Un sueño se construye en Urubó. ¿O es una pesadilla? Donde antes había árboles ancianos como la tierra, ahora hay montañas de arena y tractores trabajando. Donde antes el viento soplaba con calma y la brisa reconfortaba el cuerpo, ahora se escucha el martillar de la industria. Donde antes la naturaleza maravillaba la vista con postales de colores y cantos de aves, ahora construimos un sueño de mares artificiales, palmeras importadas y el Caribe.
¿Qué está pasando en nuestro Urubó? La respuesta más sencilla y lógica es la siguiente: estamos construyendo nuevas ciudades con playas y arenas. A lo que surge otra cuestión: ¿Por qué? ¿Acaso nuestra pobre Santa Cruz de ahora no alcanza para que vivamos todos juntos?
Al menos 6 condominios como los mencionados se edifican actualmente en esta zona aledaña a nuestra urbe. Los números de estos proyectos son sorprendentes: más de 1000 hectáreas de construcción, más de 100 hectáreas de lagunas artificiales, más de 50 mil habitantes en sus más de 5 mil terrenos y departamentos. Esos datos pertenecen apenas a los condominios ‘playeros’ de Urubó. A ellos hay que sumarles los números de todas las otras edificaciones que se erigen actualmente.
Dentro de ellos nos ofrecen un idilio con la naturaleza y el comercio. Habrá playas estilo Caribe, con arena cristalina importada. Habrá clubes de navegación y buceo, campos de golf, malecones, centros comerciales y vida nocturna. Habrá islas, puertos y helipuertos. Grandes avenidas, hospitales, escuelas, centros de conciertos, Malls y cines. Es la construcción de un sueño.
Pero, ¿a qué costo?
Estos proyectos no cuentan aún con sistema de tratamiento de aguas. Eso significa que los ríos subterráneos de la zona se verán directamente afectados. ¿Dónde irán a parar estas aguas? ¿Qué sucederá con nuestro ya vilipendiado Río Piray?
Entre todos los proyectos urbanísticos suman más de 5 mil hectáreas de construcciones. Eso equivale a 5 mil hectáreas de deforestación, casi toda Santa Cruz hasta el 4to. anillo. ¿Tendremos aún más dunas de arena? ¿Qué sucederá con la biodiversidad de la zona?
Sumemos el delicado trato de la basura. Entre todos los condominios se estima que serán 300 mil los habitantes de esta zona. ¿Dónde colocarán sus basuras? ¿Será que lo poco que quede de naturaleza servirá como el gran basurero de nuestros sueños de playa y arena?
Las preguntas son muchas y urgentes. Las respuestas que nos ofrecen no son soluciones, sino ‘salidas’. ¿Cuán agradable será una playa al lado de un basural? Sin perspectivas ambientales, el sueño se podría caer a pedazos.
Estamos construyendo un éxodo, erigiendo ciudades idílicas al lado de la que ya existe, con el simple deseo de empezar de nuevo. En el poema `Tabaquería´, Fernando Pessoa nos habla acerca del despertar de un sueño, de imaginarse a uno mismo a través de una máscara. Nos expone al peligro de estos sueños y al desasosiego que nos invade; cuando decidimos despertar pero ya es muy tarde.
Es como cuando tenés miedo a nadar y te animás a meter un pie al mar y aparece un tiburón.
Este tiburón tiene su nombre tatuado en una aleta: Batman VS Superman, y llega así: gigantesco, colmilludo, justo cuando ya vos estás con el agua hasta la cintura.
Así de mala es la nueva película de Zack Snyder, sobrepasa cualquier pesimista predicción que se fue cocinando en los tres años que pasaron desde que se anunció el proyecto en Comic Con.
Lo de Snyder podría entrar entre los anales de la destrucción más violenta y virulenta (además de lenta) de varios superhéroes. Inventaremos una palabra para el susodicho: es un “superheroéfago”. Se los come a todos y los devuelve hechos mierda.
La Trinidad, desperdiciada
Pero OH! sorpresa de las sorpresas, el señorito Ben Affleck resulta ser el MENOR de los males.
Desarrollo por partes. Aviso que hay spoilers y que esto será largo, pajero y hasta insoportable, pero me acojo a lo que dijo Zack Snyder cuando le preguntaron sobre qué pensaba de la bosta en camión que le echaban a la película: «It is what it is»
1.- Hubo una vez algo llamado blockbuster
Todos sabemos que si vamos a ver un blockbuster no veremos una película de Michael Haneke o de Wes Anderson o de Fellini, o sea, el blockbuster es un cine pop, es el Justin Bieber de las salas, es la hamburguesa Luisin, es El Alquimista.
Lo que podés esperar en el caso de un blockbuster con superhéroes es al sujeto de turno (Batman, Superman, Hombre Araña, Iron Man) luchando para salvar al mundo de “algo” o “alguien”, un villano loco, una chica linda, y algunos conflictos existenciales del héroe. Todo revestido de algo de misoginia, fascismo, celebración del Estado americano y paternalismo yanqui.
Muy bien.
Nos comemos esa huevada para recibir a cambio algo de entretenimiento, popurrí cursi, violentos cortes de plano, algunos chascarrillos, rayitos acá, bichitos allá y distraernos un rato de nuestra pintoresca realidad personal y nacional que ya son películas multigénero.
2.- Hubo una vez un blockbuster de superhéroes
En el tema de los superhéroes hay dos visiones: DC y Marvel. Mientras el universo Marvel es más relajado, descontraído, y con héroes más humanos, DC juega la carta conservadora de lo que debe ser un superhéroe. En ese conservadurismo apuesta por un enfoque más profundo.
Eso no está mal, se puede disfrutar/o no disfrutar de ambos estilos, de DC es la trilogía Batman de Nolan, mientras que Los Avengers (Jódanse, Avengers!!) de la cocina Marvel.
Batman Vs Superman es la manera que encontraron DC y Warner de expandir su universo y tratar de hacerle competencia a Marvel en ese ámbito.
Dicho esto, podemos meternos sin pudor con hombres que vuelan, damiselas en apuros y kilos y kilos de cemento destruido.
En Batman VS Superman, Snyder nos vuelve a presentar a Batman como el traumado niño Bruce (¿era necesario?) y arranca su película con el entierro de sus padres y su subsiguiente orfandad.
Elipsis temporal.
Bruce Wayne ya creció (un alto y fornido Ben Affleck) y llega a Metrópolis que está siendo atacada por aliens, para más precisión estamos hablando del momento exacto cuando se lleva a cabo el enfrentamiento entre Superman y Zod en The Man of Steel.
Uno de los edificios de Bruce se encuentra en pleno centro del despelote. El espectáculo es dantesco y cualquier ser humano con dos dedos de frente evacuaría la zona, pero sus crispines están ahí como mensos, viendo caer los edificios de alrededor como la vaca mira pasar el tren, eso hasta que Bruce llama y les dice que salgan tostando.
Superman está luchando contra Zod y, según él, tratando de salvar al planeta, pero como daño colateral se podría adivinar que mueren un montón de personas, incluido un tal Jack, amigo de Bruce Wayne que estaba en el edificio junto a algunos empleadillos más.
Nuestro Batman queda, otra vez, traumado y resentido. No entiendo en qué universo paralelo sería culpa de Superman y no de los hijos de puta que atacaron Metrópolis. Si me preguntan a mí, la culpa es de Jack por no evacuar a tiempo y del mamerto de Bruce por no ordernar la evacuación a tiempo.
Negligencia, everywhere.
Si la negligencia tuviera cara, sería esta
El hombre murciélago no lo ve así, y decide «vengarse» de Superman, aunque para eso se tome años (LITERALMENTE). La venganza se disfraza de control, porque como Superman es un alien, y encima súper poderoso, ¿qué tal si un día no se lo puede controlar?
«Yo, que no puedo controlar mis pensamientos emo, te controlaré pinche Superman«, parece murmurar Batsy.
Batman se convierte en un tipo acomplejado, ridículo, loser, inútil hasta para la venganza, que va por ahí en onda muy freak marcando a los criminales que agarra cual si fueran sus terneros. Se podría decir que necesita un súper psiquiatra.
Superman no lo hace mejor, siempre detrás de Lois Lane (Amy Adams) que se las arregla para meterse en entuertos estúpidos a título de que es periodista y cuya misión en la vida es ser rescatada por su novio con el cual tiene una química que ronda el menos cero.
Tanto en su versión Clark Kent como en su versión de Dios con capa, la versatilidad como actor de Henry Cavill me resulta pasmosa. Para muestra un botón o, mejor dicho, un ceño:
El señorito Superman también anda “preocupado” por las actividades extracurriculares de Batman porque pareciera que su oficio de vigilante es más “legal y necesario” que el del Hombre Murciélago. ¿Me pregunto si no hay otras cosas de las que ocuparse en Metrópolis y en Gótica? que dicho sea de paso parecen tan cercanas como mi vecina y yo.
Al final, más que un enfrentamiento épico, pareciera la enemistad que podrían tener Kim Kardashian y Nicki Minaj por quién luce la retaguardia más voluminosa, así de patético se ve y se vive.
Damn you, Snyder!
Tranquilo, Batman. No te fatigués. En el fondo nos amamos y nuestras madres se llaman igual.
Entra en escena Lex Luthor (Jesse Eisenberg) a quien debieron avisarle que Heath Ledger ya murió y que no se ve bien que haga un Lex Luthor que es una mezcla de Zuckerberg y el Joker. Su personaje tampoco tiene mucha coherencia ni altura de villano, o sea, secuestra a la mamá de Superman, tiene la piedra de kriptonita, hace estallar el juzgado, pero pucha que sin el menor orden o consistencia. Tampoco es la anarquía que generaba mi amado/crush/amigoimaginario El Guasón, esa anarquía medida que él mismo describe como un perro que persigue autos, pero que de alcanzarlos no sabría qué hacer con ellos.
Se introducen más personajes, se hace mención a un muerto Robin, se muestra brevemente a Jimmy Olsen (fotógrafo amigo de Lois y de Clark Kent), también a Mercy Graves que es mano derecha de Luthor, Aquaman, Cyborg, Silas, son solo algunos de los cameos comiqueros que veremos deseando no verlos.
Es difícil simpatizar con la visión de Snyder sobre esta franquicia, el trabajo de Frank Miller era un decontrucción del mito del superhéroe, pero Snyder parece ignorar cómo deconstruir y mucho menos construir. Hollywood le sigue dando cantidades obscenas de plata a este sujeto para que obtenga estos no menos obscenos resultados. La taquilla lo acompaña, pero de cambiar el director, ¿estamos seguros que no tendría la misma taquilla?
