LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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Teatro

TEATRO: La misión (Amassunu)

La misión de la misión

Por: Toto Torres

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La misión, memoria de una revolución, es una obra tan barroca que para hacer sólo una reseña haría falta escribir varias páginas, es de tal complejidad que un análisis de la puesta demandaría un análisis de la historia de las revoluciones y del teatro.

No se ingresa al universo de Müller sin abrir una caja de Pandora, en la obra esta caja se desparrama en el lienzo de la escena, como el delicioso cuadro Bosch, pero más saturado por ser el tiempo (irónicamente) corto y el espacio breve.

Por eso, yo que no quiero perderme esa densidad de agujero negro, esquivo a la obra y me pongo a hablar hoy de lo que circunda a la presentación y que también aporta a la construcción, de forma indirecta pero concreta, del hecho teatral.

¿Quiénes asumen la misión? es una pregunta fundamental para el éxito de cualquier tipo de misión, con quiénes se cuenta realmente. En un inicio, para asumir una misión hay que entenderla, y cuando la organización del festival no se da cuenta que la obra empieza cuando el público entra a la platea y ve a una actriz que está sentada cocinando, cuando se interrumpe esta acción dramática con un largo discurso de premiación y un sorteo, es claro que la misión no se ha entendido y no puede ser asumida como propia, por eso creo que el festival no asume la misión.

Pero a su vez cuando uno pregunta en la mesa de almuerzo y salas de espera ¿qué tal la misión? y la gente conocida te responde:

– Parece que no está muy buena.

– ¿La has visto?

– No, solo la han mostrado en Santiago.

– Entonces…

– Los actores dicen que…

Ahí te das cuenta que tampoco tod@s l@s que actúan en la misión la han asumido, quizás tampoco tod@s la han entendido. ¿Cómo actúas algo en lo que no crees? ¿cómo dices un texto que no comprendes, si la obra no resuena en ti cómo resonará en el público? El elenco en pleno tampoco asume la misión y entonces ¿de quién es esta misión?

¿Qué misión tiene la misión? La obra irá de gira por dos meses a Europa, pero ¿cuántas veces se presentará en Bolivia? ¿cuántos espacios tienen las condiciones técnicas para acoger esta obra, cuántos pueden darles 2 días de montaje, quienes pueden acceder a entradas que cubran el costo de un espectáculo como este? Será que ¿La Misión de una Escuela Nacional de Teatro que funciona en uno de los barrios más pobres de Santa Cruz es una misión para europeos?

Y es que hay que pensar que una obra en tanto acontecimiento social no solo tiene que ver con lo que pasa sobre la escena.

Esta obra no tuvo un conversatorio, pero sí un desmontaje al que no pude asistir, amigas que sí asistieron al montaje comentaban que, a raíz de ciertas preguntas, era evidente esta falta de entendimiento de la propuesta escénica de parte de algunos actores.

Aún así, los pormenores de un desmontaje no justifican ante el público las falencias del espectáculo, a este no le interesa si las actuaciones no logran dar cuenta de la obra o si la puesta está descontextualizada, si la obra no le gusta se va, y hasta el ahora en todas las presentaciones de La Misión siempre hay público que abandona la sala y la obra.

Si ya viste la obra, puntúala!

FICHA TÉCNICA

Autor Heiner Müller Dirección Matthías Langhoff Elenco permanente de la Escuela Nacional de Teatro (Amassunu) Javier Ambol, Susy Arduz, Fernando Azoge, Selma Baldiviezp Casis, Alana Delgadillo, Jessie Gutierrez, Óscar Leaño, Antonio Peredo Gonzales, Ana Marcela Merdez, Marcelo Sosa y Gabriela Tapia Escenografía Matthias Langhoff y Catherine Rankl Iluminación y sonido Caspar Langhoff Asistente de dirección Carlos Sciaccaluga Administración Mireille Brunet Productor ejecutivo Marcos Malavia (Sourous compagnie)

Coproducción Bolivia Escuela Nacional de Teatro Coproducción Francia CDN Comedie de Caen, Festival Sens Interdits, Théâtre de L’Union, Festival Next, Sourous compagnie y Théâtre de la Ville.

