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ESPECTÁCULO: An evening with Pacino

Por: Mónica Heinrich V.

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La noche anterior salimos a comprar papel higiénico.

Estábamos cerca del Obelisco y vimos, a lo lejos, un bollo de gente amontonada en las puertas del Colón.

Dedujimos que eran espectadores de An Evening with Pacino por lo que a pesar del cansancio nos aproximamos para escuchar al voleo algunas impresiones del show. Nunca hay que desperdiciar las impresiones al voleo.

Resultó que el grupo llevaba un buen rato esperando que el señorito Al saliera del imponente edificio. Tres autos con vidrios ahumados se encontraban estacionados cerca de la puerta. Un estirado cuerpo de seguridad observaba sin inmutarse a los cholulos. Eran aproximadamente las 23:35 p.m.

Una disyuntiva se abrió en nuestra mente: la de continuar con la búsqueda de tan necesario implemento higiénico o ver qué sucedía.

Mientras tanto, un hombre bajito hablaba por teléfono. Sostenía en una de sus manos el programa del show que acababa de ver y contaba emocionado a quien sea que estuviera detrás de la línea que “lo vi, no podés creer lo que fue”, “el cine es una cosa mágica”. Un taxista mayor, canoso, se estacionaba en doble fila ponía sus luces de parqueo, bajaba del auto y también quería la foto del gran Michael Corleone. Claro, el Colón de “gala” y Pacino no son para los taxistas mayores y canosos.

Decidimos quedarnos.

No pasábamos de 40 personas, de las cuales algunas fueron abandonando el barco. Hacía frío, era tarde y el camba no salía ni con fórceps.

En eso se acercó un muchacho, evidentemente jonkie, evidentemente algo “ido”, evidentemente.

“Hey, loco. No se asusten. Solo quiero comprensión y un poco de ayudita” dijo a los que tenía más cerca. “Ah. Están esperando a Al Pacino”.

No era pregunta, era afirmación, era sapiencia.

“A mí me encantan todas sus películas. Sí, loco. Scarface, Carlito´s way, Serpico. Las vi todas. Y lo mejor es que son de drogas y narcos. Es repiola”.

Nadie hizo contacto visual con el advenedizo. Se quedó como peto mocochinchero, dando vueltas por ahí. Las drogas y los narcos que tanto fascinan de Pacino no tenían el mismo brillo en la vida real.

Después de unos 45 minutos, el chico dijo con desgano: “Ahí vieeene”. Como quien muestra a un animal viejo y cansado que a él, en lo particular, no le interesa.

Los flashes se dispararon, la gente se agolpó. La figura menuda, engafada de Pacino apareció. Hubo quien gritó: “Al, Al” como si Al fuera a escuchar su nombre y se detuviera a tomarse una selfie y a firmar un autógrafo y por lo menos preguntarle el nombre a quien conocía el suyo.

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Nada de eso sucedió. La salida duró apenas unos segundos. Tiempo suficiente para que el “ido” saliera de su apatía y empezara a gritar como el más fan de los fans: “Say hello to my little friend”, “Hoo-ah”, “Hoo-ah”.

Los autos de los vidrios ahumados se pusieron en marcha. El taxista mayor y canoso revisó su celular para ver si consiguió una buena instantánea que valiera la pena mostrar en casa. El “ido” murmuró a la noche y a quien quisiera oirlo: “Y… ni tiró ondita. ¿Viste?”.

Era momento de conseguir el papel higiénico.

***

El sábado el clima mejoró. Los periódicos llenaban sus páginas con el “fenómeno Pacino”, hablaban de los 800 pesos que dejó de propina en un restaurant japonés, mencionaban a Lucila Polak la novia argentina con la que enamora hace casi una década y a la que le lleva como 40 años, mostraban fotos de las “celebridades”que pudieron acercarse a saludarlo: Susana Giménez, Mirtha Legrand. Furor local apalancado por la gran industria hollywoodense.

Ahí, en la penumbra, quedaba latiendo el debate sobre la pobre gestión que hizo Darío Lopérfido manejando el Colón, dejando de lado obras/espectáculos de carácter más “enriquecedor” (dicen los puristas) para dar paso a alquilar el boliche como si fuera salón de eventos de quinceañero.

¿Pacino es digno del Colón? Esa no debería ser la pregunta. El tema de fondo involucra aristas legales como productoras creadas a último momento, sin trayectoria (la del cuñado de Pacino que fue quien llevó el show asociado a Adrián Suar), que arrancaron la producción del evento hace dos o tres años y que recién se establecieron como empresas en abril de este año. ¿Cómo pudieron obtener la venia del Colón? Esa es la pregunta.

Cri Cri Cri.

Pero sigamos con el sábado. Con Al. Con Pacino.

A las 20:03 llegamos a lo que sería su segundo y último show en suelo porteño.

El Colón es un teatro de estilo renacentista francés. Elegante, inmenso, con capacidad para albergar a casi 2.500 almas. Las secciones están muy bien delimitadas. Tenemos la platea, y alrededor de la misma se alzan palcos (un palco privado puede alcanzar hasta 10.000 $us. para 10 personas) y balcones. El último piso es la zona más barata, los asistentes ni siquiera tienen butaca, ven todo el espectáculo de pie. Un amigo argentino designó a ese sector como “el gashinero”.

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La seguridad que fiscaliza que alguien del gallinero no se cuele a platea es bastante rígida. Para llegar a platea pasás como cinco filtros de control. No, el gallinero no se puede mezclar así nomás con la platea.

El show iba a ser en inglés por lo que en la entrada daban audífonos para tener un traductor en el oído. Terrible y molesto detalle, ya que toda la función el sonido se acopló (algunos sordos lo ponían muy fuerte) y para los que estaban sin audífonos fue complicado concentrarse en lo que decía Pacino con la bulla de fondo.

Era obvio que la gente (de todos los sectores del teatro) se había tomado muy en serio eso de “An evening con Pacino” y un 80% de los asistentes parecían estar viviendo una suerte de mini alfombra roja. Como en una cita soñada, algunas damas fueron al salón de belleza, sacaron su mejor vestido de gala, sus zapatos altos y los varones vestían de traje.

Cuando se apagaron las luces, un reel (un poco largo) recordó al público porqué estábamos ahí. Las películas más conocidas de Pacino aparecieron en la pantalla gigante. Curiosamente, casi todas pertenecen a décadas atrás.

Luego, el hombre del momento apareció desaliñado, con la camisa arrugada, sudoroso, con fuertes signos de cansancio, criollamente diríamos “hecho bolsa”.

Recordemos que este espectáculo es tal cual su nombre. No es una velada con Alfredo James Pacino. No es una obra teatral. No es Ricardo III. Es una velada con Pacino, con la estrella. La que cobró más de medio millón de dólares.

A su lado estaba Iván de Pineda: modelo/conductor/actor. Todo muy entrecomillado.

La producción decidió vestir a Iván de conductor (era quien hacía las veces de presentador y de entrevistador de Pacino) y de actor (fingía que no se había hablado de exactamente lo mismo la noche anterior).

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Pacino lleva haciendo este “show”, “autohomenaje”, “charla”, desde el 2013, así que hay que darle algo de crédito por la frescura y aparente emoción con las que relataba sus anécdotas que, en realidad, obedecían a un estricto guión.

Las preguntas que de Pineda le hacía eran las típicas sobre cómo comenzó su carrera, lo difícil que le fue surgir viniendo de un hogar pobre y roto, habló un poco de sus clases con Lee Strasberg (su maestro del “método” en el Actors Studio), otro poco de cómo nadie pronunciaba bien su apellido hasta que Strasberg pasó lista en su primer día de clases en el Actors Studio y lo pronunció perfecto. “Esta persona lo sabe todo”, dijo Pacino que pensó. El público estalló en risas y aplausos.

Se mostraron secuencias de sus películas y luego se habló un poquito de cómo se filmaron o qué anécdotas recordaba sobre ellas. Así fue que contó cómo en El Padrino nadie lo quería para interpretar a Michael Corleone. Lo veían de estatura muy baja y sentían que era un actor desconocido. El equipo se burlaba de él. El papel era el más cotizado de su tiempo, incluso actores de la talla de Jack Nicholson querían encarnarlo. Finalmente, Francis Ford Coppola peleó para que Pacino se quedara.

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Con mucho entusiasmo habló, también, sobre Serpico y su nominación a Mejor Actor. Era 1973 y Pacino mismo ha reconocido que gran parte de los 70s y de los 80s los pasó borracho y drogado. Ha afirmado tener muchas lagunas mentales sobre esa época. En la gala de los Oscar no había preparado un discurso en caso de ganar, bebió demasiado y luego lo intentó bajar con valium, así que cuando Jack Lemmon ganó su categoría, dijo haberse sentido exultante por no tener que subir al escenario en esas condiciones.

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Otra anécdota relacionada con los Oscar fue su no nominación como Mejor Actor por Scarface. Durante meses le llenaron los oídos diciéndole que era una nominación segura y cuando las nominaciones llegaron no figuró en la lista. Sus compañeros de trabajo le hicieron un Oscar de mentira y se lo entregaron al día siguiente. Ese Oscar, afirmó, es el premio que más atesora.

Nuevamente, más risas y aplausos.

Pacino recuerda con mucho cariño a gente como Marlon Brando, Oliver Stone, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola.

Esos son los grandes nombres difíciles de olvidar. Cuando le tocó el turno a Perfume de mujer, le costó recordar el apellido de Chris O´Donnel, el actor que encarnaba al ingenuo Charlie. En medio de su charla se puso a murmurar: “Este muchacho. Chris. Chris…” se quedó trabado y desde el público le gritaron: “O´DONNEL!”. Puede ser que Chris sea más olvidable porque su carrera como actor se fue al bombo y no forma parte del circuito estelar, ese que por ahí podría llenar el Colón. Puede ser.

