LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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«Remember me»
Por: Mónica Heinrich V


Chan sube al escenario. Llora. El público no sabe qué pasa. De pronto, el llanto cesa. Ocupa un lugar ante el piano y canta. Luego, otra vez el llanto. Se levanta tambaleante, ebria hasta el olvido…

Habla con un bebé, que sostenido en los brazos de su madre, perdido en ese mar de gente, la mira sin verla.

Chan se tambalea, retoma su papel, canta. Repertorio-angustia, que acompañado de su voz afónica nos habla de ausencias, vasos rotos, y una oscuridad que lo devora todo. El canto es interrumpido por una catarata de confesiones, que a través de la cortina del alcohol, convierten a sus escuchas en comedidos confidentes.

Ladies and Gentleman! Cat Power is in the house!

En 1994 grabaría su primer álbum: Dear Sir. Ese mismo año sería el turno de Myra Lee, disco llamado así en honor a su madre. Chan, la cantautora indie de entonces 24 años, escupía al mundo sus historias.

Yesterday is here, decía en uno de sus temas de antes. Un cover de Tom Waits que Scarlett Johanson ha intentado cantar sin ningún éxito en su debut como cantante.

Chan, sin embargo, al igual que con cualquier cover que cantara, le puso su particular estilo y lo llevó a la gloria.

I saw you outside that hole
This girl outside that hole

In this Hole, pertenecería a su tercer álbum What would the comunity think?, lanzado en 1996. Para variar: el piano, su voz desgarrada, y letras heartbreaking, nos hacen pensar con nostalgia en lo alto de un precipicio…

Dos años después, la chica volvería con Moon Pix, un álbum donde muchas de sus canciones fueron escritas en una sola noche.

¨And you will be in a very sad sad zoo¨ nos dice en Metal Heart. La desazón continúa.

El 2000, en la intersección de rehabilitarse o seguir su descenso hacia el abismo, lanza The Covers Records, donde canta temas como Sastifaction (Rolling Stone), I found a reason (Lou Reed), una bella versión de Sea of love (Phil Philipps), Wild is the wind (David Bowie), entre otros.

You are free, sería el disco que lanzaría el 2003. El tipo de disco que pondrías estando cerca de la muerte o volviendo a la vida. Werewolf forma parte de este compendio de luces musicales, tema que Almodóvar decidió usar como banda sonora de su película Abrazos Rotos y que al escucharlo, sólo podés agradecer el momento, la magia. Este discazo contó con las colaboraciones estelares de Eddie Vedder (Pearl Jam) a los coros y de Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) como batería. Es imposible escuchar Werewolf, su voz, los violines, el coro, y no sentir algo similar al orgasmo.

Cryin’ nobody know, nobody knows my pain
When I see that it’s risen; that fool moon again

Los llantos en medio de un concierto, los cortes abruptos de canciones, las historias raras contadas al calor de la confusión etílica finalmente llegan a su tope. Chan ingresa en rehabilitación…a los pocos días abandona la experiencia de la que solamente dijo: ¨no era para mí¨.

Eso no importa, la chica tiene talento sobria, ebria, presente, ida. Con sus demonios controlados (aparentemente), el 2006 lanza el primer álbum de su carrera que no contiene un solo cover. Se rodeó de figuras reconocidas del blues y el soul, y dotó a este álbum de algo que lo hace único y cuyo título The Greatest le viene como anillo al dedo. El tema que le da el nombre al disco sería utilizado como banda sonora de My Blueberry Nights de Wong Kar Wai, de la película Mamooth, de 17 otra vez y como parte del soundtrack de las series Chuck y Bones.

Once I wanted to be the greatest
No wind of waterfall could stall me
And then came the rush of the flood
Stars of night turned deep to dust

Jukebox llegaría el 2008, dando cuenta de una artista fascinante, excéntrica y cuyo legado a la música puede ser desconocido en ciertos circuitos, pero quien llega a conocerla consigue amarla.

Después de que ella misma dijo que se preparó para que un día encontraran su cuerpo, víctima de los excesos y de la incapacidad para sobrellevar la vida, Chan presenta un disco ecléctico, otra vez casi en su totalidad de covers, caprichosamente seleccionados, singularmente interpretados y se da el lujo de dedicarle una canción a Bob Dylan (uno de los dos temas inéditos del disco).

A finales del 2008, se agrega un EP con 6 temas grabados durante las sesiones para Jukebox…uno de ellos es Dark end of the street

When the daylight all goes around
And by chance we’re both down the town
Please meet, just walk, walk on by
Oh, darling, please don’t you cry

Charlyn Marie Marshall, Chan para los amigos, Cat Power para su público, hoy tiene 38 años, ya pasó la edad maldita (27) en la que grandes artistas dejaron este mundo.

Se quedó en este very sad zoo, como vos, como yo…un limbo en el que por lo menos tenemos su música.

I can be a regular bitch

Por: Mónica Heinrich V.

Si algo destaca de la Saga Millennium es Lisbeth Salander. Con ella, el escritor sueco Stieg Larsson, anota un gol de media cancha al crear uno de los mejores personajes femeninos de la novela negra moderna.
No voy a mentir, estaba trepando las paredes por tener entre mis manos la famosa trilogía de Larsson. Me encantaban los títulos largos, y el hecho de que el autor haya muerto a los 50 años, sin ver su obra publicada, justo cuando acababa de entregar la tercera entrega, me resultaba simplemente atrayente.

Pero quién carajo es Stieg Larsson? Larsson era un periodista sueco, especializado en hacer investigaciones sobre la ultraderecha de su país. De joven había presenciado una violación, hecho que lo marcaría para siempre y que más tarde generaría un sincero interés por luchar contra la violencia de género.

Era parte de la plantilla de la revista Expo, que al igual que su similar literario Millenium, tenía tendencias algo idealistas sobre el periodismo profesional. Larsson vivía desde hacía más de 30 años con una arquitecta, nunca se casaron porque el periodista recibía constantemente amenazas de muerte y era más difícil encontrar su paradero si las cosas se hacían a nombre de ella, sin que figuren como marido y mujer.

Durante el día cumplía su rutina escribiendo artículos para Expo o haciendo reportajes personales, durante la noche escribía como un poseso una obra que él mismo sabía lo llevaría al éxito.

El 2004, el ascensor de su trabajo amaneció dañado…tuvo que subir por su propio pie los siete pisos que lo llevaban hasta su escritorio. Una vez ahí, comenzó a sentirse mal, colapsó, una ambulancia vino en su auxilio, pero desgraciadamente el hombre falleció sin siquiera ver publicado el primer tomo de su saga.

Este primer tomo se llama ¨Los hombres que no amaban a las mujeres” y en el argumento retoma el tema que siempre lo había desvelado: la violencia contra la mujer. Ni bien tuve ante mí ese librango de casi 700 páginas que me susurraba: vení, vení…me dediqué a leerlo con fruición.

Lo primero que noté es que no estaba ante un escritor cuyo estilo te haga decir: WOW…pero estaba ante un experto relator, que gracias a su oficio periodístico no se guardaba nada y describía hasta el detalle más insignificante.

De esta manera nos adentramos en el mundo de Mikael Blomkvist. Como un alter-ego del mismo Larsson, Blomkvist es un periodista de rígidos principios, cuyo talento está en su “olfato” para saber cuando un caso es importante o vale la pena, a eso se suma la obsesión con que se hunde en sus investigaciones y claro, su interés por destapar asuntos que otros periodistas prefieren ignorar para no meterse con los peces gordos.

Blomkvist, sin embargo, comete un error. Un error que lo lleva a acusar a un famoso empresario de diversos delitos, el empresario lo demanda por difamación y gana…dejando al periodista con la reputación por los pisos, una condena de 4 meses en la cárcel y una cuenta bancaria en números rojos. Pero Blomkvist y NOSOTROS, sabemos que ese crispín no es trigo limpio…y sabemos que el héroe en desgracia se ocupará de ese asuntito tarde o temprano.

Entonces aparece Henrik Vagner…que ya había aparecido en las primeras dos hojas del libro, pero que me había dejado con cara de “what the hell is going on”. Este viejo (ya ronda los 80 y pico) es un tipo con harta plata, pero con una tristeza en su corazón. Siendo el patriarca de una familia de ratas de alcantarilla y seres corrompidos por los vicios y la ambición, Vagner tuvo una sobrina (Harriet) a quien quiso entrañablemente.

Esta chica, desapareció en sus propias narices cuando era adolescente…un día que hubo fiesta familiar, y encima un aparatoso accidente, la chica simplemente se hizo gas. El viejo ya debería haberse repuesto, pero no. Resulta que Harriet le regalaba para cada cumpleaños una flor disecada y enmarcada en un cuadro, que Vagner colgaba en una pared…a pesar de que la tal Harriet se hizo gas, las benditas flores siguieron llegando…durante 36 años más.