Porque ¿qué es lo que hace Snyder?
Lo que hace Snyder es un fanservice de principio a fin.
Así, descaradamente y como si el público se comiera los mocos.
Agarra elementos sueltos de distintos comics, huevaditas que a los fans (algunos) les pueden gustar, los ventea un poquito y BOOM, bitches! Batman vs Superman.
Puede que resulte suficiente que Flash aparezca como una premonición de Bruce Wayne, o la alusión a Darkseid o los guiños a los superhéroes que serán parte de la Liga de la Justicia, y la parafernalia «freak» «geek» «comiquera» que puede generar hurras de alegría.
Yo doy un hurra de alegría por la gente a la que el fanservice de Snyder le ha funcionado, porque si la disfrutaron y no sintieron que botaron su plata a la calle es para tirar purpurina y confetti o, en el peor de los casos, sentarse en una esquina a shhhorar.
3.- Hubo una vez algo llamado cómic
Al salir del cine, hablaba y hablaba de lo mala que había sido la experiencia hasta que un amigo me sacudió casi a manazos y mirándome a los ojos me gritó: «Los cómics son igual de estúpidos!», y yo dije al estilo Barney Stinson: «Challenge Accepted!». Me busqué los cómics en los que se basaron para la película y pasé un par de días sumergida en ese mundo. No sé porqué carajos a los felices fans no les incomoda que los cómics usados como referencia hayan sido tratados casi casi como papel higiénico.
A continuación pongo, con opción a lectura, los cómics en los que se pueden encontrar partes de la trama que Snyder nos entregó.
Batman, el caballero de la noche regresa: Esta es una miniserie de cuatro números, publicada por DC Comics y escrita por el gran Frank Miller . Es considerado el cómic más importante de Batman de los últimos años. En la historia, Batman anda efectivamente atormentado, pero tiene que ver con cosas más profundas que si Superman o él la tiene más grande. La complejidad de lo que le pasa a Batman se desarrolla en los cuatro tomos y nos lleva al enfrentamiento con Superman (último libro), que va más allá (nuevamente) de un celo profesional o de vacías vanaglorias. Batman ya es cincuentón y Gótica está jodida, por lo que a pesar de ser un borracho patético y no tener motivos para vivir, Bruce Wayne retorna a poner el gallinero en orden. El Estado, que tiene en Superman (quien regresa de una situación casi zombie) a un aliado, le pide al Hombre de Acero que se «ocupe» de Batman. El enfrentamiento se lleva a cabo de esa manera: Superman, un «empleado» estatal/ contra Batman, un renegado. El resultado es opuesto al mostrado en la película. Compruébalo con tus propios ojitos AQUI. Pensar que Miller tuvo un proyecto con Darren Aronofsky que fue rechazado por Warner porque los niños no iban a poder verla (muy oscura) y no venderían juguetes. Damn you, Warner!
La muerte de Superman.- También considerada una de las tramas más exitosas con el Hombre de Acero como protagonista. Está dividida en cuatro partes: La muerte de Superman, Funeral para un amigo, El legado de Superman y El Regreso de Superman. Todos se pueden leer AQUI. Es verdad que Superman «muere» a manos de Doomsday, pero ni Doomsday tiene el origen que muestra la película, ni la batalla se libra como parte de un enfrentamiento con Batman. De hecho, toda la Liga de la Justicia intenta detener al bicho y nadie lo consigue, Superman se sacrifica, pero nada tiene que ver Batman. Por eso es que es tan engañoso el título de la película de Snyder, porque al final no es Superman Vs Batman, sino Superman, Batman y Mujer Maravilla Vs Doomsday.
Flashpoint Paradox: de ahí sacan la minúscula y horrible escena de Flash advirtiéndole a Batman sobre Lois y Superman. Una prueba más de que hay que ser muy pendejo y osado para usar una trama compleja y ponerla para los fanboys de la manera más paupérrima del mundo. Pruebita AQUÍ!
La Saga de Darkseid: La escena anaranjada denominada Pesadilla, donde vemos a Batman entrar a un camión y en la que aparece Superman transformado y luego atacan los parademons (los bichos que volaban) es parte de la trama creada para Darkseid y que Snyder manoseará en el futuro. «Oye, y si en lugar de esperarnos a que lleguen las otras pelis, metemos nomás a Darkseid de refilón aunque no pegue ni con pegamento industrial?». El cómic AQUÍ.
4.- Hubo una vez algo llamado guión
Ni siquiera revisando los nombres que entran como guionistas hay una explicación para tamaño exabrupto.
Chris Terrio junto a David S. Goyer son los responsables de estito. Terrio fue guionista de Argo, y Goyer ha colaborado en la trilogía de Nolan, aunque para ser honestos solo en una fue parte del script, ya que su función fue más para delimitar la premisa de las historias. En Batman Vs Superman trabajaron a cuatro manos, y no sé a cuál poner en mi lista negra. No sé. Y ante la duda, los meto a los dos.
Damn you, both!
Acá las incongruencias del guión de Terrio y Goyer.
Ya lo dijimos, hay que ser muy bruto para ver todos los edificios cayendo como naipes a tu alrededor y vos mirar por la ventana cual si estuvieras asomándote a un balcón en las islas Fiji.
Si Batman sabía que Lex Luthor era un mafiosillo (por algo lo quiere hackear), y luego ve que tiene los archivos de varios superhérores y que estaba evidentemente loco, no era más prioridad que Superman, un ñoño que andaba salvando vidas?
El tipo que pierde las piernas. O sea, Bruce Wayne casi casi se dormía pensando en Superman y nunca se preocupó por ese pobre infeliz? Sus empleados nunca le pasaron las amenazas alarmantes que hacía?
Culpan a Superman porque hubo un tiroteo entre mercenarios cuando fue a rescatar a Loise Lane, un tiroteo del que Loise fue testigo y encima la boludaza se conflictúa?
Si Clark Kent era un periodista de larga data, cómo es posible que no sepa quién carajos es el famoso, multimillonario, mujeriego, Bruce Wayne.
Si vas a poner a la Mujer Maravilla en la trama, ponela y que haga Maravillas. La querida Gal Gadot se pasó la película enfundada en trajes de diseñador, tacos, y mirando lo que sucedía a su alrededor por la tele. Inutilidad express.
¿Era necesario que Superman interactúe con su fallecido padre UNA VEZ MÁS? Dejen que Kevin Costner muera en paz.
El menso de Batman pone un rastreador al camión. Encima bastante notorio, que tiene pitido y lucecita roja, aún así decide atacar el camión porque sí, qué más da. Los maleantes no se dan cuenta del cosote que suena y se ilumina. Hermoso.
Sabés que tu pareja puede morir por la exposición a la kryptonita, y cuando ves un arma potencialmente peligrosa que cualquier enemigo del susodicho puede usar en su contra, la largás como una papa caliente a un hueco y que sea lo que Dios quiera.
Luego, mirás a Doomsday y pensás (de entre todas las cosas que podés pensar) ahhh, sí, el palo con la kriptonita puede destruirlo! iré a buscarlo.
Hay formas de contar las cosas sin recurrir a chafas, fétidas e infantiles secuencias oníricas, flashbacks, premoniciones, alucinaciones.
Las motivaciones de Lex Luthor brillan por su ausencia.
La Mujer Maravilla consigue robar un flash cuya información no puede desencriptar y tiene la cortesía de devolverlo. Qué boniiitooo.
Estamos hablando del jodido Batman (multimillonario, supuestamente inteligente y lleno de artefactos de última generación), las trampitas que le pone a Superman cuando llega la batalla son tan ingenuas y cursis que dan ganas de darle un apretado abrazo a Batman y decirle: «Batsy, lo intentaste».
Jeremy Irons acompaña a Bruce Wayne como Alfred, y sí, es uno de los pocos personajes bien actuados. ¿Aporta? Nada. Dentro del guión es tan o más adorno que la Mujer Maravilla.
Acá viene mi reclamo mayor: lo de la madre. Lo de Martha. Marthita. No podés. A quién se le ocurrió crear un vínculo entre Batman y Superman basados en lo de sus mamitas queridas. Que si es la manera en que Batman se da cuenta de la humanidad de Superman, que si esto o aquello. Pajas! Y lo peor para mí no fue cuando Batman se pone histéricA por lo de Martha, sino cuando va a rescatar a Martha y le dice: «SOY AMIGO DE SU HIJO», muuuuuueeero! y si no muero, mátenme! Asco. Deberían hacer camisetas con esa frase.
Demasiados personajes, demasiadas alusiones, demasiado todo, faltó nomás que aparezca El Chapulín Colorado o una premonición de Walter Mercado.
Finalmente, cuando el señorito Superman «estira la pata» y cuelga la capa, Batman está acongojado, claro, porque qué pena que él que estuvo tan solo en la vida no pudo ser amigo de ese Clark Kent (Superman) que compartía con él su amor por las Marthas.
5.- Hubo una vez una película en serio.-
La película daba para más, cuando leés los cómics (sobre todo los relacionados a Batman) te das cuenta del potencial desperdiciado, se pudo aprovechar toda esa lucha de clases, de poder, el tema político, el tema filosófico, el tema de la manipulación de las masas, etc.. para plasmar una historia más sólida e interesante.
Sin embargo hay cosas que la salvan del olvido:
La hermosa música de Junkie XL, compositor de Mad Max: Fury road, y que acá baña con su talento las tristes escenas de Batman. Hans Zimmer compuso una también correcta música para las escenas de Superman.
La fotografía de Larry Fong (300, Sucker Punch, Watchmen) que sí estuvo por momentos muy linda.
Creo que la secuencia del bombazo estuvo bien construida en cuanto a climas y a intensidades.
Vuelvo a repetir, en un universo donde el Hombre de Acero es el Hombre de Acero a excepción del ceño y la Mujer Maravilla es un maniquí viviente, Ben Affleck fue el menor de los males, lástima que le tocó tan pobre película.
¿Es aburrida? ¿La recomiendo? No me pareció aburrida, porque es tan estúpida que no podés sucumbir al sueño, la sorpresa por ver tanta cosa revuelta no lo permite.
Lo que me hace detestarla y escupir sobre su tumba es lo que menciono que no me gustó porque para el presupuesto que tiene, para la mercadotecnia de la que goza, para las posibilidades de casting, de director, para basarse en un cómic de Frank Miller (que tiene diálogos hermosísimos y viñetas pendejas), para tener todo lo que tiene a su favor, es triste que nos quedemos con un resultado tan vacío.