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Paradójicamente, con el teatro lleno de gente que pagó entradas súper caras y que vestía sus mejores galas para una entrevista al vivo, Pacino habló de la banalidad de Hollywood, de ese “glamour barato” que a él no le gustaba. Paradójicamente, el público aplaudió, una vez más, la ocurrencia.

Llegó el momento de Any Given Sunday (Un Domingo Cualquiera), las luces se apagaron y empezaron a proyectarse las famosas imágenes del discurso que da el personaje de Pacino antes del juego decisivo. En la oscuridad, el gallinero se alborotó y gritó algo inentendible. El resto del Colón lo mandó a callar: Shhhhh. El gallinero no se amilanó y finalmente las luces se encendieron. Se escuchó claramante el eco que bajó desde el 5to piso: ¡Médico, médico, médico!

Una mujer había sufrido un paro cardiorespiratorio. De entre las primeras filas de la platea alguien se identificó como médico. Sin embargo, la organización le informó a Iván de Pineda que el médico del lugar ya estaba en camino. Se le explicó a Pacino brevemente la situación y el actor se quedó como ponchado en su asiento, mirando entre el desconcierto y la apatía lo que estaba pasando. Nuevamente, las voces del 5to piso se hicieron escuchar e informaron que “no ha venido ningún médico” y de Pineda en un accionar que solo puede definirse de “Bien jugau”, le pidió al espectador que había ofrecido sus servicios: “Subí, por favor”.

Hacia allá fue el médico/espectador. Pasaron unos minutos y de Pineda preguntó (siempre delante de todos) si el médico ya estaba atendiendo a la mujer. “Sí, ya está acá. Gracias” informó una voz.

Las luces se apagaron y Pacino arrancó como una película que fue puesta en pausa exactamente donde se quedó. Había perdido la energía y el carisma. Quizás todos nos desconectamos de la velada a partir de ese punto.

Rápidamente entramos a las preguntas del público. Los argentinos no son tímidos, muchas manos se alzaron esperando interactuar con el actor. La elección corría a cargo de de Pineda que tenía ante sí caras conocidas cerca por lo que incluso se refirió a algunas de las personas que tomaban el micrófono por sus nombres. Ajá, dedocracia.

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Un muchacho de unos 20 años que estaba en el gallinero, dijo que su sueño era actuar al lado del actor y preguntó si podía bajar hasta el escenario a improvisar algo con él. Pacino miró a de Pineda y, con la misma soltura que la noche anterior rechazó el abrazo de una mujer que dijo haber venido desde Chile solo para abrazarlo, se fue por la tangente. “Pero si esto ya es una improvisación porque bla bla bla”. No. La imagen del chico de 20 años bajando hasta el escenario y abrazando a su ídolo no sería una de las que nos llevaríamos esa noche. No se cumplirían sueños.

Una mujer tomó el micrófono por la misma zona y dijo llorosa que estaba “enamorada de todos sus personajes”, Pacino murmuró un “wow”, más sardónico que agradecido. Ella continuó y le preguntó sobre su postura sobre la mujer. Qué siente por las mujeres. Ahí el actor aprovechó para enchufar un poema que estaba evidentemente pauteado, listo a ser disparado en el momento que pudiera encajarlo. En la pantalla apareció, oportunamente, su traducción al español.

Al finalizar la ronda de preguntas (calculo que unas 5 o 7 personas), se presentó un monólogo. Era otro poema, esta vez The Ballad of Reading Gaol de Oscar Wilde.

Si no supiera que Pacino estaba recitando un poema, podría jurar que relataba una más de sus anécdotas. Esa falta de versatilidad que ha sido un poco más notoria en los últimos años de su carrera, se puso de manifiesto durante el show. Desde el inicio hasta el final del mismo, la única inflexión en su energía o gestualidad fue cuando se lo vio algo aburrido por la situación de la emergencia médica. Algunos espectadores se quejaron de que no lo vieron actuar, cuando en realidad actuó todo el tiempo.

Después de más de dos horas de estar encerrados en el Colón con una dinámica que se estableció rápido y se repitió durante el espectáculo (el neoyorkino decía algo y se lo festejaban), es justo decir que estábamos cansados. Pacino de actuar de Pacino, y nosotros de ver a Pacino actuando de Pacino.

En eso, cuando ya se olía el cierre de la noche, rápidamente una orquesta ingresó y empezó a interpretar el conocido tango Por una cabeza inmortalizado en Perfume de mujer. Imágenes del coronel Frank bailando tango se vieron en la pantalla gigante.

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En el escenario apareció una estilizada bailarina con la que Pacino hizo literalmente dos pasos. La bailarina intentó seguir pero Pacino ya no quería nada más. La soltó, levantó la mano, se despidió y se retiró por un costado. Iván de Pineda comprendió que eso era todo: Ladies and Gentlemans, Míster Al Pacino. La gente aplaudió. No importaba el desaire. Pasaron varios minutos y reapareció para el saludo final. Como cereza de torta, entró Lucila con un ramo de flores, lo besó y ambos se retiraron raudos y veloces. Nadie pidió bis.

Desgraciadamente, el actor no pudo irse a descansar. El más de medio millón de dólares que le pagaron incluía quedarse y recibir a los espectadores de algo llamado Meet & Greet (Conocer & Saludar). Un cocktail en el Salón Dorado del Colón, donde supuestamente Pacino se sienta en un toquito y tiene que tomarse una foto con quien posea el ticket correspondiente.

Mientras nos retiramos del edificio, ya en la calle, miré hacia atrás para ver a la gente que no pudo/quiso pagar el Meet & Greet y que esperaría a las puertas del Colón que Tony Montana, Carlito, Michael Corleone, Sonny, Serpico, Frank, Tony D´amato, asome por segundos su figura engafada.

Quién sabe, por ahí el “ido” aparecía y podría gritarle algunas de sus líneas una vez más. Por ahí.

Hoo-Ah.

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Pacino, en otras entrevistas, ha comentado que contrario a sus atormentados personajes escapó de las drogas y el alcohol. En algún momento durante su presentación en Argentina recordó que muchos de sus amigos de infancia, de chicos con los que creció, murieron por drogas en los barrios bajos del Bronx.

Él ya llegó a los 76 años. An Evening with Pacino no arroja nada nuevo sobre esa vida bien vivida. Es simplemente la excusa (algo triste, algo válida) para ganar dinero y sentirse apapachado por un grupo de desconocidos.

Quizás lo más honesto de la noche fue cuando de Pineda le preguntó si era de los que lloraban. Si lloraba alguna vez. Al se mostró sorprendido. De pie y mirando la juventud de Iván, le dijo que estaba seguro que eso a él, a Iván no le pasaba, pero que conforme ha ido envejeciendo, a veces está caminando por la calle, o haciendo las compras en el súper o simplemente solo sentado en su casa y se le humedecen los ojos sin motivo aparente. Se le humedecen al punto que comienza a llorar.

Su relato es el de un pequeño payaso ajado. Fiel a su estilo, acompaña la historia de su llanto espontáneo/aleatorio con grandes gestos y rostro compungido.

El Colón no procesa que este hombre se pone a llorar en el súper, en la calle o en su sofá mirando el infinito. El Colón solo ve los grandes gestos, las luces, el «glamour barato» y, claro, el Colón ríe.

Lo mejor: Pacino no deja de ser un personaje carismático Lo peor: Es solo eso, un personaje. Pocas veces se entrará en temas realmente importantes y creo que él lo sabe, lo asume, y lo vive con cierta distancia La escena:  lo del médico, por cómo se manejó Lo más falsete: toda la charla que fingía emoción y sorpresa cuando la ha contado desde el 2013 infinidad de veces El mensaje manifiesto: Te puede no gustar el «glamour barato» pero capaz que termines metidito ahí  El mensaje latente: Las estrellas están en el cielo El consejo: igual se puede disfrutar si sabes a lo que vas. Informate bien cómo es el espectáculo así no te llevás decepciones esperando Ricardo III  El personaje entrañable: el médico sustituto El personaje emputante: El agradecimiento: por una experiencia más, la linda orquesta del final y ciertos buenos momentos de su relato.

CURIOSIDADES

El show, ya presentado en Europa y en su tierra natal, Estados Unidos (donde agotó localidades), recorre fragmentos de su vida, desde la niñez pobre y callejera hasta hoy, y tuvo una adaptación local realizada por el cineasta y guionista, Marcos Carnevale.

Adrián Suar, con producción conjunta de Preludio Producciones, Nacho Laviaguerre Producciones y Tieless Media trajo el show del actor por primera vez al país, e Iván de Pineda, uno de los conductores de El Trece, fue el encargado de moderar la velada, con traducción simultánea al español, auriculares mediante.

Dos sillas, dos copas, una botella de agua mineral, más un florero oficiaron de breve escenografía, pero la pantalla que replicaba eternas secuencias de sus principales películas funcionó como telón de fondo.

La bailarina Judith Kovalovsky (cuñada de Suar) fue la encargada de rememorar la famosa escena de Perfume de mujer.

A pesar de que su pareja es Argentina, Lucila Polak, Al Pacino no conocía el país del tango y esa fue su primera visita.

Hace algunos años hizo el show en México y se lo criticó por estar en aparente estado de ebriedad.

Norma Aleandro, Georgina Barbarrosa y Miguel Solá criticaron duramente el show al que calificaron de «Horrible», «asco», «vergüenza ajena».

Lucila Polak salió a cruce de Aleandro, recalcando que ella fue invitada y que el show siempre fue claro respecto a lo que ofrecía. Que el comentario le pareció irrespetuoso y de mal gusto.

CINE RUMANO: Comoara / El tesoro

Mónica Heinrich V.

Me gusta el cine rumano. Me gusta su sencillez, su desapego a las fórmulas comerciales, su partir de una cosa mínima y abrir un abanico de historias sin que ni siquiera te des cuenta.

También me gusta lo que el cine rumano te/me hace sentir.