He ahí el misterio, mi querido Watson! Qué pasó con la señorita Harriet y quién es el hijo de mala madre que sigue mandando las flores? El viejo, en el ocaso de su vida y obsesionado aún con el entuerto decide contratar a…adivinen quién? Sí, se ha ganado usted un ventilador de pared…contrata a Mikael Blomkvist…pero para ver si da la talla…tiene que investigarlo primero, y a QUIEN recurre entonces para que le de un informe sobre nuestro idealista periodista? Ha acertado usted de nuevo…y junto al ventilador de pared, se puede llevar una plancha…recurre a LISBETH SALANDER.

Mi querida Lisbeth resulta la antiheroína por excelencia, ese es su encanto. Lisbeth es una chica de 24 años que tiene la apariencia de una adolescente. Dueña de un grueso expediente psiquiátrico donde revelan rasgos psicóticos, posible retardo mental, nulas habilidades sociales, poca empatía, y otras linduras…a esta tipa le interesa muy poco el qué dirán.

A pesar de ser mayor de edad, el estado le ha designado un tutor por su carácter violento y por algunos arrestos donde se la confundió con prostituta. Sobre todo no le gusta relacionarse con nadie, es muy reservada, y la mayor parte de la gente piensa que es estúpida. Tiene un montón de tatuajes y piercings, su vida personal es un misterio y trabaja de investigadora privada por pura casualidad, casi en secreto.

Y así de casualidad le llega el trabajito que tiene que hacer sobre Blomkvist y más tarde, por casualidad, tendrá que trabajar con el periodista en el caso de Harriet. Detallito? Blomkvist es un Don Juan. Los ingredientes para una buena novela de entretenimiento están servidos: Excelentes personajes principales, un oscuro misterio para resolver, tensión sexual y pasajes perversos.

Debo reconocer que Los hombres que no amaban a las mujeres, fue predecible para mí, porque casi casi supe el resultado de todo el entuerto de forma muy temprana, igual sin soltar cohetes al aire, terminé la lectura ese mismo día y me embarqué con igual entusiasmo en “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”…esta segunda parte me atrapó aún más porque se centra en Lisbeth Salander, en su pasado, en cómo o por qué la tipa es lo que es.

Descubrimos más habilidades, particularidades de la chica…Luego de las aventuras vividas en el primer tomo, Lisbeth corta lazos definitivamente con Mikael, ante el asombro de este último. El libro entonces corre por dos caminos, que por el azar, vuelven a juntarse.

Un periodista Dag y su novia Mia, están inmersos en una gruesa investigación sobre la trata de blancas en Suecia. Su trabajo destapará una cloaca donde brillarán nombres de jueces, policías y políticos. Llevan esta bomba a la revista de Mikael, a Millennium…

Paralelamente Lisbeth se verá involucrada de manera tan grosera que acabará acusada de GRAVISIMOS delitos.

No es sino hasta la ultimísima página que nuestros protagonistas se topan de nuevo cara a cara. Cuando leí la línea que cerraba el libro casi me salí gritando a la calle: NOOOO! NOOOO!!!! lo peor es que la tercera parte La reina en el palacio de las corrientes de aire, sale en mayo o junio en este lado del mundo. Quiere decir que tengo como dos o tres meses de espera para ver QUE sucede después de esa línea…

Este segundo tomo lo disfruté más a pesar que el final (y algunas cositas) resulta demasiado rocambolesco, pero te lo perdono Stieg, te lo perdono.

Larsson nunca vio impresa su obra, pudo haber llevado una gran vida con el dinero que ha ganado por ventas y regalías, así como los derechos de cine, pero lo triste es que ni su pareja de casi toda la vida verá un peso de ese esfuerzo. En Suecia el concubinato no se reconoce legalmente para derechos de herencia, así que los millones de dólares que la saga ha arrojado irán a parar a la familia del escritor…un padre y un hermano que no veía mucho y de quienes no tenía muy buena opinión.

Sin embargo, queda su obra. Una saga que revitaliza la novela negra, trayendo hasta nosotros a la querida Lisbeth Salander, personaje inolvidable…espero con ansias la tercera parte.

En Europa el furor es tal que ya se ha filmado la primera parte de la saga, y hay una serie de televisión en proceso. No me molesta, porque la historia podría dar paso a una gran película, siempre y cuando no la agarre el baboso de Ron Howard, o el mamerto de Christopher Columbus, o el gordo que dirigió Max Payne…o alguno de esos directores pipoqueros sin talento.
Mientras tanto, uníos a la trilogía Millennium…y al descubrimiento de la literatura sueca.

EXTRAS
Comediantes y Mártires (Ensayo contra los mitos): Recomendadísimo por mi progenitor y obsequiado por un amigo (sí, vos M.A.) este libro escrito por Juan José Sebreli nos trae un interesante acercamiento crítico a cuatro mitos argentinos: Carlos Gardel, Evita Perón, Ernesto Che Guevara y Diego Maradona. Como si de un desmembramiento se tratara, Sebreli une a estos personajes bajo características comunes: megalomanía, deseos de trascendencia, y a excepción del Che, una vida opuesta al discurso de igualdad con el vulgo que tanto difundían.

En cada personaje, se toma la molestia de desmitificar al Dios y convertirlo en un ser humano, con taras y defectos propios de cualquier mortal. Es así que de Gardel advertirá que de no haber muerto, su carrera hubiera continuado el descenso que ya anunciaba en el momento del trágico accidente que le quitó la vida, su voz (que nunca fue de las más dotadas) iba a terminar apagándose y su figura como embajador de lo “argentino” hubiera sido sólo el recuerdo de una época donde otros cantantes de tango lo opacaban.

A su vez sabremos los orígenes del tango, la moda que se impuso no en los barrios sino en los salones high class…y claro, el pobre desempeño del zorzal como 1.- Actor 2.- Pareja y 3.- Negociante.

A Eva Perón le quitará el mote de mujer fatal, para mostrar a una mujer provinciana cuyo uso del sexo no era el placer, sino los beneficios personales. Caracterizada por ser supuestamente símbolo defensor de la mujer, Sebreli acotará que Evita era más bien una dama con ideas machistas, conservadoras y sin casi ningún interés político real. Paranoica y celosa de su brillo personal, supuestamente la mujer que ahora es personaje de películas y musicales, no era una luchadora por los derechos del obrero…

Al Che Guevara lo pintará como un aventurero, un hombre ingenuo y algo mentecato, cuya vocación política era nula y cuyas empresas personales eran la crónica de una muerte anunciada.

Y ya sobre Maradona hablará sobre su anemia de goles, lo poco que rindió como futbolista profesional, su protagonismo mediático por encima del deportivo, y sobre la importancia que los medios de comunicación tuvieron para crear al mito, al Dios que hoy es el DT de la selección argentina. Sebreli se despachará a gusto analizando los dichos de Maradona quien siempre se quejó de la dirigencia, tanto de su país como de la FIFA, y que sin embargo, son esas mismas autoridades ligadas al espectáculo del fútbol los que le permitieron cosas que a ningún otro deportista le habrían perdonado.

Sebreli consigue un interesantísimo libro que te podés leer de una sentada y que aportará datos interesantes sobre los personajes en cuestión. Polémico enfoque que ganó el Premio Debate Casamérica 2008.

“¿Y dónde está Stauffenberg?”
Por: Mónica Heinrich V.

Esperaba Valkyria con buena expectativa. No había leído críticas ni nada, para no contaminarme con la opinión de otros y para que la historia me sorprenda.

Sólo sabía que se habían basado en un hecho real, enmarcado en la segunda guerra mundial y teniendo como protagonista al coronel Stauffenberg, uno de los alemanes que intentó liquidar a esa rata asquerosa llamada Adolf Hitler.

Lo notable de traer esta historia a la pantalla gigante, es sacudirnos de encima esa idea o prejuicio de que todos los alemanes estaban paspando moscas mientras Hitler llenaba sus hornos y las cámaras de gases con judíos. Incluso más importante aún, que dentro de las filas del ejército nazi y de la misma SS había gente que no estaba de acuerdo con ese mezquino genocidio.

Contextualicemos: la historia en la que se basa la película es FASCINANTE por donde se la mire. La Alemania Nazi gobernada por Hitler abarcó el periodo de 1933 a 1945. En el 33 fue canciller, y a partir del 34 asumió como Presidente y se convirtió en el temido Führer (palabra alemana que significa líder, guía)

Hitler, que puede haber sido un monstruo psicópata y todo lo que ustedes quieran, basó su gobierno en erigirse como una figura casi mesiánica, un salvador de los alemanes, el tipo que podía reencauzar el país y sacarlo de toda la miseria que dejó la primera guerra mundial.

Alemania, que no la estaba pasando muy bien, encontró en este carismático y seductor estratega alguien que les ofrecía el cambio anhelado, y en teoría realmente dio el cambiazo. Para eso tuvo que pisar a las minorías, mandar a la mujer a su casa, exigirle parir más hijos, y un montón de aberraciones que ya todos conocemos.

Luego vinieron los campos de concentración, las cámaras de gas, los hornos, los diabólicos experimentos, los números tatuados en los brazos, los “sobrevivientes” y la palabra horrenda “holocausto”.