Lo peor, es que no hace falta que venga Flash del futuro a través de un portal chanta para advertirnos que lo más probable es que Snyder seguirá cagando las próximas entregas.
Damn you, mil veces, Snyder!
Mónica Heinrich V.
Lo mejor:a nivel visual tiene sus buenos momentos y al ser un fanservice habrá fans que la disfrutarán Lo peor: intentó abarcar demasiado en lo que es la presentación de un universo La escena:lo de Martha y el «Soy amigo de su hijo» OMFG Lo más falsete:casi todo se ve falso como diente de palo El mensaje manifiesto:taquilla no es equiparable a calidad El mensaje latente: un héroe puede quedar como un cojudo en un segundo El consejo:si la vas a ver, no gastés en el 3D, ni esperés demasiado El personaje entrañable:el pobre Ben Affleck haciendo de un Batman emo El personaje emputante: todos los demás El agradecimiento:por contratar a Junkie XL, su música es brutal.
EXTRA
Morí de risa, lo mejor comienza en el minuto 3!
CURIOSIDADES
Jeffrey Dean Morgan, el actor que interpretará al esperado Negan en The Walking Dead, encarna al papá de Bruce Wayne. Él también fue considerado para el rol de Batman, pero quedó como papá.
Ben Affleck y Christian Bale se toparon por casualidad en una tienda de disfraces, habían ido a buscar casualmente un disfraz de Batman para sus respectivos hijos. Ben le pidió consejos a Christian y este le dijo que lo mejor que podía decirle era que se asegure de que pueda orinar en ese traje.
Henry Cavill ganó el doble de musculatura de la que tenía en The man of steel, por su parte, Ben Affleck ganó unos 10 kilos de masa muscular.
Ben Affleck interpretará a Batman en seis películas más. 3 en el universo de La liga de la Justicia y 3 en solitario.
Ben intentó quedarse con el disfraz de Batman luego de terminada la película, el chistesito le salía 100.000 $us. al final se desanimó.
Hubo un momento (HORRIBLE) que el estudio consideró a Tom Hanks para hacer de Lex Luthor.
Este es el décimo sexto Batman desde 1939.
Otros actores considerados para Lex Luthor fueron Jean Dujardin (el de El Artista), Joaquin Phoenix, Adam Driver (Kylo Ren), Matt Damon y Bradley Cooper.
Es el debut de Batman en 3D. Nolan nunca quiso usar el 3D para sus películas.
Gal Gadot tiene 16 líneas en el filme.
En conversación con IGN, el director Zack Snyder explicó que “ Robin murió hace 10 años durante su encuentro con un joven Joker”.
El cineasta indicó que como Bruce Wayne prácticamente no tiene vida fuera de su guarida en la película, “pensé que la inclusión de Robin, un Robin muerto, ayudaría a entender” quién es Batman.
Porque hay muchas películas, poco tiempo y demasiada información para digerir (Zapata-Gate, Refugiados, Siria, Lula, Cantando por un sueño y Fatmagul) hago un repaso raudo y veloz de la cartelera.
ZOOTOPIA / ZOOTROPOLIS
¿Cómo se llama un camello de tres jorobas?
De todas las boludeces que sacan para niños, en las que dan mensajes ambiguos y a veces hasta poco afortunados (ver El sapo y la princesa, Frozen y otritas) Zootopia es el ejemplo perfecto de lo que una buena animación debe ser: Tiene personajes entrañables, es divertida, dice cosas importantes de forma didáctica, y, en general, es una película que no hace que salgás del cine deseando quemar las instalaciones Disney.
Byron Howard (Bolt/Enredados) y Rich Moore (Wreck it Ralph) son los directores de este proyecto y confirman una vez más que hacen lindos trabajos.
En un mundo de animales, Judy es una conejita que desea ser policía, pero OH, ese oficio está destinado a animales más grandes y feroces, y ella tiene que vencer todos los obstáculos para probar su valía.
Esta es una película sobre soñadores, y sobre un mundo de aparente inocencia que está sumergido en la corrupción, el sexismo, el racismo, y todos los ismos.
Señores padres de familia, se les comunica que pueden y deben llevar a sus niños al cine a ver esta gran película animada. Nunca estará de más mirar este espejo de animales y ver el reflejo de nosotros mismos.
Claro que en la vida real la cosa viene sin las canciones bonitas, el colorido, los villanos castigados, las voces tiernas y los finales felices.
Salud.
Lo mejor: Linda, técnicamente impecable y funciona para niños y adultos Lo peor: nada La escena: la del perezoso es de antología y también el homenaje a El PadrinoLo más falsete: … El mensaje manifiesto: Los sueños se consiguen si se trabaja El mensaje latente: Siempre habrá alguien queriendo darle un hondazo a tu volantín El consejo: andá a verla! El personaje entrañable: Judy, los perezosos, el mini Padrino El personaje emputante: la oveja careta El agradecimiento: porque no es animación para formar niños estúpidos.
PASIONES PROHIBIDAS / ADORE
Supongamos que sí, que la vida es una sola, que la moral es algo aprendido, que lo “correcto” o lo “incorrecto” puede ser percibido de manera muy flexible de acuerdo al cojudo de turno y que hay que buscar la felicidad sin miramientos. Sí. Supongamos que dos mujeres mayores, grandes amigas de toda la vida, cada una con un hijo varón veinteañero, puedan enamorarse la una del hijo de la otra y darle vuelo a la hilacha a las piruetas horizontales.
Ok. He visto/leído cosas peores. Te lo compro si en tu historia me mostrás ese mundo endogámico con las consecuencias que dicha relación traerá. Si ya de por sí es complicado establecer una relación con un boludo/a que no es nada tuyo, y cuya única complicación será la adaptación del uno al otro, NO puedo imaginar la histeria, susceptibilidades y cosas raras que podrían gestarse en una relación de dos mujeres BFFs (mejores amigas por siempre) y dos hijos que también son BFFs (mejores amigos por siempre) más revueltos que bolillo de bingo.
A la directora Anne Fountain la historia le termina quedando grande, y a ratos convierte este drama en una involuntaria comedia. Como cuando pasa algo grave y vos soltás la risotada.
De Fountain he visto dos o tres películas, incluida la descafeinada biopic de Chanel: Coco. Me queda la impresión de que aún le falta solidez en la narrativa, acortar algo de tiempo en el montaje, y darle mayor verosimilud a una historia que puede ser chocante y muy explotable.
El lindo y preciso trabajo actoral de Naomi Watts (la dulce Lil) y Robin Wright (la sensual Roz) contrasta con la de los hijos de catálogo de surf: Xavier Samuel (Ian) y James Frecheville (Tom), quienes apenas consiguen salir del cliché barato de joven tentación sexual.
Basada en Las abuelas, libro de Doris Lessing (que tampoco es de mis escritoras favoritas), Pasiones prohibidas es larga y sin el pulso necesario para hacerla memorable, eso no quita que el morbo te mantenga en la butaca con ganitas de ver en qué termina todo el puterío.
Lo mejor: sostiene el interés a pesar de no estar a la altura Lo peor: demasiado larga y “light” para la temática La escena: cuando Ian descubre al final todo y se lo dice a Roz / el frame final, de postal Lo más falsete: dos años en ese cuarteto y cuando pasa lo que pasa todos lo toman como la cosa más natural del mundo El mensaje manifiesto: los límites se los pone uno mismo El mensaje latente: hay límites tácitos que no se cruzan por algo El consejo: para verla si no tenés nada mejor que hacer El personaje entrañable: los hijos/nietos que quedaron al cuete a favor del hedonismo El personaje emputante: las abuelas El agradecimiento: por Naomi y Robin.
LA BRUJA/ THE WITCH
Esta es la película que hizo que Stephen King dijera que lo había aterrorizado, esta es la película que fue la sensación del Festival de Sundance y, según algunos críticos, esta es la película que ya se convirtió en un nuevo referente para el género Terror.
¿Será, será?
Si estás esperando sobresaltarte en la butaca, arañar los brazos de tu acompañante y llegar al parqueo del cine con miedito mirando para un lado y mirando para el otro, no es tu película.
La bruja, más bien, se inscribiría en ese género sin nombre de película que “da cosita” o “te deja mal sabor”.
Situada en 1630 y basada a medias en lo que sucedió con las brujas de Salem, sigue la vida de una familia de puritanos que deja su comunidad y decide instalarse cerca de un bosque.
Como si de un castigo divino (o maligno) se tratara empiezan a suceder hechos que solo pueden tildarse de sobrenaturales: la cosecha no crece, Samuel, el hijo recién nacido, desaparece y la paranoia comienza a cundir entre los miembros de esta familia.
Vos sos. No, sos vos. Vos. Él es. No, es ella.
Todo esto mientras hablan de manera freak de Dios, la Biblia y recitan parábolas/versículos para proteger sus atribuladas almas.
La experiencia en este tipo de películas en las que se intenta acudir al de arriba para protección es que siempre termina ganando el de abajo.
Robert Eggers dirige y escribe esta ópera prima con la pericia de quien sabe lo que está contando y con escenas que alcanzan puntos muy, muy altos.
Desgraciadamente, el final muestra algo de inmadurez y termina llevando una película que pintaba muy bien hacia el lugar común. Un lugar común donde hay otra involuntaria risotada en la oscuridad.
Anya Taylor Joy (Tomasin), Ralph Ineson (Padre) y Katie Dickie (Madre), soportan las escenas más dramáticas y hacen que todo valga la pena y que, de pronto, nos encontremos inmersos en el siniestro bosque.
La bruja es un hallazgo en la cartelera por el estilo de Eggers para filmarla, por su excelente adaptación de la época, por su dirección de arte, por su vestuario y por un par de escenas que sí o sí se te quedarán en la mente un buen rato.
Ya lo dije: NO por miedo, sino porque «da cosita».
No, no responde a los cánones de película comercial, tiene sus tiempos, sus metáforas y por ahí para un público que está yendo a ver algo más onda Jeepers Creepers o The Ring (por decir una boludez) resultará aburrida. Sin embargo, sus puntos altos son tan altos que hay que recomendarla.
Lo mejor: buena estética, buenos climas Lo peor: no se resistió a caer en el lugar común La escena: cuando Caleb está en la cama habla de Jesús y pasa lo que pasa/ y cuando se echan la culpa los gemelos y Tomasin, y Padre descubre lo que descubre Lo más falsete: demasiada paciencia con un lugar del que se tuvo que huir ni bien las cosas empezaron a ponerse feas / y claro, el final barato El mensaje manifiesto: como dice el poster: El diablo toma muchas formas El mensaje latente: pero generalmente, el cielo y el infierno están dentro de nosotros mismos El consejo: tenés que verla en versión ORIGINAL, no la huevada doblada que está en el cine El personaje entrañable: Samuel El personaje emputante: Madre y los gemelos (qué HDPs) El agradecimiento: por los puntos altos, muy altos.