Matthias Langhoff nació en Suiza después de que su padre comunista fuera liberado de un campo de concentración. A los 18 años volvió a Alemania e ingresó al Berliner Ensemble. Durante 20 años se dedicó a la dirección junto a Manfred Karge, impactando al público con su brutal visión de la historia. En 1985 Langhoff se fue a Francia. Continuó con su estilo provocador y barrocas puestas en escena, especialmente adecuadas para el teatro crítico de Müller, las tragedias de Shakespeare, el antiguo teatro griego y las obras de Brecht, O’Neill y Chejov.

Amassunu –que significa “palabras del agua” en lengua originaria– es el elenco permanente de la Escuela Nacional de Teatro (ENT) de Bolivia. Fue fundada en 2013, fruto de los 10 años de funcionamiento de la ENT. Su primer montaje fue La brújula del Chaco, con actrices y actores egresados de la escuela dirigidos por Jean Paul Wenzel. La obra fue invitada a realizar una temporada en el Théâtre du Soleil de Ariane Mnouchkine en 2014, después de la cual realizaron una gira por Europa.

TEATRO: El Pato Salvaje

Por: María José Ferrel

El actor, director y dramaturgo Percy Jiménez alista nueva obra en busca de darle continuidad a un equipo de trabajo colectivo.

El Pato Salvaje es la obra que da inicio al proyecto “Cooperativa Tamayo”, se trata de una adaptación del clásico de Henrik Ibsen y se estrena en La Paz el próximo 6 y 7 de julio en el teatro Calvert. Tendrá también una gira nacional y reúne a una constelación del teatro boliviano.

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En la obra actúan Cecilia ‘Tik’ Michel y Erika Andia quienes junto -a los ya reunidos en Tamayo: Mauricio Toledo, Freddy Chipana, Miguelangel Estellano y Bernardo Rosado- apadrinan el debut en las tablas del músico Jorge Zamora.

A este grupo se une el talento de Paola Oña en el vestuario, la originalidad de Carlos del Águila en la escenografía y la juventud de Guillermo Sainz en la producción ejecutiva. La música, iluminación y diseño gráfico son producidos por miembros de la Cooperativa Tamayo que además son actores de la obra.

 Según Jiménez debido a las condiciones de producción de arte existentes en Bolivia algunos creadores tienden a tener una actitud solipsista o de “yoismo” en la producción, provocando una exacerbación de lo individual por encima de lo colectivo, esta actitud se traduciría en un pensamiento “individualista y por tanto tuerto, sesgado, obnubilado”.

Esta es la razón principal del nacimiento de la Cooperativa Tamayo.

Como colectivo, consideramos que la actitud individualista a la que nos llevan nuestras circunstancias, no hacen más que mantenernos con la cabeza en el agua, sin poder ver más allá de nuestras narices. Contra esta concepción planteamos que sólo a través del otro es posible la creación. Es en el espacio que nos separa del otro, valorizado de manera correcta, que seremos capaces de superarnos a nosotros mismo¨, apuntó el director.

Jiménez explicó que la Cooperativa trabaja en base a tres líneas, que, si bien exceden el ámbito de la estética o del arte en sí mismo, buscan potenciar su quehacer: Lo colectivo, el afecto y el deseo.

“El Pato Salvaje, no es una decisión gratuita, primero porque conlleva por detrás la idea de sostener un equipo de trabajo que ha resultado muy potente, me refiero a la Cooperativa, que a su vez representa una búsqueda en nuevas formas de asociarse. Por otra parte, creo que esta obra produce ecos muy profundos en nuestra realidad hoy, desde políticos, humanos y sociales entre otros. Pienso que será un trabajo al que nadie podrá permanecer indiferente y espero que cuando la obra haya terminado y el público salga del teatro, no pueda olvidarse muy rápido de ella¨.