Para el resto del mundo, cualquiera que hubiera estado involucrado con Hitler era igual de monstruoso. Sin embargo, mientras los medios y la historia se encargan de darles reconocimiento a las víctimas, los hechos de heroicidad del entorno de Hitler han pasado algo desapercibidos.

En total se contabilizan 42 atentados perpetrados contra el dictador. La mayoría de soldados cercanos, aunque ninguno tan cercano como el coronel Stauffenberg. Claus Von Stauffenberg estuvo en el ejército desde los 18 años, hijo de un conde, pertenecía a la nobleza de su país…

Se lo describe como un tipo alto, de porte aristocrático, carismático y que gozaba de buena reputación en su entorno. Tenía amigos judíos y fue testigo de los crueles eventos que se sucedieron durante la Noche de los Cristales Rotos (acción simultánea en todo el país contra los judíos que fue el paso previo al Holocausto, se arrestaron a miles de judíos esa noche y se asesinaron a casi un centenar) Esto hizo que se distanciara del nazismo y conforme la demencia de Hitler se hizo más evidente no dudó en que era momento de tomar partido.

La versión de la película comienza en 1943, cuando vemos por primera vez llegar a Tom (cara de complot) Cruise interpretando a Stauffenberg. La acción se sitúa en Africa, donde el personaje está cumpliendo su misión hasta que es atacado (junto a su grupo) por un avión británico. Esto deja como resultado la pérdida de una mano, de dos dedos de la otra mano y un ojo.

Lo primero que noté de Tom Curise fue su cara de complot, que no lo abandona en toda la película…o sea Tom nos avisa que algo se trae entre manos, que hay algo dentro de esa cabecita que se está cocinando y que lo tiene preocupadísimo.

Encima tiene el porte del más rancio soldado americano…así que ya de entrada lo de coronel alemán de la segunda guerra mundial, no se le da muy bien. Se dice que el verdadero Stauffenberg tenía porte aristocrático y elegante, cosa que en Tom Cruise nunca se ve.

Y debo reconocer que Tomsito no me parece mal actor, no…lo encontré muy bien en Nacido el 4 de Julio, en Magnolia, en Jerry Mcguire y hasta en Entrevista con el Vampiro. Así que no es nada personal, es que en esta película el aire de remilgado alemán no lo agarra nunca.

Luego, como es de esperar, notamos que a Stauffenberg, Hitler lo tiene hasta las mismas pelotas…aunque hay que reconocer que para esas épocas, más allá del tema con los judíos, Adolf andaba delirante y perdiendo hombres al trochis mochis, teniendo como una cifra de sus bajas a 350.000 soldados, estando asediado por los Aliados y con la opinión internacional absolutamente en contra. No es de extrañar que Stauffenber encontrara apoyo en otros colegas, y gente ligada a la política.

Es así que se gesta el atentado que más cerca estuvo de liquidar a ese inmundo ejemplo de ser humano. Stauffenberg tuvo acceso a las reuniones con Hitler, esas que se daban en el mismo Búnker, teniendo en cuenta esa facilidad fabrican una bomba que el coronel carga todo el tiempo consigo buscando el momento preciso, para que en alguna reunión la active, la deje debajo de la mesa (dentro del maletín), cerca de Hitler y BOOOMMM, chau petizo delirante.

El plan es un poco chapucero o la película hace verlo chapucero, porque parece que sólo lo intentan dos veces, mientras que en la realidad el coronel cargó muchas veces con la bendita bomba hasta que vio su oportunidad.

La película aborda todo eso, con algunos flashbacks o encuentros ñoños de Stauffenberg con su señora e hijos, para mostrarnos lo que el hidalgo coronel sacrificaba por el futuro de su patria. La compleja red que se teje para que este plan funcione, tampoco es explicada con exactitud o algunos no captan la naturaleza del compromiso de ciertos personajes como Fromm, que en la película tiene actitudes que en la vida real son de otra manera.

El personaje de Hitler tampoco está muy bien dibujado, pudiendo buscar (como bien lo recalcó mi acompañante) al brillante actor que lo interpretó en El Hundimiento.

La película está hablada en inglés y actuada por americanos, ese hecho no me molesta…aunque una historia de esta naturaleza contada con tanta liviandad pierde más sin elementos como el idioma.

A todo esto no he dicho en qué consistía específicamente el plan y por qué la película se llama Operación Valkyria. Operación Valkyria es el nombre que Hitler le dio a un plan que inmediatamente en caso de golpe o atentado, resguardaría su gobierno movilizando a un ejército de reserva por todo el país para poner orden y que el nazismo no corra peligro.

El coronel Stauffenberg junto a sus colaboradores correría la noticia de que Hitler había muerto en un atentado liderado por la SS y así el ejército de reserva (Operación Valkiria) neutralizaría a los hombres más importantes del Tercer Reich.

A pesar de que el filme es entretenido, y que para cualquiera que guste de la Historia resulte hasta apasionante, lo que el director arroja en pantalla es un producto liviano, que carece de profundidad, a veces inexacto si se compara con los datos reales, y con un personaje principal tan rico con Stauffenber desperdiciado en un Tom Cruise que definitiv
amente no era para ese papel.

El resto del elenco está muy bien elegido, la ambientación, la dirección de arte, la fotografía, la música, la edición, todo muy correcto. No es mala, pero tampoco es buena. Una historia que bajo los ojos de otro director pudo ser un peliculón, pero que desgraciadamente se queda en un ejercicio irregular cuyo aporte es entretenernos un rato.

Lo mejor: La historia
Lo peor: Liviana y pobremente dirigida
La escena: el abrazo final entre Stauffenberg y su ayuco
Lo más falsete: Tom Cruise y su única-monocorde expresión de complot
El mensaje manifiesto: No todos los alemanes querían a Hitler
El mensaje latente: Hay que rechazar cualquier tipo de inhumanidad, aunque venga de tu casa.
El consejo: No te esperés mucho
La pregunta: ¿No había otras opciones para director y actor principal?

CURIOSIDADES
– Las valkirias son dísir, deidades femeninas menores que servían a Odín bajo el comando de Freyja, en la mitología nórdica. Su propósito era elegir a los más heroicos de aquellos caídos en batalla y llevarlos al Valhalla, una especie de paraíso. Sin embargo, Hitler hace referencia a estas por la obra de Wagner (de quien era fan acérrimo) llamada El anillo del nibelungo. Música que el dictador amaba escuchar.
– la película costó 75 millones de euros, en Estados Unidos ha recaudado ya algo más de 80 millones. Quiere decir que no le ha ido mal, no sabemos si A PESAR de Tom Cruise o GRACIAS a Tom Cruise.
– El rodaje se realizó en el antiguo Cuartel General de la Luftwaffe, ahora Ministerio de Economía, en el aeropuerto Tempelhof, donde existe una enorme estructura que utilizaron los nazis, así como en el Messe Berlin, que los nazis construyeron originalmente para la Feria Mundial de 1933. También pudieron rodar el exterior de la casa donde Stauffenberg vivió con su hermano, y que sigue intacta
– Cruise inició el rodaje de Valkyrie en julio del 2008 en medio de la polémica con los herederos del oficial (que nunca lo vieron como el actor ideal para interpretar al coronel), y ha tenido que superar varios problemas, además de la cuestión de los permisos para filmar en lugares históricos. El más grave de ellos fue el accidente que tuvo lugar en agosto. En pleno rodaje ante el actual Ministerio de Finanzas, en el que ondeaban cruces gamadas, once extras que actuaban como soldados nazis resultaron heridos al caer de un vehículo. La productora tuvo que hacer frente a una demanda de indemnización.

EXTRAS
SEVEN POUNDS: Lacrimógena película sobre el amor, la culpa y la redención. Protagonizada por Will Smith, que al igual que Cruise nos muestra una sola expresión durante todo el largometraje: “estoy triste porque mi mujer murió” parece decir todo el tiempo. Will interpreta a un sujeto que anda buscando gente a la cual “ayudar”, pero gente que se lo merezca, porque él tiene que ser justo…ya que está involucrado en un asuntito que se nos va revelando en molestos flashbacks…aunque si sos lo suficientemente despierto vas a captar al tiro toda la historia. Por lo tanto te vas a aburrir, y si llorás va a ser porque querés irte a tu casa. Dirigida por la misma tipa de Buscando la felicidad, este trabajo nos muestra que ella necesita desesperadamente creer que el mundo es un buen lugar.

THE CONTRACT: Regular filme de suspenso protagonizado por John Cusack (actor que casi siempre detesto) que junto a su hijo se ve envuelto accidentalmente con un mafioso (Morgan Freeman) al que quieren liquidar. La película es medianamente entretenida, pero fácilmente prescindible.

