LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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EN CARTELERA: La vida secreta de las mascotas, The Boy , Miedo profundo, La última ola

Por: Mónica Heinrich V.

La vida secreta de las mascotas

Secret_Life_of_Pets_PosterAnimales.

El gran Diógenes que murió abandonado por el prójimo, enfermo y andrajoso, escupió al viento esta verdad:

Mientras más conozco a la gente, más quiero a mi perro.

Así es Diógenes, así es.

Universal Pictures sabe que a pesar de tantos años pasados desde la muerte de Diogenito, este es mundo solitario, hóstil y lleno de personitas cuya única alegría en la vida es llegar a su casa, abrir la puerta y encontrarse con él/ella: …………………Insertar el nombre cursi y ñoño que le has puesto a tu hijo putativo.

Por eso es que cuando La vida secreta de las mascotas comienza, te dan ganas de meterte dentro de la pantalla y convertirte en una versión criolla de Elmyra Duff: querés abrazarlos a todos y apretarlos fuerte, fuerte, MUY fuerte y no dejarlos ir. Nunca.

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Aquí, casual, luciendo abrazables.

Esta es la historia de Max, un terrier que vive con su dueña Katie en Manhattan y es el adulado del boliche. Max fue recogido de la calle cuando era cachorro, bueno, en realidad lo daban en adopción y ella pasó por ahí y…sí, así comienzan muchas historias de amor. El caso es que luego de años de dicha maternal, Katie aparece con otro perro rescatado: Duke. Más grande, más gordo, y, hay que decirlo, más hijo de puta que Max.

Evidentemente, los celos causan los estragos que han destruido relaciones, familias e imperios y nuestros protagonistas se ven viviendo aventuras lejos de la seguridad de su hogar. Sí, también contribuye la negligencia del pendejo que pasea a los perros. Shame on you, paseador de perros, shame on you.

Curiosamente, lo más gracioso de La vida secreta de las mascotas resulta ser el conejo Snowball, líder de los desechados, un personaje que podríamos decir está “ligeramente” perturbado. Un villano con altura. Con nivel. Con los cambios de humor necesarios para que sea el único personaje del cual comprarías el muñeco. La secuencia de la víbora y la iniciación es tan hilarante que da para reírse salpicando de pipoca algunas nucas.

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La ternura y el desquicie en una bola peluda y blanca

Chris Renaud cuyo currículum tiene cositas como Robots, Despicable Me 1 y 2, la fallida Minions, dirige el filme junto al debutante Yarrow Cheney. Si echamos una mirada a los guionistas, descubrimos a Bryan Lynch, guionista de El Gato con Botas y de Minions, un fulano llamado Cinco Paul que escribió Lorax y Despicable Me 2, entre otras, y para cierre Ken Daurio con Despciable Me 2 y Lorax. No hay mucho qué decir de ese anti-team dream.

Porque no, La vida secreta de las mascotas no es la animación más inolvidable del año. Su problema está en que a mitad de una simpática aunque ya vista premisa (animales quedan a merced del cruel mundo exterior y traban una entrañable amistad) la historia se desarrolla con muchos tropiezos. Como que pierde empuje y todo se va yendo en picada a un final previsible y sin mayores emociones.

Aún así, resulta ser una experiencia amena, que deja el corazón liviano, y hace que volvás a tu casa, abrás la puerta, abracés a ……….. (insertar el nombre cursi y ñoño que le has puesto a tu hijo putativo), lo apretés fuerte, fuerte, MUY fuerte y no lo dejés ir.

Diógenes sabe.

Lo mejor: los animalitos Lo peor: pudo ser mejor La escena: Snowball y la muerte de la víbora Lo más falsete: casi todo no tenía sentido alguno El mensaje manifiesto: la familia también se puede escoger El mensaje latente: hay una vida afuera aparte de sentarse detrás de la puerta a esperar que sucedan cosas El consejo: vela, está divertida El personaje entrañable: Snowball y Gidget El personaje emputante: los HDPs de la perrera El agradecimiento: por Snowball y por tener en nuestras vidas a……………….(insertar el nombre cursi y ñoño que le has puesto a tu hijo putativo).

The Boy

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Hijos.

El gran Stendhal que murió con sífilis y sin hijos conocidos dijo:

Un hijo es un acreedor dado por la naturaleza

Así es Stendhal, así es.

La debutante Stacy Menear escribe el guión de esta película cuya trama inicial es muy interesante, triste y oscura al mismo tiempo. Pareja mayor solicita niñera (Lauren Cohan AKA Maggie en The Walking Dead). La chica va de Estados Unidos a Inglaterra huyendo de un ex novio manita ligera. Un tipo más perturbado que el conejo Snowball.

El trabajo es en una casona de esas antiguas, lo suficientemente alejada de la ciudad/pueblo como para que la protagonista sufra en serio. Nuestra Maggie llega al lugar y le presentan al niño que tiene que cuidar mientras sus jefes se van de vacaciones. El niño resulta ser un muñeco de porcelana. Tal cual.

Los viejos perdieron un hijo hace 20 años, como no superaron la muerte fingen que el muñeco es el niño muerto y, evidentemente, lo tratan como a un ser de carne y hueso. Un Pinocho Millennial.

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Aquí, casual, poniendo al niño a dormir.

El muñeco/hijo tiene sus horarios y actividades específicas y a Maggie se le da una lista de lo que tiene que hacer. Que si come el huevo cocido a los 3 minutos, que si hay que taparlo hasta el coto, que si hay que peinarlo con la raya al medio, etc..

En el momento que le dan la lista, la película se va al carajo.

William Brent Bell no es nuevo dirigiendo películas del género terror. He visto casi toda su filmografía: Stay Alive, The Devil Inside y Wer, y no entiendo cómo puede seguir haciendo las mismas huevadas. O sea, Brent Bell no es nuevo en el género, pero no ha aprendido nada de sus anteriores películas.

Queridos: Cuando no hay, no hay nomás.

The Boy se descalabra tanto en guión como en dirección y Maggie sostiene sola la película con el encanto heredado de The Walking dead. El final es previsible, y es de esos finales que son el peor final que podés poner, esos finales que insultan al espectador.

Lo mejor: ver a nuestra Maggie sin que la persigan zombies o Negan  Lo peor: ver a nuestra Maggie perseguida por un muñeco de porcelana La escena: cuando nuestra Maggie empieza a encariñarse con Brahms Lo más falsete: la resolución al conflicto del muñeco El mensaje manifiesto: Lo que no es, NO ES El mensaje latente: lo que es, ES El consejo: para ver si es que no hay absolutamente nada mejor El personaje entrañable: paso El personaje emputante: no me decido entre el ex, el que le llevaba las viandas, los viejos o Brahms El agradecimiento: porque dura poco.

 

Miedo profundo

the-shallows-posterSupervivencia.

El gran Stephen Hawking, un monumento al arte de sobrevivir dijo:

No está claro que la inteligencia tenga algún valor para la supervivencia a largo plazo

Así es Hawking, así es.

A veces, por las noches me pregunto (entre muchas cosas) cómo puede ser posible que tengás millones de dólares para invertir en una película, contratés un director relativamente decente, y busqués a un guionista clase B, C o D. No se explica.

Miremos The Shallows (Miedo en lo profundo) con un director que quizás no nos ha dado una obra cumbre, pero que es cumplidor. El español Jaume Collet Serra es artífice de La Huérfana, La casa de cera, Non Stop, Run All Night, casi todas con guiones de mierda pero que por lo menos resultan algo entretenidas y con imágenes muy bien filmadas.

En The Shallows, el guión corre a cargo de Anthony Jaswinski, con un prontuario autoral de películas clase B, absolutamente desconocidas. Cuando ya tenés un guionista muy malo, decidís contratar a una actriz que pueda jalar taquilla más por sus encantos que por sus dotes histriónicas, voilá la chica Blake Lively ex Gossip Girl. Blake no es tan mala actriz, sino que está encasillada en papeles así, como este.

La susodicha decide ir a una playa “secreta”. Su madre murió recientemente de cáncer y ella está decepcionada del mundo y del niño Jesús. Hasta la playa la lleva Carlos (Oscar Jaenada AKA Cantinflas) quien deja a la gringa bonita-embikinada ahí.

Muchas cosas malas podrían pasarle a una gringa bonita, sola y embikinada en una playa desierta, pero nos decidimos por el tiburón.

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Hola, soy Blake. Aquí casual y sexy tratando de sobrevivir.

Así se va la hora y media de película (parece más): la gringa tratando de no ser devorada por Tiburcio (el tiburón). Llega un punto en el que vos, desde el anonimato de la butaca, empezás a tararear: No pare, sigue, sigue. No pare, sigue, sigue. Se la llevó el tiburón, tiburón.

A destacar la fastuosa fotografía de Flavio Labiano. Impresionante, aunque a fuerza de ser casi publicitaria le daba un aire plástico a la historia. Esta sensación se acrecentaba con las actuaciones secundarias, que para una película de esta envergadura dejaban mucho que desear.

Mentiría si dijera que me aburrí, la película está diseñada para que sigás esa lucha por la supervivencia de cerca y deseés el triunfo ya sea de la gringa embikinada o de Tiburcio.

Lo mejor: una fotografía muy buena, y algunos momentos del montaje son para destacar Lo peor: Jaume Collet Serra está para mejores brinques La escena: el gordo borracho Lo más falsete: la playa secreta, la muerte de Tiburcio, la sobrevivencia de Blake comiendo bichitos cuando no había pasado ni un día El mensaje manifiesto: no es buena idea ir a lugares desiertos, que ni siquiera conocés y donde no hablás el idioma El mensaje latente: puede que la sobrevivencia no esté ligada a la inteligencia, pero la estupidez sí está ligada a la muerte prematura El consejo: para ver por su buena foto El personaje entrañable: Tiburcio El personaje emputante: el de Jaenada. Sale dos segundos y lo hace muy mal El agradecimiento: porque dura poco.