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Adrián (Adrián Purcarescu) se decide a visitar a su vecino Costi (Toma Cuzin) y le pide prestado dinero. Adrián está a punto de perder la casa familiar y dice que necesita 800 euros. Costi, que parece un tipo muy ducho con las matemáticas, empieza a sacar las cuentas de cómo el vecino llegó a esa situación. Finalmente, rechaza el pedido porque él mismo se encuentra ajustado. La crisis de la Cenicienta de Europa no es ajena a nadie.

La escena puede resultar chocante por el absurdo y por la charla en sí misma, pero estos rumanos se las ingenian para que se entre en la convención de que “puede suceder”.

Adrián se va, pero al rato regresa. Le cuenta a Costi que en realidad necesita la plata para buscar un tesoro, siendo más precisos: para pagar el detector de metales. Aparentemente, su abuelo escondió algo en la casa familiar antes que los comunistas tomaran el país.

¿Cómo lo sabe? Porque el abuelo le susurró antes de morir: Cuida la casa.

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La casa resulta ser otro personaje más. Ella ha sido testigo de los cambios políticos en Rumania: fue tomada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, luego recuperada, luego alquilada con infinidad de usos (bares, farmacias, etc..). Así se alza misteriosa, con un vasto jardín que contiene la posibilidad de un futuro económico para ambos personajes.

En el cine comercial esta historia se manejaría de otra manera: o más onda suspenso, o más onda estrafalaria. El director y guionista, Corneliu Porumboio, se va por el lado simple de la vida. Plantea el conflicto (la búsqueda del tesoro) y sus personajes (dos adultos profesionales y educados) hacen lo posible por solucionarlo en un tempo tranquilo y mesurado.

La búsqueda del tesoro es solamente una excusa para contarnos cómo está la Rumania que sobrevivió a Ceaucescu.

Todo es patético y triste y cómico y absurdo.

La primera parte está destinada a conseguir el detector de metales, mientras que la segunda seguimos a nuestros personajes para descubrir junto a ellos si el dichoso tesoro existe o no. Planos fijos, silencios, tiempo muerto, son parte de la visión del director.

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Como se basa en un hecho real, Rumania tiene leyes que tipifican lo que encontrás como “tesoro” y lo que debés hacer en caso de tener éxito en la búsqueda. Así que los protagonistas tendrán ciertos obstáculos con la misión.

Un poco de realismo social y otro poco de realismo burócratico, hacen de El Tesoro una experiencia en la que tenés un filme con cierta ingenuidad y límpida mirada que en realidad escarba en el oscuro pasado rumano.

Su final, acorde a los personajes decentes y patéticos que retrata, encierra una paradoja. Porumboio cierra su peculiar fábula como si fuera un bonito cuento de hadas.

Nuevamente, el cierre ingenuo esconde más miseria de lo que parece.

Lo mejor: una historia simpática contada con sensibilidad Lo peor: no destaca del todo, y no es una película que todos podrán ver con paciencia La escena: toda la secuencia de la detectada y la cavada Lo más falsete: algunos diálogos didácticos onda: ¿Te acordás que en 1985 Ceausescu se tiró un pedo y pasó tal cosa? El mensaje manifiesto: Las revoluciones no revolucionan El mensaje latente: No todo se trata de dinero El consejo: no te cambiará la vida ni te hará lanzar cohetes pero si tenés la paciencia para verla, es una linda película El personaje entrañable: el tesoro El personaje emputante: la desesperación El agradecimiento: por la austeridad.

PROYECTO 1001: 4) Les Vampires – Los Vampiros (1915)

Por: Mónica Heinrich V.

¡Hasta que por fin!

Sí, hubo un pequeño atore (meses) con esta película, porque la condenada dura casi siete horas y no me gusta ver películas cortadas o por pedazos. No. Acá es a lo sacrificado nomás: sentarse y tratar de verla de un tirón. Si sacamos cuentas es casi una jornada laboral así que por eso la cosa se quedó empantanada como respuesta del Miss Bolivia.

Sin embargo, hoy en este ahumado agosto podemos decir: hazaña cumplida.

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Como estito se trata de escarbar en la historia, empezaremos diciendo que allá por 1915 los franceses del estudio Gaumont vieron con envidia que la competencia, el gran estudio Pathé, había adquirido los derechos para filmar un serial llamado Misterios de Nueva York, y, con afán de progresar, decidieron a las tontas y locas (literal) lanzarse al ruedo con Les Vampires.

La confianza fue depositada en Louis Feuillade, cuya filmografía abarca 630 filmes desde 1906 hasta 1924 (un año antes de su muerte) y que ya había dirigido un serial exitosamente también para Gaumont: Fantómas.

Feuillide, consciente de la moda imperante en técnicas cinematográficas decidió NO seguirlas y tratar de hacer algo que se vea más realista, de ahí que se considere a Les Vampires como un filme pionero del surrealismo.

Dicho surrealismo avant-garde le costó una mala recepción de la crítica, que vio al trabajo del francés algo simplón y sin chiste, considerando lo que ya se estaba haciendo en ese momento.

Feuillide no seguía los lineamientos del momento: cámara más jugadas, ganchos en el relato como los cliffhanger, y otros juguetes técnicos que sí usó en trabajos anteriores a Les Vampires.

Sin embargo, años después se ha revalorizado el filme por su aporte a los seriales y por ser, también, un pionero del género thriller.

Otra cosa que siempre se destaca es el papel de Irma Vep (anagrama de Vampire) como una temprana reivindicación del papel femenino en el cine.

Sobre este puntito déjenme diferir. La tal Irma era en su principio amante y segundona del Gran Vampiro, luego aparece Moreno, la hipnotiza y pasa a ser la amante de turno del nuevo villano, después viene otro (Venomous) y la «hereda» también. Irma va de mano en mano como si fuera un trapo siendo siempre la segunda en mando. Quizás al final hay un poco más de autonomía, porque el personaje se queda literalmente solo contra el mundo.

Lejos de ser admirable, Irma Vep es una fulana que sigue al jefe de la pandilla de turno y encima se enamora de los tipitos como se cambia de calzón. Se podría interpretar que todo es al revés, que son los otros los que caen en sus garras, víctimas de su encanto, pero no. La posición de Irma nunca es de líder de sus parejas. Es al contrario. Ok, dicen que es la primera femme fatale, podríamos pajearnos diciendo que por lo menos para la época el personaje fue un semi-protagónico, pero detesto los “por lo menos” y los “semi”, para ese caso me quedo con la mamá de Guérande que se las batió sola cuando las papas quemaron.

De todas formas, entiendo porqué se considera al personaje rompedor de esquemas, aunque no comparta el principio básico de su fama como tal. Dicho concepto lo comparto si hablamos de la gran Musidora, la multifacética actriz, directora, acróbata, escritora, productora y etcéteras que la interpretaba. Una artista fascinante de cabo a rabo.

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Queremos tanto a Musidora

Les Vampires, al ser un serial, está divido en 10 episodios y no trata sobre los vulgares chupasangres que se espera encontrar a razón del título, no, sino más bien la trama es sobre una sofisticada banda criminal que suplanta identidades, lleva a cabo grandes robos y mata a quien les estorbe.

Desentraño los episodios a continuación para al final hacer un resumen global de todo lo visto en esas largas (casi eternas) horas de visionado:

1.- La cabezada cortada (33 min.)

Situamos la acción en Paris, 1915. Un reportero estrella, Philippe Guérande, trabaja en el diario La Crónica de París y descubre que sus archivos sobre Los Vampiros fueron robados.

Después sabemos que quien se llevó los documentos fue Mazamette, colega de Guérande. Guérande decide perdonarlo luego de ver la foto que Mazamette exhibe de sus niños dando a entender que todo lo hizo por el cochino dinero y sus necesidades de cubrir las pensiones familiares.

Los personajes principales han sido introducidos: Por un lado Guérande, por otro lado Mazamette. El primero más formal, el segundo con un toque cómico. Una fórmula que sigue rindiendo sus frutos hasta hoy.

Guérande parte a investigar la extraña decapitación de un agente que estaba tras la pista de Los Vampiros.

En este mismo episodio, la banda da un golpe y se roba una colección de joyas.

Se descubre a los villanos (un falso Nox que es el Gran Vampiro) y se nos dibuja una idea de sus alcances. Estamos ante un grupo de gente a la que no le importa matar para obtener sus botines.

Como primer episodio estuvo entretenido, nada que sorprenda, pero muy mirable. Además, se asienta la base de lo que se mostrará en el resto de episodios: golpes para robar botines, investigaciones peligrosas, un submundo criminal lleno de juguetes y habilidades inusuales, etc..

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¿Y esa caja? ¿Será que contiene la cabeza que andamos buscando?

2.- El anillo que mata (13 min.)

Así de la nada, resulta que se corre el falso rumor que Guérande está comprometido con una bailarina. Y así, también de la nada, Los Vampiros deciden asesinarla antes de que salga a escena durante una de sus presentaciones.

Guérande, que casualmente está entre la audencia, reconoce a Nox (el don del primer capítulo) y en su afán de atraparlo es capturado. Aparece Mazamette, que resulta ser parte de Los Vampiros, y tomando en cuenta que Guérande fue buen tipo cuando lo pilló robando los papeles en el episodio anterior, lo libera.

Juntos elaboran una trampa y uno de ellos (el Gran Inquisidor) toma el lugar de prisionero de Guérande, quien es asesinado al ser confundido con el periodista. Se descubre que el muerto que es parte de la banda en realidad es un Jefe de la Corte Suprema.

Guiñito a la corrupción francesa y además se la dupla Guérande-Mazamette es oficialmente formada.

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La falsa novia disfrazada de vampiro antes de su triste final

3.- El libro de códigos rojo (39 min.)

En el cuerpo del Gran Inquisidor encuentran un folleto rojo que tiene mensajes cifrados. El primer mensaje anuncia una maldición a quien intente descubrir lo que dice el libro. Philipe regresa a su casa y hace un anuncio al periódico para que crean que dejó la investigación de Los Vampiros.

