de otro crispín correrían ríos de venenoso resentimiento, pero gracias a Georgie no sucede. No. Estamos ante un renacimiento del género, y hasta del mismo Miller.

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Sí, sí, sí, podemos decir que hay unos momentos (casi al final) donde la adrenalina disminuye y el guión entra en esa salvaje encrucijada de irse a la mierda con todo o complacer plateas, sí. Así es la vida, mastercard y la pulpería de la esquina. Y sí, aceptamos también que los últimos 15 minutos de cierre son eso: complacientes con la platea, algo atropellados en narrativa, facilistas en guión, hasta boludos.

Pero ¿saben qué? No me importa.

Te compro todo Georgie, al enano, a los war boys y al  (SPOILER ALERT) aparato que baja para dejar subir a los asesinos de Immortan Joe como si llegaran de  recoger margaritas en el campo, te compro a Immortan Joe sin ninguna capacidad de estrategia para atrapar a Max y las parideras, te compro el revolcón de lealtad del War Boy, el letrerito cursi del final, la rubia raquítica que actuaba tan mal, los mensajes a la conciencia chotos, te compro todo (SPOILER FIN)

Filmada en el desierto de Namibia durante 6 meses, en condiciones extremas, donde los actores describen que Miller subió la música a todo volumen y apenas escuchaban nada, y que la arena se les metía por sus más recónditos lugares, Mad Max: Fury Road es de esas películas que da gusto ver y que merece un segundo o tercer visionado.

Llegando a mi hogar, con la mente llena de guitarras flameantes y sprays plateados, no me quedó otra que buscar la trilogía original (la que evadí estos años por tener el nombre de Mel Gibson en ella) y sentarme, finalmente, a ver la Mad Max de culto por primera vez en mi vida.

Esa es otra historia.

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Lo mejor: visualmente una obra de arte y una trama donde las dos horas no se sienten pasar Lo peor: que nos deja con ganas de más, pero tardarán un montón en sacar las otras La escena: hay un montón! cuando el primer war boy se inmola y grita lo de Sean Mis Testigos!, cuando Immortan Joe sale a perseguirlos y se abre el plano para ver la caravana, las escenas en la noche, las escenas de acción cuando los palos bajaban con el enemigo, las escenas de la guitarra llameante, la última escena de Nux, lo de la embarazada, cuando nace el hijo de Immortan Joe y Rictus discursea, pucha, hay demasiadas! Lo más falsete: los últimos 15 minutos son como too much, pero se podría interpretar que a rey muerto, rey puesto. El mensaje manifiesto: qué moderno se puede ser a los 70 años El mensaje latente: se pueden hacer blockbusters inteligentes El consejo: vela no una sino varias veces, en versión ORIGINAL SUBTITULADA El personaje entrañable: Nux, las chicas El personaje emputante: Immortan Joe El agradecimiento: por dos horas de puro placer (permiso, me voy a fumar un pucho)

CURIOSIDADES

  • Tuvo un presupuesto de 150.000.000 $us. y se filmó en alrededor de 6 meses!
  • En la mitología nórdica, Valhalla (del nórdico antiguo Valhöll, «salón de los muertos»1 ) es un enorme y majestuoso salón ubicado en la ciudad de Asgard gobernada por Odín.2 Elegidos por Odín, la mitad de los muertos en combate viajan al Valhalla tras su fallecimiento guiados por las valquirias,
  • Tom Hardy ya firmó por tres películas más de la saga.
  • La hija de Lenny Kravitz, Zoe Kravitz, es una de las esposas de Immortan Joe.
  • El director quería que la película tuviera un look de alto contraste y colorido, para diferenciarla de las imágenes lavadas y opacas que suelen usar las películas distópicas.
  • Filmada en mayor parte con muchos planos secuencia.
  • Miller tuvo planes para filmarla en el 2003 con Gibson en el casting, pero la obsesión de Mel por La pasión de Cristo (2004) hizo imposible el proyecto.
  • Tom Hardy y Mel Gibson tuvieron encuentros para hablar sobre el personaje (Max) y Gibson se sintió complacido con la posibilidad de que Hardy lo interprete.
  • El storyboard fue elaborado con la colaboración de 5 artistas y tuvo alrededor de 3500 paneles. De hecho fue creado antes que el guión porque como la mayor parte de las Mad Max, el filme tiene poco diálogo y se apoyo más que nada en lo visual.
  • Tom Hardy se disculpó con Miller en el festival de Cannes, porque al parecer hubo roces en el set ya que Hardy no entendía muy bien lo que Miller proponía y se frustraba pensando que las cosas estaban saliendo mal. Una vez vio la proyección se quedó tan obnubilado que tuvo que pedir disculpas al director.
  • Charlize Therón se rapó para el rol de Furiosa y luego tuvo que usar pelucas para sus proyectos posteriores.
  • Heath Ledger fue considerado para el rol de Max . De hecho era el candidato más fuerte para el director, pero lamentablemente el actor falleció en el 2008.
  • Por los problemas y postergaciones que hubo con el proyecto, Miller se desesperó y llegó a pensar en hacer la película animada y en 3D.
  • La escritora y feminista Even Ensler fungió como consultora de guión para crear los personajes femeninos.
  • El guitarrista de fuego de la película es Sean Hape, mejor conocido como iOTA, es un músico australiano. En una entrevista dijo que la guitarra pesaba más de 50 kilos y que botaba fuego de verdad que él tenía que controlar.