La última ola

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La naturaleza.

El gran Simón Bolívar que murió de una natural tuberculosis dijo:

Si la naturaleza se opone, lucharemos contra ella y haremos que nos obedezca

Así es, Simón. Así es.

Tenía muchas ganas de ver el filme noruego The wave (La última ola), grande fue mi sorpresa al acudir al cine, pagar por la versión subtitulada, y descubrirme viendo la versión DOBLADA al inglés y subtitulada al español.

No hay palabras para describir lo estafada que me sentí en ese momento. Ignoro si el cine se ha dado cuenta, o no, pero la película debería estar con audio noruego.

Nada chicos, Diógenes siempre tuvo razón, siempre.

Dejando ese gol en contra de lado, puedo decir que el largometraje de Roar Uthaug no tiene nada de especial. Copia fielmente la fórmula americana y la replica en todo su abanico: Familia unida, hijos en peligro, decisiones discutibles, negligencia y sálvese quien pueda.

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Aquí, casual, esperando la ola

Kristian (Kristoffer Joner) es un geólogo que está dejando su pueblito natal Geiranger. Desde que empieza la película nos muestran que Kristian es un poco hinchapelotas y caduco con el tema laboral, es así que cuando las máquinas comienzan a arrojar datos preocupantes acerca de la montaña que rodea al pueblo, él no se queda tranquilo.

Sí, se está mudando pero se huele que algo va mal.  Su preocupación no sirve ni para papel higiénico ya que el desastre es inminente y lo único que consigue es quedar en medio del despelote con su mujer y sus dos hijos.

Sí hay momentos tensos y bien resueltos, pero en definitiva nada que los gringos no hayan hecho mil veces y, encima, mejor. Los efectos especiales de La última ola, más que despertar admiración despiertan ternura, por el esfuerzo evidente con recursos no tan profesionales.

Es entretenida, aunque después de que se desata la hecatombe, no hay mucho más que decir de ella, es como el tiburón tratando de agarrar a Blake o el muñeco asustando a Maggie, más de lo mismo.

Buen intento, amigos noruegos. Buen intento.

Lo mejor: es un blockbuster noruego que se ve sin problemas Lo peor: no poder verla en idioma original, y que no aporta nada al género La escena: la del auto y la de la madre cuando hace lo que hace con el viejo histérico Lo más falsete: el hijo con los audífonos, puede que no haya escuchado el despelote pero el terremoto sí debió sentirlo y la pareja ñoña que se queda a «ayudar» El mensaje manifiesto: hacé caso del sexto sentido El mensaje latente: con la madre naturaleza no se juega El consejo: el cine noruego tiene mejores exponentes El personaje entrañable: la montaña El personaje emputante: el colega negligente de Kristian, la pareja ñoña que se queda a «ayudar» El agradecimiento: porque se deja ver.

PROYECTO 1001: 4) Les Vampires – Los Vampiros (1915)

Por: Mónica Heinrich V.

¡Hasta que por fin!

Sí, hubo un pequeño atore (meses) con esta película, porque la condenada dura casi siete horas y no me gusta ver películas cortadas o por pedazos. No. Acá es a lo sacrificado nomás: sentarse y tratar de verla de un tirón. Si sacamos cuentas es casi una jornada laboral así que por eso la cosa se quedó empantanada como respuesta del Miss Bolivia.

Sin embargo, hoy en este ahumado agosto podemos decir: hazaña cumplida.

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Como estito se trata de escarbar en la historia, empezaremos diciendo que allá por 1915 los franceses del estudio Gaumont vieron con envidia que la competencia, el gran estudio Pathé, había adquirido los derechos para filmar un serial llamado Misterios de Nueva York, y, con afán de progresar, decidieron a las tontas y locas (literal) lanzarse al ruedo con Les Vampires.

La confianza fue depositada en Louis Feuillade, cuya filmografía abarca 630 filmes desde 1906 hasta 1924 (un año antes de su muerte) y que ya había dirigido un serial exitosamente también para Gaumont: Fantómas.

Feuillide, consciente de la moda imperante en técnicas cinematográficas decidió NO seguirlas y tratar de hacer algo que se vea más realista, de ahí que se considere a Les Vampires como un filme pionero del surrealismo.

Dicho surrealismo avant-garde le costó una mala recepción de la crítica, que vio al trabajo del francés algo simplón y sin chiste, considerando lo que ya se estaba haciendo en ese momento.

Feuillide no seguía los lineamientos del momento: cámara más jugadas, ganchos en el relato como los cliffhanger, y otros juguetes técnicos que sí usó en trabajos anteriores a Les Vampires.

Sin embargo, años después se ha revalorizado el filme por su aporte a los seriales y por ser, también, un pionero del género thriller.

Otra cosa que siempre se destaca es el papel de Irma Vep (anagrama de Vampire) como una temprana reivindicación del papel femenino en el cine.

Sobre este puntito déjenme diferir. La tal Irma era en su principio amante y segundona del Gran Vampiro, luego aparece Moreno, la hipnotiza y pasa a ser la amante de turno del nuevo villano, después viene otro (Venomous) y la «hereda» también. Irma va de mano en mano como si fuera un trapo siendo siempre la segunda en mando. Quizás al final hay un poco más de autonomía, porque el personaje se queda literalmente solo contra el mundo.

Lejos de ser admirable, Irma Vep es una fulana que sigue al jefe de la pandilla de turno y encima se enamora de los tipitos como se cambia de calzón. Se podría interpretar que todo es al revés, que son los otros los que caen en sus garras, víctimas de su encanto, pero no. La posición de Irma nunca es de líder de sus parejas. Es al contrario. Ok, dicen que es la primera femme fatale, podríamos pajearnos diciendo que por lo menos para la época el personaje fue un semi-protagónico, pero detesto los “por lo menos” y los “semi”, para ese caso me quedo con la mamá de Guérande que se las batió sola cuando las papas quemaron.

De todas formas, entiendo porqué se considera al personaje rompedor de esquemas, aunque no comparta el principio básico de su fama como tal. Dicho concepto lo comparto si hablamos de la gran Musidora, la multifacética actriz, directora, acróbata, escritora, productora y etcéteras que la interpretaba. Una artista fascinante de cabo a rabo.

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Queremos tanto a Musidora

Les Vampires, al ser un serial, está divido en 10 episodios y no trata sobre los vulgares chupasangres que se espera encontrar a razón del título, no, sino más bien la trama es sobre una sofisticada banda criminal que suplanta identidades, lleva a cabo grandes robos y mata a quien les estorbe.

Desentraño los episodios a continuación para al final hacer un resumen global de todo lo visto en esas largas (casi eternas) horas de visionado:

1.- La cabezada cortada (33 min.)

Situamos la acción en Paris, 1915. Un reportero estrella, Philippe Guérande, trabaja en el diario La Crónica de París y descubre que sus archivos sobre Los Vampiros fueron robados.

Después sabemos que quien se llevó los documentos fue Mazamette, colega de Guérande. Guérande decide perdonarlo luego de ver la foto que Mazamette exhibe de sus niños dando a entender que todo lo hizo por el cochino dinero y sus necesidades de cubrir las pensiones familiares.

Los personajes principales han sido introducidos: Por un lado Guérande, por otro lado Mazamette. El primero más formal, el segundo con un toque cómico. Una fórmula que sigue rindiendo sus frutos hasta hoy.

Guérande parte a investigar la extraña decapitación de un agente que estaba tras la pista de Los Vampiros.

En este mismo episodio, la banda da un golpe y se roba una colección de joyas.

Se descubre a los villanos (un falso Nox que es el Gran Vampiro) y se nos dibuja una idea de sus alcances. Estamos ante un grupo de gente a la que no le importa matar para obtener sus botines.

Como primer episodio estuvo entretenido, nada que sorprenda, pero muy mirable. Además, se asienta la base de lo que se mostrará en el resto de episodios: golpes para robar botines, investigaciones peligrosas, un submundo criminal lleno de juguetes y habilidades inusuales, etc..

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¿Y esa caja? ¿Será que contiene la cabeza que andamos buscando?

2.- El anillo que mata (13 min.)

Así de la nada, resulta que se corre el falso rumor que Guérande está comprometido con una bailarina. Y así, también de la nada, Los Vampiros deciden asesinarla antes de que salga a escena durante una de sus presentaciones.

Guérande, que casualmente está entre la audencia, reconoce a Nox (el don del primer capítulo) y en su afán de atraparlo es capturado. Aparece Mazamette, que resulta ser parte de Los Vampiros, y tomando en cuenta que Guérande fue buen tipo cuando lo pilló robando los papeles en el episodio anterior, lo libera.

Juntos elaboran una trampa y uno de ellos (el Gran Inquisidor) toma el lugar de prisionero de Guérande, quien es asesinado al ser confundido con el periodista. Se descubre que el muerto que es parte de la banda en realidad es un Jefe de la Corte Suprema.

Guiñito a la corrupción francesa y además se la dupla Guérande-Mazamette es oficialmente formada.

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La falsa novia disfrazada de vampiro antes de su triste final

3.- El libro de códigos rojo (39 min.)

En el cuerpo del Gran Inquisidor encuentran un folleto rojo que tiene mensajes cifrados. El primer mensaje anuncia una maldición a quien intente descubrir lo que dice el libro. Philipe regresa a su casa y hace un anuncio al periódico para que crean que dejó la investigación de Los Vampiros.

No obstante, su casa está siendo vigilada por los malhechores.

La famosa Irma Vep se presenta como la artista de un show. Hay un efecto del letrero donde sale su nombre (Irma Vep) que nos permite saber que el mismo es un anagrama de Vampire.