TRUMAN
Es curioso cómo la percepción sobre una misma película varía de acuerdo a la persona que la ve. En Filmaffinity hay un montón de críticas que dicen que Truman es sutil, sin golpes bajos, discreta y bla bla bla. A mí me pareció un poco forzada, como que el guión marca muy bien los puntos para conmover y los puntos para hacer humor. Me refiero a que no es algo fluido, y en mi caso sí percibo un obvio direccionamiento para provocar emociones.
No obstante, es una película amable (no de amor, sino de simpática) que relata el reencuentro entre dos amigos de toda la vida: Julian (Ricardo Darín) y Tomás (Javier Cámara).
Este reencuentro se debe a que SPOILERJulián está con cáncer terminal y se ha negado a recibir un tratamiento que alargue su vida, así que Tomás viaja desde Canadá hasta Madrid para pasar unos días con él, despedirse y ayudarlo a encontrar hogar adoptivo para Truman, el perro/hijo de Julián FINAL DEL SPOILER
Esta es una película sobre la Amistad, así con mayúsculas, esas amistades que sobreviven a todo y a todos. Sí, Truman habla más de la Amistad que de los tristes finales y eso está muy bien.
Aunque la situación es difícil y es fácil irse por el lado melodramático, hay momentos para el humor.
Truman, el perro de Julián, es otro personaje importantísimo. Un personaje que puede ser símbolo de la soledad de Julián, del apego/dependencia que se genera a nivel emocional con los animales y, en definitiva, para mí las mejores escenas son las que tienen que ver con el canino (siempre).
La película está dirigida por Cesc Gay, cuya filmografía es variada y hasta la fecha no es un director que me produzca mayor interés.
Truman no me encantó. En general, se deja ver, y si se está sensible puede resultar una experiencia bonita, pero a mí me pareció una película más. Bien actuada (sobre todo por Ricardo Darín), con buenas intenciones y ya.
Una de esas películas ñoñas con mensajes positivos sobre las relaciones que hacen que mandés mensajitos cursis a tus amigos cercanos, que facebookees a amistades del pasado y que te planteés encuentros con gente que has dejado de ver.
Paso.
Lo mejor: se deja ver y tiene una ondita de «hay que valorar las relaciones» Lo peor: algo forzada / en la vida real el perrito murió dos meses después de concluir la película. Tenía 8 años y había sido entrenado para trabajar con niños autistas La escena: cuando dejan a Truman con las lesbianas, lloré como si se abriera un grifo Lo más falsete: la presencia de Dolores Fonzi y su relación con Tomás El mensaje manifiesto: la Amistad con mayúscula existe El mensaje latente: los amigos no son un montón, son uno o dos como ese Tomás que viajaría desde Canadá a Madrid para darte el último adiós El consejo: vela, no arranca crueles arrepentimientos El personaje entrañable: Truman, siempre Truman El personaje emputante: el dueño del teatro / la pareja que no lo quiso saludar El agradecimiento: por Truman, siempre Truman.
SIN FILTRO
Desde Chile nos llega esta película de poco presupuesto, filmada en 12 días y sin otra aspiración en el mundo que hacer reír un rato al público.
Dirigida por Nicolás López, Sin Filtro ha conseguido ser la película más taquillera en Chile, desbancando incluso a El Renacido de Iñárritu.
No, no cambiará tu vida, pero curiosamente funciona.
Pía (Paz Bascuñán) es una tipa casi en los cuarenta, que siempre ha sido políticamente correcta, buena gente, comprensiva con las huevadas de los demás y en resumen, los crispines a su alrededor se aprovechan de su nobleza. Así es la vida: el que mucho da, cuando acuerda se quieren quedar hasta con sus calzones.
La pobre Pía vive con un fulano que es pintor y que todo el día se rasca las bolas a título de su arte mientras ella trabaja y se ocupa de hasta el menor asunto de la casa; en el trabajo, su jefe es el hijo del dueño de una Agencia de publicidad, este hijito de papá toma decisiones mamertas y pensando siempre en cómo tener más chicas lindas en el staff. O sea, es un perfecto imbécil. Y así, sucesivamente, las desgracias de Pía se acumulan y como la pobre mujer no saca afuera todas esas frustraciones empieza a tener dolores físicos que la llevan a buscar ayuda.
Sin Filtro quiere hacer reír y lo logra, es un humor básico, cliché, sí, pero bien manejado e ideal para pasar un rato ligero (ligerísimo) en el cine. Es una película latinoamericana bien filmada, bien actuada, y sin nada que envidiar a una película americana. De hecho, la fórmula de la que bebe es de la comedia facilona que tantos resultados da en el mundo y, claro, sus defectos son los mismos.
A rescatar el final, un final donde se huye como si fuera la peste de SPOILER“chico se queda con chica porque la maldita vida es mejor de a dos” y promueve el selfie-road (autoconocimiento) y la soledad como mejor compañera. FIN DEL SPOILER.
Me basta.
Lo mejor: ligera y divertida Lo peor: es simpática, pero una más del montón La escena: la del enfrentamiento con la tipa que no le quería ceder el paso Lo más falsete: hmmm es que no es una película que se apegue a lo verosímil El mensaje manifiesto: como dice la negra Sosa: Hay que sacarlo todo afuera como la primavera…El mensaje latente: la gente es muy mañosa, a veces funciona mejor con putazos que con ronroneos El consejo: vela para pasar un rato El personaje entrañable: Pía y el pobre gato El personaje emputante: el hijito de papá, la youtubber, el pintor El agradecimiento: por el final.
DEADPOOL
A ver, a ver! Si no has visto Deadpool no sé qué carajos estás esperando! Olvídense de Batman en las oscuranas, acomplejado, traumado, conflictuado existencialmente y reflexionando sobre su papel de vigilante, olvídense de Superman con su dilema terrícola/Kryptoniano, olvídense también de los pinches Vengadores siempre defendiendo la bandera americana y respondiendo al statu quo. Sí, olvídense de todos esos pendejos y abran paso a Deadpool, un sujeto con súper poderes que los usa para su venganza personal (egoístamente, como tiene que ser) y que además no tiene ningún código ni escrúpulo (como tiene que ser).
Por si no fuera suficiente, hay algo que también lo adorna y es lo que más me gusta: no se afilia al gremio.
Mueran, gremios, mueran!
Tim Miller debuta por todo lo alto como director, entregando un producto fresco, jodidamente divertido y con las papeletas para ser nuestro adulado.
Cuando vi el trailer tenía mis dudas. De hecho, acababa de ver hace un tiempo Self/Less una película donde el mismo Ryan Reynolds salía de un fulano que por dinero daba su cuerpo al personaje de Ben Kingsley que estaba con cáncer y luego OH Ryan seguía en algún lugar del cuerpo y entonces comienza a haber una lucha entre el alma/ser de Ryan y Ben. Parece intenso, pero no lo fue. Aunque la dirigía Tarsem Singh, el otrora interesante director desaparecía entre tanto despelote. Así que cuando vi el trailer, me dije: esto ya lo vi en versión drama/ciencia ficción y no, no me atrae ni un poquito.
Haciéndole honor a eso de que «las apariencias engañan«, pasé uno de los mejores momentos de los últimos meses en cuanto a blockbusters se refiere.
Sí, Deadpool es estúpida, pero es conscientemente estúpida. Se hace la burla de su estupidez y de la estupidez que manejan las franquicias de súperhéroes. Se burla de la solemnidad, de la supuesta estampa del deber, la burla es tal, que Ryan Reynolds se termina burlando hasta de sí mismo.
Wade Wilson (Ryan Reynolds) es un criminal de poca monta al que diagnostican con cáncer terminal, justo cuando ya encontró al «amor de su vida» y se encuentra en un buen momento.
Como no hay roto sin descosido, se le aparece un tipo muy similar al Agente Smith de Matrix y le ofrece una cura milagrosa. Las cosas no salen como espera y Wade termina desfigurado aunque con poderes especiales.
El personaje rompe la cuarta pared cada tanto para informarle al espectador lo que está pensando o lanzar algún chascarrillo, lo acompaña una excelente banda sonora y unos efectos especiales que cumplen con lo que cualquiera desea de una película de este tipo.
Me encantaron los chistes guarros, la irreverencia, el desparpajo, sí.
Evidentemente, hay cierta autocomplacencia en tanta pose de «romper el molde», estructuralmente no deja de ser la típica película donde hay un villano, una chica, droga, sexo y violencia, obvio que a propósito, pero Miller y sus guionistas han sabido dosificar el mejunje para que quede un buen cocktail que nos dejará casi fumando el pucho al final.
No se vayan hasta después de los créditos que hay dos escenitas de yapa.
Feel the fucking love!
Lo mejor: fresca y divertida Lo peor: ya para el final se vuelve un poco repetitiva La escena: la de la «manito» WTF Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: no todo lo que es entretenimiento vacío es malo El mensaje latente: se pueden hacer blockbusters de calidad El consejo: andá a verla pero en inglés! El personaje entrañable: la vieja ciega y el taxista indio El personaje emputante: el villano El agradecimiento: porque se la pasa muy bien.
ZOOLANDER 2
A ver, a ver.
Ben Stiller me parece un tipo inteligente, y creo que es admirable que tenga en su currículum películas como Reality Bites, La vida secreta de Walter Mitty y la misma Zoolander 1, que pueden no ser perfectas pero que dan muestra de un director cuando menos aceptable.
Alguien convenció a Stiller, o él mismo tuvo esa errónea percepción, de que el mundo necesitaba una secuela de Zoolander.
NO, BEN! NO LA NECESITAMOS!
Lo que en el 2001 fue algo tan descabellado, ridículo y bochornoso, que ya me costaba ver incluso como parodia o como inteligente crítica al mundo de la moda, en este 2016 me resultó casi insoportable.
La historia es lo de menos porque literalmente no hay mucho dentro del guión escrito a dos manos por el mismo Stiller y por Justin Theroux, el marido de Jennifersita (Aniston).
Es como esos trucos de magia: Nada por aquí, nada por allá y pum sacan una paloma nadie sabe de dónde.
IDEM! acá hay palomas por doquier que se sacan de los lugares más recónditos.
Solo que todo sabe a basura reciclada, a chicle con colorante y sabor artificial, causa hasta lástima ver a tanta gente desperdiciada en Zoolander 2.