CINE: JOACHIM TRIER: REPRISE y OSLO,31 DE AGOSTO

Hace mucho que quería hablar de Joachim. Mucho. Soltar una diarrea verbal que describa lo que sentí al ver sus dos únicas películas hasta la fecha.

Hablar de Joachim, de Noruega, de la soledad, de los 30s, de eso que pasa y que luego descubrís es la vida, de ese no saber estar pero estar, de polleras y carnavales, de Lars, su primo lejano, de la locura de Lars, de Herzog, de Uyuni, de tantas cosas.

Hace mucho. Y aquí estamos.

Lo bueno es que esta alabanciosa introducción a Joachim servirá, además, para luego (mañana o quién sabe) hablar de Eskil Vogt y su linda opera prima Blind, hablar también de El arte de llorar en coro o de los herederos de Haneke, pero eso más adelante, prontito, junto con las polleras y los carnavales.

Joachim, por su parte, transita la senda de lo sutil, de lo ambiguo, de esa melancolía que él define como “la incapacidad de conectar con la belleza, y de entender su cualidad marchita, que las cosas pasan y nada dura para siempre».

Joachim Trier tiene apenas 41 años y dirigió su primera película a los 32. Hijo del sonidista Jacob Trier, técnico de la película más famosa de Noruega Pinchcliffe Grand Prixe, empezó como skateboarder.  Fue filmando sus concursos y experiencias en ese deporte que se metió en el mundo audiovisual. Luego estudiaría cine en Inglaterra.

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Nacido en Dinamarca pero criado en Oslo, Noruega, es esta ciudad, Oslo, la que se convierte en origen y fin de su trabajo. Oslo, considerada como una de las ciudades más seguras para vivir y visitar, Oslo, paradójicamente, también cuna del asesino de Utoya.

Las dos películas que conforman la pequeña filmografía de Joachim nos presentan a un cineasta sólido, al que hay que seguirle los pasos como al flautista de Hamelin.

Gran parte de su éxito se debe a su guionista y amigo Eskil Vogt (siempre Eskil), cuyos guiones son tan especiales que si ya viste una película escrita por él, reconocerás su mano, así de fuerte es su estilo. Un estilo que respira además de cinematografía, literatura.

Pero empecemos, empecemos y spoileemos.

JOACHIM, EL PRIMO DE LARS

En Reprise (2006), cineasta y guionista narran la historia de dos amigos de infancia: Philip (Anders Danielsen Lie) y Erik (Espen Klouman-Høiner), ambos devoradores de libros, ambos aspirantes a escritores.

La película arranca cuando llenos de expectativa meten, cada uno, su manuscrito en un buzón.

“Aquí es cuando empieza todo”, dice uno de nuestros personajes.

Se desarrolla una realidad ideal, onírica que será sepultada por lo tangible.

Mientras Philip será publicado inmediatamente, Erik quedará a la sombra del éxito de su mejor amigo.

Philip, sin embargo, se sentirá superado por ese mismo éxito y tendrá un brote psicótico que lo llevará a oscuros periodos, depresivos, autodestructivos, exultantes.

Finalmente será hospitalizado.

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La película dará un vistazo también a los amigos de ambos, a la banda punk Kommune que en sus inicios se vestía de anti-sistémica y a la que el tiempo y la edad convertiría en una agencia de publicidad.

Habrá espacio para la tormentosa relación entre Philip y Kari, una relación absolutamente co-dependiente o para la de Erik y Lilian, relación que Erik quiere terminar una vez le aceptan su manuscrito.

Uno de sus amigos declarará: “los tipos con relaciones serias se vuelven tan débiles…Acaban como retrasados burgueses sin iniciativa”, y así se siente Erik, quiere dedicarle todo el tiempo a la escritura.

Icónico será cuando el amigo al que apodan Porno Lars, el amigo al que ven como una especie de payaso inculto, absolutamente negado para cualquier paso serio de la vida, se ponga en pareja, se vista bien y empiece a comportarse como cualquier ser humano de esa franja etárea.

Al saber que tiene novia y se ha vuelto convencional, los que fueron el grupete de amigos van a su casa y espían la ventana de Porno Lars, para descubrirlo con camisa impecable blanca y un nuevo grupo de amigos, igual de impecables.