Luego Irma, que lógicamente es parte de Los Vampiros, va disfrazada de empleada a trabajar a la casa de Guérande para tratar de recobrar el libro rojo.

Guérande enfrenta Vep y a otro secuaz. Piensa que los mata pero el revólver tenía balas de salva. Cuando la policía llega, los criminales huyen de nuevo a través de un clásico escape por los tejados (se ve muchas veces durante la serie)

La madre de Guérande es secuestrada y llevada a los barrios pobres parisinos donde otro cómplice más (Padre Silencio) la custodia e intenta hacerle escribir una carta, pero ella saca un bolígrafo envenenado que Guérande le dio y consigue envenenar al Padre Silencio.

Vuelve a su casa y Nox (el Gran Vampiro) al ver el cadáver del susodicho se da cuenta que el bolígrafo usado es suyo y que hay un traidor entre ellos.

Acá ya empezás a notar un patrón: Los Vampiros hacen sus golpes, Guérande investiga y ellos van tras de Guérande.

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Las letras se mueven y forman la palabra Vampire. Tómala FX!

4.- El fantasma (29 min.)

El Gran Vampiro vuelve a suplantar a otra persona, esta vez es Mr. Trepps,  agente inmobiliario.

En este episodio vemos dos golpes de Los vampiros, el primero fallido porque la víctima resulta ser Moreno, un criminal de la banda que rivaliza con ellos, en el segundo asesinan a un hombre que tenía que hacer una transacción de mucho dinero para luego intentar hacerse con esos quintos.

Moreno se convierte en otro antagonista. Él es el que se termina quedando con el botín de Los Vampiros.

En este episodio hay uso de un rústico flashback para que Moreno explique cómo se encontró con el cadáver de Mettadier y usurpó su lugar para conseguir su dinero.

Al final del episodio Moreno es metido a la cárcel.

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Moreno disfrazado de Mettadier, y sorprendiendo a Irma Vep.

5.- El escape del hombre muerto (35 min.)

Moreno finge su suicidio y huye de sus captores. Guérande sigue investigando los truculentos hechos que suceden propiciados por Los Vampiros. Mazamette ve por casualidad dónde es la guarida de Moreno. Moreno, buscando vengarse de Guérande, lo secuestra (escena muy chistosa de cuando se asoma al balcón y de ahí lo jalan para agarrarlo casi casi como pescar un pez o enlazar un chancho).

Acá hay dos escenas visualmente interesantes, una la de la fiesta de la aristocracia francesa que es gasificada y robada, y dos cuando Los Vampiros escapan en el carruaje. La cámara sigue al carruaje en movimiento mientras Moreno se encuentra en el techo.

Moreno también se apropia de ese botín.

El episodio finaliza con la decepción de Mazamette y su rápida conciencia moral de combatir el crimen hasta atrapar a la peligrosa banda.

Nunca está de más recordarle a la audiencia que el mal debe ser perseguido y que el héroe no claudicará en su afán de castigarlo.

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Ese momento en el que pensás que los franceses se volaron la barda con un asesinato masivo («precursor») y resulta ser solo una gasificación menor.

6.- Ojos hipnóticos (53 min.)

Moreno quiere rastrear a sus enemigos y descubre que el asesinato de un notario en Fontainebleu puede conducirlo a Los Vampiros. Entre sus monerías, resulta que Moreno tiene poderes de hipnosis e hipnotiza a su criada Laura para que sea su esclava.

Mazamette y Guérande deciden seguir a un hombre que pasa a caballo muy temprano por la mañana, cosa que les parece sospechosa. Así de tiernos eran.

Descubren que esconde una caja y una vez el sujeto abandona el lugar, van a por ella. Se encuentran ante el botín de unos americanos que están escondidos en el hotel del lugar, casualmente en el mismo lugar que Los Vampiros. El Gran Vampiro no huyó de Fointanebleu después del asesinato del notario, sino que se quedó disfrazado de Count Kerlor e Irma Vep se hace pasar por su hijo.

Se sucede una secuencia que podría resumirse en ladrón que roba a ladrón tiene cien años de perdón.

Hay una “dramatización” para perder tiempo mientras Kerlor (Gran Vampiro) relata a su audiencia las aventuras de un supuesto abuelo así entretiene a los huéspedes del hotel e Irma Vep hace de las suyas.

Este es el episodio donde Moreno hipnotiza a Irma Vep y la hace asesinar al Gran Vampiro para quedarse con ella.

Se cierra el episodio con Mazamette que gracias a la recompensa de Baldwin (el gringo al que devuelven la caja del principio) ahora está viviendo en un lujoso apartamento y hasta mayordomo tiene.

Mientras Guérande lo visita, una horda periodistas quieren entrevistarlo. Afable, Mazamette figuretea y manda mensajes sobre la virtud que siempre será recompensanda aunque el vicio no siempre se castigue.

Aplausos.

Uno de los episodios más «intensos» teniendo en cuenta que el Gran Vampiro es asesinado por la mismísima Irma Vep.

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7.- Satanás (42 min.)

Pues resulta que el Gran Vampiro había tenido jefecito y es nada más y nada menos que un sujeto que se hace llamar Satanás.

Satanás entra a escena y se presenta ante Moreno e Irma Vep. Sabe que el baúl de la sala contiene el cuerpo del Gran Vampiro, lo que altera a Moreno.

Satanás lo paraliza 5 minutos pinchándolo con una aguja especial que tiene en su mano. Los amenaza y se va.

Mientras tanto, Mazamette se está dando la gran vida. Está en un lugar llamado Happy Shack que es una de las guaridas encubiertas de la banda de Moreno. Esperando encontrar documentos sobre Los Vampiros, Moreno ordena a sus secuaces que revisen el departamento de Mazamette.

Satanás le envía un mensaje a Moreno para atemorizarlo, más tarde dispara un cañoñazo hacia el Happy Shack.

Luego se suceden unos cuantos minutos perdidos para ver cómo Mazamette está pasado de rosca con las chicas y el trago.

Irma Vep y Moreno van donde Satanás a rendirse (por lo del cañonazo) y se funden en una sola banda.

Planean otro golpe contra el gringo millonario del anterior episodio, y entra en escena Lily Flower, una cómplice que con triquiñuelas consigue la firma y la voz del americano para poder engañar al banco.

El robo es exitoso y cuando Moreno le lleva el dinero a Satanás, este se lo obsequia.

Mientras tanto, Moreno le lleva el dinero a Satanás y Satanás se lo regala.

Sin embargo, la dicha no dura mucho, ya que Guérande y Mazamette consiguen apresar a Irma Vep y a Moreno al final del episodio.

Si bien se repite la fórmula hasta el hartazgo, es muy interesante ver cómo cambian al villano e introducen a otro MÁS villano aún.

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Mazamette descubriendo que Lily Flower y Los Vampiros se están portando mal

8.- El maestro del trueno (49 min.)

Vep ha sido condenada a cadena perpetua y aún siguen buscando a Satanás. Moreno es ejecutado por la mañana (nunca lo vemos) e Irma Vep es recogida por un grupo de personas que la trasladarán a una prisión en Argelia. Satanás se disfraza de sacerdote y consigue entregarle un mensaje a Irma, diciéndole que harán estallar el barco que la transporta a Argelia y que si sobrevive se encuentren en la guarida.

A Mazamette le devuelven a uno de sus hijos porque es demasiado travieso y ya no quieren hacerse cargo de él. Mazamette convierte al niño en parte de sus investigaciones

El barco de Vep estalla e Irma Vep sobrevive.

Luego Satanás decide hacer una visita a Guérande, ¿por qué? Nunca lo sabremos y lleva un sombrero con una bomba incorporada con la idea de liquidar al periodista, dizque en venganza por lo de Irma Vep.

Mazamette salva el día, descubre la bomba y la hace estallar en otro lado.Van todos a buscar a Satanás que es apresado.

Mientras tanto, Irma regresa como puede a la guarida de Los Vampiros y se pone a las órdenes de El Envenenador. Juntos consiguen hacer llegar un veneno a Satanás con el cual se suicida.

Nuevamente, otro villano que desaparece de la trama y otro villano que se introduce. Además, el pequeño hijo de Mazamette le agrega dosis de humor a una trama que ya acusa su trajín de varias horas o de varias entregas.

Musidora, Louis Leubas et Fernand Herrmann - Les Vampires (1915) plotting
Hola, malditos! Soy Satanás!

9.- El Envenenador (49 min.)

Venomous se vuelve el jefe de Los Vampiros y su principal objetivo es deshacerse de Guérande y Mazamette, para variar.

Irma y Venomous se enteran que Guérande está comprometido y que visita a su novia todos los días. Rentan un departamento vecino al departamento de la futura esposa.

Cuando saben que la pareja dará una fiesta de compromiso, se las ingenian para cancelar el servicio de catering y suplantarlo.

Envenenan el Champagne del brindis, pero no cuentan conque le regalarán una botella a los empleados y que gracias a eso sabrán que está envenenado.

Los Guérande se salvan por unos pelos pero a los días sus enemigos planean un nuevo ataque. Guérande y su novia deciden irse a otra casa para protegerse de Los Vampiros, Irma consigue echar un poderoso sedante en el coche en el que van a viajar y es descubierta por Mazzamette. La cómplice de Irma a su vez sorprende a Mazamette y juntas lo reducen y lo sedan.

Irma se esconde en el coche de Guérande y consigue saber la dirección del escondite de la pareja. Llama a sus cómplices.

Guérande sale de su escondite para ir al encuentro de Mazamette y descubre a Irma en un café de la zona. La sigue y la reduce. Mazzamette llega y juntos se llevan a Irma. Venomous intercepta a todos, consigue liberar a Irma y fugarse con ella. Persecución de por medio, Irma y Venenomous se separan y este se sube al techo de un tren (bonita escena).