DIARIO DE LOS MUERTOS: Rompí mi récord con esta película, no la aguanté más de 25 minutos. Había ido con la promesa de encontrarme con un filme muy clase Z, bien fiel al estilo de George Romero, o algo interesante modernito medio Cloverfield…ni lo uno, ni lo otro. Es una bosta desde el primer plano, una historia ridícula de unos crispines que andan filmando una película de terror para una tesis (qué ingeniosos) y claro, se enteran que los zombies están asolando la zona, entonces emprenden la graciosa huída con cámara de por medio. Además de hacer un muy pobre uso de la cámara digital, está PESIMAMENTE actuada, EMPUTANTEMENTE contada, y HORRIBLEMENTE dirigida. Ni siquiera el baño de sangre y las escenas crasas consiguen hacer que uno la vea con relativos buenos ojos. Y lo peor es que no es ese tipo de películas malas, malas, malas, que de tan mala y tan bizarra hasta la disfrutás para cagarte de risa. Aquí lo único que queda es abandonar dignamente la butaca.

“El aleteo del colibrí”
Por: Mónica Heinrich V. Fue raro. El día anterior al estreno de El Curioso caso de Benjamín Button, soñé que estaba en una sala del Cine Center, viendo esa película y alrededor de mi butaca había otros espectadores. Lo raro era que cada uno de ellos sostenía un bebé.
Se imaginan? Una sala de cine llena de espectadores que cargan bebés y en la pantalla Brad Pitt en su papel de Benjamin Button.

En todo caso, queda la anécdota y la explicación semifreudiana, de que dicho sueño se relacionaba con la enorme expectativa y emoción que causaba en mí esta película.

Al director de este filme, David Fincher, le debemos peliculones como Seven y como (una de mis favoritas) El club de la pelea. También ostenta en su filmografía títulos un poco más irregulares, pero no menos efectivos como La habitación del pánico, Zodiac y The game.

Cuando supe que Fincher estaba dirigiendo un filme basado en el relato corto de Scott Fitzgerald, fue el éxtasis. La historia llamaba la atención desde el título que ya remite a cierga magia, el argumento no podía ser más atractivo, que encima esté protagonizada por Brad Pitt…era simplemente un regalo divino. Quien además de buen actor, siempre alegra la pupila.

Y ahí estaba yo, en plena premier, esperando la felicidad. Me emputó el recurso de la vieja moribunda que cuenta su historia, para llevarnos a través de un diario a lo que nos interesa, EL PASADO. Me shockeé cuando vi a Julia Ormond (la protagonista femenina de Leyendas de Pasión) después de muchos años, en el papel de la hija de la vieja moribunda.
Después de unos breves minutos en que mi acompañante confundía a Gwyneth Paltrow con Cate Blanchett…la cosa se puso buena.

“Nací en circunstancias muy raras», iniciaba la voz en off de Benjamin Button, interpretado por Brad Pitt. De ahí en más me sentí tibiamente conmovida por la primera hora que supuso la magia que el título me evocaba. Bejamin Button nace con una extraña enfermedad, su cuerpo, su aspecto, y su salud son los de una persona de 80 años. A esta tragedia se suma el hecho de que su madre muere al dar a luz, y el padre desconsolado ante la pérdida de la esposa y el extraño padecimiento del bebé, toma a la criatura en brazos para abandonarlo en una casa, que casualmente es un hospicio para ancianos.

Hasta aquí, no les parece fascinante? Vemos la vida a través de los ojos de viejo de Benjamin Button, que en realidad es un niño. Una mujer, Queenie, que no puede tener hijos y que es la encargada del hospicio, lo toma como si fuera suyo…para el resto de los habitantes del lugar, él sólo será el Sr. Benjamin.

La primera hora transcurre de forma hermosa, conmovedora y con un halo de melancolía. Era difícil no tener un nudo en la garganta en algunas escenas del decrépito-niño Benjamin, que se preguntaba qué habría al otro lado de la calle, fuera de su casa, de su silla de ruedas.

Era difícil no sentir empatía, no conectarse con un ser que mientras Queenie dormía en una cama, él dormía en un colchoncito a su lado, teniendo alrededor de 9 años, pero luciendo como si tuviera 80. En la noche, tomaba su mano y decía:
– Mamá, Mamá…Algunos días me siento diferente que al día anterior…

Y así, El curioso caso de Benjamin Button, es realmente curioso… aparte de la historia que cuestiona el paso del tiempo, la vejez, la juventud, los encuentros y desencuentros del sentido que uno tiene de su existencia, existe una historia de amor.

Benjamin conoce a Daysi. Daysi está interpretada por Cate Blanchett, de niña iba al hospicio a visitar a su abuela, y siempre tuvo un lazo especial con el niño-viejo, sin siquiera tener la capacidad para entender muy bien la naturaleza de su condición.

Hasta ahí seguía enganchada con la historia, embelesada, era una de esas películas que uno no desea que terminen…pero lo que estaba tan prolijamente contado en la primera parte, lo que era algo casi irresistible para que el espíritu se sacuda, se va diluyendo mientras el metraje avanza y las reflexiones existenciales comienzan a verse más forzadas. A eso sumémosle la omnipresencia de la vieja moribunda, que obvio, no es otra que el personaje de Cate Blanchett en el ocaso de su vida.

De todas maneras, no podés menos que seguir con atención el argumento y ver a un Brad Pitt rejuvenecer ante nuestros ojos y volverse obscenamente perfecto. Ya cuando llega el final, se extraña la sensación (esa que es tan difícil sentir en el cine made in Hollywood) de éxtasis.

Actuaciones muy buenas de parte de todo el elenco. Desde Brad Pitt hasta personajes menores como el de Jared Harris, que interpreta al pintor-capitán que le da su primer empleo a Benjamin, o la actriz Taraji Henson que interpreta a la madre adoptiva Queenie. Se agradece un elenco tan homogéneo y talentoso.

Por otro lado, el maquillaje y la dirección de arte juegan un rol muy importante a la hora de que nosotros compremos y creamos esta historia. Una muy linda banda sonora, una excelente fotografía y una particular sensibilidad a la hora de enfocar aspectos humanos hacen que sean merecidas las 13 nominaciones que la han convertido en la favorita de la próxima entrega de los Oscar.

Para todos aquellos, que al igual que Quino (el creador de Mafalda) reflexionaban sobre la maravillosa posibilidad de nacer viejos e ir volviéndose niños, para aquellos que se levantan por las mañanas y observan con preocupación arrugas, canas, y otros símbolos inequívocos del paso inescrupuloso del tiempo, para esos que miran hacia atrás y sienten que no han vivido, y que la vida se ha pasado como un suspiro…para ellos, El curioso caso de Benjamin Button será una bocanada de aire fresco.

Aunque la analogía del colibrí aparece tan solo en dos o tres ocasiones, no pude menos que quedarme con la encendida descripción de un ebrio capitán Mike, que en un bar ruso contaba que el colibrí es el pájaro más pequeño del mundo, y que dado el tamaño de sus alas “Its a freakin Miracle” (un jodido milagro) que pueda volar y aletear tantas veces.

Una acertada afirmación.

Lo mejor: Mágica.
Lo peor: Se diluye gracias a la excesiva duración y a un guión que se pone demasiado forzado.
La escena: Cuando se describe el accidente de Daysi, otra escena buena es la que pongo en la opinión sobre Benjamin y su madre y todas las veces que aparecía el personaje que decía: “Te conté que a mí me cayó un rayo siete veces?”
Lo más falsete: El “achicamiento” del cuerpo de Brad Pitt para irse convirtiendo en niño, y finalmente en bebé…cuando envejece.
El mensaje manifiesto: “La vida está definida por las oportunidades que se tienen, incluso las que uno pierde”
El mensaje latente: Todo concluye, aunque se maneje en primera, o aunque se ponga retro.
El consejo: Mírala en el cine, por favor.
La pregunta: ¿Brad Pitt se llevará su primer Oscar por este papel?

CURIOSIDADES
Steven Spielberg y Tom Cruise fueron elegidos para dirigir y protagonizar la película respectivamente en los años 90.
En 1998, Ron Howard iba a dirigir el filme con John Travolta como protagonista.
La hija
de Brad Pitt, Shiloh Jolie-Pitt, apareció en la película como la hija de Benjamin y Daisy. La escena en que Shiloh aparecía fue filmada cuando ella tenía aproximadamente 10 meses de edad.
Spike Jonze estuvo en conversaciones para dirigir.
Elle Fanning (hermana de Dakota Fanning) interpreta a Daisy cuando era una niña.

EXTRAS

EL ARGENTINO: Esperada biopic de Steven Soderbergh sobre la mítica figura del Che Guevara. A ver, Soderbergh siempre me ha parecido un director algo insípido…sin mucha pasión, eso se transmite en su obra. Por lo que El Argentino termina siendo una biopic sobre un personaje súper polémico como el Che, bastante correcta, pero sin llegar a dar ninguna sorpresa. Para quienes como yo hemos seguido la figura tanto del Che como de Ernesto Guevara de la Serna, la visión de Soderbergh resulta demasiado benévola, y lo dice alguien que siente simpatía por el personaje y que lo conoce a fondo.

