LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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Fucking special

Uno de esos temas que hacen recuerdo a juventudes idas, adolescencias marchitadas e inocencias perdidas es Creep, de Radiohead. Escrita por Thom York a finales de los 80s, la canción es melancólica e incluso cuando recién salió, algunos radialistas pensaron que era demasiado depresiva. Radiohead, ante el éxito del tema y seguro hartos de que se la pidan, decidieron dejar de tocarla. No obstante, muy de vez en cuando cantan una de sus únicas dos canciones que llegaron al top 40 de las listas americanas.

El otro día, viendo el trailer de The Social Network, el filme sobre el facebook que supuestamente nos mostrará cómo se llega a ser millonario antes de los 30s sin conservar ningun amigo, escuché el tema de Radiohead. Esta vez es un coro. Un espectacular coro de chicas belgas…Scala & Kolacny Brothers, es el nombre y entre la disyuntiva de poner el pinche trailer de 2 minutos con imágenes deprimentes de lo que es el mundillo facebookero: el dedito levantado, los comentarios chotos, las fotitos donde todos nos vemos felices, y toda esa falacia humana, opto por poner la versión íntegra del tema.
El «fucking special» en voces adolescentes femeninas imperdible y la parte del in crescendo es…sin palabras…

Y ya que estamos, cuando estaba pegando esta cuestión, me topé con una versión de Damien Rice, y casi me fui de face contra el planeta. Se acuerdan? El que cantaba el tema principal de Closer, The Blowers Daughter…y en su voz, Creep suena…sin palabras también, es difícil describir ciertas cosas…a veces sólo se puede escuchar.

Hmmm, ahora que estaba por poner publicar entrada, no puedo dejar fuera la interpretación unplugged de Korn. No…sería injusto y pendejo. Aquí la gran banda Korn, con la letra traducida y subtitulada. La traducción un poco chapuceada, pero…es lo que hay.

La locura humana

Por: Mónica Heinrich V.

Supongamos que tengás que filmar una película sobre un hecho tan manoseado como la Segunda Guerra Mundial. Ajá. Se me vendría a la cabeza la escena de las letrinas de la Lista de Schindler, o la imagen del tipo arriba del tren de El Tren de la vida o la de Roberto Benigni cuando es escoltado hacia el lugar donde lo fusilan ante la mirada de su hijo, y muchas más.

Lu Chuan (director) también se lo planteó. Y producto de esa elucubración mental, tenemos Ciudad de vida y muerte (título original: Nánjīng! Nánjīng!), un peliculón que tuve la dicha de ver.

Este director asiático tenía algo a su favor, su película no nos contaría el drama de los judíos o los campos de concentración, ni tampoco la vida familiar de los nazis o el trasfondo político del holocausto. Lu Chuan hace lo que conoce, o conoce lo que hace…su película se enfoca en la masacre de Nanjin, cuando soldados japoneses invadieron esa ciudad china y perpetraron hechos que hasta el día de hoy causan fricción entre Japón y China.

Nanjin fue ocupada por los japoneses en 1937 y según varios testigos, las tropas niponas asesinaron a soldados y civiles durante semanas. Violaron a mujeres de la manera más cruel y despiadada, y hay testigos que afirman, presenciaron cómo ensartaban bebés chinos en sus bayonetas después de lanzarlos al aire.

La película arranca en el momento de la invasión.

Filmada en un riguroso blanco y negro, los primeros minutos no tienen nada que envidiarle a la más trepidante acción hollywoodense. Lo mejor, es que dicha acción viene acompañada de una espectacular fotografía (los asiáticos son pendejos para la fotografía) y una hermosísima banda sonora.

Vemos a los soldados chinos que en buena parte abandonan la ciudad dejando librados a su suerte a los civiles y a los colegas que quedan rezagados. Estos soldados abandonados, intentarán camuflarse con la población civil.

Se establece una Zona de Seguridad, regida por nada más y nada menos que un nazi, el señor Rabbe, que paradójicamente se convertirá en la única garantía de protección de esta gente.

Recordemos que los japoneses estaban con Alemania en la 2da Guerra Mundial, y el señor Rabbe es considerado “amigo” por los invasores nipones, por lo que su protección es una ayuda significativa aunque no suficiente en medio de los desmanes que deja la guerra.

Rabbe es un personaje real, del que incluso se han hecho biopics mostrando su valor y solidaridad (elay, entre los nazis también había estos sentimientos) para salvar a más de 200.000 chinos de la masacre.

Lu Chuan que estudió en Beijing Film Academy, dirige su tercera película sin que le tiemble el pulso. Es fácil caer en el onanismo de retratar la violencia en su grado más lacerante, más aún cuando se habla de guerra o de un hecho histórico tan importante para China, su propio país, pero Lu Chuan muestra la masacre de manera fría, certera, sin detenerse mucho o regodearse en las escenas crueles.

Y hay escenas crueles por montones. El director elige el lirismo para mostrar el horror. El guión nos presenta a un puñado de personajes, podríamos decir que hay un par principales, y el resto sirve para pincelar la tragedia. Desfilan en la pantalla sin plantearles un happy end, sin esa tendencia del cine en general, de darle gusto a la platea. Lu Chuan dota a su filme de un toque semidocumental, donde la barbarie del hecho no es resaltado, sino simplemente exhibido.

A nivel técnico, la fotografía contribuye a que la historia se haga más impactante, la ambientación está muy bien recreada, vestuario, maquillaje, música, dirección de actores, etc., nos muestran un filme redondo, donde llegás a admirar y a agradecer la onda contemporánea que elige el director para su filme. Contemporánea en el uso de cámara al hombro para brindarle mayor realismo a sus escenas, en el BUEN uso de primeros planos, en el mejor uso de planos generales, y en una narrativa carente de condescendencias.

El final llega como un golpe en el estómago. La primera parte es truculenta, para mostrar la adrenalina de la guerra, disparos, peleas, enfrentamientos. La segunda parte, es el lado feo del ser humano, la barbarie, desolación, abuso. El final, vean el final…

Este filme ganó la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. El guión tuvo que pasar 6 meses por el análisis de la Censura China y otros 6 meses después de terminado el rodaje para que se aprobara su contenido. El resentimiento por el episodio de Nankin, hizo que los chinos le pusieran peros a cualquier personaje japonés que fuera retratado como simpático o no brutal.

Gracias a Dios, lo que queda, amén de que algunos miren con lupa las intenciones políticas del filme, es un retrato de la guerra donde tanto chinos como japoneses son partes del horror y la tragedia, y el peso de humanismo recae en ambos bandos también.