No obstante, su casa está siendo vigilada por los malhechores.

La famosa Irma Vep se presenta como la artista de un show. Hay un efecto del letrero donde sale su nombre (Irma Vep) que nos permite saber que el mismo es un anagrama de Vampire.

Luego Irma, que lógicamente es parte de Los Vampiros, va disfrazada de empleada a trabajar a la casa de Guérande para tratar de recobrar el libro rojo.

Guérande enfrenta Vep y a otro secuaz. Piensa que los mata pero el revólver tenía balas de salva. Cuando la policía llega, los criminales huyen de nuevo a través de un clásico escape por los tejados (se ve muchas veces durante la serie)

La madre de Guérande es secuestrada y llevada a los barrios pobres parisinos donde otro cómplice más (Padre Silencio) la custodia e intenta hacerle escribir una carta, pero ella saca un bolígrafo envenenado que Guérande le dio y consigue envenenar al Padre Silencio.

Vuelve a su casa y Nox (el Gran Vampiro) al ver el cadáver del susodicho se da cuenta que el bolígrafo usado es suyo y que hay un traidor entre ellos.

Acá ya empezás a notar un patrón: Los Vampiros hacen sus golpes, Guérande investiga y ellos van tras de Guérande.

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Las letras se mueven y forman la palabra Vampire. Tómala FX!

4.- El fantasma (29 min.)

El Gran Vampiro vuelve a suplantar a otra persona, esta vez es Mr. Trepps,  agente inmobiliario.

En este episodio vemos dos golpes de Los vampiros, el primero fallido porque la víctima resulta ser Moreno, un criminal de la banda que rivaliza con ellos, en el segundo asesinan a un hombre que tenía que hacer una transacción de mucho dinero para luego intentar hacerse con esos quintos.

Moreno se convierte en otro antagonista. Él es el que se termina quedando con el botín de Los Vampiros.

En este episodio hay uso de un rústico flashback para que Moreno explique cómo se encontró con el cadáver de Mettadier y usurpó su lugar para conseguir su dinero.

Al final del episodio Moreno es metido a la cárcel.

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Moreno disfrazado de Mettadier, y sorprendiendo a Irma Vep.

5.- El escape del hombre muerto (35 min.)

Moreno finge su suicidio y huye de sus captores. Guérande sigue investigando los truculentos hechos que suceden propiciados por Los Vampiros. Mazamette ve por casualidad dónde es la guarida de Moreno. Moreno, buscando vengarse de Guérande, lo secuestra (escena muy chistosa de cuando se asoma al balcón y de ahí lo jalan para agarrarlo casi casi como pescar un pez o enlazar un chancho).

Acá hay dos escenas visualmente interesantes, una la de la fiesta de la aristocracia francesa que es gasificada y robada, y dos cuando Los Vampiros escapan en el carruaje. La cámara sigue al carruaje en movimiento mientras Moreno se encuentra en el techo.

Moreno también se apropia de ese botín.

El episodio finaliza con la decepción de Mazamette y su rápida conciencia moral de combatir el crimen hasta atrapar a la peligrosa banda.

Nunca está de más recordarle a la audiencia que el mal debe ser perseguido y que el héroe no claudicará en su afán de castigarlo.

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Ese momento en el que pensás que los franceses se volaron la barda con un asesinato masivo («precursor») y resulta ser solo una gasificación menor.

6.- Ojos hipnóticos (53 min.)

Moreno quiere rastrear a sus enemigos y descubre que el asesinato de un notario en Fontainebleu puede conducirlo a Los Vampiros. Entre sus monerías, resulta que Moreno tiene poderes de hipnosis e hipnotiza a su criada Laura para que sea su esclava.

Mazamette y Guérande deciden seguir a un hombre que pasa a caballo muy temprano por la mañana, cosa que les parece sospechosa. Así de tiernos eran.

Descubren que esconde una caja y una vez el sujeto abandona el lugar, van a por ella. Se encuentran ante el botín de unos americanos que están escondidos en el hotel del lugar, casualmente en el mismo lugar que Los Vampiros. El Gran Vampiro no huyó de Fointanebleu después del asesinato del notario, sino que se quedó disfrazado de Count Kerlor e Irma Vep se hace pasar por su hijo.

Se sucede una secuencia que podría resumirse en ladrón que roba a ladrón tiene cien años de perdón.

Hay una “dramatización” para perder tiempo mientras Kerlor (Gran Vampiro) relata a su audiencia las aventuras de un supuesto abuelo así entretiene a los huéspedes del hotel e Irma Vep hace de las suyas.

Este es el episodio donde Moreno hipnotiza a Irma Vep y la hace asesinar al Gran Vampiro para quedarse con ella.

Se cierra el episodio con Mazamette que gracias a la recompensa de Baldwin (el gringo al que devuelven la caja del principio) ahora está viviendo en un lujoso apartamento y hasta mayordomo tiene.

Mientras Guérande lo visita, una horda periodistas quieren entrevistarlo. Afable, Mazamette figuretea y manda mensajes sobre la virtud que siempre será recompensanda aunque el vicio no siempre se castigue.

Aplausos.

Uno de los episodios más «intensos» teniendo en cuenta que el Gran Vampiro es asesinado por la mismísima Irma Vep.

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7.- Satanás (42 min.)

Pues resulta que el Gran Vampiro había tenido jefecito y es nada más y nada menos que un sujeto que se hace llamar Satanás.

Satanás entra a escena y se presenta ante Moreno e Irma Vep. Sabe que el baúl de la sala contiene el cuerpo del Gran Vampiro, lo que altera a Moreno.

Satanás lo paraliza 5 minutos pinchándolo con una aguja especial que tiene en su mano. Los amenaza y se va.

Mientras tanto, Mazamette se está dando la gran vida. Está en un lugar llamado Happy Shack que es una de las guaridas encubiertas de la banda de Moreno. Esperando encontrar documentos sobre Los Vampiros, Moreno ordena a sus secuaces que revisen el departamento de Mazamette.

Satanás le envía un mensaje a Moreno para atemorizarlo, más tarde dispara un cañoñazo hacia el Happy Shack.

Luego se suceden unos cuantos minutos perdidos para ver cómo Mazamette está pasado de rosca con las chicas y el trago.

Irma Vep y Moreno van donde Satanás a rendirse (por lo del cañonazo) y se funden en una sola banda.

Planean otro golpe contra el gringo millonario del anterior episodio, y entra en escena Lily Flower, una cómplice que con triquiñuelas consigue la firma y la voz del americano para poder engañar al banco.

El robo es exitoso y cuando Moreno le lleva el dinero a Satanás, este se lo obsequia.

Mientras tanto, Moreno le lleva el dinero a Satanás y Satanás se lo regala.

Sin embargo, la dicha no dura mucho, ya que Guérande y Mazamette consiguen apresar a Irma Vep y a Moreno al final del episodio.

Si bien se repite la fórmula hasta el hartazgo, es muy interesante ver cómo cambian al villano e introducen a otro MÁS villano aún.

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Mazamette descubriendo que Lily Flower y Los Vampiros se están portando mal

8.- El maestro del trueno (49 min.)

Vep ha sido condenada a cadena perpetua y aún siguen buscando a Satanás. Moreno es ejecutado por la mañana (nunca lo vemos) e Irma Vep es recogida por un grupo de personas que la trasladarán a una prisión en Argelia. Satanás se disfraza de sacerdote y consigue entregarle un mensaje a Irma, diciéndole que harán estallar el barco que la transporta a Argelia y que si sobrevive se encuentren en la guarida.

A Mazamette le devuelven a uno de sus hijos porque es demasiado travieso y ya no quieren hacerse cargo de él. Mazamette convierte al niño en parte de sus investigaciones

El barco de Vep estalla e Irma Vep sobrevive.

Luego Satanás decide hacer una visita a Guérande, ¿por qué? Nunca lo sabremos y lleva un sombrero con una bomba incorporada con la idea de liquidar al periodista, dizque en venganza por lo de Irma Vep.

Mazamette salva el día, descubre la bomba y la hace estallar en otro lado.Van todos a buscar a Satanás que es apresado.

Mientras tanto, Irma regresa como puede a la guarida de Los Vampiros y se pone a las órdenes de El Envenenador. Juntos consiguen hacer llegar un veneno a Satanás con el cual se suicida.

Nuevamente, otro villano que desaparece de la trama y otro villano que se introduce. Además, el pequeño hijo de Mazamette le agrega dosis de humor a una trama que ya acusa su trajín de varias horas o de varias entregas.

Musidora, Louis Leubas et Fernand Herrmann - Les Vampires (1915) plotting
Hola, malditos! Soy Satanás!

9.- El Envenenador (49 min.)

Venomous se vuelve el jefe de Los Vampiros y su principal objetivo es deshacerse de Guérande y Mazamette, para variar.

Irma y Venomous se enteran que Guérande está comprometido y que visita a su novia todos los días. Rentan un departamento vecino al departamento de la futura esposa.

Cuando saben que la pareja dará una fiesta de compromiso, se las ingenian para cancelar el servicio de catering y suplantarlo.

Envenenan el Champagne del brindis, pero no cuentan conque le regalarán una botella a los empleados y que gracias a eso sabrán que está envenenado.

Los Guérande se salvan por unos pelos pero a los días sus enemigos planean un nuevo ataque. Guérande y su novia deciden irse a otra casa para protegerse de Los Vampiros, Irma consigue echar un poderoso sedante en el coche en el que van a viajar y es descubierta por Mazzamette. La cómplice de Irma a su vez sorprende a Mazamette y juntas lo reducen y lo sedan.

Irma se esconde en el coche de Guérande y consigue saber la dirección del escondite de la pareja. Llama a sus cómplices.

Guérande sale de su escondite para ir al encuentro de Mazamette y descubre a Irma en un café de la zona. La sigue y la reduce. Mazzamette llega y juntos se llevan a Irma. Venomous intercepta a todos, consigue liberar a Irma y fugarse con ella. Persecución de por medio, Irma y Venenomous se separan y este se sube al techo de un tren (bonita escena).