Sobre El Pato Salvaje

El Pato Salvaje proviene de una tradición de lo que algunas llaman realismo psicológico, donde la curva dramática del personaje está explicada en su psicología, algo muy de la época (finales del siglo XIX), y donde las ideas evolucionistas y positivistas están plasmadas en el texto.

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Sin embargo, para Jiménez, esta obra, marca dentro de la producción de Ibsen, un primer paso hacia lo que sería un teatro simbolista, corriente que el autor noruego fue poco a poco abrazando.

“Mi trabajo como dramaturgo, -en el sentido de adaptar la pieza-, fue el de limpiar todo ese psicologismo, para hacer aflorar con mayor claridad el simbolismo, de manera que el texto tienda a quedarse en lo esencial. De esta manera, adquiere una contundencia inusitada, más acorde a nuestro tiempo y a nuestra sociedad”.

Jiménez indicó que al quitarle los justificativos psicológicos, la obra también adquiere un carácter más violento, donde los personajes, están sometidos a situaciones, y donde es la situación lo que hace que el personaje sea ridículo u obscuro: “en ese sentido, eso es algo aprendido y robado a Shakespeare”.

Sinopsis

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Después de quince años, Hiarlmar Ekdal y su amigo Gregorio Werle, se reencuentran. Gregorio ha vuelto buscando vengarse de su padre y para ello no vacilará en utilizar cualquier cosa, eso incluye, la familia de su amigo, Hialmar. Él quiere demostrar que su padre ha forzado el casamiento de Hialmar con la antigua empleada en la casa Werle (Gina Apaza) para ocultar, no sólo una hija bastarda, sino también su responsabilidad en los hechos de corrupción que llevaron al padre de Hialmar a la cárcel.

En esta realidad, nadie es quien parece ser. Detrás de cada quién se ocultan secretos que podrían alterar gravemente la estabilidad de las cosas.

Facebook: #ElPatoSalvaje 

Twitter: #ElPatoSalvaje

Blog: Textos que Migran 

María José Ferrel

TEATRO: La moribunda

No sabrás lo que es el amor

Por: José Andrés Sánchez

No sabrás cómo duelen los labios,

hasta que hayas besado y pagado el costo

(Don Raye)

ea79d3cd-b6c9-4f16-9395-e802bff654d9Al final hace su ingreso Chet Baker. Luz baja en el escenario. Transpiración y pasión. “No sabes cuánto queman los corazones, por un amor que no vive, más nunca muere”. Piano, trompeta y una voz de dulce melancolía. Los actores se besan, los corazones laten, los labios duelen. Alguien dentro de la sala suelta una solitaria lágrima. Sobre el escenario se escucha el gemido del desamor.

Nosotros, el público, presenciamos un viaje por emociones absurdas y reales. ¿Cuántas toneladas de energía nos acaban de regalar ambos actores? ¿Cuánto debieron vivir para ofrecernos tal intensidad sobre el escenario? ¿Qué debió morir, para que La Moribunda viva? “No sabrás lo que es el amor, hasta que aprendas el significado de la tristeza”.

En 1987 falleció el actor y dramaturgo argentino Batato Barea. Hizo teatro irreverente, despojado de cánones. Fue libre. Murió de Sida. Pocas semanas después sus compañeros de tablas Alejandro Urdapilleta y Humberto Tortonese presentaron una nueva obra. Era la historia de dos hermanas que cuidan a otra hermana convaleciente. Fuera de la casa sucede algo que las obliga a mantener un encierro durante décadas. ¿Una guerra? ¿Un tsunami? ¿El fin del mundo? ¿La vida misma?