Hermosa, colosal película. Cuando terminó, me quedé mirando los créditos, sumida en una sensación de agobio que no sentía hace bastante en una sala de cine. El homenaje a Chaplin, que cualquiera reconoce, te deja con el alma en vilo.

La bestialidad contrastada con esa risa/llanto de libertad se quedará mucho tiempo en tu memoria.

LO MEJOR: Una grandiosa producción, filmada con maestría

LO PEOR: El trasfondo político que le pueden buscar de ser simple propaganda china para poner a los chinos como víctimas…como si la masacre no hubiera existido realmente. Una pena.

LO MAS FALSETE: Nada

LA ESCENA: La de la niña con la ventana, el final y otra que me gustó fue la de la prostituta cuando no recuerda al soldado.

EL MENSAJE MANIFIESTO: El ser humano lo destruye todo

EL MENSAJE LATENTE: En medio de esa destrucción, habrá quienes sobrevivan

EL CONSEJO: Vela, no esperés que te la cuenten.

LA PREGUNTA: ¿algún día se aprenderá de la historia?

Mensaje a la comunidad

El día sábado nos apersonamos en el Cine Center para disfrutar del Festival Iberoamericano de Cine, grande fue nuestra sorpresa cuando en boletería nos informan que no hay nada. Que sólo hubo una película a las 16:00 y otra a las 18:30 y que para el domingo el panorama era similar. El motivo, dicen, es que no han recibido las películas.
Algunos habitués expresaron su desconcierto, molestia y vertimos teorías del más negro e intrincado fondo. Por la noche, yendo a ver La Extraña Máquina a Clapton, nos topamos con Ariel Gamboa (Director del FIAC) que nos dice que por desgracia las cintas están varadas en aduana y que no han podido solucionar los papeleos, pero que el martes la cosa se regularizará.
Hoy, parece que no hay ninguna novedad en el frente. Fuentes del cine nos comentaban que hasta las 16:00 no se había recibido película alguna. Entonces, la cosa es sencilla, por el momento no hay festival, sólo invitados que no tienen películas para visionar y público sumido en la desilusión y el desconcierto.
Mañana será otro día.

In Memoriam

Ayer no sé porqué me acordé de Fabián Bielinsky.

A Fabián lo entrevisté el 12 de marzo del 2006 para la revista física de Aullidos. En esa época su segunda película estaba en boca de todos, quedé feliz por haber conseguido la entrevista y publicarla.

Un día me llaman del periódico para pedírmela…era el 28 de junio de ese mismo año. Tres meses después del contacto telefónico.

Bielinsky acababa de morir. Murió de madrugada, a los 47 años, de un infarto, mientras dormía en un hotel de Sao Paulo…

Lo anecdótico y freak de esta entrevista, es que en ella me mencionaba a Lucho Bender, director de Felicidades, al que recordaba con admiración y que había muerto de madrugada, por un infarto, a los 47 años en un hotel de Barcelona. Una triste coincidencia.

Bielinsky: Entre lo claro y lo oscuro
Por: Mónica Heinrich V.

Elaura2

Puede que El Aura sea la película argentina más importante del año pasado. Para no quedarnos atrás y dar el batacazo, decidí contactarme con Fabián Bielinsky. Para mi sorpresa, no hubo ningún problema…incluso le interrumpí su descanso, volvía del Festival de Sundance y de unos días que se tomó de vacaciones.
Llegué a pensar, hundida en la más absoluta consternación, que por ahí el tipo me iba a hacer el desaire. Pero no, nada que ver. El hombre es un profesional. Hasta horario flexible me puso. Y bueno, ahí estuve otra vez jodiendo con el contacto telefónico.

Yo, hecha la fina y la culta, le hablé sobre nuestra humilde publicación. Él, obviamente acostumbrado a las entrevistas, mucha pelota no me dio, pero igual con el calor de la charla se jue entusiasmando.

Esta vez, me había prometido no pautear las preguntas que le iba a hacer. Recientemente, leí una entrevista de Jorge Lanata que aconsejaba nunca hacer preguntas fabricadas, sino esperar que éstas surjan de la conversa. El gran problema es que yo no soy Lanata (gran descubrimiento) y la jugada me hizo pasar algunos sofocos y (para variar) sonrojos a la distancia. Sin embargo, ustedes, lectores amables y poco chinchis, sabrán entender y reconocerán el esfuerzo ante el empirismo pseudo periodístico.

La cosa jue más o menos así. Me leí algunos datos básicos del cineasta, y convencida de que el mundo es de quien se arriesga marqué su número telefónico. Al otro lado de la línea se escuchaba un alboroto tal que deduje que tenía mínimo unos tres peladingos jugando a su alrededor, jodiendo y molestando que daba calambre. Yo, armada de la paciencia que sólo la gratitud brinda solté mis inquietudes.

Fabián Bielinsky es un cineasta que tiene únicamente dos filmes en su lista. Esto no quiere decir que es un improvisado, al contrario. Bielinsky trabajó casi toda su vida como asistente de dirección o envuelto, por lo general, en la parte técnica de filmes que dirigían otros (léase Eliseo Subiela, Carlos Sorín y Marcos Bechis), además se fogueó en publicidad y co-escribió algunos guiones.

En 1998 filma Nueve Reinas, que se transforma en una ópera prima de mucho peso dentro del cine argentino. La película estuvo protagonizada por Ricardo Darín, Gastón Pauls y la Leticia Bredice (esa mismita que vino hace un par de años a nuestro festival de cine). Saquen sus calculadoras o sus ábacos y verán que Bielinsky (1959) dirige su primer filme a los 39.

bielinsky

Seguro que se lo han preguntado un millón de veces, pero ¿por qué teniendo tanta experiencia y “calle” en el ambiente del cine, tardó en hacer su primer filme?
No sabría decirte, no…no fue por nada en particular. La verdad es que estuve trabajando mucho tiempo, aprendiendo y cuando apareció la idea de Nueve Reinas, ahí me senté a escribir el guión, recién entonces me pareció que había algo que valía la pena filmar…

¿Y cómo surgió la idea de nueve reinas?
Más que nada tenía que ver con un tipo de propuesta que me daba mucho placer ver…Es un policial que tiene que ver con una especie de subgénero, que a su vez se relaciona con los estafadores, con los engaños, toda la idea de la mentira como un universo para una película me resultaba muy interesante.

A Nueve Reinas la crítica la trató muy bien y la taquilla también, ¿cómo tomó esa respuesta tanto del público como de la prensa?
Bueno, es lo que uno desea…pero aún así siempre sorprende. Fue muy unánime, muy intenso, la verdad que tuvimos mucho apoyo crítica y un gran éxito de público. Es lo mejor que a uno le pueda pasar…no es que suceda siempre, más bien es una combinación que no se da habitualmente, pero así sucedió en esta oportunidad.