Entonces, la película está bien. Interesante (porque el personaje y el contexto lo son), pero aparte de ver detalles que uno sabe a través de cualquier biografía, lo que aporta Soderbergh en pantalla no es mucho. Situada en toda la campaña previa a la revolución cubana, y lo que fue la participación del Che en la misma…la cinta intercala esos momentos con imágenes en blanco y negro de entrevistas y discursos del Che ya posteriores a la revolución. Con un elenco bastante irregular, donde hay actuaciones muy malas como las de Santoro (interpretando a Raúl Castro) o un sobreactuado Bichir en su papel de Fidel Castro, que curiosamente ha sido muy alabado por la prensa en general, pero que a mí me incomodaba…teniendo en cuenta que Benicio del Toro mostraba un Che mucho más introspectivo, más “sentido”, y Bichir se lo veía como a un actor haciendo de Fidel. Quizás el actor que más me convenció junto con Benicio del Toro (que me gustó, pero no me fascinó) fue Santiago Cabrera interpretando a Camilo Cienfuegos.

En líneas generales es una buena película, pero extrañé mucha más mierda en las escenas de los enfrentamientos entre la guerrilla y el ejército de Batista, tomando en cuenta la magnitud de los acontecimientos, pero que dada la dirección de Soderbergh…en ningún momento llegás a conmocionarte ante semejante enfrentamiento armado. No obstante, esperaré con ansias la segunda parte y obvio, la participación de los actores bolivianos.

SPIRIT: Quiero decir que hacía MUCHO que no me salía tan indignada de una sala de cine. Generalmente tengo el temple suficiente para ver cualquier huevada, sin tener que recurrir al abandono de mi butaca. Me sentía orgullosa de haber resistido estoicamente a Max Payne o a El día que la tierra se detuvo, pero eso era hasta ver Spirit. Este intento de película, me hizo putear varias horas contra la industria hollywoodense y el dineral que se gastaron en esa bosta, que por lo menos podría haber contribuido a alimentar a algunos desamparados del tercer mundo. Spirit es una de las tantas adaptaciones de cómics, esta vez a cargo de Frank Miller que antes no me hizo pensar en el asesinato con sus películas Sin City o 300…El Spirit de Miller es rimbombante, y da vida al peor héroe que he visto en pantalla…desperdicia a actores como Samuel L. Jackson, Scarlet Johannson y hasta la tal Eva Mendez, que en medio de tanta estupidez ni su sensualidad la salva. Desde el primer plano, susurré: “No es una buena película”…ya cuando la ridiculez alcanza niveles estratosféricos es cuando decidí no seguir corrompiendo mi mente y mi alma…Si yo fuera Miller, al ver el resultado preferiría quedarme en la calle prostituyendo mi cuerpo antes de dejar que esa cosa salga a la luz pública.

JUEGO DEL MIEDO V: Señores de Saw, creo que ya es tiempo de PARAR. Debo decir que vi esta película hace tres semanas, pero como la historia siempre es la misma básicamente, me es muy difícil no mezclar escenas de las anteriores cuatro. En resumidas cuentas, hay otro pupilo de JigSaw que anda libre por ahí ejerciendo la justicia divina. Ya no hay la frescura, ni las ganas de seguir jodiendo con este temita. Encima los que la producen, dirigen, escriben, le han puesto el cariño que tiene un hombre maduro por el amante de su esposa joven. Parece un filme para televisión. Hay que saber retirarse a tiempo che.

MARLEY Y YO: Película divertida que entenderán a cabalidad, aquellos que como yo aman, adoran, e idolatran a los canes. Hace falta haber tenido un Marley en la vida, para captar la esencia de esta película. Marley es un perro, el perro de un periodista que narra el desarrollo de su carrera y matrimonio, siempre teniendo “al mejor amigo del hombre” como hilo conductor. Le sobran como 15 minutos, pero es una opción bastante recomendable para pasar un rato ameno. Esta basada en un best seller, y el autor es el mismo protagonista, por lo que la historia es autobiográfica. Está protagonizada por Owen Wilson y Jennifer Aniston. Recomendable para quienes tienen o tuvieron un Marley que dejó huella.

LA VIDA DE LOS OTROS: Por favor: TIENEN QUE VER LA VIDA DE LOS OTROS, fue una de las mejores películas que vi el año pasado. Espectacular, conmovedora, hermosa, todos los adjetivos no alcanzan para describir esta historia. Mi próxima reseña, será sobre este filme, pero no dejen de verla en el Cine Center. NO se van a arrepentir.

“Baz “Equal” Lurhman”
Por: Mónica Heinrich V.

En su momento admiré los huevos de Baz Lurhman por dirigir películas arriesgadas como Moulin Rouge o Romeo + Julieta, ambas con críticas a favor y en contra de su grandilocuencia, pero dentro de todo, con una propuesta estética aceptable.
En el último día del año 2008 y sumida en la necesidad de escapar de esa realidad que a veces nos congestiona…me fui a ver Australia.
Mi querido Baz Lurhman, nostálgico de los “grandes” filmes, intentó recrear su propia epopeya fílmica. Seguro que el pobre tipo juraba que estaba haciendo un “Lo que el viento se llevó” de esta era. Incluso hay un par de escenas que me recordaron vívidamente la legendaria película de Clark Gable y Vivian Leigh…Pero le tengo noticias a Lurhman, “hoy corren otros tiempos ya lo sabes buen amigo”…como dice la canción de Chayanne. Y no, no funcionó.
Situada en la Australia de la segunda guerra mundial, Luhrman coloca a una altisonante Nicole Kidman (que cada vez elige peores papeles) en el papel de Lady Sarah Ashley. Esta tipa es una inglesa cuyo esposo se trasladó a Australia para involucrarse en el negocio del ganado. En ella se muestran todos los clichés de dama inglesa remilgada de esos tiempos, mohínes, tonos aflautados y gestos ridículos. La individua llega al país de los canguros a reencontrarse con el marido, que Oh! Casualidad, ha sido asesinado. Ahí se topa con Hugh Jackman al que sólo le caché el “cargo”: El capataz. Desde el principio se nota que este par va a acabar tarde o temprano en la danza horizontal, porque “Australia”…señoras y señores…no es aventuras nada más, sino romance y reivindicaciones raciales a granel.
Para dichas reivindicaciones, pusieron a un molesto y sobreactuado chiquillo que seguro en Broadway recibiría ovaciones de pie, pero que a mí me hizo odiar con vehemencia a los niños actores. Una criatura que toda la película se la pasa con tono y cara de fascinación por las situaciones que vive. Este pequeño ser interpretaba a Nullah: mestizo, media casta, no blanco, no negro, bueno…nos quedó claro, porque repitieron hasta el hartazgo que el pobre chico andaba conflictuado por su ambigüedad racial.
Y como no puede ser de otra manera, está un personaje llamado King George, que es el aborigen en todo su esplendor, con poses y cantos a la tierra que pretenden mostrarnos la belleza de su cultura, lo místico, lo interesante de tanta cosa folklórica, pero que en determinados momentos de la película, uno se preguntaba: Y qué carajos está esperando King George para hacer algo aparte de cantar?

Bueno, que la gran trama resulta ser que a Lady Sarah Ashley le estaban robando su ganado descaradamente, y al que estiró la pata (el marido) lo asesinó la competencia que luego de tan rastrero accionar estaba queriendo comprar solapadamente sus tierras a precios risibles.

Ahí Nicole, en un contoneo de caderas, cabello y gestos por doquier, toma la decisión de no dejarse pisar con ESOS, y le dice a El capataz que la acompañe a arrear su ganado hasta un lugar x donde se lo iban a comprar.

Como si tanto despelote no fuera suficiente, son seguidos por los tipos que andan saboteando todo, a ojos vista y paciencia de King George, que se para en las colinas como un flamenco (en una pierna) y contempla los hechos con cara de circunstancia y cánticos hacia vaya a saberse quién.

Todo esto aderezado por: tensión sexual entre el que arrea el ganado y la Kidman; niño mestizo que quiere tener un hogar pero que no sabe cuál es su hogar; escenas donde nos muestran cómo eran discriminados negros y mestizos; la segunda guerra mundial, con bombardeos cortesía de los japucos, etc..

Sí, es harta huevada para una sola película. Y la mayoría encausada y tratada de manera edulcorada y grandilocuente.

La primera parte, se goza relativamente bien. Uno dice: “Qué ñoños”, pero todavía no hay resentimiento. Ya cuando el trámite del ganado es completado y empezás a esperar los créditos es ahí que la desesperación y el odio irracional llegan.

Se ponen más melosos, si eso es posible. Cantan, tararean, o tocan diez mil veces Somewhere over the rainbow. Lo tenemos que soportar con ganas de ir al baño y viendo constantemente a ese insoportable niño en pantalla gigante. Déjenme decirles que nunca un Año Nuevo se vio más lejano que durante la proyección de Australia.

Terminado el filme, y aun incrédula de que había sido liberada de mi cárcel suspiré un: FINALMENTE!….

Nos queda la ingrata sensación de que grandes epopeyas eran las de antes, y que ahora…como casi todo lo de la vida moderna, los filmes que intentan recrear magníficas historias son endulzadas con Equal.