Mazamette tiene una trifulca con la policía que aparece para impedir que salte al tren tartando de ayudar a Guérande. En la estación de policía se dan cuenta que es el famoso Mazamette y deciden pasar por alto su falta de respeto a la autoridad luego de una escena en que Guérande le reclama a Mazamette su desubicación. Risas y fin del penúltimo episodio.

Te atrapé, pendeja!
Te atrapé, pendeja!

10.- La terrible boda (57 min.)

Y así, después de un montón de horas llegamos al final de Les Vampires.

Han pasado varios meses, Guérande y su prometida finalmente contrajeron matrimonio pero saben que Los Vampiros siguen tras ellos.

La viuda del concierge que murió envenenado en la cena de compromiso es tomada como ama de llaves.

Atormentada por atrapar a los asesinos de su esposo acude a una espiritista que en realidad es parte de Los vampiros. Mazamette la sigue porque está interesado en ella.

La ama de llaves es hipnotizada entonces para que les abra la puerta a las 2 de la mañana. Mazamette descubre que mintió a Guérande y se queda preocupado. El amor y los celos hacen que la vigile incluso de noche.

Los Vampiros consiguen entrar al departamento e intentan envenenar a Guérande y su esposa soltando un gas venenoso. Nuevamente, Mazamette hiere a una de ellos y salva el día. Augustine (la ama de llaves), Guérande y Mazamette van a la policía.

La esposa de Guérande se queda sola y asustada en su habitación. Saca un revólver para defensa personal.

Por algún motivo, Los Vampiros regresan al departamento y Venomous se cuela a la habitación. Escena que se anticipa a películas como Misión Imposible con el recorte del vidrio para acceder por la ventana.

La mujer finge dormir y les dispara después, pero igual la toman prisionera.

La policía, Guérande y Mazamette van al deptarmento de la espiritista que hipnotizó a Augustine. Ahí, Irma escapa descolgándose de un edificio de 7 pisos y deja una bomba en el cuarto para sus perseguidores.

Se salvan de la bomba pero Los vampiros escapan, Mazamette sigue la pista y Guérande regresa a su hogar para descubrir que su esposa no está.

Mientras tanto, la esposa y también la ama de llaves están prisioneras de Los Vampiros. Guérande y Mazamette siguen un rastro de aceite que asumen es el auto en el que escaparon los bandidos.

La cámara sigue una bicicleta en movimiento manejada por Guérande que llega al escondite.

Los Vampiros estaban celebrando el matrimonio de Irma con Venomous. Mazamette llega con la policía. La banda trata de huir infructuosamente, mientras Guérande esperaba la llegada de Mazamette hizo que la única vía de escape (el balcón) esté fallado. Muchos mueren al caer de ahí incluido el recién casado: Venomous.

Irma consigue salvarse al esconderse en un armario. Una treintena de policías se muestra en escena. Qué producción!

Furiosa, Irma va armada hacia las prisioneras, y la esposa de Guérande la mata. Irma en un acto de rebeldía muere con el puño al aire.

Guérande y Mazamette entran a continuación. Besos, abrazos y celebración. La serie termina con Mazamette que le pide matrimonio a la ama de llaves y con un plano que muestra a los dos parejas finalmente felices.

Muero, perros! pero muero dignamente!
Muero, perros! pero muero dignamente!

Apreciación final

Debo confesar que cuando empecé a ver Les Vampires parecía una colina muy alta, un pequeño Everest. La cámara siempre está estática y la escena está trabajada para detallar los ambientes, el movimiento dentro del cuadro y elementos más realistas, tal cual lo pensó el director. Por eso es que también se la considera una de las obras maestras referentes a la profundidad de campo.

Por raro que parezca no me aburrí. Tampoco voy a decir que la pasé chancho, pero sí seguí con relativo interés las aventuras de Guérande y Mazamette.

Feuillade construye un guión que amén de su simpleza y algo de idiotez, tiene su dosis de burla al establishment, concretamente a la burguesía francesa que siempre es engañada, estafada, y acosada por los malhechores y además, presenta a la policía como una institución inoperante y obsoleta.

Si bien Guérande es uno de los protagonistas, Mazamette es quien se lleva las simpatías de la platea, siendo el único personaje (junto a su hijo) que rompe la cuarta pared y mira directamente a cámara para hacer cómplice al espectador.

De las cosas que me gustaron están los múltiples escapes por los tejados, escenas que tenían un dejo de poesía. Las acrobacias conseguidas con los saltos, los deslizamientos, el descolgarse de un edificio de 7 pisos como lo hizo Musidora, que dicho sea de paso hacía sus propias escenas de riesgo.

También, la cámara que seguía las persecuciones en auto, en tren o en bicicleta.

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Hay una producción tanto de locaciones, vestuario y arte, importante y con muy buenos resultados como la escena del Happy Shack o la de la bailarina que muere en escena.

También me pareció simpática la idea de sacar y meter personajes para refrescar la historia y no quedarse con el mismo villano los diez episodios. Si bien es cierto que Irma se mantiene hasta el final, los villanos hombres rotan bastante.

Hay mucha astucia y creatividad en los elementos que se presentan como parte del juego de Los Vampiros y su vida criminal: Puertas ocultas, pasadizos secretos, potentes armas, venenos, gases, hipnosis, sedantes, etcéteras..

Más allá de eso, los episodios son bastante irregulares. El argumento tiene un montón de baches e incongruencias, quizás debido a que los guiones eran mayormente improvisados y partían de bosquejos del director que se pulían sobre la marcha con los actores en escena.

¿Es una película necesaria, una película para ver antes de morir, así con sus casi 7 horas?

A mí me supuso una experiencia interesante, aunque no sé hasta qué punto valdrá la pena para un espectador común al que no le interese el trasfondo histórico.

Hay cosas que admirarle a nivel estético y de manejo de la historia por la creación de algunos climas y por saber llevar su historia durante 10 entregas a pesar de la repetición de situaciones y elementos.

Me quedo con el descubrimiento de la gran Musidora y con esa frase  de La Fontaine que cita Guérande en el quinto episodio:

En todas las cosas, hay que tener en cuenta el final.

CURIOSIDADES

  • Los que quieran lanzarse a la piscina de verla con sus propios ojos, acá el link: Les Vampires
  • Es considerada una de las producciones más largas.
  • Debido a sus características, Les Vampires es considerada parte de una trilogía de Feuillade en la que se incluyen: Fantómas y Judex.
  • La idea de la banda Los Vampiros puede haber sido inspirada por la banda Los Bonnot, grupo de ladrones que asoló Francia entre 1911 y 1912.
  • Debido a la I Guerra Mundial, los actores a veces eran llamados al frente de batalla y había que reemplazarlos.
  • Este filme empleó tintes para las escenas que diferencien las horas del día en que sucedían: ámbar para luz interior, verde para luz exterior, azul para la noche y lavanda para los climas de clubes o amanecer.
  • Se lanzó de a dos episodios y los primeros aparecieron en noviembre de 1915, los últimos en junio de 1916.
  • La policía forzó su censura diciendo que era una glorificación de la vida criminal y que los dejaba mal parados, finalmente la censura se quitó y el filme continuó su exhibición sin percances.
  • Los tres actores protagónicos (Guérande, Mazamette e Irma Vep) fueron llamados de nuevo para trabajar bajo las órdenes de Feuillade en sus películas Judex, Tih Minh, Barrabas y Parisette.
  • Hay una película de 1996 dirigida por Olivier Assayas que se llama Irma Vep cuya trama gira en torno a un director de cine que intenta hacer un remake de Les Vampires.

CINE: Suicide Squad (Escuadrón Suicida)

Por: Mónica Heinrich V.

Premier de una película, brillitos, lentejuelas, alfombra roja, hombre casi cincuentón grita: «Fuck Marvel!».

Horas después, el mismo individuo se disculpa a través de twitter diciendo que solo repetía cual muñeco de ventrílocuo lo que dijo un fan.

Como canta la India: Ese hombre que tú ves ahí, que parece tan galante, tan atento y arrogante es el infame David Ayer, director de Suicide Squad.

Repasando la filmografía de David Ayer (Training Day, Sabotaje, End Watch, Fury) nos damos cuenta que está a la altura de su comentario “de salón” y, por supuesto, de todo perendengue mal contado que distrae la pupila en esta entrega tan esperada del universo DC.

Porque sí, abnegados compañeros de butaca, si pensamos que Batman VS Superman era lo peor que le podía pasar a dicho universo, es porque no habíamos visto esto.

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Colorinchis y rechinantes como el tercer día de carnaval

No, no hace falta ser maestro Pokemon para atrapar ese monstruo feo, deforme y rosado que metaforiza la decepción dejada por el producto de Ayer.

Y digo decepción subiéndome al barco a la deriva ocupado por los fans, geeks, freaks, y público en general que realmente navegaban con la cara pintada color esperanza.

Alguien dirá: “Por lo menos, es más entretenida que BvS”.

No sé. Sería la tutti que estuviera para resoplar almohadas teniendo tanto personaje pintoresco, el cortísimo short de Harley Queen y situaciones bizarras varias.

Pero empecemos hablando de la película, con spoilers al trochis mochis, como debe ser.

Hay una doñita llamada Amanda Waller (Viola Davis), que con la muerte de Superman se fatiga pensando “y ahora quién podrá defendernos”, entonces se le ocurre reclutar a ciertos personajillos que sean CAPOS para sus matufias, capos pero desechables. Estamos hablando de esos tenedores que parecen metálicos pero que en realidad son de plástico: son útiles, sacan de apuros pero si los perdés o se fregan no pasa nada.

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Señores, ahí donde me ven he ganado un Emmy y fui nominada al Oscar.

Estos personajillos tienen evidentes problemas mentales, son asesinos, han vivido mucho tole tole, y no son precisamente gente a la cual escarbarle los sentimientos o usarlos de modelo de vida como si se tratará de un Michael Phelps. No.