A nivel de producción ¿Qué tan difícil fue filmar Nueve Reinas?
Durante un par de años traté sin éxito de conseguir producción para la película, de hecho nadie quería hacerla y la terminé haciendo porque gané un concurso de guiones cuyo premio era la producción de la película. De otra forma, no sé cómo hubiera hecho, porque la verdad fue rechazada por prácticamente todas las productoras de la Argentina.

¿Y el contacto con Ricardo Darín? ¿Era desde antes el actor que visualizaba para el personaje principal?
Él era uno de los posibles. Después me alegré mucho de haber tomado esa decisión, pero en ese momento yo no lo conocía…así que le mandamos el guión, le gustó mucho, lo fuimos a ver…tuvimos un muy buen primer encuentro, hubo mucho entusiasmo de ambas partes y nada, él fue adelante inmediatamente.

A raíz de Nueve Reinas pasó a formar parte de las promesas cinematográficas ¿Se considera parte de esa etiqueta que se maneja últimamente llamada “nuevo cine argentino”?
No, no, el nuevo cine argentino efectivamente es una especie de definición que la crítica generó a partir de la aparición de una serie de cineastas nuevos, pero está más ligada a otro tipo de estética, aunque las películas no se parecen mucho entre sí…o sea, no se puede comparar con un movimiento como el de la nouvelle vague, que había una clara consubstanciación de estética y temática, en este caso es más amplio. Pero yo no aparecía incluido en esa etiqueta, más bien aparezco aparte de todo esto, como en una zona un poco diferente.

¿Entonces, cómo definiría el cine argentino actualmente, tiene alguna característica que lo une?
No veo que tenga un elemento así muy contundentemente similar entre sí, justamente lo que tiene es una gran diversidad.

(En ese momento el teléfono (OTRO) nos interrumpe y Bielinsky me pide amablemente que lo espere, eso me da tiempo para pensar en mis preguntas (maldito Lanata). Luego de una breve pausa, regresa. Pide disculpas, le digo que no hay problema y seguimos…)

Pero pasaron cinco años para que vuelva a dirigir, ¿se tomó ese tiempo porque sintió que lo necesitaba o porque ya se encontraba trabajando en El Aura?
Todo lo que pasó en Nueve Reinas fue muy intenso y aproveché para tomar un descanso, además de estar con la película que tuve que acompañarla a muchos lugares. No tengo como una compulsión para filmar, solamente me dan ganas de filmar cuando hay algo que me interesa mucho o que siento que vale la pena. No me es tan fácil encontrar qué filmar, por lo menos, por estos rumbos. Me tomé todo el tiempo necesario, con mucha tranquilidad…inclusive, pienso que me pude tomar un poquito más de tiempo…

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El Aura es una película que a pesar de la temática sobre el deseo de conseguir dinero a través del crimen, es muy diferente a Nueve Reinas…
Sí, es una propuesta totalmente diferente…casi incomparable, por el tema de que se trata de una visión más personal y humana del conflicto que presenta. El Aura, fue un experimento un poco extraño, porque era tomar los elementos del thriller, pero trabajarlos de un modo diferente, o mejor dicho, bastante diferente.

¿Qué cineastas tiene como referentes? ¿Qué tipo de cine le gusta?
A mí me gusta de todo, en general no tengo algo así…no te podría dar un nombre dejando otro de lado, porque en realidad es un poco la mezcla de todas las cosas que uno ha visto toda la vida a uno lo va formando…se va nutriendo de muchas diferentes fuentes. En general, siempre me había inclinado a un cine narrativo, un cine que tenga que ver con la historia, un cine más clásico si se quiere y, en general, más ligado a la tradición americana.

En alguna parte he leído que lo comparan con un dejo de Hitchcock o Cronnemberg…
Bueno sí, realmente la gente cuando escribe también pone las referencias de ellos mismos, no siempre son estrictamente acertadas. Obviamente, que todas esas menciones son súper halagadoras (risas), son nombres extraordinarios…En El Aura, en particular, hay una mezcla un poco rara que por un lado existe un personaje muy oscuro (Darín) y contarlo todo desde este personaje, y los elementos del thriller que están un poco difusos…de todas formas, no era lo que más me interesaba esta vez, no era tanto el armado ingenioso de la situación, sino la vivencia del personaje respecto a lo que le pasaba…entonces, hay muchos elementos que están un poquito difusos o que conectan de un modo raro, o inclusive el ritmo mismo de la película que no es tan fácil…

Exactamente, esta película para qué tipo de público es, porque hay gente que se queja de que está leeennnta (tal cual lo leen, con esa entonación)
Sí, sí…hay gente que no le va la lentitud y yo los entiendo perfectamente, hay otros a los que no les molesta. Obvio que es para los que no les molesta (risas)…la verdad es que jamás, jamás se me pasó por la cabeza hacer la película de un modo u otro pensando llegar a la mayor cantidad de gente posible, la otra película llegó a un montón de gente y me alegro, pero no es la forma de encarar el trabajo. Sabía que en este sentido, El Aura es más restrictiva, y que habría gente que un ritmo así no le iba a ir…pero siempre pienso qué es lo que le hace bien a la película y cuál es mi propuesta…No es que no piense en la gente que la va a ver, pero no puedo pensar en tratar de juntar la mayor cantidad de gente posible…

Pero igual ha tenido muy buena taquilla…
En Argentina está teniendo muy buena taquilla, teniendo en cuenta que es una película más difícil, complace menos…angustiante a ratos, pero no creo que pase en todos lados. Honestamente, en algunos lugares quizás funcione mejor y en otros no tanto, es una película más árida. Y bue´…si uno quiere investigar un poquito más esas zonas…explorar un poquito, tiene que saber que el riesgo es precisamente ese…

Repitió Darín ¿no?…
Sí, porque trabajar con él fue fantástico…es un actor buenísimo y aparte es un colaborador extraordinario para el trabajo mismo…

¿Es verdad que El Aura es un proyecto que lleva en su cabeza como 20 años?
La idea original la escribí hace 20 años…la escribí cuando era un jovencito y la retomé ahora. Tomé la idea, empecé a retrabajarla y sí, evolucionó hacia un lugar muy diferente. De hecho toda esta cosa oscura, esta cadencia, esta especie de cosa más torturada, más interna…todo eso es nuevo, no estaba en la idea original.