Lo que Javier Silva y Nathalya Santana nos ofrecen tiene sabor a renacimiento. Sobre el escenario, ellos se mueven sobre tres niveles y recorren las cuatro estaciones del año. “El propósito de presentarla fue un amor profundo por el texto”, explicó luego Silva, que además es el director. “Es una combinación entre lo poético y lo grotesco. Tiene rituales y a la vez se desarma. Empieza como algo denso, con estos dos monstruos deformes. Luego los códigos se transforman. Termina siendo casi una joda”.

A los actores les tomó tres meses de trabajo dar vida a las hermanas Kara y Karren. Incluso realizaron un retiro en las montañas de Samaipata. Allí, acompañados por la tranquilidad de la brisa valluna y su clima templado, forjaron las personalidades de estas hermanas intensas y destruidas por la tragedia. Había que escapar del bullicio citadino para crear este delicado Frankenstein, o como Silva lo llama “este bebé de siete dedos en cada mano”.

La canción que suena al final se llama “No sabrás lo que es el amor”, compuesta por Don Raye y Gene de Paul. La interpreta el trompetista y cantante Chet Baker. La sensibilidad de su voz es delicada y desesperada. En vida, el músico recurrió a mundos imaginarios con el fin de salvarse. Su elección fue la heroína.

Kara y Karren también crean ilusiones para sobrevivir. Ellas imaginan que van a la playa, organizan cenas ficticias con escritores y artistas, juegan al amor y la pasión. Todo con desespero y urgencia. Todo para sobrevivir. Exuberante fantasía aquella de inventar mundos para encontrar una sonrisa y labios que nos besen.

“¿Cómo podrías saber lo que es el amor, lo que es el amor, lo que es el amor…?”

¿Acaso no es eso justamente el amor?

José Andrés Sánchez

BROADWAY: Something rotten!

Nothing’s as amazing as a musical!

Si estás en Nueva York, si querés ir a Broadway, si rompiste tu alcancía para poder ver alguna obra y estás en el Times Square sin saber para qué lado jalar en el tetín marín de do pingué, PARÁ DE SUFRIR! Dirigí tus piecitos directo al teatro St. James y comprá sin mayores preámbulos tus tickets para Something Rotten!.

Porque esta obra es LA OBRA!, así, con exclamation point.

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Ya nomás entrás al teatro y ves una decoración perfecta. El telón se abre y la secuencia Welcome to the Renaissance da la bienvenida al público que se sorprende gratamente y es automáticamente situado en el renacimiento, época en que la historia se desarrolla. Un excelente Michael James Scott es el encargado de ese cuadro, el ritmo es pegajoso, la coreografía impecable y poco a poco te vas sumergiendo en el tejemaneje de los personajes.

Esto estará lleno de spoilers, porque aunque lo cuente punto por punto lo que sentís al vivo es OTRO NIVEL y además, para que aquellos que no hablan inglés y quieren ver la obra igual puedan entenderla un poquito.

b1024865-31e2-492f-88a6-6a04035005b9-620x372Nick (Brian D’Arcy James) y Nigel (John Cariani) son dos hermanos con ansias de hacer la súper mega obra de teatro.

Oh, sueños de grandeza y salvajes desvaríos!

Nick está casado con Bea (Heidi Blickenstaff) y atraviesa duros momentos económicos, mientras que Nigel es el que escribe, el que lleva la responsabilidad de crear esa “obra maestra”.

En ese camino al éxito hay un pequeñísimo problema, el hombre del momento no es otro que William Shakespeare considerado un genio, un Dios y cuyas obras son las más vistas y comentadas del ambiente. Así vemos un número cuya frase principal es I Hate Shakespeare y que pinta de cuerpo entero la animadversión de Nick por el famoso bardo.

Nick, desesperado ante la imposibilidad de superar al infame Will, recibe ayuda de un vidente llamado Nostradamus (un genial Brad Oscar) que le dice que en el futuro lo in, lo que atraerá público como ovejas al corral, lo que va a ser lo más más del teatro será: un musical.

Nick asombrado exclama:

¿o sea, un actor está diciendo sus líneas y de la nada, solo empezará a cantar?