Mazamette tiene una trifulca con la policía que aparece para impedir que salte al tren tartando de ayudar a Guérande. En la estación de policía se dan cuenta que es el famoso Mazamette y deciden pasar por alto su falta de respeto a la autoridad luego de una escena en que Guérande le reclama a Mazamette su desubicación. Risas y fin del penúltimo episodio.

Te atrapé, pendeja!
Te atrapé, pendeja!

10.- La terrible boda (57 min.)

Y así, después de un montón de horas llegamos al final de Les Vampires.

Han pasado varios meses, Guérande y su prometida finalmente contrajeron matrimonio pero saben que Los Vampiros siguen tras ellos.

La viuda del concierge que murió envenenado en la cena de compromiso es tomada como ama de llaves.

Atormentada por atrapar a los asesinos de su esposo acude a una espiritista que en realidad es parte de Los vampiros. Mazamette la sigue porque está interesado en ella.

La ama de llaves es hipnotizada entonces para que les abra la puerta a las 2 de la mañana. Mazamette descubre que mintió a Guérande y se queda preocupado. El amor y los celos hacen que la vigile incluso de noche.

Los Vampiros consiguen entrar al departamento e intentan envenenar a Guérande y su esposa soltando un gas venenoso. Nuevamente, Mazamette hiere a una de ellos y salva el día. Augustine (la ama de llaves), Guérande y Mazamette van a la policía.

La esposa de Guérande se queda sola y asustada en su habitación. Saca un revólver para defensa personal.

Por algún motivo, Los Vampiros regresan al departamento y Venomous se cuela a la habitación. Escena que se anticipa a películas como Misión Imposible con el recorte del vidrio para acceder por la ventana.

La mujer finge dormir y les dispara después, pero igual la toman prisionera.

La policía, Guérande y Mazamette van al deptarmento de la espiritista que hipnotizó a Augustine. Ahí, Irma escapa descolgándose de un edificio de 7 pisos y deja una bomba en el cuarto para sus perseguidores.

Se salvan de la bomba pero Los vampiros escapan, Mazamette sigue la pista y Guérande regresa a su hogar para descubrir que su esposa no está.

Mientras tanto, la esposa y también la ama de llaves están prisioneras de Los Vampiros. Guérande y Mazamette siguen un rastro de aceite que asumen es el auto en el que escaparon los bandidos.

La cámara sigue una bicicleta en movimiento manejada por Guérande que llega al escondite.

Los Vampiros estaban celebrando el matrimonio de Irma con Venomous. Mazamette llega con la policía. La banda trata de huir infructuosamente, mientras Guérande esperaba la llegada de Mazamette hizo que la única vía de escape (el balcón) esté fallado. Muchos mueren al caer de ahí incluido el recién casado: Venomous.

Irma consigue salvarse al esconderse en un armario. Una treintena de policías se muestra en escena. Qué producción!

Furiosa, Irma va armada hacia las prisioneras, y la esposa de Guérande la mata. Irma en un acto de rebeldía muere con el puño al aire.

Guérande y Mazamette entran a continuación. Besos, abrazos y celebración. La serie termina con Mazamette que le pide matrimonio a la ama de llaves y con un plano que muestra a los dos parejas finalmente felices.

Muero, perros! pero muero dignamente!
Muero, perros! pero muero dignamente!

Apreciación final

Debo confesar que cuando empecé a ver Les Vampires parecía una colina muy alta, un pequeño Everest. La cámara siempre está estática y la escena está trabajada para detallar los ambientes, el movimiento dentro del cuadro y elementos más realistas, tal cual lo pensó el director. Por eso es que también se la considera una de las obras maestras referentes a la profundidad de campo.

Por raro que parezca no me aburrí. Tampoco voy a decir que la pasé chancho, pero sí seguí con relativo interés las aventuras de Guérande y Mazamette.

Feuillade construye un guión que amén de su simpleza y algo de idiotez, tiene su dosis de burla al establishment, concretamente a la burguesía francesa que siempre es engañada, estafada, y acosada por los malhechores y además, presenta a la policía como una institución inoperante y obsoleta.

Si bien Guérande es uno de los protagonistas, Mazamette es quien se lleva las simpatías de la platea, siendo el único personaje (junto a su hijo) que rompe la cuarta pared y mira directamente a cámara para hacer cómplice al espectador.

De las cosas que me gustaron están los múltiples escapes por los tejados, escenas que tenían un dejo de poesía. Las acrobacias conseguidas con los saltos, los deslizamientos, el descolgarse de un edificio de 7 pisos como lo hizo Musidora, que dicho sea de paso hacía sus propias escenas de riesgo.

También, la cámara que seguía las persecuciones en auto, en tren o en bicicleta.

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Hay una producción tanto de locaciones, vestuario y arte, importante y con muy buenos resultados como la escena del Happy Shack o la de la bailarina que muere en escena.

También me pareció simpática la idea de sacar y meter personajes para refrescar la historia y no quedarse con el mismo villano los diez episodios. Si bien es cierto que Irma se mantiene hasta el final, los villanos hombres rotan bastante.

Hay mucha astucia y creatividad en los elementos que se presentan como parte del juego de Los Vampiros y su vida criminal: Puertas ocultas, pasadizos secretos, potentes armas, venenos, gases, hipnosis, sedantes, etcéteras..

Más allá de eso, los episodios son bastante irregulares. El argumento tiene un montón de baches e incongruencias, quizás debido a que los guiones eran mayormente improvisados y partían de bosquejos del director que se pulían sobre la marcha con los actores en escena.

¿Es una película necesaria, una película para ver antes de morir, así con sus casi 7 horas?

A mí me supuso una experiencia interesante, aunque no sé hasta qué punto valdrá la pena para un espectador común al que no le interese el trasfondo histórico.

Hay cosas que admirarle a nivel estético y de manejo de la historia por la creación de algunos climas y por saber llevar su historia durante 10 entregas a pesar de la repetición de situaciones y elementos.

Me quedo con el descubrimiento de la gran Musidora y con esa frase  de La Fontaine que cita Guérande en el quinto episodio:

En todas las cosas, hay que tener en cuenta el final.

CURIOSIDADES

  • Los que quieran lanzarse a la piscina de verla con sus propios ojos, acá el link: Les Vampires
  • Es considerada una de las producciones más largas.
  • Debido a sus características, Les Vampires es considerada parte de una trilogía de Feuillade en la que se incluyen: Fantómas y Judex.
  • La idea de la banda Los Vampiros puede haber sido inspirada por la banda Los Bonnot, grupo de ladrones que asoló Francia entre 1911 y 1912.
  • Debido a la I Guerra Mundial, los actores a veces eran llamados al frente de batalla y había que reemplazarlos.
  • Este filme empleó tintes para las escenas que diferencien las horas del día en que sucedían: ámbar para luz interior, verde para luz exterior, azul para la noche y lavanda para los climas de clubes o amanecer.
  • Se lanzó de a dos episodios y los primeros aparecieron en noviembre de 1915, los últimos en junio de 1916.
  • La policía forzó su censura diciendo que era una glorificación de la vida criminal y que los dejaba mal parados, finalmente la censura se quitó y el filme continuó su exhibición sin percances.
  • Los tres actores protagónicos (Guérande, Mazamette e Irma Vep) fueron llamados de nuevo para trabajar bajo las órdenes de Feuillade en sus películas Judex, Tih Minh, Barrabas y Parisette.
  • Hay una película de 1996 dirigida por Olivier Assayas que se llama Irma Vep cuya trama gira en torno a un director de cine que intenta hacer un remake de Les Vampires.

TELEVISIÓN: River (BBC)

Por: Mónica Heinrich V.

Quizás lo que más atrae de River es esa comprensión abrumadora sobre el ser humano que transmite: todos estamos, de alguna manera, rotos.

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River no es solo una serie policiaca, River habla de demonios, de vacíos, de una lucha diaria contra la locura. Su tono es oscuro y triste, algunas escenas hacen que el corazón se te encoja al punto de querer abandonarla.

Hay melancolía en esa mirada al perturbado mundo del detective John River (Stellan Skarsgård), lo denso no está únicamente en los asesinatos, el modus operandi, o la caza de un criminal. Lo denso es lo que se esconde detrás: las mentiras, las verdades, los terribles secretos de las familias “normales”, las apariciones, lo humano.

Abi Morgan, cuyo trabajo más reconocido como guionista es la también desoladora Shame de Steve McQueen, compone un mundo lleno de personajes que intentan no ahogarse en el día a día de eso que llamamos vida.

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Una noche cualquiera, River y su compañera Stevie (Nicole Walker) charlan, comen comida china, y mientras ella se despide alguien le dispara a quemarropa.

Stevie muere en los brazos de su compañero, y dicha muerte acosa a nuestro personaje por muchos motivos que se van desarrollando a lo largo de los seis episodios que dura la serie.

El piloto es de una belleza pocas veces vista en un piloto de este tipo de shows, ese plano secuencia en el que se descubre la muerte de Stevie y el final del karaoke son dos escenas demasiado memorables, he pensado mucho en esas escenas y en su soundtrack: el cursi clásico I love to love de Tina Charles.

A pesar que la trama gira en torno al enfermo River, tenemos más personajes: Ira, el joven policía que eligen ponerle como compañero en reemplazo a Stevie; la familia de Stevie, con una mamá Bridie que no es lo que parece ser; Chrissie, la jefa con problemas maritales; una comprensiva psiquiatra; víctimas de otros crímenes que hay que resolver en paralelo a la obsesión por la muerte de Stevie; y Thomas Neill Cream (el envenenador de Lambert) que aparece como una suerte de alter-ego de River, algo a ratos excesivo para mi gusto, pero que en determinados momentos de la historia parecía encajar perfectamente.