…eso lo debe dar la madurez ¿no? (ya estuvo, le dije viejo al señor)
(risas)…y…qué sé yo. Lo cierto es que uno va cambiando. Sin duda, es una satisfacción y un alivio saber que uno no es igual a los 20 que a los 45, que las cosas van cambiando y que si uno se deja llevar, efectivamente aparecen cosas nuevas que están muy distanciadas de aquello, más allá de que la idea más o menos se parezca, todo lo demás cambia. Eso es lo que pasó en este caso.

El Aura fue elegida para representar a Argentina en los Oscar, aunque ya sabemos que no la eligieron…¿en ese momento le quitó el sueño?
Lo lindo es que es gratificante porque la selección aquí la hace la Academia del Cine, que elige a la película que representa a Argentina, eso significa que son varios cientos de personas que pertenecen a la industria del cine (actores, directores, escenógrafos, iluminadores, etc.), son los que votan y eligen. Entonces, que hayan votado por El Aura es muy halagador, y está bueno, sobre todo porque viene de los colegas que hacen lo mismo que uno y de algún modo eso es muy gratificante. Ahora, ya después, son muchas películas muy buenas de todas partes del mundo, aparte por el tipo de película que es El Aura no tenía mayor expectativa de que pudiera pasar algo y no me equivoqué.

Pero, ¿entre un premio del festival de Cannes y un Oscar?
Bueno, ambas cosas son premios muy importantes que están en la mitología del cine. Cualquiera son premios de muy alta exposición y son siempre súper gratificantes, no me pondría a elegir uno u otro, porque honestamente he visto películas ganar Oscars que eran extraordinarias, y otras que no se lo merecían. Del mismo modo en Cannes han ganado películas realmente espantosas o se ha premiado a alguna de las mejores películas de la historia del cine, todo es bastante relativo. En función de premios, no me cabe duda que es así…y te lo digo desde un lugar de ganarlo. Es muy halagador, es muy lindo, uno festeja, va y cena con los amigos, pero hay que darle la trascendencia que verdaderamente tiene….que no es mucha.

¿Y la crítica?
Es un referente importante en cuanto a ver un pensamiento sobre la película, que no es el definitivo, ni mucho menos. Hasta ahora he tenido bastante suerte, la recepción de la crítica de El Aura fue buenísima, incluso más allá de lo esperado…de la lógica. La verdad que fue unánime, en los términos más elogiosos posibles, qué sé yo, así como podés tomar el asunto con pinzas cuando son malas, también tenés que hacerlo cuando son buenas. No hay que creérsela, son visiones de gente. En España tuve críticas muy buenas y otras muy malas, creo yo que la verdad debe estar en un punto intermedio, eso lo tiene que buscar uno solito. Hay un momento en que uno desea escuchar o leer opiniones completamente ajenas a la película y a veces la crítica, tiene esa función para uno. Estás tan metido en la película que ya no tenés mucha idea objetiva.

¿La prensa argentina es jodida?
A mí la verdad siempre me han tratado muy bien. Uno sabe que cuando hace películas está expuesto a la opinión, a la crítica. Es así, son las reglas del juego. Uno no se va a enojar porque te tratan mal, sí te tenés que enojar si te tratan con falta de respeto. A veces sucede que el crítico encuentra en su columna la posibilidad de ser sarcástico, de herir, de lastimar…no a mí, pero me ha pasado ver cosas sobre colegas. Hay un punto donde la opinión es perfecta pero no tiene ningún privilegio burlarse de alguien o de su trabajo. Eso sí puede generar enojos. Pero si el crítico es respetuoso, la regla del juego dice que le puede gustar o no.

De sus colegas argentinos, ¿qué director le gusta?
Hay muchos directores argentinos muy buenos, si te tengo que nombrar a alguien que lamentablemente para mí era un director que estaba destinado a hacer cosas muy interesantes, pero murió muy joven hace unos años, es Lucho Bender. Él hizo una sola película, después de mucho esperar, hizo Felicidades.

(entrevistadora consternadísima) ¿¿Se murió el de Felicidades??¿Y cómo?
Sí, Lucho murió desgraciadamente a los 47 años de un ataque cardiaco.

Uyyy, qué peeena…
Sí, sí…muy penoso…A mí me dolió muchísimo porque lo conocía bien, aparte de lo más importante que era papá de dos nenas, y tan joven, a nivel cinematográfico era uno de los tipos más interesante que estaba apareciendo en el cine argentino y tuvimos esa mala suerte…A mí me gusto muchísimo Felicidades, fue una película que dividió opiniones, pero realmente extraordinaria.

(Se hace una pequeña pausa incómoda en que mi ausencia de pauta se pone en la bifurcación de seguir dándole manija al tema triste o cambiar de aires. Me decido por lo segundo)

Bueno, ¿y del cine en general, cree que hay carencia de ideas…que se ha vuelto repetitivo?
A nivel mundial ha caído la creatividad, o no sé, quizás es un poco de ataque nostálgico, porque yo tengo la sensación de que los 70s era una catarata imparable de maestros en todas partes del mundo, mostrando cosas siempre nuevas y originales. Creo que eso ya no se da tanto.

Volviendo a su trabajo, y de fama ¿cómo andamos?, ¿lo reconocen por las calles? ¿Por ahí, algún estudiante o aspirante a cineasta lo jode?
Los directores siempre tenemos la chance de que si hiciste una película conocida te reconocen, y si no, no. Tuve la oportunidad de ver lo que significa la popularidad extrema con alguno de mis actores, con Darín por ejemplo…y es muy difícil vivir, salir a la calle…no, no,no…de vez en cuando, la gente me reconoce, se me acerca, charla, pero de una manera muy moderada…Para mí es la dosis justa que uno puede querer de anonimato. Yo prefiero que no me conozca nadie, te lo puedo asegurar…

¿Qué le diría a alguien que sueña con hacer una película, que desea hacer del cine su vida?
Que es un oficio complejo y que es muy difícil obtener lo que uno quiere. De todas formas, no podría decirle a nada más a nadie aparte de que lo intente, que se la juegue, y que haga lo que quiere hacer. Uno puede arrepentirse o le puede ir mal con el cine, pero mucho más se arrepentiría si no lo intenta. Posiblemente pasar por una escuela para tener una visión más global de la cosa y después trabajar mucho. Tener la chance como la tuve yo de ser un técnico por mucho tiempo y empaparse del asunto desde abajo, eso ayuda mucho…se entiende el fenómeno completo cuando se hace.

Para finalizar ¿ya tiene otro proyecto en mente?
No, tengo ideas y cosas que tengo dando vueltas en la cabeza, pero todavía no.

Ahí le agradezco atropelladamente su tiempo y, como nunca en la vida, termino la entrevista a las carreras. Nuevamente, mil veces maldito Lanata.