Paradójicamente, es esa gente la que puede hacer que….hmmm…no joda tanto verla, porque tenemos un desfile de personajes de la talla de Benedict Cumberbatch como un andrógino All (Todo), Susan Sarandon, Kiefer Shuterland, John Malkovich, Justin Bieber, Kristin Wig, Katie Couriec, Milla Jovovich, Billy Zane, Ariana Grande, Demi Lovato, Susan Boyle, etc…
Sí, ya sé. Muchos grandes nombres para una película torpe y sin alma.
Lo mejor: una muerte sangrienta y violenta de Justin Bieber Lo peor: Penélope Cruz que sigue sin dar una actuación decente en Hollywood La escena: Benedict Cumberbatch como All (Todo) Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: hay cosas que es mejor no repetir El mensaje latente: podés hacer una huevada y aún así conseguir que actores de renombre se suban al proyecto El consejo: no perdás tu tiempo El personaje entrañable: el perro embalsamado El personaje emputante: todos los demás El agradecimiento: porque termina y parece que no habrá continuación.
Partamos diciendo que The hateful eight NO es lo mejor de nuestro querido Quentin Tarantino. No. Sigamos con que no tiene un ápice de sentido y que todo se desarrolla con el mismo caos y excentricidad que cuando intentás hacer caipiriñas en un vaso de plástico y no tenés idea de las medidas ni del orden de los ingredientes.
Eso puede generar el odio más corrosivo por Los odiosos ocho. Ajá. Pero he aquí un detalle: tal vez no sea lo mejor de Tarantino pero sigue siendo una película de Tarantino.
Con esto quiero decir que tiene personajes pintorescos y escenas pendejas que harán que valga la pena sentarte como 3 horas a ver ese desfile de autoreferencias que se te antojará eterno.
Q.T. se inclina (una vez más) por el western y sitúa la acción en la América profunda y racista que ya nos mostraron en Django.
Una diligencia avanza por la blanca nieve, en ella viajan don John Ruth (Kurt Russel) y Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh). La diligencia se detiene en el camino para darle aventón al mayor Marquis Warren (Samuel Lee Jackson) y Chris Mannix (Walton Goggins).
Ruth está llevando a la señorita Daisy al pueblo Red Rock para obtener una recompensa por su cabeza y ver cómo la ejecutan en la horca.
Es evidente que la presa, Daisy/Jennifer, será el botín a disputar y es evidente que Ruth no debió detener NUNCA esa maldita diligencia.
Así las cosas, charlas van y vienen y nos damos cuenta que en esta nueva película de Q.T. escucharemos un montón de texto y que dentro de su filmografía es su película más «diferente». Diferente porque pone el diálogo por encima de la acción.
Pero volvamos al argumento: a la situación ya de por sí incómoda y peligrosa, se suma el hecho de que hay una tormenta a punto de alcanzar a los viajeros y la troupé se detiene en una especie de tiendita: la famosa Mercería de Minnie.
Los cuatro personajes se toparán entonces con otros cuatro sujetos: el mexicano Bob (Demian Bichir), Osvaldo Mobran (Tim Roth), Joe Gage (Michael Madsen) y el general Smithers (Bruce Dern).
Ocho crispines, una tormenta, una tipita cuya cabeza vale un montón de dinero, varios cazarecompensas, y voilá, tenemos montada una intriga sobre qué pasará y lo más importante: quién llenará de balazos a quién.
Q.T. responde esas inquietudes con creces recurriendo a su ya consabido derramamiento de sangre, algo de gore, violencia extrema al pedo, y MÁS (sí), MÁS texto.
Por supuesto que es un desfile efectista y egomaníaco, es como ver a Q.T. bailando una bachata con él mismo, con el contoneo y todo.
Y claro, Ennio Morricone que tiene más de 500 piezas acreditadas como compositor para audiovisuales (comerciales, series, películas) le pone su impronta a esa bachata tarantinesca con una banda sonora ideal, asegurándose así el Oscar este año a Mejor Banda Sonora.
Por su parte, el gran Robert Richardson (Kill Bill 1 y 2, Hugo, Django, Bastardos sin Gloria) demuestra una vez más su talento para fotografiar este frío western. Bonita secuencia la que nos explica cómo Bob y compañía llegaron a la Mercería de Minnie. Bonita.
Lo menos creíble de The Hateful Eight fue el ojo morado de Jennifer Jason Leigh que si existiera un premio a peor maquillaje, tendríamos que dárselo a ese horrible círculo negro que aparece al principio y que va oscureciendo/menguando a su antojo mientras la película avanza. Mapache Style.
The Hateful Eight se inspira en The Thing, película de terror/ciencia ficción de John Carpenter y si ven o repasan este ya clásico de clásicos, se pueden comparar planos, personajes y situaciones.
Hay que decir, empero, que Tarantino parece un niño de pecho al lado del Carpenter de The Thing, es como ese amigo ñoño que quiere imitar al malote del curso.
Lo más decepcionante es que después de los ríos de texto y sin vos contar con las habilidades de Hércules Poirot o Miss Marple, te preguntás porqué los maleantes no usaron esa bonita secuencia que nos explica cómo Bob y companía llegaron a la Mercería de Minnie para emboscar a Ruth y compañía.
Tres horas con un guión que dice poco, aparte de las sesenta y cinco veces que la palabra nigger es escuchada fuerte y claro.
¿Gusta? Es difícil no sucumbir ante el encanto de algunos de sus diálogos, o a esa soberbia Jennifer Jason Leigh, que merece más y mejores papeles en el cine. Es difícil.
Como dije al principio: puede generar un honesto odio haciéndole honor a sus odiosos personajes, algunos seguidores quedarán aburridos por el excesivo texto, o se sentirán traicionados porque la famosa violencia aparece en contadas ocasiones y no de manera espectacular. Yo me quedo con una sensación de jugarreta, de esas que arrancan risas.
Igual de sabrosas, igual de efímeras.
Mónica Heinrich V.
Lo mejor: no deja de tener el desparpajo Tarantino Lo peor: una bachata lenta y apretada de Tarantino con Tarantino La escena: la parte en que el Mayor le cuenta al Coronel Sanders lo que pasó con su hijo Lo más falsete: tanto tole tole que con la eficiencia mostrada al inicio se pudo resolver más fácilmente El mensaje manifiesto: menos es más El mensaje latente: los excesos pueden ser marcar registrada El consejo: se disfruta más sin grandes expectativas El personaje entrañable: Daysi y su hermano (Channing Tatum siempre será “entrañable”) El personaje emputante: el de Roth, similar a los que suele hacer Waltz El agradecimiento: por las pequeñas grandes escenas.
CURIOSIDADES
Fue filmada en 65mm. Generalmente, una película contiene 24 fotogramas por segundo, y gracias a este formato se puede alcanzar hasta los 30 fotogramas dándole al filme un look ultrapanorámico. En la práctica y en específico para The Hateful Eight, esa elección resulta más un capricho de Tarantino, teniendo en cuenta que de panoramas y tomas colosales hay poco y todo se reduce a lo que sucede en la Mercería de Minnie, un lugar para el que no necesitás mucho más.
En la escena que Jennifer Jason Leigh toca la guitarra y canta Jim Jones at Botany Bay se prestaron una guitarra antigua de un Museo de guitarras. La guitarra en cuestión era de 1870, y se habían construido dos réplicas para que Kurt Russell las destruya de acuerdo al guión. Desgraciadamente, no le informaron a Russell de dichos reemplazos y el actor destruyó la guitarra original. La reacción de Jason Leigh es auténtica y quedó para la película. El Museo lanzó un comunicado asegurando que nunca más prestarían guitarras para otra filmación.
Este es el guión que se coló a las redes gracias a piratas informáticos. Tarantino había decidido no filmarlo, pero como ya se había hecho una lectura con el cast y los actores estaban entusiasmados, persuadieron al director de continuar con el proyecto.
The hateful eight tiene referencias a True Grit, Django, Bastardos sin Gloria y Reservoir Dogs.
Es la sexta colaboración entre Samuel Lee Jackson y Tarantino.
Algunas escenas se grabaron en sets refrigerados a -1 grados bajo cero.
Las primeras pruebas con público tenían una duración de más de tres horas y un entreacto.
En el guión original Bob era francés, no mexicano.
Tarantino hace la voz en off.
Es la primera banda sonora para un Western que compone Morricone en los últimos 35 años.
Hubo alguna polémica porque al personaje femenino lo estropean durante toda la película, algunos colectivos o periodistas acusaron a Tarantino de perpetuar la idea de que maltratar a una mujer está bien. O sea!!! ni cómo explicar cosas que parecen tan obvias. Es más, si algo sucede con Daisy es que nunca se la trata distinto por ser mujer. En fin.
En un pueblito de Turquía viven cinco hermanas. Son huérfanas, por lo que la abuela y el tío se encargan de criarlas.
Tres generaciones compartiendo una sola casa.
Los días transcurren como los de cualquier adolescente. Las chicas estudian, juegan, se divierten. Salen del colegio y chapotean en el mar.
Hay inocencia, hay libertad.
Pero a los ojos desaprobadores de alguien eso no es libertad, no es inocencia y ese alguien le echa el chisme a la abuela de que las chicas estaban con compañeros (masculinos) en la playa.
El mensaje provoca histeria.
A la obvia orfandad de estas cinco hermanas se le suma la más absoluta indefensión ante las supuestas normas de comportamiento de una mujer.
Se las trata de impúdicas, de casi casi deshonrar a la familia, se habla de lo obsceno desde una escena que por sí sola es obscena.
La única forma que la abuela tiene de quitar esa horrible mancha en la reputación de estas “casaderas chicas” es haciéndoles un examen que certifique que siguen siendo vírgenes.
La famosa virginidad.
Mustang, la opera prima de Deniz Gamze seduce. Lo hace desde un filme austero, pequeño en sus aspiraciones y grande en lo que intenta decir.
Para eso, la voz en off de Lale, una tremenda Günes Sensoy (la más pequeña de las cinco), nos acompaña en ese descubrimiento de un mundo lleno de reglas e hipocresía.
Es Lale la que nos cuenta que SPOILERlos barrotes reemplanzan las antes abiertas ventanas, que verjas altas y puntas de metal rodean la casa, que les imponen vestidos sin forma ni colorido para no despertar el apetito sexual, y que para evitar que la “mercancía” se dañe, la abuela comienza a casar una por una a sus nietas, siempre en matrimonios arreglados. SPOILER FINAL
Con un tono casi de cuento, Gamze traslada al espectador a ese entorno rural y opresivo que hace una critica tácita a sociedades patriarcales y a destinos femeninos que llevan siempre a la mujer de turno a aceptar un marido.