Philip dirá: “No puedo soportarlo, es demasiado triste”.

Reprise (al igual que Oslo, 31 de agosto) dialoga con aquello que una vez fue todo y luego se convierte en nada, con esa juventud desenfrenada que tiene que mutar en responsable adultez.

Reprise habla de una generación, de realidades paralelas, de ensoñaciones, de repetir momentos, repetir sensaciones, tarea casi imposible, pero el ser humano siempre busca la repetición, revivir infancias, juventudes, amores, amistades.

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Algo en la película te hace mirar también tu propio pasado y descubrir todas las personas que se quedaron en el camino a la adultez.

A veces, solo a veces, dan ganas de seguir el ejemplo de Philip, subirte a una bici en el centro de la ciudad, cerrar los ojos y avanzar.

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Cinco años después, Joachim avanzó y en el 2011 lanza Oslo, 31 de agosto.

En Oslo, 31 de agosto se recuerda. Se recuerda una infancia, se recuerda a unos padres, se recuerda una contexto social, político, se recuerda una vida que ahora se mira ajena, lejana. Se recuerda.

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El recuerdo viene de Anders (nuevamente Anders Danielsen Lie), que a sus 34 años decide que la fiesta ya acabó y que después de la fiesta no queda nada.

Anders cayó en el pozo de la adicción, se metió de todo: drogas ligeras, drogas pesadas y pasó de ser un prometedor periodista a ser un yonqui.

La historia es tópica y típica, tanto para la vida real como para lo que sucede en la gran pantalla, sin embargo, Trier tiene la capacidad de hacer de esta historia tópica y típica una mirada profunda y desoladora a ese puente que se cruza cuando los 20s pasan. Si no fuiste capaz de cumplir el ciclo vital (estudiar, trabajar, establecerte emocional-económicamente) el futuro se convierte en días de remembranza, de recuerdo.

No hay lugar, no hay espacio para lo que la sociedad considera perdedores.

Anders se quedó detenido y sin rumbo mientras el resto de las personas de su vida siguieron adelante: su hermana lesbiana vive con su amante, sus padres venderán la casa de la familia, su ex novia Islenie trabaja en Nueva York, su mejor amigo es padre de familia y abnegado esposo, y él, él sale de rehabilitación en vísperas del último día de agosto. El día que termina el verano en Oslo.

“Siempre pensé que las personas felices debían ser imbéciles», dice Anders en una escena, añorando un poco de esa imbécil felicidad.

La cámara desenfoca a ratos al personaje, para desdibujar aun más una presencia que no pega con la veraniega Oslo.

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Anders desea suicidarse y encuentra en una frase dicha por su mejor amigo una buena justificación:

“Si alguien quiere autodestruirse, la sociedad debería permitírselo”

La película no te engaña, la primera escena es Anders intentando suicidarse, y el resto es un desesperado intento de reconectarse con su familia, con la posibilidad de un trabajo, con la posibilidad de un amor. Po-si-bi-li-dad.

Como ya dije, el relato aborda esa desesperanza de una manera muy sutil, y llegás a impregnarte de esa tristeza que no te dicen que es tristeza, sino que hace que simplemente te sintás triste.

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Anders festejará una noche de desenfreno. Beberá, conocerá una linda chica, una chica veinteañera, a la que le escupirá su vacío al decirle:

“Tendrás miles de noches como esta. Todo será olvidado”

Luego buscará el eco, el eco en un amanecer. Volverá a su casa de infancia, esa que será vendida con la vida que ya no tiene.

Al día siguiente, el verano termina pero Oslo amanecerá como siempre.

REPRISE

Lo mejor: un buen guión contado con agilidad y algo de humor Lo peor: que como el personaje es el  mismo actor que Oslo, hay escenas que se pueden entremezclar indistintamente en tu memoria La escena: los amigos mirando la ventana de Porno Lars convertido en un ser socialmente funcional Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: todo pasa, el amor, los amigos, todo pasa El mensaje latente: lo que permanece es por algo El consejo: vela El personaje entrañable: Porno Lars El personaje emputante: Hennigen El agradecimiento: por esa mirada diáfana sobre lo que se va.

OSLO, 31 DE AGOSTO

Lo mejor: hermosa fotografía en una película abrumadora La escena: la de la bicicleta o los espacios concurridos en los que un solitario Anders se siente desconectado Lo más falsete:… El mensaje manifiesto: a veces la inhabilidad para fundirte con el mundo es demasiado peso El mensaje latente: recordar es vivir El consejo: hay que verla, mejor si después de Reprise porque están ligadas en temática y visión, la primera un poco más ingenua, esta más oscura El personaje entrañable: El vacío de Anders El personaje emputante: el vacío de Anders El agradecimiento: por su redondez, porque fotografía, actuaciones, pulso, confluye en un buen trabajo.

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