Festival Iberoamericano de Cine 2010

A partir de esta noche, habemus festival! Hay que ser honestos, desde hace un par de añitos el FIAC no tenía una programación tan atractiva. Incluso hubo veces que el festival llegó y adopté la actitud de la vaca que mira pasar el tren, pero esta XII edición promete. Promete buen cine, buenos directores, buenos momentos.
El hecho de que pueda ver en pantalla gigante una película de Adrián Caetano, me genera confianza. Caetano dirigió el peliculón Pizza, birra, faso (1998), también Bolivia (2001) y El Oso Rojo (2002) entre otros, por si fuera poco es responsable de esa serie para TV llamada Tumberos (2002). O sea que Caetano sabe y ahora llega al FIAC con Francia. Podríamos pensar prejuiciosamente que lo malo de Francia es Natalia Oreiro, pero se dice que la actriz está más que correcta. Un filme en el que la hija de Caetano interpreta el papel de Mariana, niña que a través de su mirada narra la relación y dolorosa separación de sus padres.

Huacho de Alejandro Fernández Almendras es otro filme que puede dar la sorpresa. Una historia alrededor de cuatro generaciones, sobre la vida del campo y cómo los tentáculos del mundo moderno lo contaminan todo. Ha recibido premios en Sundance y en Locarno. Como anécdota, Fernández entrevistó a Juan Pablo Rebella (director de 25 Watts) y cuando éste supo que iba a filmar Huacho, le envió un mail de apoyo y felicitación, cosa que fue motivadora para el cineasta chileno. Al enterarse del suicidio de Rebella, decidió poner un In memorian, que se puede leer al final.

Por otro lado, Pablo Trapero será invitado especial y trae bajo el brazo su más reciente película, Carancho. Trapero es conocido por Mundo Grúa, El Bonaerense, y Leonera. Dicen que es un policial que denuncia la corrupción detrás de los accidentes de tránsito y su relación con las aseguradoras. Protagonizado por el actor argentino «de moda» Ricardo Darín. El tráiler “hollywoodense” levanta dudas, pero nunca se sabe.

En el programa hay dos filmes de los que puedo hablar con conocimiento de causa porque los he visto. Uno es Rompecabezas de Natalia Smirnoff. Se trata de la ópera prima de esta argentina que algunos consideran la heredera de Lucrecia Martel (ha sido su ayudante de dirección). El filme es un vistazo íntimo a una mujer mayor, típica ama de casa que se hace adicta a los rompecabezas. Un argumento fresco y muy bien filmado, de lo mejor del festival.

En la otra esquina tenemos a El vuelco del cangrejo, película colombiana del joven Oscar Ruiz, que viene avalada por un montón de premios (FIPRESCI de Berlín, entre otros) y que a mí en lo particular no me gustó. La historia tiene un mensaje medioambiental-social válido, pero no consiguió convencerme aunque ostenta una hermosa fotografía.

Desde Venezuela tenemos a la pareja de cineastas José Novoa y Elia Schneider que traen Un lugar lejano y Des-autorizados. El cine mexicano estará representado por Vaho, La mitad del mundo y Viaje Redondo, siendo La mitad del mundo la que tiene mejor respaldo de la prensa especializada. De Brasil tendremos No se puede vivir sin amor, de Jorge Durán que aparece como uno de los mejores guionistas del país vecino. Para finalizar, también de Argentina llega Andrés no quiere dormir la siesta, de Daniel Bustamente, cuyo mayor atractivo es la presencia de Norma Leandro como su actriz principal. También se coló el filme panameño Chance, que dicen trata con humor negro la lucha de clases y reivindicaciones sociales a granel.

El balance previo es muy positivo y se agradece que se reduzca el número de filmes, cuidando más la calidad. Casi todos los filmes vienen adornados con algún premio, algunos con bastantes, pero recordemos, ni siquiera los premios que muchas veces responden a políticas de los festivales pueden garantizar un filme, sólo queda ver con nuestros propios ojos.

JUEVES 19

18:00 Apertura

20:00 Érase una vez en Durango Juan Antonio de la Riva Rjdr (95 min) México / 2010

VIERNES 20

Sala 4
20:00 Huacho Alejandro Fernández AlmendrasCO (110 min) Chile / 2009

Sala 5
16:00 Yo, la peor de todas María Luisa BembergRLS (100 min) / 1990
18:00 Un muro de silencio Lita Stantic RLS (107 min) Argentina / 1993
20:00 Dawson Isla 10Miguel LittínCO (100 min) Chile / 2009

SABADO 21
Sala 4
9:00 Huacho Alejandro Fernández Almendras CO (110 min) Chile / 2009
11:30 Dawson Isla 10 Miguel Littín CO (100 min) Chile / 2009
14:15 Francia Israel Adrián Caetano FCO (80 min) Argentina / 2009
16:00 Dawson Isla 10 Miguel Littín CO (100 min) Chile / 2009
18:00 Huacho Alejandro Fernández Almendras CO (110 min) Chile / 2009
20:00 Francia Israel Adrián Caetano FCO (80 min) Argentina / 2009

Sala 5
16:00 La niña santa Lucrecia Martel RLS (106 min) Argentina / 2004
18:00 Bolivia Israel Adrián Caetano RLS (80 min) Argentina / 2009
20:00 Rompecabezas Natalia Smirnoff CO (87 min) Argentina / 2010

DOMINGO 22
Sala 4
9:00 Rompecabezas Natalia Smirnoff CO (87 min) Argentina / 2010
11:30 Andrés no quiere dormir la siesta Daniel Bustamante CO (108 min) Argentina
14:15 Desautorizados Elia Schneider CO (90 min) Venezuela / 2010
16:00 Francia Israel Adrián Caetano FCO (80 min) Argentina / 2009
18:00 Rompecabezas Natalia Smirnoff CO (87 min) Argentina / 2010
20:00 Andrés no quiere dormir la siesta Daniel Bustamante CO (108 min) Argentina / 2010

Sala 5
16:00 Viernes de soltero Tonchy AntezanaRTA Bolivia / 1992
18:00 Nostalgia del rock Tonchy AntezanaRTA Bolivia / 2005
20:00 Un lugar lejano José Ramón NovoaCO (100 min) Venezuela / 2009

LUNES 23
Sala 4
9:00 Carancho Pablo Trapero CO (107 min) Argentina / 2010
11:30 Un lugar lejano José Ramón Novoa CO (100 min) Venezuela / 2009
14:15 El vuelco del cangrejo Óscar Ruiz Navia CO (95 min) Colombia / 2009
16:00 El lugar sin límites Arturo Ripstein Rmpi (110 min) México / 1977
18:00 Pueblo madera Juan Antonio De la Riva Rjdr (98 min) México / 2010
20:00 Desautorizados Elia Schneider CO (90 min) Venezuela / 2010