Buena parte de la película se desarrolla en la presentación de los reclutados: que si DeadShot es el mejor sicario del mundo mundial, pero OH! su talón de Aquiles, su Kate del Castillo es su pequeña hija. Que si Harley Queen se enamoró del Joker (¿amor?) y se volvió más impredecible que el invierno cruceño. Que si Diablo vive atormentado por haber perdido a su mujer y a sus hijos (espacio para sentir penita por un feminicida que con o sin súper poder ejercía la violencia doméstica y la violencia a secas) Y bla bla bla bla y más bla.

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Lo mejor de este personaje son las chinelas: cómodas, a rayas y no se meten en las hendiduras de los dedos

Cuando la tal Amanda tiene luz verde para juntar a tan ameno grupete y defender la Patria (USA), entran en escena Batsy (Ben Affleck) y Flash, que los capturan en mode: flash y sin intervenir mucho más porque sí, recordemos chicos: los héroes siempre son funcionales al sistema.

A cada prisionero se le inserta una especie de chip explosivo en el coto que servirá como elemento disuasivo de intentos escapistas. Nada como la coerción en un país que ha fundado sus cimientos de esa manera.

Lo que hasta ahora era soportable se va al carajo con la aparición de la Encantadora, interpretada por Cara Delevigne.

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Tráfico de influencias, malos efectos especiales, pésima actuación, todo condensado en este frame

Ignoro cuya elección fue, quién la puso por amistad, taquilla, o simple ceguera de murciélago, el responsable de ese casting lanzó un gargajo al firmamento y cayó pegajoso encima de nosotros. Asco.

Esta tipa no sabe ni contonearse, y no tiene la fuerza actoral para un personaje que se supone tiene que hacer frente a los loquitos arriba mencionados.

Por si fuera poco, la Encantadora es una de las reclutadas, y Amanda teniendo en su poder el famoso corazón que la destruiría al tiro, la deja montar un zafarrancho que pone en peligro a la siempre aterrorizada Norte América.

La brujita tiene poderes de diversas índoles y alcances, puede hacer hamburguesas de todos y cada uno de los crispines que la persiguen, y crea un portal (¿?) muy choto con la finalidad de, a su vez, crear “un arma” (¿?).

Es frente a esa cosa brillante, insulsa, donde la no menos insulsa Cara hace su mejor esfuerzo contorsionista y naranjas.

No existe plastilina en el mundo que me ayude a explicarles con qué fin u objetivo sucede toda esa secuencia. Tampoco tengo ganas de enlistar los portales, rayos verticales, fuentes de poder, que vengo viendo desde hace años en películas de súper héroes (¿es un plugin prediseñado?), mientras el malo maloso se ventea por ahí e intentan destruirlo hasta que en una burla al extrañado Alejandro Dumas, consiguen vencer la amenaza bajo el «todos para uno y uno para todos«.

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Te acordás que antes de que venda escáneres, allá por 1996, ¿me deshice de un bollo de aliens?

Esta trama tan “compleja” fue escrita por el mismo David Ayer, que sí, se basó en los cómics originales, concretamente los producidos en los 80s por el señor Ostrander y los escritos por Adam Glass a partir del 2011, pero que producto de las malas reseñas obtenidas por Batman Vs Superman y la exigencia de hacer de Escuadrón Suicida una película familiar, termina con una trama absurda, sin contenido de ningún tipo, bobalicona, con una villana de risa e inoperante, y unos antihéroes poco memorables.

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La cagamos, Puddin!

Will Smith vuelve a interpretar a, fanfarrias por favor, Will Smith. Solo le falta vender escáneres o darle a su hija un Handy para hablarle desde su celda/nave espacial. Su paternalismo yanqui llega hasta la mimosa Harley Queen, una Margot Robbie compenetrada en su papel de objeto sexual cinematográfico y de perturbada partner del Joker. Jared Leto, pobrecito él, piensa que lo jodido de la película es que dejaron al Joker en apariciones boludas que juntas suman en total 15 minutos, pero NO Yisus Leto, No. No hay nada que tu personaje pueda hacer por la película de Ayer. Nada. Vos sos parte del problema, no de la solución. Hay que hincarse de rodillas y dar gracias a Dios y al de abajo porque no tuvo más minutos en pantalla. Yisus nos entrega un Joker que parece un tipo con un «mal viaje» cospleyeando a Ledger/Nicholson juntos.

Jai Courtney interpreta al Capitán Boomerang, que al igual que el resto de suicidas desechables tiene poco brillo del cual presumir. Ustedes saben: personajes de relleno para el Príncipe del Rap (aka Will Smith).

Lo peor sucede cuando ya asumida la chicha sin dulce de Cara y el despelote de la trama y el desperdicio de personajes y  la cruel estafa de los tráileres donde nos prometían más Joker del que en realidad había, llega el cherry de la torta: los sociópatas/psicópatas que forman parte de la troupé, desarrollan sentido de pertenencia y son más unidos y leales entre ellos que los mismísimos Ingalls. Ñoños express.

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Somos rudos…y sí…nos amamos

¿Algo para rescatar? ¿Así como cuando una potencial pareja no te gusta y decís que es buena gente?

Dentro de todo es una película muy bien filmada, con personajes que merecían mejor suerte, con algunas secuencias que visualmente son hermosas (la introducción de Harley Queen está como de videoclip), con una banda sonora que gustará y que tiene temas emblemáticos como The House of Rising Sun (Animals), You don´t own me (Grace), Sympathy for the devil (Rolling Stones), Paranoid (Black Sabbath), entre otros, y claro, ese tipo de distracción boluda, sin culpas, que puede sentarle muy bien a una parte de la platea.

A diferencia de BvS que era solemne, Suicide Squad quiso hacer la gran Deadpool y jugar con algunos chistes, un par funcionan y otros se quedan a medio camino. A mí Escuadrón Suicida me vendía locura, irreverencia, y desmadre, al final tenemos unos psicópatas ñoños protagonizando una película muy desechable.

Como dijo acertadamente un gringo al criticar esta tierna incursión americana:  Suicide Squad convierte al universo de DC en el Donald Trump de los blockbusters.

Buenas noches.

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Lo mejor: a nivel visual tiene sus buenos momentos y al ser un fanservice habrá fans que la disfrutarán (sí me lo copié de la reseña de BvS) Lo peor: Suicide Squad tiene demasiada desidia en el guión y mucha inmadurez del director o del estudio o del espíritu santo La escena: la presentación de Harley Queen (bonita), la del portal (terrible) Lo más falsete: excesos de flashbacks, la villana es una lágrima y los tipos rudos demasiado ñoños El mensaje manifiesto: taquilla no es equiparable a calidad (sí, también me lo copié de la reseña de BvS) El mensaje latente: a veces el villano te da la dimensión que alcanzará el héroe o su equivalente El consejo: si la vas a ver, no gastés en el 3D, ni esperas demasiado (último copie de la reseña de Bvs) El personaje entrañable: el pobre Ben Affleck haciendo de un Batman emo (no, este será el último último) El personaje emputante: la Encantadora, obvio El agradecimiento: por haber dejado solo esos 15 minutos al Joker de Yisus Leto.

 

CURIOSIDADES

Tom Hardy era el elegido para ser Rick Flag, pero por sus compromisos con El Renacido no pudo ser parte de la filmación.

Entre toda la chorizada de escenas que cortaron están varias que involucran a Yisus Leto, a Killer Croc, el pasado de Diablo, y otros. Según dicen los que se quejan del corte final (Yisus Leto) se dejaron muchas cosas en la sala de edición.

El pobre Yisus se metió tanto en su papel de Joker que actuaba como tal incluso cuando no estaban filmando. Hubo gente del crew que estaba algo atemorizada por su comportamiento e incluso Will Smith dijo que no pudo conocer su verdadera personalidad porque siempre estaba en personaje. Sí, y después de toda esa paja mental Yisus solo tuvo 15 minutos en pantalla. Shit Happens.

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Es la tercera aparición del Suicide Squad en personajes de carne y hueso. Ya aparecieron en TV, en las series Smallville y Arrow.

Ryan Gosling fue tentado para hacer el Joker, pero no quiso atarse a una película que suponía secuelas. Muchacho inteligente.

La entrega del producto final supuso para David Ayer un estrés extremo, la película pasó por las manos de varios editores, de conflictos creativos, y de exigencias de Warner, sobre todo con el resultado que obtuvo BvS se hicieron muchos cambios e incluso se refilmaron escenas para inyectarles humor.

Jai Courtney había declarado que nunca estaría en una película de súper héroes. Helo aquí. Helo aquí.

Emma Roberts fue ofrecida por Warner para interpretar a Harley Queen, papel que ella rechazó para dedicarse de lleno a su serie televisiva.

La película se filmó en Toronto y Ontario bajo el nombre Bravo 14.

David Ayer castineó a Cara cuando no había guión por lo que le recomendó que para preparar su personaje se desnudar en el bosque, preferentemente a la luz de la luna y caminara. Ella dice que siguió las indicaciones (insertar emoticón que vuelca los ojos)

Para la Encantadora las opciones eran: Brie Larson, Megan Fox, Ellen Page, Emma Stone, Alicia Vikander, Emilia Clarke…hmmm…sí…cualquiera hubiera sido mejor, cualquiera.

Zack Snyder dirigió la escena en la que Flash captura al capitán Boomerang.

El hijo de Clint Eastwood, Scott Eastwood aparece en la película como uno de los ayucos de Flag.

Hay una escena post-créditos en la que Waller hable con Bruce Wayne y le entrega documentación clasificada. Un pobre intento de unir este despelote con La liga de la Justicia.

Un fan ha demandado a Warner por publicidad engañosa. Alude a que todos los trailer de Suicide Squad mostraban al Joker como la voz cantante y luego fue al cine y se encontró con que el Príncipe del Rap era el mandamás. Veremos qué sucede.