La quimera de una Estambul más flexible se alza como única salida a una situación insostenible.
Sí, Mustang es hermosa y al concluir te deja el corazón roto en pedacitos grises. Lale, Sonay, Ece, Selma y Nur se quedan con vos, aún cuando salís de la sala de cine.
El guión es escrito por la misma Gamzer y por Alice Winocour, ambas mujeres. Es ese toque femenino el que se siente tanto en la estética como en la narrativa de Mustang.
No, no niego que a ratos cae en la gratuita manipulación SPOILERcomo cuando el tío resulta ser violador o como cuando después de tanta oda a la libertad femenina, el escape se realiza gracias a la ayuda de un buen muchacho SPOILER FINAL
Esa manipulación puede que le quite puntos extras a un filme que tiene cierta alma, cierto je ne saisqua que lo hace muy “amable” (de amor).
Con ese pequeño pero, Mustang no dejar de ser una obra sobresaliente, con un cast precioso, y una mirada personal e íntima a “la vergüenza social” que a veces significa ser mujer.
Mónica Heinrich V.
Lo mejor: un tono íntimo y conmovedor Lo peor: algunos momentos forzados La escena: el balazo y la consiguiente muerte, creo que nadie se lo espera / también cuando se llevan a la segunda chica al hospital porque no sangró Lo más falsete: el rescate, que no deja de ser patriarcal El mensaje manifiesto: la mujer es un ciudadano de segunda clase El mensaje latente: even if they don´t want, we will fly El consejo: para verla en el cine YA! antes de que la saquen El personaje entrañable: las hermanitas El personaje emputante: el tío HDP, la abuela HDP (aunque en parte la doña es víctima de lo mismo que las nietas) El agradecimiento: por un relato que llega.
CURIOSIDADES
Estuvo nominada a Mejor Película Extranjera a los Oscar de este año.
La directora nació en Ankara, Turquía. En los 80s se mudó a Francia. También vivió en algunos momentos en Estados Unidos y en Turquía, donde sintió un fuerte choque con las costumbres y percepciones sociales.
Ha ganado muchísimos premios entre ellos Mejor Película Extranjera en los Goya, el Europa Cinemas Label en Cannes, cuatro premios en los César, y otros.
Algunas escenas son tomadas de las vivencias de la directora.
Las chicas no son hermanas, solo una de ellas (la que interpreta a Ece) era actriz previamente.
La directora tenía miedo de que alguna de las chicas crezca demasiado mientras esperaba a estar lista para rodar.
Gamze conoció a Winocour en un atelier del festival de Cannes, eran las únicas dos mujeres en el programa. Gamze estaba con un proyecto más grande que no consiguió respaldo, entonces Winocour le propone aliarse y hacer un filme más pequeño, así nace Mustang.
La productora principal abandonó la película antes de que comience a filmarse, y mandó un mail a todos los demás involucrados informando que Gamze estaba embarazada y que la película sería un desastre.
Cuando filmaron la escena del auto que está afuera del banco, y donde una de las chicas mete a otro chico, el equipo estaba nervioso y pensaba que la gente podía amotinarse contra la escena. Felizmente, no hubo mayores contratiempos.
Nuestra querida Sansa (Sophie Turner) estaba hermosa e inocente en la alfombra de los Oscar y, claro, mostraba orgullosa su vestido hecho de material ecológico, porque las jóvenes estrellas tienen pues conciencia medioambiental. Acto seguido sacudía su teñida cabellera (furiosamente roja) y comentaba que las joyas brillantes eran de Tiffany.
Ese hecho, banal y boludo, muestra de cuerpo entero la gala que vimos anoche.
Una gala sin grandes sorpresas, en la que Chris Rock hizo un casi patético papel como presentador.
Sí, cuando Chris salió al escenario vestido de blanco y empezó a escupir su monólogo sobre lo racista que es Hollywood, parecía que el tipo había optado por la rebeldía.
¿REBELDE, YO?
Defender su presencia ahí, después de que actores afroamericanos habían pedido su boicot ante la ausencia de nominados negros, fue otra vaga ilusión sobre la hidalguía de Chris para hacer historia.
Tuvo afilados chascarrillos sobre negro acá, blanco allá y bla bla bla, vacía perorata. Su mejor argumento hubiera sido el premio a 12 años de esclavitud o el que le dieron a Halle Berry por Monster´s Ball, ambos una suerte de discriminación positiva o racismo invertido.
Pero no, Chris Rock machacó y machacó durante toda la gala sobre el mismo tema, y encima hizo pequeños sketchs y alusiones a la ausencia de negritud en la quimera dorada que es Hollywood con MÁS invitados negros. Ni Ellen Degeneres ha sido tan blanca como Chris Rock este año.
El anfitrión ni siquiera pudo congraciarse con los espectadores cuando hizo el show de la venta de galletas tratando de emular el pedido de pizza de Ellen. No. Ya vimos eso Chris y tampoco fue la papa cuando lo vimos por primera vez.
Mientras tanto, en twitter había quien al estilo del circo romano exigía: “Entretenimiento, putos! Quiero entretenimiento” porque sí, quizás ese tweet fue lo más honesto que se dijo anoche.
Los premios comenzaron a entregarse y la euforia se desató en las redes por los seis Oscar técnicos que se llevó Mad Max.
Otra ilusión, chicos. Cuando dan hartos premios marginales a una sola película, los premios importantes se los llevan otros.
Pero hagamos un repaso minucioso de lo sucedido en la gala:
LA POSE
Llegó un momento surrealista en el que todos querían su pedacito de corrección política y su baño de “me importa el mundo”: Sam Smith diciendo que era un orgulloso gay, una doña hablando de inclusión cuando Trumbo y la vida nos han dejado claro que esa palabra no existe en Hollywood, Lady Gaga cantando sobre el abuso sexual a una audiencia que es nido de pedofilia, abuso sexual y drogas, Leo DiCaprio hablando sobre el calentamiento global (nuevamente a una audiencia con el suficiente dinero para hacer algo al respecto), el discurso de aceptación de The Big Short en el que uno de los tipos lanzó un mensajito antipetroleras: o sea, HELLO! estás en una gala que es símbolo de todo aquello que criticás sobre las desigualdades sociales y la voracidad del sistema. Los de Spotlight diciéndole al Papa Francisco que haga algo: o sea, HELLO! el Papa pertenece a esa institución que sigue escondiendo pederastas.
Puede que ESE sea el momento de decir cosas importantes, pero a excepción de algunos sinceros y ubicados discursos, todo parece una breve mascarada de una industria a la que solo le interesa el dinero y mantener el statu quo, el cómodo statu quo que manejan desde hace décadas.
LO JUSTO
MadMax por Mejor Maquillaje y Peinado, por Mejor Diseño de Producción, por Mejor Sonido, por Mejor Edición de Sonido, por Mejor Montaje, y Mejor Diseño de Vestuario. No hay cómo objetar estos premios, lo que hizo George Miller con ese espectáculo cinematográfico no tuvo parangón.
Brie Larson y su Oscar a Mejor Actriz por Room. Esperado, justo, y sin vueltas que darle.
El gran Enio Morricone premiado como Mejor Banda Sonora por ese trabajo exquisito que hizo en Los odiosos 8 de Tarantino.
El premio a Mejor Película Extranjera a El hijo de Saúl. Todos coinciden en afirmar que El Hijo de Saúl es una de las mejores películas del año pasado. No solo extranjera, sino a nivel global. Teniendo en cuenta que trata una vez más el tema del holocausto, hay que darle más puntos extras por conseguir una vuelta de tuerca a una temática que los espectadores ya han visto infinidad de veces.
LA SORPRESA
El Oscar de Mejor cortometraje animado para el corto chileno Historia de un oso. Narra una historia metafórica que alude a la dictadura de Pinochet y al exilio. Además de ser el primer Oscar para Chile, le ganó a dos favoritos de su categoría Sanjays Super Team que era de Pixar y al GRAN GRAN trabajo de Don Hertzfeld World of tomorrow. Se puede ver online aquí: https://youtube.com/watch?v=CXpgqHMJ-MM
El premio a Ex Machina como Mejores Efectos Visuales. Ex Machina no es una mala película, pero el apartado por el que la premian es además de sorpresivo hasta extraño. El efecto visual está relacionado solo a los robots, o en este caso, al robot que es Alicia Vikander, que es la que se ve la mayor parte del tiempo. Bonito sí, pero no sé si llega a compararse a lo hecho por Mad Max o incluso Star Wars, si nos queremos poner ñoños.
El premio a Mark Rylance a Mejor Actor de Reparto fue un sorpresón. Nadie se lo vio venir, mi favorito era Tom Hardy, la masa pedía a gritos a Stallone, pero hay que reconocer que el tipo es un actorazo e hizo un muy buen papel en Puente de Espías.
LO ESPERADO
1.- A Leo Dicaprio por Mejor Actor. Al fin pararán los memes! Acá hay aguas divididas sobre si merece o no ganar. Aguas tan divididas que se han roto amistades y algunos crispines se han retado a duelo al amanecer. Sus competidores más fuertes eran Bryan Cranston, que es parte de una película muy más o menos (Trumbo) y a la que la industria no le interesa premiar, y Eddie Redmayne (La chica danesa), cuya representación de Lili me pareció linda pero demasiado llena de mohines. Lo pudo ganar cualquiera de los tres. No veo como una injusticia que se lo lleve Leo, un actor que desde hace años ha sido ignorado por la Academia y aunque su película no era mi favorita, pienso que hizo un papel más que decente, como siempre.
2.- Intensa-Mente a Mejor Animación: Este premio era de Anomalisa, no obstante Pixar pisa fuerte y premiaron a la película más familiar que ensalza los valores Americanos que a Hollywood le gusta tanto promover. No importa, el mundo te reconocerá tarde o temprano amado Charlie Kauffman.
3.- Los premios a Spotlight por Mejor Guión y Mejor Película: Debería ser ilegal que una película se lleve el premio a Mejor Director y otra gane Mejor Guión y Mejor Película. Pero bueno, la vida es una paradoja también. Ambos premios me parecen esperados y no fueron sorpresa para mí porque si bien El Renacido tenía lobby y Mad Max era un espectáculo cinematográfico, Spotlight es el tipo de película que a Hollywood le gusta premiar. Está dentro de su confort zone. Además, hay que reconocerle a Spotlight que de las nominadas a Mejor Guión era la que menos fisuras tenía. En la categoría Mejor Película hubiéramos podido prescindir de Puente De Espías y Marte, y meter Carol y El Hijo de Saul, por ejemplo, pero así son las cosas. No, no, Spotlight no es una película inolvidable, de obligada referencia, yo no la veo así, tampoco pienso que sea lo mejor del año, y ahí está con dos de los premios más importantes.