Sala 5
16:00 Nacido y criado Pablo Trapero RPT (113 min) Argentina / 2006
18:00 Leonera Pablo TraperoRPT (113 min) Argentina / 2008
20:00 El vuelco del cangrejo Óscar Ruiz Navia CO (95 min) Colombia / 2009

MARTES 24
Sala 4
9:00 No se puede vivir sin amor Jorge Durán CO (102 min) Brasil / 2010
11:30 Chance Abner Benaim CO (95 min) Panamá / 2010
14:15 Vaho Alejandro Gerber CO (117 min) México / 2009
16:00 La mujer de Benjamín Carlos Carrera Rmpi (90 min) México / 1991
18:00 El Gavilán de la Sierra Juan Antonio De la Riva Rjdr (100 min) México / 2002
20:00 Vaho Alejandro Gerber CO (117 min) México / 2009

Sala 5
16:00 El vuelco del cangrejo Óscar Ruiz Navia CO (95 min) Colombia / 2009
18:00 La mitad del mundo Jaime Ruiz CO (100 min) México / 2009
20:00 Carancho Pablo Trapero CO (107 min) Argentina / 2010

MIERCOLES 25
Sala 4
9:00 La mitad del mundo Jaime Ruiz CO (100 min) México / 2009
11:30 Viaje Redondo Gerardo Tort CO (95 min) México / 2009
16:00 Danzón María Novaro RMPI (120 min) México / 1991
18:00 Perfume de violetas Maryse Sistach Rmpi (88 min) México / 2000
20:00 Cementerio de elefantes Tonchy AntezanaRTA (80 min) Bolivia / 2010

Sala 5
16:00 Cronos Guillermo del ToroRmpi (94 min) España / 1993
18:00 Desautorizados Elia SchneiderCO (90 min) Venezuela / 2010
20:00 Chance Abner BenaimCO (95 min) Panamá / 2010 Jueves 26

JUEVES 26

Sala 4
16:00 Chance Abner Benaim CO (95 min) Panamá / 2010
18:00 Un lugar lejano José Ramón Novoa CO (100 min) Venezuela / 2009
20:00 La mitad del mundo Jaime Ruiz CO (100 min) México / 2009

Sala 5
16:00 Amores perros Alejandro González RAB (154 min) México / 2000
18:00 Viaje Redondo Gerardo Tor tCO (95 min) México / 2009
20:00 No se puede vivir sin amor Jorge Durán CO (102 min) Brasil / 2010

VIERNES 27

Sala 4
16:00 Andrés no quiere dormir la siesta Daniel BustamanteCO (108 min) Argentina / 2010
18:00 No se puede vivir sin amor Jorge Durán CO (102 min) Brasil / 2010
20:00 Viaje Redondo Gerardo Tort CO (95 min) México / 2009

Sala 5
16:00 Babel Alejandro González RAB (142 min) México / 2006
18:00 Carancho Pablo Trapero CO (107 min) Argentina / 2010
20:00 Amor en fin Salvador Aguirre(90 min) México / 2008

CO : Competencia oficial RLS : Retrospectiva de Lita Stantic RJDR : Retrospectiva de Juan Antonio de la Riva RMPI : Retrospectiva del cine mexicanoRPT : Retrospectiva de Pablo Trapero RTA : Retrospectiva de Tonchy Antezana RAB : Retrospectiva Adriana Barraza

Zonas Húmedas (Charlotte Roche, 2008)

Por: Mónica Heinrich V.

 
¿Pornografía? ¿Mercantilismo? ¿Manifiesto feminista? ¿Oda a la sexualidad femenina? Zonas húmedas puede ser alguno de esos calificativos o quizás todos al mismo tiempo. Escrito por la alemana Charlotte Roche, el libro despeinó a varios europeos cuando fue lanzado al mercado.
Me imagino que aunque allá son más «modernos», tanta verborragia de malas palabras y descripción explícita de órganos sexuales, fluidos y rarezas, hizo que años de «evolución» y de supuestos tabúes superados, trastabillen ante dicho documento.
El inicio del libro marca el tono de lo que será este relato:

Considero muy importante cuidar a los ancianos en el seno familiar. 

Hija de divorciados que soy, deseo, como casi todos los hijos de 

matrimonios separados, que mis padres vuelvan a estar juntos. 

Cuando estén necesitados de atención, sólo tendré que 

meter a sus nuevas parejas en un geriátrico; 

después los cuidaré a ellos dos en casa, donde los 

acostaré en la misma cama hasta que mueran. 

Ésta es para mí la idea 

suprema de la felicidad. 

Sé que en algún momento podré hacerlo, 

sólo tengo que esperar con paciencia. 

La protagonista, Helen, nos narra en primerísima persona su situación actual. La chica  de 18 años sufre de almorranas prolapsadas (hasta busqué la foto en internet pa ver qué tan «grave» era el cuadro) y por un pequeño accidente sus almorranas la llevan al hospital donde tienen que practicarle una cirugía a culo abierto. Lo siento, no puedo matizar algo que en el libro está mucho más craso.
Dicha hospitalización y consiguiente soledad, aburrimiento y horas de sopor, harán que Helen divague sobre distintos aspectos de su vida, la mayor parte de ellos relacionados con lo sexual: encuentros con hombres, con mujeres, masturbación con distintas clases de objetos, fetichismo con fluidos y secreciones, llegando a traspasar la frontera de lo que algunos en el mundo ordenado, bonito y puro, llaman «buen gusto».
Si en el inicio nos comentaba cómo su coliflor (nombre dado al aspecto de sus almorranas) no le representaba ningún inconveniente a la hora del sexo (interpretando por sexo, el sexo vaginal, anal y oral), y que incluso le servía para medir el real interés de alguien por ella, más adelante narra encuentros con un hombre de color, al que acude únicamente para que le rasure la entrepierna y para que la vea masturbarse, también contará su búsqueda de placer en prostitutas a las que recurre tratando de adquirir conocimientos femeninos.
Si bien a simple vista parece la historia de una jovencita algo «traviesa», lo que diferencia al personaje creado por Charlotte Roche, es la excesiva descripción de sus órganos sexuales, y su poco cariño por los aspectos higiénicos de su cuerpo, es más, a esta chica le gusta probar el sabor de todo lo que su cuerpo genera, y cuando digo todo, es todo.
 

Yo utilizo mi esmegma como otros sus frascos de perfume. Mojo el dedo 

rápidamente en el coño y reparto el moco detrás del lóbulo de la oreja. Visto y no 

visto. Hace milagros en el mismo besito de saludo.