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Y tal cual, se inicia una secuencia de canto y baile espectacular, en la que se refieren a la estructura de un musical, a cómo la gente se volverá loca con las obras, a lo exageradamente cara que es una copa de vino dentro de los teatros, guiñitos a los musicales más conocidos de Broadway (Les Miserábles, Annie, Chicago, etc..) y gags perfectamente elaborados.

Cuando Something Rotten! te tiene absolutamente en sus manos aparece, así como una gloriosa epifanía, el señor Christian Borle para interpretar al odiado William Shakespeare.

Su secuencia Will Power y su “Es bueno verme o ¿qué?” nos hacen comprender a pleno porqué carajos le dieron el premio a mejor actor en los Tony de este año.

You sexy bastard!

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Nick, sin saber qué hacer con su musical y agobiado por la presión económica, narcisista y figuretti, recurrirá nuevamente a Nostradamus preguntándole cuál será el nuevo éxito de Shakespeare. Nostradamus tendrá un ligero problema de conexión mental y le dirá que ve la palabra Omelette.

Sí, sí, sí. No Hamlet sino Omelette. Nick, que confía plenamente en las dotes del vidente tomará la palabra Omelette para crear a su alrededor un musical con huevos danzantes.

Shakespeare también tiene sus problemas existenciales y aparece en escena para contarnos que Its hard to be the bard, por lo que en su crisis de la hoja en blanco y con guiñito a algunas versiones históricas de que Shakespeare realmente no escribía sus obras, se filtra en la obra de los huevitos.

You REALLY sexy bastard!

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Y sí, también hay tramas periféricas, Bea se viste de hombre para ayudar a Nick y lanza textos en pro de la igualdad de género, Nigel se enamora de la hija de un pastor, un pastor homofóbico que como vi en muchas obras de Broadway representan afeminado y secretamente gay.

Ojo, esta es una obra ligera, ligerísima, sin otro objetivo en la vida que hacer que el público pase un muy agradable momento y rendirle una tierna pleitesía al musical, burlándose de él mismo.

El texto es creación de John O´Farrel (Pollitos en fuga, entre otras) y Karey Kirkpatrick (Pollitos en Fuga, Charlotte´s Webb) y la dirección/coreografía de Casey Nicholaw, que curiosamente también participó en The Book of Mormon, obra que encontré bastante regular.

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Muchas veces contuve el aliento y me quedé mirando el escenario como estúpida y musitando un sincero WOW.

Así que, claro, el texto no es profundo, y la historia de amor es pusilánime y olvidable, pero en su conjunto, en su gran conjunto, tiene canciones que salís tarareando y que recordás muchos días después, te dan ganas de volver a verla, y de seguir la carrera de alguno de los actores que son sencillamente grandiosos (Borle, damm sexy bastard).

Something rotten! te pinta una sonrisa en la cara, y al salir al Times Square seguís casi macabramente con ella. Te ponés el pin que te regalan como cortesía y pensás que el mundo es un maravilloso lugar, lleno de colorido, pajaritos, y arco iris.

El poder de una buena obra.

Mónica Heinrich V.


Para comprar tickets por internet: http://www.broadway.com/

Lo mejor: Impecable de principio a fin
Lo peor: tiene mucho colgandijo adicional que no aporta nada
La escena: la apertura, la de la revelación de Nostradamus sobre el musical, y por supuesto, la de Will Power.
Lo más falsete: la historia de amor de Nigel, el pastor afeminado y la resolución algo simplista
El mensaje manifiesto: Romper moldes a veces puede parecer tomar decisiones estúpidas
El mensaje latente: El que lo tiene, LO TIENE
El consejo: Verla, una o dos o tres veces, lo que la plata y el pellejo aguante.
El personaje entrañable: obviamente el sexy bastard: SHAKESPEARE y también Nigel ahhh y Nostradamus está genial.
El personaje emputante: Nick era un poquito emputante y la hija del pastor también.
El agradecimiento: Por la magia.

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