EL RECORD
El premio a Mejor Fotografía para El Chivo Lubezki y El Renacido, solo Mad Max pudo arrebatarle ese coso dorado. Lubezki está dentro de lo mejor del cine mundial y este es su TERCER Oscar consecutivo. Hito para México, hito para la categoría, HITO. Dicho sea de paso, El Chivo se vio muy «emocionado» por el mencionado hito.
LO DULCE
La presencia de Jacob Tremblay, el adorable niño de Room. Tanto en la alfombra roja como en la ceremonia, el niño fue un pequeño vestigio de pureza. Hace muchos años esa pureza la puso Macaulay Culkin. Sí.
El mensaje que Arnold Schwarzenegger subió a la red después que Stallone perdiera a Mejor Actor de Reparto. Esa bestia musculosa resultó un sentimental.
El BLEF
El Oscar a Mejor Canción para Sam Smith. El intro de Spectre con su canción cero novedosa y más aburrida que discurso de Coelho se llevó traicioneramente el premio a Mejor Canción. Por Dios! Mejor era que se lo den a alguno de los temas que salen en Ted 2.
El Oscar a Mejor Director a Iñárritu. A ver, si El Renacido hubiera sacado algún otro premio importante diríamos que no hay disonancia, pero si SOLO se puede ufanar del premio a Mejor Actor y al de Fotografía, no sé qué le han premiado al señorito Iñárritu. QUE! Habría que reflexionarlo con una copa de vino tinto, mientras clavamos alfileres a su muñeco vudú.
Bochornito
El ASQUITO
El vicepresidente de Estados Unidos, Joe Biden, marcó tarjeta en la gala para confirmarnos que el Oscar no es un hecho aislado para el Estado. Su salida al escenario vino acompañada de la música de Indiana Jones. Qué alucine! encima todos los chupamedias se pusieron de pie.
Choquita/o no era pa vos, pero no jode
Nunca faltan esos premios que a nadie le importan realmente, o cuyas categorías están tan parejas, que da igual quién lo saque. Es el caso de Alicia Vikander y La Chica Danesa como Mejor Actriz de Reparto, mis favoritas eran Mara Rooney o Kate Winslet o Jennifer Jason Leigh, pero tampoco me jode que se lo haya ganado Vikander.
Algo similar ocurre con el premio a Mejor Guión Adaptado, para mí eran superiores Carol y Room, pero entiendo el porqué del premio. The Big Short tiene un guión complejo, que dice cosas «importantes» aunque las diga con baches y muletillas moralistas.
Y finalmente Amy a Mejor Documental. No era el mejor, ni el más relevante de su categoría, pero entiendo que su factura de fácil consumo, la historia de esa estrella caída en desgracia y, además, la propuesta más creativa de las cinco nominadas a nivel de estilo y narrativa, le haya dado el premio.
EL DESEO
Y si algún día Louis C.K. hace de anfitrión? Será que es más malo que Anne Hathaway y James Franco o que Neil Patrick Harris o que esta versión latte de Chris Rock?
Para cerrar el post, un poco de humor. Porque al fin y al cabo, los Oscar son solo eso:
Entretenimiento, putos!
Generalmente no son las mejores películas, ni los mejores actores, para eso hay festivales y cine de distribución no tan masivo.
Entonces toca tomárselo con humor, como corresponde a un show de entretenimiento que juega a ser algo más pero que no puede ocultar que detrás de toda su parafernalia hay una Kardashian comentando el trapo que lleva puesto Jennifer Lawrence.
Luego viene el after party, los Oscar se archivan y, tal vez, cuando los años pasen, servirán para ser empeñados y obtener algo de dinero cuando la estrella ahora apagada ya no esté pisando la alfombra roja.
Lo que sorprende de Brooklyn es que en esencia no es una película romántica, por mucho que el poster choto nos quiera convencer de lo contrario.
O, por lo menos, a mí no me lo pareció.
Saoirse Ronan (The Atonment, Hannah, La huésped) nos prueba su valía como actriz nuevamente y encarna a la dulce e inocente Eilis Lacey.
Ese es el mayor acierto del filme dirigido por John Crowley.
Crowley cuya carrera con títulos como Boy a, Circuito Cerrado, Intermission, y otras, ha sido más bien discreta, tiene en Ronan a su mejor aliada para levantar un guión lindo pero poco memorable.
La película se basa en el libro homónimo del novelista irlandés Colm Tóibín y sigue la vida de la joven Eilis que en los 50s tiene que emigrar desde Irlanda a Estados Unidos.
En su tierra natal deja a su madre, a su hermana y a una vida apacible, sin sorpresas, con un futuro probablemente predecible. En América aprende a valerse por sí sola, a madurar y a tomar decisiones. Sí, también se enamora de un chico de origen italiano Tony. Sí. Pero el relato apunta más a las búsquedas y descubrimientos de una joven que está decidiendo qué hacer con el curso de su vida.
El punto de giro vendrá cuando ya acomodada en tierras gringas su hermana mayor muera y deje a la madre sin ningún otro familiar en la lejana Irlanda.
SPOILEREilis decide regresar, pero se casa con Tony antes de partir para darle la seguridad de que regresará. Una vez en Irlanda, Brooklyn comienza a verse como algo borroso y ajeno, y poco a poco Eilis se involucra más en su pueblo. Vuelve a su círculo de amigos, consigue un trabajo e incluso comienza a salir con un joven mientras guarda el secreto de que es una mujer casada.
Pero el pueblo que dejó sigue siendo el pueblo que dejó. Un chisme desatará su decisión de finalmente volver a Estados Unidos.
La esencia de la historia, repito, no es la elección entre fulanito y perenganito, como se puede caer en la tentación de interpretar, sino es una elección entre dos mundos, una elección de cómo vivir.
En el libro, Eilis se besuquea con Jim Farrel (para más señas: EL OTRO) pero sin que esto sea algo que tome muy en serio, es una experiencia más, una vivencia más. De hecho, su matrimonio también es más bien visto como una suerte de consecuencia o de algo que tiene que suceder. SPOILER FINAL
El guión de Nick Hornby (novelista famoso por Alta Fidelidad y About a Boy) se vuelve algo condescendiente y explica demasiado las situaciones consiguiendo que algunos sectores de la platea perciban a Brooklyn como una historia de amor y nada más.
La película se ve con simpatía, en parte gracias a la colorida fotografía del canadiense Yves Bélanger (Wild, Lawrence Anyways) como a la preciosa adaptación de la época y el uso de una paleta de colores verdes/rojos en arte y vestuario. Sí, la fotografía, el arte y el vestuario hicieron muy agradable el visionado de este filme.
Y claro, es Saoirse/Eilis la que brilla con luz propia, a su alrededor, la hermana (Fiona Glascott), la madre, el cura (Jim Broadbent) y principalmente la doñita (magnífica Julie Walters) que la recibe en Brooklyn tienen unas actuaciones muy muy buenas, no puedo decir lo mismo de los acompañantes masculinos, sobre todo de Tony (Emory Cohen).
Así las cosas, no le perdono el final, ese final que en la novela es sutil, desenfadado y abierto. Tanto Hornby como Crowley echan tierra a un gran final por un final de masas. Ese que reduce Brooklyn a un abrazo tonto y cursi, mientras nuestra Eilis quería años, años de más mundo que descubrir, de más cosas por vivir.
Mónica Heinrich V.
Lo mejor:visualmente hermosa y con una actriz protagónica de lujoLo peor: en general, poco memorable y se pone más melosa en los últimos 20 minutos La escena: la conversación con la vieja chismosa Lo más falsete: que todo se reduzca a fulanito o perenganito El mensaje manifiesto:la vida es una sola El mensaje latente:hay un mundo por descubrir El consejo:para verla una linda tarde acompañada de un buen vaso de limonada El personaje entrañable: Eilis El personaje emputante: Nich Hornby por ese final choto El agradecimiento:lindo vestuario y arte.
OSCAR 2016
Mejor Actriz: Es la única actriz que si le ganara el Oscar a Brie Larsson, no me jodería. Saoirse está exquisita en Brooklyn.
Mejor Película: Nop. No hay por dónde.
Mejor Guión Adaptado: Hmmmmmmm…no creo. Prefiero Room.
EXTRAS
La novela para que la puedan leer en PDF y en EPU:
PDF: Brooklyn – Colm
CURIOSIDADES
Se filmó durante tres semanas en Irlanda y cuatro semanas en Canadá. Solo se filmó dos días en Nueva York.
Crowley separó la película en tres momentos visuales: 1) cuando Eilis vive en la Irlanda de la postguerra, 2) cuando llega a Brooklyn y 3) cuando vuelve a Irlanda.
Saoirse nació en el Bronx pero fue criada en Irlanda, por padres irlandeses.
Rooney Mara fue pensada para el proyecto, porque vieron que Saoirse era muy joven. Mara postergó por motivos de agenda, y pasó el tiempo suficiente para que Saoirse se vea un poco más adulta para los productores y decidieran que ella tenía el papel.
Las escenas de Brooklyn se filmaron en Montreal por razones de presupuesto.
En su vida privada Saoirse tiene acento de la zona de Dublin, mientras que en la película el acento es de Wexford.
Saoirse quiso quedarse con el traje de baño verde que usa en la película.
La categoría documental siempre suele tener candidatas interesantes y una que otra colada, este 2016 no es la excepción.
1. Winter on Fire
El difícil conflicto civil que se vive en Ucrania no se puede condensar así nomás.
Winter on Fire lo intenta y parte del nacimiento del Euromaidán, hecho histórico en el que la población se volcó a las calles para reclamar al presidente Yanukovich que firme el acuerdo que permitiría al país ser parte de la Unión Europea.
Suena simplista y lo es, pero es lo que Winter on fire o su director, Evgeny Affineevsky, postulan.
No se dice porqué dicha firma representaba un conflicto, ni porqué el presidente era proruso, ni porqué había sectores de la población que querían eso y otros que no, ni cómo se estaba manejando el tema.
El documental recopila imágenes estremecedoras de las manifestaciones y la represión gubernamental, las intercala con testimonios de activistas, celebridades, religiosos y partidarios del Euromaidán y esa es la única campana que escuchamos. Es como si hiciéramos un documental acá en Bolivia sobre el Referéndum y solo entrevistáramos a gente del Sí o a gente del No.