Triste empezar el 2009 con una decepción así ¿no?

Lo mejor: La fotografía. Y la primera parte que se deja ver.
Lo peor: Nullah, una narrativa poco creíble, excesivamente azucarada y claro, demasiado larga.
La escena: La escena de la estampida, y la del cine cuando Nullah ve El Mago de Oz
Lo más falsete: casi todo, pero tengo que repetir ese odioso nombre: NULLAH.
El mensaje manifiesto: “En algún lugar por encima del arco iris”…(quedé traumada…)
El mensaje latente: Tienen que prohibirle a Baz Luhrman hacer epopeyas.
El consejo: No tomés mucho líquido antes de entrar y no te comprés las cocas colas grandes.
El consejo para Baz Luhrman: Menos es más.La pregunta: ¿El actor que encarna a Nullah irá a triunfar en Hollywood en el futuro?

CURIOSIDADES
– El papel de Hugh Jackman se lo ofrecieron primero a Russel Crowe y luego a Heath Ledger, este último prefirió interpretar al Guasón. Sólo por eso, Dios debe tenerte en el cielo Heath.
– Tuvo un presupuesto estimado de 130 millones de dólares (tanta plata gastada al pedo)
– El rodaje duró 9 meses (tanto tiempo desperdiciado al pedo)
– La crítica fue tan mala, que Luhrman tuvo que cambiar el final antes de empezar a comercializarla. De hecho el director tenía como 6 finales preparados…(eso pasa cuando no se sabe qué hacer con una película)
– Se dice que sus ganancias hasta el momento han sido tan bajas que la posibilidad de recuperar lo invertido, cada día se hace más lejana.
– Baz Luhrman produjo, escribió y dirigió Australia (el que mucho abarca, poco aprieta)

EXTRAS
– Quarantine: Entretenida película que dicen debe todas sus virtudes a su versión española REC. No he visto REC, pero vi Quarantine y me entretuve un rato como boluda. No es una gran película, pero es heredera del estilacho Cloverfield, tiene sus momentos que sobresaltan y nada más, para pasar el rato. Una periodista cubre una nota con los bomberos, y lo que parecía una entrevista como cualquier otra termina siendo un camino hacia el terror. Los bomberos son requeridos en un edificio que luego es puesto arbitrariamente en cuarentena por las autoridades. Un virus se ha propagado, periodista, bomberos, e inquilin
os del edificio se las verán negras (literalmente) para salvar sus pescuezos, viviendo sangrientos momentos. No suena mal, no? ‘

– August Rush (Escucha tu destino): August Rush es una de esas películas que a pesar de ser ñoñísima es imposible que no te guste. Un niño huérfano decide ir a buscar a sus padres, bajo la convicción de que la música que escucha en su cabeza lo guiará hasta ellos. El niño no es otro que August Rush, que parece un pequeño Mozart…un superdotado, un genio musical a sus escasos años. Escapado del orfanato, vivirá aventuras que nada tienen que ver con las desgracias ocurridas al Oliverio Twist de Dickens…no. Amen de que el villano es interpretado por mi siempre ODIADO Robbin Williams, los obstáculos que atraviesa el pequeño músico no son de grueso tenor. Como no puede ser de otra manera, resulta que sus padres también eran músicos. La madre interpretada por la ex Felicity, Keri Russel es violonchelista, y el padre es cantante de rock. EL niño es fruto de una sola noche de pasión que ambos personajes tuvieron. Así que además habrá romance. Todo esto aderezado por buena música clásica y contemporánea instrumental. Recomendable, para aquellos que aún no son diabéticos.

“You dirty bastard”
Por: Mónica Heinrich V. Después de un par de tropiezos fílmicos y de su fallido matrimonio con Madonna, Guy Ritchie vuelve a sus raíces. Rock´an rolla es su más reciente película y para qué, la disfruté.
Puede ser que ver (en una función anterior) la nefasta: El día que la tierra se detuvo, haya hecho que la valore mucho más, pero el caso es que la película es buena.
Rock´an rolla guarda una enorme similtud con filmes que ya lanzaron a la fama a Ritchie, Lock Stock and Two Smoking Barrels, y Snatch, la que definitivamente lo llevó a la gloria.
Luego de eso, se puso la argolla de Mister Madonna y para complacerla hizo una de las peores películas que he visto de un director relativamente bueno: Swetp Away (What the hell was that?), asco, asco. Como Ritchie no es estúpido quiso encausar su camino y dirigió Revólver, con mi siempre adorado Jason Statham, que intentó ser lo que solía ser, pero se quedó a medio camino.
Cansado de fracasos, es que el ahora ex marido de la reina del pop, nos trae Rock´an rolla, que de contar con los mismos actores de sus dos primeros filmes, parecería parte de una trilogía. Es en este detalle que se condensa lo bueno y lo malo de esta película.
Por una parte, Ritchie vuelve a lo que sabe hacer mejor, retratar la decadencia de la cultura del crimen, con su variopinta mezcla de personajes, razas y acentos. Y claro, los junkies como elemento ornamental y filosófico. Por otro lado, Ritchie se repite en los mismos elementos ya harto conocidos para gente que haya visto su filmografía entera, y quitando algunas situaciones, la película nos deja la curiosa sensación de ser la misma chola con otra pollera.
En pleno corazón de Londres, Uno Dos y Mumbles son unos criminales de poca montan que se prestan dinero de Lenny para comprar un edificio. Lenny es un mafioso que controla todas las instancias de la burocracia que da los permisos para construir cualquier cosa. Les presta el dinero, pero hace que se les niegue el permiso para construir. Resultado? Uno Dos y Mumbles le deben a Lenny millones de dólares que tienen que pagar para no morir.
Uri es un ruso millonario, que contacta a Lenny para que “por debajo de la mesa” se le conceda un permiso imposible de conseguir sobre una construcción, Lenny accede a cambio de 7 millones de euros. Cada vez que el ruso intenta retirar el dinero del banco Uno Dos y Mumbles interceptan el retiro gracias a la ayuda de Stella, la contadora de confianza del ruso.

El ruso al cerrar el trato con Lenny le presta una pintura que es SU pintura de la suerte, con la condición de que se la devuelva una vez la transacción se concrete. Jhonny Quid, el hijastro junkie de Lenny, se roba la pintura, provocando un despelote mayúsculo, porque más allá del dinero, recuperar la pintura es primordial…aunque nunca vemos la pintura.

Todo esto es narrado por Archy, hombre de confianza de Lenny, tío del junkie, esposo de Stella.
La película es rica en acción y en situaciones graciosas. Quizás otro punto negativo, sería que como hay tantos personajes, las casi dos horas del filme se vuelven insuficientes para darle profundidad a cada uno de ellos.

Sin embargo, en general se nota una gran dirección por parte de Guy Ritchie que vuelve a presentarse en su mejor forma, el argumento es algo rocambolesco pero las correctas actuaciones, así como la excelente banda sonora y la dinámica edición, hace que sea una película digerible, entretenida y bien lograda.

Con un gran elenco que incluye a Gerard Butler, Thandie Newton, el gran Tom Wilkinson, Mark Strong, y hasta Ludacris, Rock an rolla se puede ver y disfrutar.

Mención aparte merece Toby Kebbel en su papel del junkie mesiánico: Jhonny Quid, que por sí solo hace que la película valga la pena completamente.

Una buena opción para recordar los primeros trabajos de Guy Ritchie, seguramente será una decepción para sus más acérrimos seguidores, pero un buen descubrimiento para aquellos que no han visto ninguna de sus películas.

Qué significa Rock an Rolla? Hay quienes quieren drogarse, coger, ser famosos, tener glamour, tener dinero, pero hay otros como los Rock an rolla que quieren el paquete completo. Eso es un Rock an rolla.

Actualmente Guy Ritchie se encuentra dirigiendo a Jude Law y a Robert Downey Jr. en un filme sobre el interesantísimo personaje Sherlock Holmes. ¿Esperaremos ansiosos? Elemental, mi querido Watson.

Lo mejor: Todas las escenas de Jhonny Quid
Lo peor: que Guy Ritchie se repite hasta el cansancio
La escena: La del piano de Jhonny Quid y los cigarrillos
Lo más falsete: nada
El mensaje manifiesto: Las traiciones están donde menos te lo esperas
El mensaje latente: El crimen paga
El consejo: Mírala sin prejuicios
La pregunta: ¿Qué tal irá a estar Sherlock Holmes?