No, no solo se trata de un buen guión: la dirección, la fotografía, las actuaciones son un plus total. Esa cámara vouyerista que desde lejos espía a un River trabajando en oficinas de grandes ventanales. Esos cortes donde vemos las apariciones y luego no las vemos más. Ese River atormentado, esa encantadora Stevie. Esos momentos surrealistas en los que se presiona al argumento para ir al fondo del fondo. Sí, River es en conjunto una gran serie.

Al llegar al episodio 6 se descubre lo que estábamos esperando. NO es una gran sorpresa, o por lo menos pude intuirlo más o menos desde el episodio tres, pero cerramos lo empezado con más belleza, una dolorosa belleza.

Nuevamente Tina Charles nos canta que ama amar, y vos te quedás con los créditos que corren sobre un fondo negro, se te forma un incómodo nudo en la garganta mientras pensás en la locura, en las cargas, en las apariciones y, claro, en la soledad…la maldita soledad.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: personajes muy bien construidos, y consigue traspasar la línea de ser solo una serie de detectives y asesinatos Lo peor: algunos momentos del alter-ego, y que puede ser un poco opresiva. La escena: el plano secuencia que descubre lo de Stevie, lo del karaoke y el baile al final del episodio 6 Lo más falsete: puede que a nivel de la línea de investigación resulte más obvio el final, y se tarde demasiado en llegar a él El mensaje manifiesto: la gente está muy sola  El mensaje latente: la soledad jode demasiado El consejo: para verla de un tirón El personaje entrañable: Stevie, River El personaje empujaste: el tío sinverguenza, la vieja encubridora, el marido infiel El agradecimiento:  por una gran gran serie.

CINE: X-Men: Apocalypse (X-Men:Apocalipsis)

Por: Mónica Heinrich

Señoritos-Señoritas.

Figurita repetida no llena álbum. Hay que mandarle un telegrama urgente al director de cine Bryan Singer, porque lo vivido en la sala del Cinemark solo es equiparable a un hamster trepado en su pequeña rueda.

Así, de golpe y porrazo, estamos ante la peor entrega de la saga X-Men hasta la fecha.

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Lo comprendo, lo comprendemos. Somos seres que van al cine y pueden toparse con huevadas como Batman vs Superman, por lo que la idea de una X-Men «resfalando» después de 8 entregas (si contamos los infortunados Spin-Offs de Wolverine) no solo es lógica sino predecible.

Pero ¿qué es lo que hace al filme tan…hmmm -no vamos a decir malo- …fallido?

Déjenme comerme un cesto de mandarinas mientras reflexiono.

En su concepción de historia, en esa línea de tiempo que pretende ser secuela de Días del Futuro Pasado y precuela de lo ya visto en las anteriores a esa, pues X-Men:Apocalipsis está rocambolesca y más cargada que un ekeko.

La fórmula de este tipo de películas se mantiene intacta: Villano megalómano psicópata se quiere apoderar del mundo (destruirlo, refundarlo, what ever), y los mutantes (divinos ellos) salvarán a la humanidad incluso cuando esta humanidad los desprecia. Para variar: Magneto anda entre el sigue y el detente y hay más tránsfugas que en nuestro escenario político.

Problemita Uno
Hola, soy Apocalipsis, ¿entendieron? porque sembraré el apocalipsis. Sutileza es mi apellido.

«En Sabah Nur» (AKA Apocalipsis) es supuestamente el peine tupido de los piojos. El primer mutante que ha acumulado durante años poderes de otros mutantes. Al inicio de la película el susodicho está apoderándose del don de la inmortalidad.

En plena «transfusión» es traicionado y queda sumergido en una especie de sueño que años más tarde (cientos de años más tarde) es roto por unos tipejos que no sabemos bien de dónde salen ni porcuás están ahí cantando al pedo y queriendo levantar al bicho ese de entre los muertos.

Además, así como «pasaba por aquí y vi la luz» el hecho es presenciado por Moira McTaggert (ex-crush, lover, memoriaborrada del profe Xavier) que también es agente de la CIA y que anda al mejor estilo de Indiana Jones entre las ruinas y siendo partícipe del bochinche.

Así se alza Sabitoh y empieza a reclutar a cuatro pendejos que no se sabe para qué los necesita si el tipo con solo mover las pestañas liquida como moscas a quien se le antoje. Inexplicablemente, Magneto que no suele ir de segundón se le une.

Sabitoh es un as de las ciencias, la filosofía, el arte de la guerra, la telequinesis, los waffles y un largo etcétera. Sin embargo, su personaje tiene el carisma de una piedra al sol, cero. Oscar Isaac es el actor que interpreta como puede a uno de los villanos top de Marvel. Acá hay discusiones que pueden resolverse con unos cuantos balazos al amanecer pero, para no pecar de reaccionarios, diremos que Isaac tampoco tiene mucho material con el cual lucirse.

Estamos ante un villano que teniendo todas las cartas a su favor se la pasa caminando como momia estreñida por toda la película, siendo parte de peleas inútiles y artificiosas. Encima piensa que es necesario dar mensajes a la humanidad/mutantes para AVISARLES que serán destruidos.

Un poco más de dignidad, che.

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Dignidad, ola ke ase

Mientras Sabitoh encuentra la dignidad, el guión de Simón Kinberg (Los 4 Fantásticos, Sr. y Sra. Smith, Días del Futuro Pasado)  decide hacer lo que está tan de moda en las películas de súperheroes:

  1. Agarrar hartos personajes con bastantes conflictos existenciales cada uno (Jean y el miedito a sus poderes/ Scott y el miedito a sus poderes/ Mystique y su repentino apego al bajo perfil/ Magneto tratando de ser un humano más/ Xavier y su pasado amoroso que se vuelve actual/ Quicksilver y el «Yo soy tu hijo» que queda colgando toda la película/ Lobezno enjaulado por ahí/ ZzzzZZZzzzzZZZZ)
  2. Esos personajes hay que mezclarlos unos con otros y otros con unos sin ton ni son en una sinfonía de efectos especiales y relaciones casi endogámicas.
  3. No importa si Jubilee no hace un carajo, metámosla, algún fan la reconocerá y se pondrá feliz. No importa si Psylocke solo muestra un lindo traje de latex negro, metámosla algún fan se pondrá feliz.
  4. Al final, habrá un enfrentamiento épico donde esos «todos» que andan revueltos medirán fuerzas.

Sí.

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Seguimos a Apocalipsis porque…bueno, porque nos dio la gana.

Siento algo de vergüenza ajena que tantas veces mueran mujeres y niños en pantalla para justificar la existencia malvada de un psicópata Hijo de Pooh.

Eso pasa con Magneto, a quien le hemos visto su hilacha crazy bitch desde sus tiempos en los campos de concentración nazi, y tanto en el futuro (cuando ya es viejo y lo interpreta Ian McKellen) como en el pasado, el fulano ante cada incordio de la vida se va a matar a quichicientos crispines y luego tiene escenas emotivas con el profe Xavier y Mystique, quienes prácticamente le dicen: «Hasta siempre, amigo querido».

Evidentemente, Kinberg (guionista) no ayuda mucho y deja al conflicto de Magneto, y al de los demás, sin desarrollo en pos de empezar la siguiente escena de acción, el siguiente «paisaje», el siguiente gag.

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Creo que si algo se extraña en esta entrega es el contenido que X-Men ha tenido desde sus inicios, es decir: en medio del tunchi tunchi, siempre había un trasfondo fácilmente identificable que involucraba aspectos más profundos, o por lo menos los bosquejaba. Acá se cede a la dejadez narrativa y la idea (aparente) de Bryan Singer  que el público actual es como el público que acudía al circo romano a ver la damnatio ad bestias: le ponés un león que se coma a alguien y listo.

¿Y de la fidelidad al cómic cómo andamos?, no hay ni para qué reflexionarlo porque hace rato cada quien agarró el camino que le dio la gana.

Ya para cerrar, quizás X-Men:Apocalipsis tenga algunas secuencias (la reciclada escena de Sweet Dreams con Quicksilver) o lucimientos personales (Fassbender) que hagan su visionado aceptable, pero estos ojitos se encontraron con una película sin chispa, cansada, rutinaria como si el hamster trepado en su pequeña  rueda llevara años ahí.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: dentro de todo se deja ver Lo peor: mucho ruido y pocas nueces La escena: ya lo vimos en la anterior Días del Futuro pasado, pero la secuencia de Quicksilver y Sweet Dreams Lo más falsete: casi todo El mensaje manifiesto: figurita repetida no llena álbum El mensaje latente: el tiempo pasa nos vamos poniendo viejos El consejo: para verla si no hay nada mejor que hacer El personaje entrañable: Nightcrawler El personaje emputante: el boludo de Magneto, el boludo de Xavier, el boludo de Apocalipsis, casi todos El agradecimiento: porque termina

CURIOSIDADES

Idris Elba y Tom Hardy fueron considerados para interpretar a Apocalipsis.

Stan Lee hace un cameo.

Ellen Fanning, Chloe Moretz fueron consideradas para el rol de Jean.

Se van a filmar cuatro películas más confirmadas en torno al universo X-Men.

La escena de Quicksilver en la mansión dura como tres minutos, pero tomó meses filmarla entera, Quicksilver fue el actor que más tiempo pasó en set por esa secuencia.

Presupuesto aproximado de 178.000.000 $us.

CINE HÚNGARO: El hijo de Saúl (Son of Saul/Fia Saul)

Por: Mónica Heinrich V.

«Nunca se sale del campo” dijo Shlomo Venezia sobre Auschwitz en una entrevista del 2010.

Shlomo fue uno de los 70 Sonderkommandos que sobrevivió al holocausto judío.

Shlomo fue uno de los miles de Sonderkommandos.

Los Sonderkommandos eran grupos “especiales” que los Nazis formaron para que los judíos se conviertan en ejecutores de otros judíos a cambio de mejores condiciones de vida dentro del campo. Como dice el director húngaro László Nemes, a esas personas se les arrebató hasta el consuelo de sentirse inocentes.

b8b2c578-saul-posterSaúl, nuestro Saúl, también está en el campo, en Auschwitz y es un Sonderkommando.