Dicho relato barroco donde lo conocido como grotesco salta una y otra vez entre párrafos, tiene un trasfondo un poco más interesante. Helen, como dice en el prefacio, es hija de padres divorciados, y muchas de sus acciones o actitudes son producto de las soledades y vacíos que siente y que llena a través de la erotización de su cuerpo, o más bien de usar su cuerpo como objeto de placer el 100% del tiempo.
 

Allá fuera somos una familia desgarrada, cada uno va a su aire. 

Sólo porque mi culo me tiene atada al catre 

los caminos de mis parientes se cruzan con el mío de vez en 

cuando. 

En un intento desesperado e infantil de reunir a sus padres en la misma habitación y provocar una hipotética reconciliación, Helen intentará prolongar su estadía en el hospital, ¿cómo? ustedes mismos pueden leerlo si el estómago les alcanza.
Después de 206 páginas en que vemos a Helen usar la ironía, el humor negro, la provocación y su desprecio por las normas sociales, nos preguntamos si queda algo aparte de la toalla sanitaria que ella misma fabrica, o de los gérmenes que reparte (o como dicen por acá, las cochineras que deja por todos lados) o del supuesto lamento de pobre niña sola o del microscópico vistazo a su «chochito» (como llama a su vagina) y orificios aledaños…
¿Queda algo? En un principio el personaje de Helen parece refrescante, e incluso se empatiza en algún nivel con su sentido del humor, su desparpajo y su irreverencia. Mientras la lectura avanza se pierde algo de la naturalidad obtenida ante la novedad de lo explícito de la prosa, y cuando te acostumbrás a dicha prosa, esperás pacientemente que haya algo más detrás. Ya para el final, donde la escritora decide cortar abruptamente lo construido hasta el momento, y entregarnos un final decepcionante y de telenovela mexicana, es cuando pensás que por ahí lo de mercantilismo descarado puede tener una dosis de verdad.
Sin embargo, aún con un final que raya la estupidez, la visión de nuestra protagonista terminando inmersa en la resignación, comprendiendo lo imposible de su misión, asumiendo que el amor muere y no resucita, nos lleva a descubrir el lado quizás frío y desolador de las sociedades actuales. Eso buscándole una interpretación que haga que la hora destinada a leer sobre «chochitos», penes, huecos, secreciones, carachas, sangre y ampollas, tenga un significado más allá de «leí un libro que es para mearse de risa».
Hay que rescatar en la primera novela de Charlotte Roche (32 años) varios puntos. El primero que el relato efectivamente es provocador, amén de elementos narrativos efectistas, creo que no he leído una descripción tan pormenorizada de aspectos sexuales femeninos con un tono tan distendido. Otro aspecto no menor, es que puede empatizar con el lector, aunque ese plus lo tiene cualquier bestseller de medio pelo, y finalmente que dentro del barroquismo de sus descripciones extremas, Charlotte exhibe un sentido del humor y una imaginación que podrían destinarse a mejores cosas.
En el lado opuesto, en lo negativo del libro, el personaje redunda continuamente en sus manías, y luego del primer momento empático, podés sentir fastidio y deseos que la pinche lectura termine, el final te hace sentir que perdiste miserablemente tu tiempo, y desear fervientemente que nunca lleven este libro a la pantalla gigante.
No obstante, yo soy de la opinión que no existe literatura mala, y que todo libro tiene un lector…así que lo recomendaría para aquellos que tengan sentido del humor, que no se vayan a tomar a pecho las cochinadas y que quieran entretenerse un rato. No lo recomiendo para estómagos sensibles.
La alemana (nacida en Inglaterra) Charlotte Roche, consiguió vender más de un millón de ejemplares, y que su libro sea traducido a varios idiomas. A los 17 años abandonó la escuela, y decidió ser parte de una garage band, también hizo estudios de actuación y fue VJ del canal musical VIVA. En el 2001 perdería a sus 3 hermanos en un accidente de auto. Morirían camino a su boda, y su madre también resultaría con severas heridas. Tiene una hija, es casada y además de escribir, actúa en programas televisivos.
Zonas húmedas supuestamente es un relato que mezcla la ficción y la autobiografía.
El link para descargar el ebook.

La caja no es boba

Por: Mónica Heinrich V.

La vida televisiva de Santa Cruz de la Sierra no se reduce a paupérrimos programas faranduleros donde la gran “noticia” del día es quién sale con quién, quién engaña a quién, quién se pelea con quién, y muchos quienes más, generalmente quienes denominados “famosos”, léase celebridades criollas que inundan la pantalla o mejor dicho la contaminan. No, no se reduce a eso. Como tampoco se reduce a formatos calcados del exterior que porque funcionan ajuera, aquí que estamos en pleno “desarrollo” (bien entrecomillado como los quienes famosos), seguro funcionarán también y qué mejor que hacerlo igualito que ALLÁ (que no es acá, pero se interpreta como una realidad muy cercana dizqué)
 
Pues sí, hay otra vida televisiva. Hace varias semanas que había leído por ahí (facebook, periódico, y otros) que existía un programa llamado 2semanas enfocado en la formación ciudadana y producido por la misma gente que hizo ese entrañable programa llamado De Toco a Silla.
 
Después de varias semanas con la curiosidad, y con las ganas de verlo, finalmente pude sentarme el día domingo a las 19:00 a ver de qué iba la cosa, y confirmar por mí misma lo que ya se comenta de boca en boca, que se trata de una buena producción que además de sus méritos técnicos tiene las cualidades para destacarse por su labor para con el prójimo y sus espacios públicos. 
 
Y qué bonito, tratándose de una ciudad a la que le gusta hablar (generalmente mal) del prójimo pero que hace muy poco por ayudarlo, a la que le gusta usar espacios públicos pero hace poco por cuidarlos o mejorarlos, qué bonito.
 
La idea es sencilla pero efectiva. Ronaldo Vaca Pereira que funge como conductor, presentador del programa, le cuenta al público las causas ciudadanas de las que se están ocupando. 

 
Una persona manda su queja sobre algo que le afecta como ciudadano,  y el programa se da el trabajo de ayudar a este “vecino, vecina” a tratar de solucionar el problema. Si bien la idea básica se ha visto en programas como CQC que tiene un segmento parecido, la versión cruceña difiere en la forma y en el desarrollo. Es así que seremos testigos de la lucha de una señora por quitar los restos de una construcción que se amontonan en la vereda, o que otra persona intentará que el municipio cumpla con el derecho de tener iluminada la cancha del barrio, o el periplo de un espectador para que se cumpla el horario de protección al menor en la televisión.
 
Estas causas ciudadanas serán desarrolladas y tendrán un seguimiento que se puede ver en los programas siguientes. 
 