CURIOSIDADES
– Rock an Rolla es escrita por Guy Ritchie
– En la banda sonora podés encontrar temas de The Clash, The Hives, Lou Reed, The sonics, entre otros.
– Las críticas recibidas han sido mixtas, teniendo en global un 59% de aceptación en la famosa página de Rotten Tomatoes.
– Guy Ritchie ha hablado sobre la posibilidad de una trilogía que tenga su origen en esta entrega. La secuela se llamaría: The Real Rock an Rolla
– Tuvo un presupuesto aproximado de 20 millones de dólares, cifra bastante pobre para la cantidad y calidad del elenco.
EXTRAS
– El día que la tierra se detuvo: A alguien se le ocurrió hacer un remake de una película de finales de los 50s, llamada: Ultimatum a la tierra. Esta película “viejita” es catalogada como una de las 10 mejores películas de ciencia ficción de la historia del cine. Por eso fui a verla. La pregunta es: POR QUE??? Por qué nos hacen esto??? Tiene un guión que hace a ET (el de Spielberg) parecer Milan Kundera. Muy mala película, donde el otrora Neo, Keanu Reeves, se transforma en un ser llamado Klaatu. Este alien tiene como misión eliminar a la humanidad por su mezquindad y salvar al planeta tierra de la destrucción a la que los humanos la sometemos. Hasta ahí yo estaba conforme, me parecía muy razonable que Klaatu barra con todo y no deje ni el polvo. Pero no, claro que no. Resulta que en el fondo tenemos cosas buenas y que el alien estaba tan sensible como si tuviera la menstruación, y se conmovía con dichas cosas buenas. Todo eso acompañado de Jennifer Connelly y el insoportable hijo de Will Smith. Un despliegue aparatoso de efectos especiales que maquillan una historia vacía y ñoña. No pierdan su tiempo.

– Madagascar 2: A veces lo bueno no debe repetirse. Madagascar fue una linda película, donde lo mejor eran los pingüinos. Por eso fui a verla! (yo siempre con excusas) Su secuela es un tanto desangelada, aun
que tampoco da para cortarse las venas, una película entretenida, a ratos divertida, pero no imprescindible.

– La casa de las conejitas: Supongo que esto ya tiene que ver con el auge de ese programa llamado “The girls next door”, donde las tres “novias” de Hugh Heffner nos muestran lo sacrificado de su diario vivir. En la película, una rubia conejita interpretada por Anna Faris, es echada de la mansión Playboy por vieja (27 años). Aunque se trata de una trampa, la patada le servirá al personaje para descubrirse. Ella en su “reinserción” a la sociedad se mete a una hermandad de universidad: las Zetas…como mentora. El mensaje no es otro que: recauchutarte, maquillarte, ponerte ropa bonita, y jugar a ser sexy, te pueden conseguir amigos, parejas, amantes, y una buena vida. PERO, recordemos el pero encubierto, todo eso no sirve si no sos tan buena, o en este caso, tan boba como el personaje de Anna Faris. En general, es una película que intenta parodiar todo ese mundo, pero que parece se contagia de la estupidez que quiso retratar. Liviana, con un humor que dada la temática pudo ser mucho más corrosivo, y muy autocomplaciente. Una más para que te ahorrés unos pesos sin verla.

«El desconsuelo»
Por: Mónica Heinrich V.

No sé, no sé.

En primer lugar, odio decirlo pero Daniel Craig es un gringo insípido que cuando no está vestido de traje, puede pasar por cualquier crispín del mundo. Cero sex appeal, supuestamente la idea es que James Bond agarre una dimensión más humana. Que no sea onda Sean Connery, donde el personaje era más maquiavélico o que no tenga la actitud de Pierce Brosnan, como de dandy sofisticado. Lo triste es que lo de Craig, queda como en una nebulosa, donde el personaje apenas se salva de la absoluta nada (conexión emocional) que logra despertar en la platea tanto masculina como femenina.

No es lo suficientemente “duro”, como para que los aspirantes a galanes criollos tengan sueños aspiracionales con él, ni lo suficientemente seductor como para que las féminas envidien el lugar de la “chica bond”.

En esta nueva entrega de la saga, el agente 007 aparece más soso que en su debut. Atormentado por la muerte (suicidio) de Vesper, sucedida en la entrega de Casino Royale, el rubio galán está haciendo caso omiso del dicho: La venganza nunca es buena, mata el alma y la envenena. Así que Bond, James Bond, anda queriendo vengarse de aquél que orilló a su damisela a traicionarlo y a luego suicidarse ante la culpa de semejante traición.

Según el hampa cinéfilo, Quantum Solace empieza temporalmente horas después de la última escena de Casino Royale. En una trepidante persecución de autos, que no me movió ni un cabello, se inicia esta historia que lleva a Bond, irrisoriamente hasta…adivinen? Bolivia.

Parece que estamos de moda, chicos. Y encima somos sinónimo de “exótico”. Como Bond anda jugando a la cadenita, va de muerto en muerto buscando la manera de llegar hasta quien según él, es culpable directo del suicidio de su amada. Ahí aparece como por arte de magia, una tipa que interpreta a una agente del Servicio Secreto boliviano, y que en la vida real es rusa. Olga Kurylenko es Camille, una supuesta agente que vive entregándose a los malos, hasta ahora no sé cómo pensaba sobrevivir, pero ahí está ella.

La nueva chica bond tiene con Craig la misma química que un alga marina con una estrella de mar. Es decir, inexistente. A eso se suma el hecho de que los guionistas (cuatro crispines, aunque no lo crean) no contemplaron ninguna escena de “amor-sexo-metida de mano” o cualquier similar, entre ambos personajes.

La historia, que como en toda la saga, es tirada por los pelos y rica en fantasía, adolece de ritmo y de credibilidad. Cuando digo credibilidad no me refiero a que las otras hacían que nos creamos todas las cosas bizarras que pasaban, sino que por lo menos el argumento se sostenía de alguna forma y los personajes conseguían dibujarse de manera tal, que uno salía del cine satisfecho y agradecido.

Ahora no, las escenas de acción se suceden unas detrás de otras, sin mayor interés y lo único que me mantuvo enganchada a la trama fue la supuesta aparición de Bolivia como personaje ornamental.

Bolivia aparece porque en este país hay un general que anda queriendo dar un golpe de Estado, para eso los americanos quieren apoyarlo, al igual que un tipo (el villano Dominique Green) que desea hacerse con el agua de la zona para lograr contratos millonarios.

El general Medrano hace gala de su corrupción y es capaz de hipotecar medio país para cumplir sus mañosos objetivos. Aunque él representa a otro de los villanos del filme, es a través de Dominique Green, que Bond encausa su venganza y termina llegando a La Paz.

Con una buena dirección de arte consiguen hacernos creer a los espectadores que Panamá es La Paz. Aunque en las escenas finales esta percepción se termina, cuando vemos al elenco supuestamente aún en La Paz, pero en medio del desierto (originalmente chileno) y sufriendo de calor. Detallito.

Y así se sucede la trama, rica en escenas de acción pero pobre en contenido y provocando una emoción tan pasajera como la del rocío de la mañana.

No es una película aburrida, pero tampoco te hará arañar la butaca. En general se deja ver, pese a su corta duración (1 hora y cuarenta minutos), la ausencia de trama hace que la sintás más larga y el poco carisma de personajes acartonados y pobres emocionalmente, hacen que cualquier nexo de empatía se pierda irremediablemente.

Los diálogos donde generalmente descansa el cliché de frases hechas y con doble sentido, brillan por su ausencia. Judy Dench cumple la función de mentora-jefa-casi madre de Bond y lo hace a su manera. Una gran actriz, para un papel pobre como Etiopía.

La culpa de todo la tiene Marc Forster, un director suizo que ha sabido manejar muy bien dramas como Monster´s Ball, Cometas en el cielo, o pelis como Más extraño que la ficción, pero por algún motivo queda casi aplazado en su performance como director de un filme de acción.

Las actores hacen lo que pueden con sus respectivos papeles, y una buena fotografía termina dándole un punto extra al filme.

Terminada la película, sólo me quedaba una inquietud: Y por qué carajos le pusieron Quantum of solace? el título lo sacaron de un cuento de Ian Fleming, escritor que creó el personaje del agente 007. La traducción más aproximada sería: Una pizca de consuelo y tiene que ver con el holocausto emocional por el que atraviesa James Bond al perder a su amada Vesper.

Un holocausto que en Daniel Craig mucho no se percibe, aparte de sus insomnios y su mirada azulada que clama con urgencia la intervención del mejor psiquiatra del mundo. A nosotros nos queda aparte de la hora y cuarenta que perdimos, el desconsuelo de saber…que existe un mañana en que Bond regresará… por vigésima tercera vez.

El tiempo pasa.

Lo mejor: Medianamente entretenida
Lo peor: no produce ninguna empatía con los personajes
La escena: el final cuando el fuego está por devorarlos
Lo más falsete: aquí todo se ve falsito
El mensaje manifiesto: Hasta Bond necesita una pizca de consuelo
El mensaje latente: La venganza es el mejor consuelo
El consejo: No esperés mucho
La pregunta: ¿Realmente, QUANTUN OF SOLACE?