Los primeros segundos del filme escuchamos sollozos apagados, vemos siluetas difusas, y la muerte esperando.

Fuera de foco.

La cámara acompaña con precisión esa demoledora introducción donde se nos presenta a un personaje sumergido en un infierno para el cual no existe aún una palabra o descripción posible.

Foco.

Saúl hace su trabajo como un autómata. La muerte se ha normalizado y de alguna manera todos cumplen un rol.

Los prisioneros entran a darse una ducha que los limpiará del largo viaje en tren, se desnudan, apilan la ropa en colgadores con números-no se olviden del número, cuando regresen les ayudará a ubicar sus cosas- y pasan a las cámaras de gas.

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No. Claro que no.

Los sonderkommandos no podían decirles a los prisioneros que iban a ser exterminados, que la prometida ducha no era otra cosa que un mortífero gas,  no estaban autorizados para hablar. Su labor consistía únicamente en optimizar la llegada de los trenes, la repartija de la gente (“selección”) y, luego, hacer de la muerte un hecho eficiente.

ALERTA SPOILER

Esa tarde en la que escuchamos los pájaros cantar y vemos las ramas verdes que se mecen, un nuevo tren llega.

Estos nuevos prisioneros son llevados nuevamente a la cámara de gas, nuevamente se desnudan y nuevamente mueren. Saúl, en un instante que no se remarca, descubre entre los cadáveres a su hijo.

FIN DEL SPOILER

Nemes, el director, te tiene agarrado- literalmente- de los ovarios y de las pelotas. Su cámara, portando durante toda la película un lente de 40 mm., nos da la información que Saúl permite.

No hay los grandes planos de otras películas que tocan el tema de la locura nazi, no existe ese aspaviento de mostrarte miles y miles de cadáveres, de hechos terribles y desgraciados en primer plano casi con morbo, no los hay, porque en la concepción que hace Nemes del horror no son necesarios.

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El fuera de foco se usa para insinuártelo, para que tu imaginación, para que tu mente llene los espacios en blanco.

El horror no parte de afuera, nace desde lo más profundo del espectador.

Y funciona.

ALERTA SPOILER

Saúl, en medio de su oficio de Sonderkommander, rodeado de muertes, de hombres/mujeres/niños sentenciados, decide que su hijo debe tener un correcto entierro judío. Él no permitirá que el cuerpo sea cremado o echado a una fosa común.

Es su hijo. O eso parece creer.

Se abre una jodida ventana en la que se pone en duda si este hijo por el cual se está arriesgando tanto es en verdad el hijo de Saúl o es parte de un delirio producto de las crueles circunstancias.

El resto de la película vamos junto a este sujeto, que ya tiene una enorme X roja dibujada en su chaqueta, en la búsqueda de un “rabí”, un rabino que le ayude a enterrar a su hijo.

saul-fiaParalelamente, los sonderkommandos saben que a su unidad les está por llegar la hora y deciden resistirse

Cada tres o cuatro meses los sonderkommandos eran eliminados también, una forma de purga que garantizaba el secreto de lo que se hacía en el campo y en la vida real es en 1944 que se tiene registro de la única rebelión llevada a cabo en Auschwitz:  los sonderkommandos que intentaron escapar a su destino.

Nemes, toma este escenario e inserta a Saúl y al cadáver de su hijo.

FIN DEL SPOILER

Con un tema que parecía agotado, el cineasta húngaro consigue dar una bofetada. Tipo guante de box que lleva dentro un ladrillo. No solo retrata los abismos de la locura nazi, sino los abismos de la locura de los prisioneros.

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La película tiene muchas capas, cosas que se dejan en el aire esperando ser interpretadas.

Es un filme incómodo, abrumadoramente triste y desolador.

Lo que más se agradece y se reconoce es la magistral lección cinematográfica que da el director en esta opera prima.

Con una economía de recursos notable construye una  película memorable.

El hijo de Saúl visualmente tiene una apuesta arriesgada. Este estilismo se maneja casi enteramente con planos cerrados, planos secuencia, luz natural en los exteriores, fuera de foco y silencios.

85 escenas bastan para ser partícipes de la barbarie.

El guión escrito por el mismo director y por la francesa Clara Royer, tiene sus altibajos a partir de la mitad de la película, altibajos donde se puede sentir en algunos momentos la mano de los guionistas, pero eso no importa. No.

La historia es tan poderosa que cuando llegan los enormes minutos finales y el niño corre entre el bosque alejándose de la muerte, es imposible no sentir ganas de aplaudir.

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Lo peor es que Shlomo Venezia tenía razón, una vez conocés el campo, no se lo deja nunca.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: a nivel técnico es una joya en todo sentido Lo peor: quizás, esperaba más del guión La escena: el principio, el final Lo más falsete: lo del falso rabí, muy predecible El mensaje manifiesto: en el horror uno se pierde El mensaje latente: nunca se deja el campo El consejo: para verla y admirarla en su grandiosa factura El personaje entrañable: los prisioneros El personaje emputante: los nazis El agradecimiento: por una lección de cine.

CURIOSIDADES

  • Se filmó en 28 días con un presupuesto cercano a 1.000.000 de dólares.
  • En inició se planteó como una película francesa con un personaje francés y en coproducción con varios países, finalmente los candidatos se bajaron del barco por encontrar el filme muy riesgoso.
  • László filmó El hijo de Saúl basándose en una especie de Dogma personal: La película no tendría que lucir hermosa, no se podía convertir en una película de terror, quedarse con Saúl significaba no ir más allá de su campo de visión o escucha o presencia y la cámara se queda con él a través de ese infierno.
  • El trabajo más arduo fue el diseño de sonido que tomó cerca de 5 meses. Voces humanas en 8 idiomas fueron agregadas a lo largo del metraje para darle mayor realismo a la situación.
  • Ninguna de sus 85 escenas dura más de 4 minutos.
  • Géza Rohrigh (Saúl) es un poeta amigo de László que fue invitado por el cineasta para hacer un papel secundario. Cuando vieron su casting quedaron convencidos que era la persona ideal para interpretar a Saúl. Géza no actuaba desde los 80s.
  • El hijo de Saúl (al inicio vivo y luego muerto) fue interpretado por un par de gemelos que se turnaron durante la película.
  • László fue asistente de Bela Tarr.
  • La mujer que le da la pólvora a Saúl existió realmente y fue ejecutada por el mismo hecho durante la rebelión del 44.
  • La certeza de que se trataba del hijo de Saúl era precisa en los primeros borradores, en las re-escrituras se fue tornando una realidad ambigua, y marcando la duda de si no eran delirios de Saúl. Uno de los que creen que no era su hijo es precisamente el actor que interpreta a Saúl.
  • La familia materna (abuelos de su madre) del director húngaro murió en campos de concentración.
  • Hay un corto de László filmado en 2007 que ya marcaba un poco el tono de lo que sería El hijo de Saúl y que aborda la temática del holocausto:

CINE: The hateful eight (Los odiosos ocho)

Partamos diciendo que The hateful eight NO es lo mejor de nuestro querido Quentin Tarantino. No. Sigamos con que no tiene un ápice de sentido y que todo se desarrolla con el mismo caos y excentricidad que cuando intentás hacer caipiriñas en un vaso de plástico y no tenés idea de las medidas ni del orden de los ingredientes.

Eso puede generar el odio más corrosivo por Los odiosos ocho. Ajá. Pero he aquí un detalle: tal vez no sea lo mejor de Tarantino pero sigue siendo una película de Tarantino.

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Con esto quiero decir que tiene personajes pintorescos y escenas pendejas que harán que valga la pena sentarte como 3 horas a ver ese desfile de autoreferencias que se te antojará eterno.

Q.T. se inclina (una vez más) por el western y sitúa la acción en la América profunda y racista que ya nos mostraron en Django.

Una diligencia avanza por la blanca nieve, en ella viajan don John Ruth (Kurt Russel) y Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh). La diligencia se detiene en el camino para darle aventón al mayor Marquis Warren (Samuel Lee Jackson) y Chris Mannix (Walton Goggins).

Ruth está llevando a la señorita Daisy al pueblo Red Rock para obtener una recompensa por su cabeza y ver cómo la ejecutan en la horca.

Es evidente que la presa, Daisy/Jennifer, será el botín a disputar y es evidente que Ruth no debió detener NUNCA esa maldita diligencia.

Así las cosas, charlas van y vienen y nos damos cuenta que en esta nueva película de Q.T. escucharemos un montón de texto y que dentro de su filmografía es su película más «diferente». Diferente porque pone el diálogo por encima de la acción.

odiosos-2Pero volvamos al argumento: a la situación ya de por sí incómoda y peligrosa, se suma el hecho de que hay una tormenta a punto de alcanzar a los viajeros y la troupé se detiene en una especie de tiendita: la famosa Mercería de Minnie.

Los cuatro personajes se toparán entonces con otros cuatro sujetos: el mexicano Bob (Demian Bichir), Osvaldo Mobran (Tim Roth), Joe Gage (Michael Madsen) y el general Smithers (Bruce Dern).

Ocho crispines, una tormenta, una tipita cuya cabeza vale un montón de dinero, varios cazarecompensas, y voilá, tenemos montada una intriga sobre qué pasará y lo más importante: quién llenará de balazos a quién.

Q.T. responde esas inquietudes con creces recurriendo a su ya consabido derramamiento de sangre, algo de gore, violencia extrema al pedo, y MÁS (sí), MÁS texto.

Por supuesto que es un desfile efectista y egomaníaco, es como ver a Q.T. bailando una bachata con él mismo, con el contoneo y todo.

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Y claro, Ennio Morricone que tiene más de 500 piezas acreditadas como compositor para audiovisuales (comerciales, series, películas) le pone su impronta a esa bachata tarantinesca con una banda sonora ideal, asegurándose así el Oscar este año a Mejor Banda Sonora.