TEATRO: El Pato Salvaje

Por: María José Ferrel

El actor, director y dramaturgo Percy Jiménez alista nueva obra en busca de darle continuidad a un equipo de trabajo colectivo.

El Pato Salvaje es la obra que da inicio al proyecto “Cooperativa Tamayo”, se trata de una adaptación del clásico de Henrik Ibsen y se estrena en La Paz el próximo 6 y 7 de julio en el teatro Calvert. Tendrá también una gira nacional y reúne a una constelación del teatro boliviano.

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En la obra actúan Cecilia ‘Tik’ Michel y Erika Andia quienes junto -a los ya reunidos en Tamayo: Mauricio Toledo, Freddy Chipana, Miguelangel Estellano y Bernardo Rosado- apadrinan el debut en las tablas del músico Jorge Zamora.

A este grupo se une el talento de Paola Oña en el vestuario, la originalidad de Carlos del Águila en la escenografía y la juventud de Guillermo Sainz en la producción ejecutiva. La música, iluminación y diseño gráfico son producidos por miembros de la Cooperativa Tamayo que además son actores de la obra.

 Según Jiménez debido a las condiciones de producción de arte existentes en Bolivia algunos creadores tienden a tener una actitud solipsista o de “yoismo” en la producción, provocando una exacerbación de lo individual por encima de lo colectivo, esta actitud se traduciría en un pensamiento “individualista y por tanto tuerto, sesgado, obnubilado”.

Esta es la razón principal del nacimiento de la Cooperativa Tamayo.

Como colectivo, consideramos que la actitud individualista a la que nos llevan nuestras circunstancias, no hacen más que mantenernos con la cabeza en el agua, sin poder ver más allá de nuestras narices. Contra esta concepción planteamos que sólo a través del otro es posible la creación. Es en el espacio que nos separa del otro, valorizado de manera correcta, que seremos capaces de superarnos a nosotros mismo¨, apuntó el director.

Jiménez explicó que la Cooperativa trabaja en base a tres líneas, que, si bien exceden el ámbito de la estética o del arte en sí mismo, buscan potenciar su quehacer: Lo colectivo, el afecto y el deseo.

“El Pato Salvaje, no es una decisión gratuita, primero porque conlleva por detrás la idea de sostener un equipo de trabajo que ha resultado muy potente, me refiero a la Cooperativa, que a su vez representa una búsqueda en nuevas formas de asociarse. Por otra parte, creo que esta obra produce ecos muy profundos en nuestra realidad hoy, desde políticos, humanos y sociales entre otros. Pienso que será un trabajo al que nadie podrá permanecer indiferente y espero que cuando la obra haya terminado y el público salga del teatro, no pueda olvidarse muy rápido de ella¨.

Sobre El Pato Salvaje

El Pato Salvaje proviene de una tradición de lo que algunas llaman realismo psicológico, donde la curva dramática del personaje está explicada en su psicología, algo muy de la época (finales del siglo XIX), y donde las ideas evolucionistas y positivistas están plasmadas en el texto.

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Sin embargo, para Jiménez, esta obra, marca dentro de la producción de Ibsen, un primer paso hacia lo que sería un teatro simbolista, corriente que el autor noruego fue poco a poco abrazando.

“Mi trabajo como dramaturgo, -en el sentido de adaptar la pieza-, fue el de limpiar todo ese psicologismo, para hacer aflorar con mayor claridad el simbolismo, de manera que el texto tienda a quedarse en lo esencial. De esta manera, adquiere una contundencia inusitada, más acorde a nuestro tiempo y a nuestra sociedad”.

Jiménez indicó que al quitarle los justificativos psicológicos, la obra también adquiere un carácter más violento, donde los personajes, están sometidos a situaciones, y donde es la situación lo que hace que el personaje sea ridículo u obscuro: “en ese sentido, eso es algo aprendido y robado a Shakespeare”.

Sinopsis

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Después de quince años, Hiarlmar Ekdal y su amigo Gregorio Werle, se reencuentran. Gregorio ha vuelto buscando vengarse de su padre y para ello no vacilará en utilizar cualquier cosa, eso incluye, la familia de su amigo, Hialmar. Él quiere demostrar que su padre ha forzado el casamiento de Hialmar con la antigua empleada en la casa Werle (Gina Apaza) para ocultar, no sólo una hija bastarda, sino también su responsabilidad en los hechos de corrupción que llevaron al padre de Hialmar a la cárcel.

En esta realidad, nadie es quien parece ser. Detrás de cada quién se ocultan secretos que podrían alterar gravemente la estabilidad de las cosas.

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Blog: Textos que Migran 

María José Ferrel

TELEVISIÓN: River (BBC)

Por: Mónica Heinrich V.

Quizás lo que más atrae de River es esa comprensión abrumadora sobre el ser humano que transmite: todos estamos, de alguna manera, rotos.

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River no es solo una serie policiaca, River habla de demonios, de vacíos, de una lucha diaria contra la locura. Su tono es oscuro y triste, algunas escenas hacen que el corazón se te encoja al punto de querer abandonarla.

Hay melancolía en esa mirada al perturbado mundo del detective John River (Stellan Skarsgård), lo denso no está únicamente en los asesinatos, el modus operandi, o la caza de un criminal. Lo denso es lo que se esconde detrás: las mentiras, las verdades, los terribles secretos de las familias “normales”, las apariciones, lo humano.

Abi Morgan, cuyo trabajo más reconocido como guionista es la también desoladora Shame de Steve McQueen, compone un mundo lleno de personajes que intentan no ahogarse en el día a día de eso que llamamos vida.

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Una noche cualquiera, River y su compañera Stevie (Nicole Walker) charlan, comen comida china, y mientras ella se despide alguien le dispara a quemarropa.

Stevie muere en los brazos de su compañero, y dicha muerte acosa a nuestro personaje por muchos motivos que se van desarrollando a lo largo de los seis episodios que dura la serie.

El piloto es de una belleza pocas veces vista en un piloto de este tipo de shows, ese plano secuencia en el que se descubre la muerte de Stevie y el final del karaoke son dos escenas demasiado memorables, he pensado mucho en esas escenas y en su soundtrack: el cursi clásico I love to love de Tina Charles.

A pesar que la trama gira en torno al enfermo River, tenemos más personajes: Ira, el joven policía que eligen ponerle como compañero en reemplazo a Stevie; la familia de Stevie, con una mamá Bridie que no es lo que parece ser; Chrissie, la jefa con problemas maritales; una comprensiva psiquiatra; víctimas de otros crímenes que hay que resolver en paralelo a la obsesión por la muerte de Stevie; y Thomas Neill Cream (el envenenador de Lambert) que aparece como una suerte de alter-ego de River, algo a ratos excesivo para mi gusto, pero que en determinados momentos de la historia parecía encajar perfectamente.

No, no solo se trata de un buen guión: la dirección, la fotografía, las actuaciones son un plus total. Esa cámara vouyerista que desde lejos espía a un River trabajando en oficinas de grandes ventanales. Esos cortes donde vemos las apariciones y luego no las vemos más. Ese River atormentado, esa encantadora Stevie. Esos momentos surrealistas en los que se presiona al argumento para ir al fondo del fondo. Sí, River es en conjunto una gran serie.

Al llegar al episodio 6 se descubre lo que estábamos esperando. NO es una gran sorpresa, o por lo menos pude intuirlo más o menos desde el episodio tres, pero cerramos lo empezado con más belleza, una dolorosa belleza.

Nuevamente Tina Charles nos canta que ama amar, y vos te quedás con los créditos que corren sobre un fondo negro, se te forma un incómodo nudo en la garganta mientras pensás en la locura, en las cargas, en las apariciones y, claro, en la soledad…la maldita soledad.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: personajes muy bien construidos, y consigue traspasar la línea de ser solo una serie de detectives y asesinatos Lo peor: algunos momentos del alter-ego, y que puede ser un poco opresiva. La escena: el plano secuencia que descubre lo de Stevie, lo del karaoke y el baile al final del episodio 6 Lo más falsete: puede que a nivel de la línea de investigación resulte más obvio el final, y se tarde demasiado en llegar a él El mensaje manifiesto: la gente está muy sola  El mensaje latente: la soledad jode demasiado El consejo: para verla de un tirón El personaje entrañable: Stevie, River El personaje empujaste: el tío sinverguenza, la vieja encubridora, el marido infiel El agradecimiento:  por una gran gran serie.

CINE BOLIVIANO: Juana Azurduy, guerrillera de la Patria Grande

La biopic siempre conlleva retos.

En este caso, un personaje como Juana Azurduy es aún más desafiante porque se trata de una figura histórica cubierta por el manto del heroísmo.

Así es patriotas lectores, cuando se toca a héroes se puede caer en la tentación de hacer algo muy solemne, claro, para no faltarles el respeto y darles a través del cine la preponderancia que tuvieron en la vida real.

Nuestro Jorge Sanjinés toma ese camino, el de la solemnidad, y desde la primera escena recalca que estamos ante una heroína. No importa si es en su versión joven en el convento o montada sobre un caballo, la Azurduy de Sanjinés no abandona nunca la pose grandilocuente.

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Tampoco lo hacen el resto de personajes que se mueven a su alrededor: Simón Bolívar, Sucre, Lanza, Ascensio Padilla y hasta los despectivos visitantes (doctores) que tocan a la puerta de Azurduy para ver al Libertador.

Esa solemnidad y el aura de forzado misticismo acompañan a un guión pensado para resaltar hechos históricos pero sin el necesario «paisaje» que permita humanizar a los personajes en su cotidianeidad  y le den un respiro a tantos datos y a los excesivos «Doña Juana».