CURIOSIDADES

– Jack White y Alicia Keys son los intérpretes del tema principal de Quantum of Solace, el nuevo film de James Bond protagonizado por Daniel Craig, que se estrenará en las salas de cine a principios de noviembre. Jack integra el famoso duo de rock The White Stripes, junto a su hermana Meg. Alicia Keys por su parte, es una de las mejores cantantes actuales de R&B y Soul de los Estados Unidos. Originalmente, el tema iba a ser cantado por Amy Winehouse, pero debido a sus constantes recaídas producto de drogas y alcohol, fue reemplazada por Alicia Keys.
-Daniel Craig y Olga Kurylenko se entrenaron con Gary Powell y su asombroso equipo en Bodyflight durante varias semanas antes de rodar durante un día el salto del avión en Bolivia.
– Bodyflight, el p
rimer túnel de viento para paracaidismo del Reino Unido y el más grande del mundo, en Bedford, se utilizó, para una secuencia de Bolivia. El túnel tiene 4.95m de diámetro y casi 8 metros de alto y simula la experiencia que se obtiene en una caída libre a 200 Km. por hora ¡sin tener nunca que saltar de un avión!
-La producción se instaló en los históricos Pinewood Studios en Buckinghamshire a las afueras de Londres. Pinewood se ha convertido en sinónimo de las películas de James Bond a los largo de los años: Todas menos dos, 007: Licencia para matar (Licence To Kill) y Goldeneye, se han rodado allí. Los productores usaron el famoso 007 Stage y cinco otros platós para construir los interiores de 14 localizaciones diferentes durante los seis meses de rodaje.
-007 QUANTUM OF SOLACE, vigésimo segunda aventura de James Bond, la saga más larga en la historia del cine.
– El 2010 se estrenará la próxima entrega.
– Se filmó en Inglaterra, Panamá, Chile, Italia y Austria
– El 19 de marzo de 2008, el diario chileno La Cuarta aseguró que los paisajes del norte de Chile, utilizados en el rodaje de Quantum of Solace, serán mostrados como parte de Bolivia. []La información causó malestar en algunos personajes chilenos. El 29 de marzo, un grupo de personas protestaron contra la producción de Quantum of Solace en una plazoleta frente a la municipalidad de Sierra Gorda.[]Sólo portaban banderas chilenas y gritaban a coro: «¡Queremos respeto, no somos bolivianos!».[]Las protestas cesaron cuando se supo que las referencias a Bolivía estarían asociadas al tráfico de drogas.

Muere Bella, muere!!!

Por: Mónica Heinrich V. Si los vampiros existieran realmente y no formaran parte de una interesante leyenda, Stephanie Meyer (escritora de la Saga Crepúsculo) habría sido perseguida y cazada salvajemente por darles tan mala fama.
Vampiros ñoños, hombres lobos ñoños, heroínas ñoñas, todo revestido de tal ñoñez que si yo no fuera tan cueruda, habría muerto de intoxicación en plena sala de cine.
Lo dice alguien que se leyó (me sonrojo de bochorno) los cuatro tomos de la saga, aún sabiendo (al igual que los obesos ante una McDonald) que me hacía daño y que estaba consumiendo porquerías.
Sí, mi queridísima Stephanie Meyer es parte de ese atado de escritores como Paulo Coelho, Dan Brown y otros que por algún motivo se hacen populares, generan club de fans, apasionados seguidores que seguramente dejarán sus muestras de «cariño» en mi mail.
Escritores de malos libros y que encima a merced de la vox populix, dichos malos libros se transforman en películas.
Quienes esperaban que ocurra un milagro cósmico y que las pantallas de cine no sufran la tortura de Luna Nueva, deben estar decepcionados. Después que yo misma pasé 2 horas en ese maldito infierno, es mi deber, mi obligación como ser humano advertirles que Luna Nueva es una de las bostas más insoportablemente aburridas del año.
Cuando supe que habían despedido a Catherine Hardwick (directora de Crepúsculo) pensé que era para mejor, que como Catherine es una directora más de cine independiente, por ahí habían buscado a alguien ¨comercial¨ que le ponga el toque espectacular a lo que vendría después. No queridos, no. Llamaron a Chris Weitz un crispín que dirigió la primera American Pie y una peli que me gustaba mucho About a boy, ambas direcciones acompañado de su hermano…por lo que sospecho que lo que faltó en Luna Nueva fue la mano fraterna.
Si en Crepúsculo había unas cuantas escenas que encontrabas «bonitas» o que dejaba a la muchachada suspirando, pero con algo de estilo, en Luna Nueva no existen tales momentos.
Retomamos la historia donde la dejamos, la mamerta de Bella y el afeminado de Edward andan por la vida de manita sudada, mirándose con ojos de borrego menso a medio morir. Ellos tienen un amor puro…genuino como el deseo de Michael Jackson de ser blanco.
Por x o z, no lo digo aunque en el trailer aparece casi todo lo que se puede decir de esta insulsa trama, Edward decide dejar a Bella (yo también lo hubiera hecho) y se aleja, dizque, para que ella pueda ser feliz en su mortalidad.
Mientras Edward ¨necesito bronceador¨ Cullen, anda paspando moscas…Jacob Black (el «lobito» como cariñosamente termina llamándolo la platea) se asoma como paño de lágrimas. En su fornido pecho (una de las pocas cosas rescatables) se recostará la sonsa de Bella intentando superar el gran trauma de haber perdido el amor.
Aquí podría hacer un paréntesis para contar la vida atormentada y desgraciada de Romy Schneider (actriz de Sissi Emperatriz), que haría ver la situación de Bella como lo más estúpido del mundo, pero decido pasar.
Eso es básicamente todo, que si el vampiro me quiere, no me quiere, que si necesito al lobo, no lo necesito, que si el vampiro me quiere, o no me quiere, ZZZZzzzzzzzzzzzzzzZZZZZZZZzzzzzzz
Y no me malentiendan, Crepúsculo la soporté, y hay filmes ñoñísimos como Encantada o hasta Avatar, que amén de sus defectos, cursilerías y otros, están magníficamente filmados y no nos ofrecen una visión desangelada y apagada del séptimo arte.
En el caso de Luna Nueva hay desgano, apatía en la narrativa, encima la cosa se sitúa en una ciudad gris, Bella anda deprimida, y si a eso le agregamos una dirección cansina, muy muy muy poco inspirada, que abusa de la cámara lenta tal cual una molesta negrilla, y unos actores mal dirigidos que escupen sus textos como si estuvieran posando para una cámara fotográfica, ya se imaginan el desastre.
Entiendo que se trata de un producto hecho para las adolescentes y ramas aledañas, de hecho las infantes estaban haciendo cola para entrar casi 40 minutos antes de la premier, y obviamente el 99% habrá salido pensando que era la mejor película que han visto en su vida, no sé. Compañero de butaca me increpó diciéndome que si yo tuviera esa edad, capaz que salía igual de contenta, a lo que le recordé que sin cumplir los 20s no caí bajo el embrujo de Titanic ni de Todo Sobre mi madre (habéis leído bien), así que dudo mucho que Luna Nueva haya corrido mejor suerte.
Desagradable, una película que espero no toparme ni en el cable. Ni siquiera el tan esperado encuentro con los Volturi generó interés, otra tétrica muestra de hasta dónde puede caer una película que está tan mal dirigida. Buen trabajo, no obstante, de Dakota Fanning que consigue dotar a su personaje Jane de personalidad en los breves minutos que interviene, a pesar de que todos los actores involucrados en este filme parecen postes de luz.
Aún así, las malas noticias son más de las que me imaginaba, el guión había sido escrito por una de las guionistas de Dexter, cosa que hizo que quisiera botarme del palacio de justicia. No entiendo cómo Luna Nueva puede estar tan horrorosamente mala, si teóricamente tiene los elementos y los verdes necesarios para lograr un buen producto.
Odio decirlo, pero faltan DOS filmes que ya están en desarrollo bajo la batuta del mustio de Weitz. Según lo escrito por la Meyer, las cosas se van a poner más freaks y absurdas (ajá, MAS) y yo ardo en deseos de ver qué carajos piensan hacer con lo que viene. No imagino a Bella (tal cual nos la han presentado hasta ahora) viviendo tan tórridas aventuras.
Luna Nueva, un filme que demuestra que Hollywood apuesta a fondo por historias vacías, lights, interpretando que el adolescente promedio es bruto e ignorante y que no merece nada mejor que protagonistas ¨lindos¨, directores alelados y los vampiros más pijos del mundo.
Lo mejor: cuando empiezan a salir los créditos finales y podés continuar con tu vida.
Lo peor: no sé, casi todo.
La escena: todas, todas las veces en que Jacob Black estaba sin camisa. Era un destello de luz en la cloaca.
Lo más falsete: personajes, trama, todo es más falso que muela de palo
El mensaje manifiesto: No todo lo que involucra vampiros será bueno
El mensaje latente: la muchachada tolera cualquier cosa
El consejo: Si cometés el pecado de verla, andate a una hora que no sea pico, porque las adolescentes se van con cámara fotográfica al cine, acompañadas de amigas o amigos, a los que durante el filme comentan el libro, lo que viene, lo que pasó y consiguen que la experiencia sea el doble de insoportable.
La pregunta: ¿qué premios ganaràn en la entrega de los Razzie? (La frambuesa de oro, es el antioscar, se le otorga a lo peor del cine)
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