Además, se intenta pintar al movimiento como inocente e inmaculado cuando ningún movimiento lo es. Cualquier movimiento masivo, aunque sea por la causa más justa, tarde o temprano es manejado por intereses políticos y se empiezan a crear «eventos» (situaciones) que ayuden a posicionar su premisa. El Euromaidán no fue la excepción, hay reportes de neonazis infiltrados, de francotiradores, de mercenarios llegados de países fronterizos, y etc.. Si es verdad o no, no lo sé. No vivo allá. Solo que el documental omite las sospechas y las necesarias voces del lado opuesto.
Lo peor, es que lo que sí escuchamos sondeclaraciones meramente descriptivas de lo que sucedía cuando los policías del Estado iban a reprimirlos, o cómo se organizaban, o cómo querían un futuro para Ucrania, pero no existe un análisis serio de cómo o porqué estaban en esa situación.
Se habla de los Titushki pero no se explica bien qué son, cosas así hacían que detenga el documental y googlee para entender a cabalidad lo que me mostraban. Los Titushki son grupos de choque del gobierno de Yanukovich, personas con aptitudes físicas, ya sea militares, deportistas, a los que el gobierno les pagaba para enfrentar a los manifestantes como civiles.
Como digo, mencionan convenientemente a los Titushki pero no se dice ni una palabra de los intereses americanos liderados por la CIA y la Unión Europea que se involucraron en el conflicto.
Otro punto molesto es que era como si los pro-rusos no existieran, siendo que esa es una de las aristas claves para explicar el conflicto. El documental pinta a Kiev convulsionada, pero no se menciona para nada que existe una cantidad de gente dispuesta a ser parte de Rusia en lugar de anexarse a la Unión Europea.
Finalmente, el documental Winter on fire concluye con la forzada renuncia de Yanukovich como un triunfo del clamor del pueblo.
Actualmente, la situación de Ucrania es caótica, con un gobierno de ultraderecha y a pesar de haber firmado el acuerdo por que el supuestamente surgió el Euromaidán, los ucranianos están inmersos en un conflicto civil que ni USA ni la UE pueden controlar.
Que este documental gane el Oscar sería darle mayor empuje a la distribución de un documental superficial, con las tintas cargadas, y con una imagen romántica de una «revolución» que le está costando tanto a Ucrania.
2. Look of Silence
El danés Joshua Oppenheimer es responsable de uno de los documentales más escalofriantes que se hayan filmado nunca: The act of killing. Por ese trabajo fue nominado al Oscar, y el coso dorado se lo arrebató un bonito y conservador documental sobre coristas.
Ironías de la vida.
Ahora retorna con The Look of Silence, filme con el que completa el díptico destinado al horror indonesio, que no es otro que el horror de nuestra especie.
En The Act of Killing, Oppenheimer se centraba en los verdugos, en esos amorales, cínicos y despreocupados verdugos que exterminaron a más de 1.000.000 de personas durante la dictadura del general Suharto, en The Look of Silence vemos a las víctimas.
Si viste The Act of Killing quizás parezca un alargamiento innecesario y cacofónico de lo ya exhibido en esa primera parte (a mí en partes me lo pareció), si no has visto esa primera parte, lo más seguro es que la sensación de horror te golpee por primera vez de una manera brutal.
Lo terrible de lo sucedido en Indonesia, es que a diferencia de otros hechos parecidos, la sociedad ha glorificado a los verdugos y los trata hasta como héroes nacionales y es común que convivan o compartan con familiares de sus víctimas en sus comunidades.
Así conoceremos a Adi, que perdió a su hermano mayor a manos de uno de estos verdugos.
Mientras en The Act of Killing se hablaba del pasado, en The look of silence se habla del presente, de las heridas traumáticas que ese pasado dejó.
Hermoso por lo que significa, The look of silence es una firme candidata para obtener ese premio dorado que Oppenheimer se merecía con The Act of Killing. Estamos hablando de un trabajo de años, con una producción que en sus créditos solo puede poner Anónimo a su crew (equipo de rodaje), un trabajo que a pesar de que ha pasado tanto tiempo aún tiene miedo a las represalias y aún así se hace, se exhibe.
Oppenheimer conmueve en su postura final, aquella que busca entre los escombros de eso para lo que no hay palabras y consigue obtener una necesaria disculpa.
Una sensación de perdón.
3.- Amy
Dios! Qué hermosa y talentosa era Amy Winehouse! Sobre todo en su versión libre de drogas duras, qué jodidamente bella era.
Amy comienza con un video casero de su inocente adolescencia. Ahí están ella y sus dos mejores amigas. Amy ajena aún a la fama, al acoso mediático, a la incapacidad para lidiar con el mundo sin estar «colocada».
El documental nos pasea por esa Amy despreocupada, con ganas de comerse el mundo, que escribía sus propias canciones y que tuvo un meteórico ascenso hasta ganar los codiciados Grammy.
Así como narra su ascenso, narra también su caída. Su matrimonio con el boludo de Blake Fiedler, su inmersión en la cocaína y en la heroína, la descripción del entorno que más que ayudarla necesitaba mantenerla a flote para que siga siendo Amy Winehouse: la estrella de la música, la que generaba dinero y ventas de discos.
Rompe el corazón. Sí, rompe el corazón su fragilidad, su vulnerabilidad.
Asif Kapadia tiene la sensibilidad necesaria para unir imágenes de archivos y condensar más de 100 horas de entrevistas.
Me gustó mucho la decisión de no mostrar casi nunca a los entrevistados hablando, sino poner sus voces en off sobre imágenes varias.
Si bien Kapadia toma partido y directamente hace un retrato mezquino del padre de Amy y de su manager cuando decide llevársela al famoso concierto de Belgrado donde la chica apenas se mantuvo en pie, creo que a nivel estilo y narrativa está muy bien pensado.
Es una obra para extrañar a la Amy en la que pudo llegar a convertirse, y te deja esas ganitas de agarrarla, darle un abrazo y decirle lo mismo que Tony Bennet quiso decirle: «Cuídate, eres demasiado importante».
En la carrera por el Oscar, no me importaría si se lo gana. Aunque lo hecho por Oppenheimer merece un reconocimiento mayor al de la vida destruida de nuestra amada Amy.
4.- ¿What Happened Miss Simone?
Este es otro documental biográfico de una estrella musical, tiene más contenido que Amy porque la vida de Simone fue extraordinaria. Nina Simone una de las voces emblemáticas del jazz, blues y soul, también la tuvo difícil y construyó una carrera llena de altibajos.
Simone creció en el Sur racista, en ese Sur que nos parece tan lejano y cercano a la vez. ¿Su sueño? convertirse en la primera pianista clásica negra de renombre.
El documental va desde esa pequeña niña afroamericana que tocaba el piano en la Iglesia, hasta aquella que estudió en Juilliard y que vio truncada su carrera como pianista por el color de su piel.
La famosa cantante era una mujer de carácter, impetuosa, y determinada, aunque eso no impidió que formara familia con un tipejo que se convertiría en su abusador.
De ahí en más, las decepciones de Simone con su violenta pareja, la muerte de Luther King y otros, hicieron que se autoexiliara en Francia.
El trabajo de Liz Garbus recupera a esa Nina Simone casi olvidada, que sufrió de bipolaridad, y que contrario a muchas artistas de su época tuvo un hondo compromiso social.
El personaje de Nina Simone es fascinante, una estrella hermosa y luminosa en toda la extensión de la palabra. Para los que no la conocen este documental será un descubrimiento, para los que la conocemos es un regocijo.
Lo negativo de What Happened Miss Simone? es que es súper convencional, con imágenes valiosas poco conocidas, pero ausente de toda creatividad e inspiración.
Para una figura que más bien rompía el molde, y que arrancaba de tu boca la palabra EXTRAORDINARIA, un documental tan discreto en forma y contenido resulta decepcionante.
No creo que gane el Oscar, y de hecho creo que su nominación es más un premio a la figura que al documental en sí mismo.
5.-Cartel Land
Estoy un poco harta de esa curiosidad/morbo por el mundo de los narcos, y de esa especie de apología estúpida que se ha extendido en hechos como la famosa entrevista de Kate/Sean/Chapo.
Así que cuando supe de este documental pensé que se trataría de otro «relato arriesgado sobre los carteles» y que iba a ver desfilar a narcos diciendo cómo y por qué traficaban, como si eso cambiara en algo las cosas.
Felizmente, Cartel Land fue toda una sorpresa en ese sentido.
En lugar de centrarse en los narcos, el documental se centra en las milicias de autodefensa que se formaron por ciudadanos en Michoacán. Nos cuenta su génesis, su desarrollo y su corrupción.
Como relato paralelo vemos a unos cuantos gringos que patrullan la frontera mexico-estadounidense para no dejar pasar narcos o droga a través de la misma.
Lo de los gringos es racismo no más. Una onda estilo Donald Trump, pero es interesante ver sus testimonios y cómo racionalizan lo que hacen.
Lo de las Autodefensas me pareció conmovedor, porque fue un movimiento que surgió del cansancio de la gente y de la indiferencia de las autoridades. Fue la única solución que la gente en su momento encontró para hacerle frente a los carteles.
Su líder, un médico de apellido Mireles justificaba muy bien el inicio de las mismas. Sin embargo, conforme se fue sumando más gente el movimiento se desvirtuó y se terminó convirtiendo en un monstruo más de aquellos contra los que luchaban.
Como dije en la reseña de Winter on fire, todo movimiento por muy justo que sea terminará, tarde o temprano, respondiendo a intereses políticos puntuales, algo similar ocurrió ahí.
El documental dirigido por Michael Heinemann es interesante y llamativo, hay que valorar las imágenes que consigue de enfrentamientos contra carteles, de los líderes de las autodefensas, y de la otra cara medio pendeja del tal Mireles (su gusto por la carne joven, por ejemplo).
¿Es firme candidata a ganar el Oscar? Sí, tiene un trabajo de contenido y forma que son atractivos, aunque mi corazón vaya para The look of silence o Amy.
Una diligencia avanza por la blanca nieve, en ella viajan don John Ruth (Kurt Russel) y Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh). La diligencia se detiene en el camino para darle aventón al mayor Marquis Warren (Samuel Lee Jackson) y Chris Mannix (Walton Goggins).
Pero volvamos al argumento: a la situación ya de por sí incómoda y peligrosa, se suma el hecho de que hay una tormenta a punto de alcanzar a los viajeros y la troupé se detiene en una especie de tiendita: la famosa Mercería de Minnie.