Por su parte, el gran Robert Richardson (Kill Bill 1 y 2, Hugo, Django, Bastardos sin Gloria) demuestra una vez más su talento para fotografiar este frío western. Bonita secuencia la que nos explica cómo Bob y compañía llegaron a la Mercería de Minnie. Bonita.

Lo menos creíble de The Hateful Eight fue el ojo morado de Jennifer Jason Leigh que si existiera un premio a peor maquillaje, tendríamos que dárselo a ese horrible círculo negro que aparece al principio y que va oscureciendo/menguando a su antojo mientras la película avanza. Mapache Style.

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The Hateful Eight se inspira en The Thing, película de terror/ciencia ficción de John Carpenter y si ven o repasan este ya clásico de clásicos, se pueden comparar planos, personajes y situaciones.

Hay que decir, empero, que Tarantino parece un niño de pecho al lado del Carpenter de The Thing, es como ese amigo ñoño que quiere imitar al malote del curso.

Lo más decepcionante es que después de los ríos de texto y sin vos contar con las habilidades de Hércules Poirot o Miss Marple, te preguntás porqué los maleantes no usaron esa bonita secuencia que nos explica cómo Bob y companía llegaron a la Mercería de Minnie para emboscar a Ruth y compañía.

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Tres horas con un guión que dice poco, aparte de las sesenta y cinco veces que la palabra nigger es escuchada fuerte y claro.

¿Gusta? Es difícil no sucumbir ante el encanto de algunos de sus diálogos, o a esa soberbia Jennifer Jason Leigh, que merece más y mejores papeles en el cine. Es difícil.

Como dije al principio: puede generar un honesto odio haciéndole honor a sus odiosos personajes, algunos seguidores quedarán aburridos por el excesivo texto, o se sentirán traicionados porque la famosa violencia aparece en contadas ocasiones y no de manera espectacular.  Yo me quedo con una sensación de jugarreta, de esas que arrancan risas.

Igual de sabrosas, igual de efímeras.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: no deja de tener el desparpajo Tarantino Lo peor: una bachata lenta y apretada de Tarantino con Tarantino La escena: la parte en que el Mayor le cuenta al Coronel Sanders lo que pasó con su hijo Lo más falsete: tanto tole tole que con la eficiencia mostrada al inicio se pudo resolver más fácilmente El mensaje manifiesto: menos es más El mensaje latente: los excesos pueden ser marcar registrada El consejo: se disfruta más sin grandes expectativas El personaje entrañable: Daysi y su hermano (Channing Tatum siempre será “entrañable”) El personaje emputante: el de Roth, similar a los que suele hacer Waltz El agradecimiento: por las pequeñas grandes escenas.

CURIOSIDADES

Fue filmada en 65mm. Generalmente, una película contiene 24 fotogramas por segundo, y gracias a este formato se puede alcanzar hasta los 30 fotogramas dándole al filme un look ultrapanorámico.  En la práctica y en específico para The Hateful Eight, esa elección resulta más un capricho de Tarantino, teniendo en cuenta que de panoramas y tomas colosales hay poco y todo se reduce a lo que sucede en la Mercería de Minnie, un lugar para el que no necesitás mucho más.

En la escena que Jennifer Jason Leigh toca la guitarra y canta Jim Jones at Botany Bay se prestaron una guitarra antigua de un Museo de guitarras. La guitarra en cuestión era de 1870, y se habían construido dos réplicas para que Kurt Russell las destruya de acuerdo al guión. Desgraciadamente, no le informaron a Russell de dichos reemplazos y el actor destruyó la guitarra original. La reacción de Jason Leigh es auténtica y quedó para la película. El Museo lanzó un comunicado asegurando que nunca más prestarían guitarras para otra filmación.

Este es el guión que se coló a las redes gracias a piratas informáticos. Tarantino había decidido no filmarlo, pero como ya se había hecho una lectura con el cast y los actores estaban entusiasmados, persuadieron al director de continuar con el proyecto.

The hateful eight tiene referencias a True Grit, Django, Bastardos sin Gloria y Reservoir Dogs.

Es la sexta colaboración entre Samuel Lee Jackson y Tarantino.

Algunas escenas se grabaron en sets refrigerados a -1 grados bajo cero.

Las primeras pruebas con público tenían una duración de más de tres horas y un entreacto.

En el guión original Bob era francés, no mexicano.

Tarantino hace la voz en off.

Es la primera banda sonora para un Western que compone Morricone en los últimos 35 años.

Hubo alguna polémica porque al personaje femenino lo estropean durante toda la película, algunos colectivos o periodistas acusaron a Tarantino de perpetuar la idea de que maltratar a una mujer está bien. O sea!!! ni cómo explicar cosas que parecen tan obvias. Es más, si algo sucede con Daisy es que nunca se la trata distinto por ser mujer. En fin.

CINE TURCO/FRANCÉS: Mustang

En un pueblito de Turquía viven cinco hermanas. Son huérfanas, por lo que la abuela y el tío se encargan de criarlas.

Tres generaciones compartiendo una sola casa.

Los días transcurren como los de cualquier adolescente. Las chicas estudian, juegan, se divierten. Salen del colegio y chapotean en el mar.

Hay inocencia, hay libertad.

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Pero a los ojos desaprobadores de alguien eso no es libertad, no es inocencia y ese alguien le echa el chisme a la abuela de que las chicas estaban con compañeros (masculinos) en la playa.

El mensaje provoca histeria.

A la obvia orfandad de estas cinco hermanas se le suma la más absoluta indefensión ante las supuestas normas de comportamiento de una mujer.

Se las trata de impúdicas, de casi casi deshonrar a la familia, se habla de lo obsceno desde una escena que por sí sola es obscena.

La única forma que la abuela tiene de quitar esa horrible mancha en la reputación de estas “casaderas chicas” es haciéndoles un examen que certifique que siguen siendo vírgenes.

La famosa virginidad.

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Mustang, la opera prima de Deniz Gamze seduce. Lo hace desde un filme austero, pequeño en sus aspiraciones y grande en lo que intenta decir.

Para eso, la voz en off de Lale, una tremenda Günes Sensoy (la más pequeña de las cinco), nos acompaña en ese descubrimiento de un mundo lleno de reglas e hipocresía.

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Es Lale la que nos cuenta que SPOILER los barrotes reemplanzan las antes abiertas ventanas, que verjas altas y puntas de metal rodean la casa, que les imponen vestidos sin forma ni colorido para no despertar el apetito sexual, y que para evitar que la “mercancía” se dañe, la abuela comienza a casar una por una a sus nietas, siempre en matrimonios arreglados. SPOILER FINAL

Con un tono casi de cuento, Gamze traslada al espectador a ese entorno rural y opresivo que hace una critica tácita a sociedades patriarcales y a destinos femeninos que llevan siempre a la mujer de turno a aceptar un marido.

La quimera de una Estambul más flexible se alza como única salida a una situación insostenible.

Sí, Mustang es hermosa y al concluir te deja el corazón roto en pedacitos grises. Lale, Sonay, Ece, Selma y Nur se quedan con vos, aún cuando salís de la sala de cine.

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El guión es escrito por la misma Gamzer y por Alice Winocour, ambas mujeres. Es ese toque femenino el que se siente tanto en la estética como en la narrativa de Mustang.

No, no niego que a ratos cae en la gratuita manipulación SPOILER como cuando el tío resulta ser violador o como cuando después de tanta oda a la libertad femenina, el escape se realiza gracias a la ayuda de un buen muchacho SPOILER FINAL

Esa manipulación puede que le quite puntos extras a un filme que tiene cierta alma, cierto je ne sais qua que lo hace muy “amable” (de amor).

Con ese pequeño pero, Mustang no dejar de ser una obra sobresaliente, con un cast precioso, y una mirada personal e íntima a “la vergüenza social” que a veces significa ser mujer.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: un tono íntimo y conmovedor Lo peor: algunos momentos forzados La escena: el balazo y la consiguiente muerte, creo que nadie se lo espera / también cuando se llevan a la segunda chica al hospital porque no sangró Lo más falsete: el rescate, que no deja de ser patriarcal El mensaje manifiesto: la mujer es un ciudadano de segunda clase El mensaje latente: even if they don´t want, we will fly El consejo: para verla en el cine YA! antes de que la saquen El personaje entrañable: las hermanitas El personaje emputante: el tío HDP, la abuela HDP (aunque en parte la doña es víctima de lo mismo que las nietas) El agradecimiento: por un relato que llega.

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CURIOSIDADES

Estuvo nominada a Mejor Película Extranjera a los Oscar de este año.

La directora nació en Ankara, Turquía. En los 80s se mudó a Francia. También vivió en algunos momentos en Estados Unidos y en Turquía, donde sintió un fuerte choque con las costumbres y percepciones sociales.

Ha ganado muchísimos premios entre ellos Mejor Película Extranjera en los Goya, el Europa Cinemas Label en Cannes, cuatro premios en los César, y otros.

Algunas escenas son tomadas de las vivencias de la directora.

Las chicas no son hermanas, solo una de ellas (la que interpreta a Ece) era actriz previamente.

La directora tenía miedo de que alguna de las chicas crezca demasiado mientras esperaba a estar lista para rodar.

Gamze conoció a Winocour en un atelier del festival de Cannes, eran las únicas dos mujeres en el programa. Gamze estaba con un proyecto más grande que no consiguió respaldo, entonces Winocour le propone aliarse y hacer un filme más pequeño, así nace Mustang.

La productora principal abandonó la película antes de que comience a filmarse, y mandó un mail a todos los demás involucrados informando que Gamze estaba embarazada y que la película sería un desastre.

Cuando filmaron la escena del auto que está afuera del banco, y donde una de las chicas mete a otro chico, el equipo estaba nervioso y pensaba que la gente podía amotinarse contra la escena. Felizmente, no hubo mayores contratiempos.

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