La idea es garantizar que el pedido del ciudadano afectado se cumpla, se mantenga a lo largo del tiempo y no sea sólo concedido para “la cámara”. Será frecuente que recurran a códigos y artículos que nos permitan conectarnos con el aspecto LEGAL de la causa.
 
Además tienen varios sectores destinados a ampliar la información sobre tópicos relacionados con la ciudad, derechos, deberes, etc.. entre ellos:
– Me revienta: donde una persona x (hombre mujer adulto niño) habla brevemente de cosas que le revientan, molestan, irritan, puede ser cualquier cosa, desde el perro del vecino hasta que haga tanto frío.
 
– La preguntita: con preguntas que nos hacemos todos pero que nunca las verbalizamos o nos preocupamos por averiguar como ¿por qué los rompemuelles son tan altos? y luego una explicación con la autoridad que corresponda sobre cuánto deben medir los rompemuelles, por qué y algunas curiosidades más.
 
– Por qué No: En este sector nos indican normas básicas de convivencia o de decoro público, como por ejemplo: ¿Por qué No botar basura en la calle? Y uno se siente un marrano porque recuerda las veces que botó a través de la ventana restos de Toby o  restos de periódico. Y claro, cuando se vuelve a estar en una situación parecida, las imágenes de 2semanas golpean tu mente sin tregua.
 
Y otros sectores más que todavía no he visto pero que existen como: La Gran idea, Ranking Ciudadano y Cómo se hace. Todos los sectores tienen una finalidad: explicar de manera didáctica e informativa aspectos de formación ciudadana.
 
El programa dirigido y guionizado por José Antonio Prado, producido por Isabella Prado y contando con mucha gente talentosa del medio como Billy Castillo, Chicho Serna, Ingerborg Stierlin y un gran equipo que se me queda en el tintero, es una muestra refrescante del tipo de televisión que se puede hacer en este pinche pueblo.
 
Con una muy bonita fotografía (se dan el trabajo de filmar imágenes de referencia de buena calidad, en buenas locaciones), buenos logos, rejillas y animaciones, preocupación en la edición, en la corrección de color, en sonido, etc…2semanas entretiene y nos conecta con los barrios, la gente y las preocupaciones ciudadanas.
 
Y ojo que en este país hacer televisión con contenido es casi misión imposible, encontrándose el medio saturado por programas donde los productores están convencidos que lo que vende en esta ciudad es sexo, impudor y lágrimas o sexo, mentiras y videos. Es muy difícil, no sólo encontrar el espacio, los auspiciadores, sino mantenerlo en el tiempo contra todos los inconvenientes que surgen. Por eso destacar a 2semanas en esta ocasión, porque además de informar a través de su espacio, fomenta el activismo ciudadano, en una sociedad acostumbrada al quemeimportismo.
 
Un esfuerzo que tiene cabida en red nacional (PAT) todos los sábados y domingos a las 19:00 y al que vale la pena echar un vistazo.

We are the world (Parte 4)

1) Desalojo (Oded Balilty)

El israelí Oded Balilty, ganó en el 2007 el premio Pulitzer a mejor trabajo foto-periodístico por esta obra. Cisjordania para los Palestinos, Judea y Samaria para los israelíes, se trata de un territorio que vive la misma situación que Gaza, en espera de definir su «status de propiedad» (Israel o Palestina). Como es tierra de «nadie», se viven cruentas disputas entre ambos bandos. Existen más de 200 asentamientos israelíes y una casi veintena de campos de refugiados palestinos. Actualmente, el gobierno israelí está construyendo una barrera de «autodefensa», que abarcará 721 Km y que dejará el 10% del territorio de Cisjordania como una parte anexada de Israel. Esta barrera (como cualquier barrera) ha sido ampliamente criticada por la comunidad internacional, debido a los efectos que tendría en la calidad de vida de los palestinos. La imagen de la foto fue capturada el 2006 durante la evacuación del puesto Amona, que el estado de Israel había calificado de asentamiento ilegal. Después de 2 horas que la evacuación había concluido, el joven fotógrafo de apenas 28 años captó esta escena. Una solitaria mujer se enfrentaba a las tropas de desalojo israelíes. Imagen que desnuda un conflicto terrible que parece no acabar nunca.

2) Nagasaki (Joe O Donnell)

O´Donnell tenía 23 años y era sargento de infantería cuando le ordenaron documentar los efectos del bomardeo atómico en Hiroshima y Nagasaki. Su primer objetivo fue Nagasaki y llegó al lugar, en su camino se topó con el niño de la foto, un niño que había perdido a sus padres en el ataque y que ahora cargaba en su espalda a su hermano muerto para llevarlo al crematorio. O´Donnell comentó que el encuentro fue tan perturbador que no supo cómo manejarlo, ni cómo reconfortar a la criatura que trataba de mostrar un estoicismo demasiado alejado de su edad. Además de esta foto, hay varias que retratan el horror que dejó el bombardeo, el shock fue tal que el fotógrafo cuando volvió a su casa guardó los negativos en un baúl y no quiso verlos de nuevo. Casi 40 años después decide abrir ese baúl y mostrar al mundo lo que se llevó la guerra, el fotógrafo murió en el 2007.

3) Petróleo Sangriento (Akintunde Akinleye)

Para nadie es secreto que Africa es quizás el continente más pobre del mundo. En Nigeria, su mayor productor de petróleo, las cosas no son diferentes. En el 2006 a pesar de contar con el precioso recurso, el país atravesaba una de sus mayores crisis económicas. El oro negro costaba 4 veces más de lo habitual. Los robos a tuberías y conductos comenzaron, a la par que los accidentes provocados por tales acciones. Fue así que una madrugada de diciembre, unos jóvenes perforaron un tubo tratando de robar el espeso líquido y desataron un voraz incendio que acabó con la vida de casi 300 personas. La foto, tomada por Akintunde Akinleye, fotógrafo de Reuters captura la imagen de un hombre que lo ha perdido todo.

4) Acróbatas (Tomasz Gudzowaty)


El fotógrafo Tomasz Gudzowaty estudió Derecho, pero su gran pasión era la fotografía. En la actualidad es uno de los fotógrafos más destacados que tiene Polonia. Esta foto fue tomada en el distrito de Wuqiao, en la provincia de Hebei es considerado como la cuna del arte acrobático chino. La tradición lleva vigente desde el siglo V antes de Cristo. Hay centenares de circos y de escuelas de acrobacias en ese lugar y el oficio es el medio de subsistencia de muchos de sus habitantes. Se trata de toda una carrera que comienza desde la escuela. Luego son cuatro años de perfeccionamiento. En la foto los impactantes ensayos.

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