La película toma como punto de partida la visita que hicieron Bolívar, Sucre y Lanza a Juana Azurduy en 1825 y ahí la narrativa se desarrolla en pos del recuerdo. Un vaivén entre los flashbacks y el presente.

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Desde el punto de vista histórico, los hechos son presentados como si se tratara de una clase para estudiantes de colegio, hay didáctica pero no hay análisis alguno.

Se podría decir que Juana Azurduy peca de excesos en cuanto a su forma, pero en definitiva se queda corta en contenido. En el afán de retratar momentos históricos la figura de Juana queda un poco desdibujada: aparte del hecho de ser mujer, guerrillera, y heroína, sus logros reales como combatiente son solo una anécdota para que Bolívar, Sucre y Lanza la llenen de halagos pueriles.

La lucha independentista, las traiciones, el tema de clase, raza, las punzantes aristas de la llamada «cuna volcánica de la revolución», los intrincados intereses que movían a un bando o a otro, son también un telón de fondo mal dibujado.

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Nuevamente, Sanjinés no escatima en el discurso, en moldear la historia (como hizo en Insurgentes) para que calce con la coyuntura nacional, y ojo, acá no hay oportunismo sino una sincera convicción, pero para el espectador común podría dejar la fuerte sensación de estarse comiendo un panfleto.

Como puntos a favor: la fotografía de César Pérez tiene algunos buenos momentos, aunque sea incomprensible la decisión (ya sea del fotógrafo o de Sanjinés) de la cámara en mano para escenas que no lo requieren, hay también una linda música de Cergio Prudencio de la que a ratos se abusa y los aportes más sólidos son de dirección de arte y las locaciones.

Es difícil evaluar al apartado actoral teniendo en cuenta que lo que vemos es el resultado de la dirección de actores y como ya se mencionó al principio, todos y cada uno de ellos actúan desde un barniz heroico que sumado al errático guión le hacen un flaco favor al filme.

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Las posibilidades de acogida de esta película comienzan y terminan en la franja de público que se sentirá atraído por la veta histórica didáctica y otros, afines al discurso de Sanjinés, que la verán como una obra reivindicadora de causas largamente postergadas.

En la práctica, estamos ante un trabajo de factura técnica aceptable pero con un guión que se mueve entre lo ingenuo y lo infantil, que exhibe más que analiza y que adolece de la solidez necesaria para cohesionar la película. Encima tiene un look de película latina de los ochentas, muy marca registrada de nuestro apaleado cine.

Nadie podrá negar la poco frecuente inversión conseguida por el proyecto, ni las aspiraciones de ser un filme épico, ni la cantidad de gente involucrada que seguramente esperaba un mejor resultado, ni las ilusiones con las que se gestó. Bien por eso, bien por ellos.

Uno podría mirar para otro lado y decir que sí, que por eso funciona aunque sea un poquito, ya se sabe: la famosa palmadita en la espalda al cine boliviano.

Desgraciadamente, este nuevo trabajo de Sanjinés se revela como una re-reconfirmación de varios puntos: 1) la aún inexistente industria de cine boliviano 2) la aún inexistente película exportable boliviana 3) la inutilidad de enormes presupuestos a la hora de sacar una película de calidad competitiva.

No puedo menos que pensar que el filme húngaro que ganó este año innumerables premios en Cannes y otros festivales, El hijo de Saúl, tuvo un presupuesto similar y el resultado es abismalmente distante.

Una pena por Doña Juana.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: a nivel técnico no está tan mal y rescata a un personaje olvidado que merecía mejor suerte Lo peor: abarca demasiado y termina con poco La escena: cuando muere el hijo de Juana, la concepción de la escena, el diálogo, muy básico Lo más falsete: nuevamente, la escena de la muerte del hijo de Juana, el baile final, los discursitos del final, cuando acusan de traidor a Ascensio y hacen elipsis temporal sin desarrollar una de las mejores partes, bueno, casi nada era muy convincente El mensaje manifiesto: no es la flecha es el indio El mensaje latente: humanizar es más interesante que mitificar El consejo: vela, por ahí sos de los que se entretiene a nivel histórico El personaje entrañable: los indios El personaje emputante: los clasistas, racistas de la época El agradecimiento: no deja de ser una visión o una versión, habrá quien la disfrute.

CINE: X-Men: Apocalypse (X-Men:Apocalipsis)

Por: Mónica Heinrich

Señoritos-Señoritas.

Figurita repetida no llena álbum. Hay que mandarle un telegrama urgente al director de cine Bryan Singer, porque lo vivido en la sala del Cinemark solo es equiparable a un hamster trepado en su pequeña rueda.

Así, de golpe y porrazo, estamos ante la peor entrega de la saga X-Men hasta la fecha.

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Lo comprendo, lo comprendemos. Somos seres que van al cine y pueden toparse con huevadas como Batman vs Superman, por lo que la idea de una X-Men «resfalando» después de 8 entregas (si contamos los infortunados Spin-Offs de Wolverine) no solo es lógica sino predecible.

Pero ¿qué es lo que hace al filme tan…hmmm -no vamos a decir malo- …fallido?

Déjenme comerme un cesto de mandarinas mientras reflexiono.

En su concepción de historia, en esa línea de tiempo que pretende ser secuela de Días del Futuro Pasado y precuela de lo ya visto en las anteriores a esa, pues X-Men:Apocalipsis está rocambolesca y más cargada que un ekeko.

La fórmula de este tipo de películas se mantiene intacta: Villano megalómano psicópata se quiere apoderar del mundo (destruirlo, refundarlo, what ever), y los mutantes (divinos ellos) salvarán a la humanidad incluso cuando esta humanidad los desprecia. Para variar: Magneto anda entre el sigue y el detente y hay más tránsfugas que en nuestro escenario político.

Problemita Uno
Hola, soy Apocalipsis, ¿entendieron? porque sembraré el apocalipsis. Sutileza es mi apellido.

«En Sabah Nur» (AKA Apocalipsis) es supuestamente el peine tupido de los piojos. El primer mutante que ha acumulado durante años poderes de otros mutantes. Al inicio de la película el susodicho está apoderándose del don de la inmortalidad.

En plena «transfusión» es traicionado y queda sumergido en una especie de sueño que años más tarde (cientos de años más tarde) es roto por unos tipejos que no sabemos bien de dónde salen ni porcuás están ahí cantando al pedo y queriendo levantar al bicho ese de entre los muertos.

Además, así como «pasaba por aquí y vi la luz» el hecho es presenciado por Moira McTaggert (ex-crush, lover, memoriaborrada del profe Xavier) que también es agente de la CIA y que anda al mejor estilo de Indiana Jones entre las ruinas y siendo partícipe del bochinche.

Así se alza Sabitoh y empieza a reclutar a cuatro pendejos que no se sabe para qué los necesita si el tipo con solo mover las pestañas liquida como moscas a quien se le antoje. Inexplicablemente, Magneto que no suele ir de segundón se le une.

Sabitoh es un as de las ciencias, la filosofía, el arte de la guerra, la telequinesis, los waffles y un largo etcétera. Sin embargo, su personaje tiene el carisma de una piedra al sol, cero. Oscar Isaac es el actor que interpreta como puede a uno de los villanos top de Marvel. Acá hay discusiones que pueden resolverse con unos cuantos balazos al amanecer pero, para no pecar de reaccionarios, diremos que Isaac tampoco tiene mucho material con el cual lucirse.

Estamos ante un villano que teniendo todas las cartas a su favor se la pasa caminando como momia estreñida por toda la película, siendo parte de peleas inútiles y artificiosas. Encima piensa que es necesario dar mensajes a la humanidad/mutantes para AVISARLES que serán destruidos.

Un poco más de dignidad, che.

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Dignidad, ola ke ase

Mientras Sabitoh encuentra la dignidad, el guión de Simón Kinberg (Los 4 Fantásticos, Sr. y Sra. Smith, Días del Futuro Pasado)  decide hacer lo que está tan de moda en las películas de súperheroes:

  1. Agarrar hartos personajes con bastantes conflictos existenciales cada uno (Jean y el miedito a sus poderes/ Scott y el miedito a sus poderes/ Mystique y su repentino apego al bajo perfil/ Magneto tratando de ser un humano más/ Xavier y su pasado amoroso que se vuelve actual/ Quicksilver y el «Yo soy tu hijo» que queda colgando toda la película/ Lobezno enjaulado por ahí/ ZzzzZZZzzzzZZZZ)
  2. Esos personajes hay que mezclarlos unos con otros y otros con unos sin ton ni son en una sinfonía de efectos especiales y relaciones casi endogámicas.
  3. No importa si Jubilee no hace un carajo, metámosla, algún fan la reconocerá y se pondrá feliz. No importa si Psylocke solo muestra un lindo traje de latex negro, metámosla algún fan se pondrá feliz.
  4. Al final, habrá un enfrentamiento épico donde esos «todos» que andan revueltos medirán fuerzas.

Sí.

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Seguimos a Apocalipsis porque…bueno, porque nos dio la gana.

Siento algo de vergüenza ajena que tantas veces mueran mujeres y niños en pantalla para justificar la existencia malvada de un psicópata Hijo de Pooh.

Eso pasa con Magneto, a quien le hemos visto su hilacha crazy bitch desde sus tiempos en los campos de concentración nazi, y tanto en el futuro (cuando ya es viejo y lo interpreta Ian McKellen) como en el pasado, el fulano ante cada incordio de la vida se va a matar a quichicientos crispines y luego tiene escenas emotivas con el profe Xavier y Mystique, quienes prácticamente le dicen: «Hasta siempre, amigo querido».

Evidentemente, Kinberg (guionista) no ayuda mucho y deja al conflicto de Magneto, y al de los demás, sin desarrollo en pos de empezar la siguiente escena de acción, el siguiente «paisaje», el siguiente gag.

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Creo que si algo se extraña en esta entrega es el contenido que X-Men ha tenido desde sus inicios, es decir: en medio del tunchi tunchi, siempre había un trasfondo fácilmente identificable que involucraba aspectos más profundos, o por lo menos los bosquejaba. Acá se cede a la dejadez narrativa y la idea (aparente) de Bryan Singer  que el público actual es como el público que acudía al circo romano a ver la damnatio ad bestias: le ponés un león que se coma a alguien y listo.

¿Y de la fidelidad al cómic cómo andamos?, no hay ni para qué reflexionarlo porque hace rato cada quien agarró el camino que le dio la gana.

Ya para cerrar, quizás X-Men:Apocalipsis tenga algunas secuencias (la reciclada escena de Sweet Dreams con Quicksilver) o lucimientos personales (Fassbender) que hagan su visionado aceptable, pero estos ojitos se encontraron con una película sin chispa, cansada, rutinaria como si el hamster trepado en su pequeña  rueda llevara años ahí.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: dentro de todo se deja ver Lo peor: mucho ruido y pocas nueces La escena: ya lo vimos en la anterior Días del Futuro pasado, pero la secuencia de Quicksilver y Sweet Dreams Lo más falsete: casi todo El mensaje manifiesto: figurita repetida no llena álbum El mensaje latente: el tiempo pasa nos vamos poniendo viejos El consejo: para verla si no hay nada mejor que hacer El personaje entrañable: Nightcrawler El personaje emputante: el boludo de Magneto, el boludo de Xavier, el boludo de Apocalipsis, casi todos El agradecimiento: porque termina

CURIOSIDADES

Idris Elba y Tom Hardy fueron considerados para interpretar a Apocalipsis.

Stan Lee hace un cameo.

Ellen Fanning, Chloe Moretz fueron consideradas para el rol de Jean.

Se van a filmar cuatro películas más confirmadas en torno al universo X-Men.

La escena de Quicksilver en la mansión dura como tres minutos, pero tomó meses filmarla entera, Quicksilver fue el actor que más tiempo pasó en set por esa secuencia.

Presupuesto aproximado de 178.000.000 $us.

CINE HÚNGARO: El hijo de Saúl (Son of Saul/Fia Saul)

Por: Mónica Heinrich V.

«Nunca se sale del campo” dijo Shlomo Venezia sobre Auschwitz en una entrevista del 2010.

Shlomo fue uno de los 70 Sonderkommandos que sobrevivió al holocausto judío.

Shlomo fue uno de los miles de Sonderkommandos.

Los Sonderkommandos eran grupos “especiales” que los Nazis formaron para que los judíos se conviertan en ejecutores de otros judíos a cambio de mejores condiciones de vida dentro del campo. Como dice el director húngaro László Nemes, a esas personas se les arrebató hasta el consuelo de sentirse inocentes.

b8b2c578-saul-posterSaúl, nuestro Saúl, también está en el campo, en Auschwitz y es un Sonderkommando.

Los primeros segundos del filme escuchamos sollozos apagados, vemos siluetas difusas, y la muerte esperando.

Fuera de foco.

La cámara acompaña con precisión esa demoledora introducción donde se nos presenta a un personaje sumergido en un infierno para el cual no existe aún una palabra o descripción posible.

Foco.

Saúl hace su trabajo como un autómata. La muerte se ha normalizado y de alguna manera todos cumplen un rol.

Los prisioneros entran a darse una ducha que los limpiará del largo viaje en tren, se desnudan, apilan la ropa en colgadores con números-no se olviden del número, cuando regresen les ayudará a ubicar sus cosas- y pasan a las cámaras de gas.

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No. Claro que no.

Los sonderkommandos no podían decirles a los prisioneros que iban a ser exterminados, que la prometida ducha no era otra cosa que un mortífero gas,  no estaban autorizados para hablar. Su labor consistía únicamente en optimizar la llegada de los trenes, la repartija de la gente (“selección”) y, luego, hacer de la muerte un hecho eficiente.

ALERTA SPOILER

Esa tarde en la que escuchamos los pájaros cantar y vemos las ramas verdes que se mecen, un nuevo tren llega.

Estos nuevos prisioneros son llevados nuevamente a la cámara de gas, nuevamente se desnudan y nuevamente mueren. Saúl, en un instante que no se remarca, descubre entre los cadáveres a su hijo.

FIN DEL SPOILER

Nemes, el director, te tiene agarrado- literalmente- de los ovarios y de las pelotas. Su cámara, portando durante toda la película un lente de 40 mm., nos da la información que Saúl permite.

No hay los grandes planos de otras películas que tocan el tema de la locura nazi, no existe ese aspaviento de mostrarte miles y miles de cadáveres, de hechos terribles y desgraciados en primer plano casi con morbo, no los hay, porque en la concepción que hace Nemes del horror no son necesarios.

Screen Shot 2016-05-24 at 5.07.33 p.m.

El fuera de foco se usa para insinuártelo, para que tu imaginación, para que tu mente llene los espacios en blanco.

El horror no parte de afuera, nace desde lo más profundo del espectador.

Y funciona.

ALERTA SPOILER

Saúl, en medio de su oficio de Sonderkommander, rodeado de muertes, de hombres/mujeres/niños sentenciados, decide que su hijo debe tener un correcto entierro judío. Él no permitirá que el cuerpo sea cremado o echado a una fosa común.

Es su hijo. O eso parece creer.

Se abre una jodida ventana en la que se pone en duda si este hijo por el cual se está arriesgando tanto es en verdad el hijo de Saúl o es parte de un delirio producto de las crueles circunstancias.

El resto de la película vamos junto a este sujeto, que ya tiene una enorme X roja dibujada en su chaqueta, en la búsqueda de un “rabí”, un rabino que le ayude a enterrar a su hijo.

saul-fiaParalelamente, los sonderkommandos saben que a su unidad les está por llegar la hora y deciden resistirse

Cada tres o cuatro meses los sonderkommandos eran eliminados también, una forma de purga que garantizaba el secreto de lo que se hacía en el campo y en la vida real es en 1944 que se tiene registro de la única rebelión llevada a cabo en Auschwitz:  los sonderkommandos que intentaron escapar a su destino.

Nemes, toma este escenario e inserta a Saúl y al cadáver de su hijo.

FIN DEL SPOILER

Con un tema que parecía agotado, el cineasta húngaro consigue dar una bofetada. Tipo guante de box que lleva dentro un ladrillo. No solo retrata los abismos de la locura nazi, sino los abismos de la locura de los prisioneros.

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La película tiene muchas capas, cosas que se dejan en el aire esperando ser interpretadas.

Es un filme incómodo, abrumadoramente triste y desolador.

Lo que más se agradece y se reconoce es la magistral lección cinematográfica que da el director en esta opera prima.

Con una economía de recursos notable construye una  película memorable.

El hijo de Saúl visualmente tiene una apuesta arriesgada. Este estilismo se maneja casi enteramente con planos cerrados, planos secuencia, luz natural en los exteriores, fuera de foco y silencios.

85 escenas bastan para ser partícipes de la barbarie.

El guión escrito por el mismo director y por la francesa Clara Royer, tiene sus altibajos a partir de la mitad de la película, altibajos donde se puede sentir en algunos momentos la mano de los guionistas, pero eso no importa. No.

La historia es tan poderosa que cuando llegan los enormes minutos finales y el niño corre entre el bosque alejándose de la muerte, es imposible no sentir ganas de aplaudir.

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Lo peor es que Shlomo Venezia tenía razón, una vez conocés el campo, no se lo deja nunca.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: a nivel técnico es una joya en todo sentido Lo peor: quizás, esperaba más del guión La escena: el principio, el final Lo más falsete: lo del falso rabí, muy predecible El mensaje manifiesto: en el horror uno se pierde El mensaje latente: nunca se deja el campo El consejo: para verla y admirarla en su grandiosa factura El personaje entrañable: los prisioneros El personaje emputante: los nazis El agradecimiento: por una lección de cine.

CURIOSIDADES

  • Se filmó en 28 días con un presupuesto cercano a 1.000.000 de dólares.
  • En inició se planteó como una película francesa con un personaje francés y en coproducción con varios países, finalmente los candidatos se bajaron del barco por encontrar el filme muy riesgoso.
  • László filmó El hijo de Saúl basándose en una especie de Dogma personal: La película no tendría que lucir hermosa, no se podía convertir en una película de terror, quedarse con Saúl significaba no ir más allá de su campo de visión o escucha o presencia y la cámara se queda con él a través de ese infierno.
  • El trabajo más arduo fue el diseño de sonido que tomó cerca de 5 meses. Voces humanas en 8 idiomas fueron agregadas a lo largo del metraje para darle mayor realismo a la situación.
  • Ninguna de sus 85 escenas dura más de 4 minutos.
  • Géza Rohrigh (Saúl) es un poeta amigo de László que fue invitado por el cineasta para hacer un papel secundario. Cuando vieron su casting quedaron convencidos que era la persona ideal para interpretar a Saúl. Géza no actuaba desde los 80s.
  • El hijo de Saúl (al inicio vivo y luego muerto) fue interpretado por un par de gemelos que se turnaron durante la película.
  • László fue asistente de Bela Tarr.
  • La mujer que le da la pólvora a Saúl existió realmente y fue ejecutada por el mismo hecho durante la rebelión del 44.
  • La certeza de que se trataba del hijo de Saúl era precisa en los primeros borradores, en las re-escrituras se fue tornando una realidad ambigua, y marcando la duda de si no eran delirios de Saúl. Uno de los que creen que no era su hijo es precisamente el actor que interpreta a Saúl.
  • La familia materna (abuelos de su madre) del director húngaro murió en campos de concentración.
  • Hay un corto de László filmado en 2007 que ya marcaba un poco el tono de lo que sería El hijo de Saúl y que aborda la temática del holocausto:

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