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OSCAR 2017: Mejor Documental: 13th / O.J. Made in America / Fuocoammare / An Animated Life

Por: Mónica Heinrich V.

A ver, a ver, acá tenemos a los nominados a Mejor Documental exceptuando I´m Your Negro, que aún sigue en cartelera en USA y me ha sido imposible verlo. Esta categoría tiene dos coladitos, descubramos cuáles son. Como sé que muchos de ustedes ni siquieran tendrán interés en sentarse a ver los documentales en cuestión (picarones) les voy a dar spoilers hasta reventar. De nada.

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13th se refiere a la 13va enmienda de la Constitucion americana, la que va contra la esclavitud. La famosita que les ha servido a los gringos para autodenominar la patria gringa como “la tierra de la libertad”. En ella hay una claúsula que indica que la esclavitud está prohibida “a menos que el sujeto sea culpable de algún crimen”.

Miren ustedes qué previsores son los gringos. Porque de ahí se desarrolla un concepto aún más triste: La esclavitud previa a la Guerra Civil fue, obviamente, un sistema económico. Cuando el Sur pierde, la economía se va al tacho y la única forma de recuperar la mano de obra “liberada” es metiendo presos a los negros por delitos menores. En esa época ocurrió el primer aumento de la población carcelaria.

Mediáticamente se trató de posicionar la imagen del negro liberado como una amenaza para la sociedad, la película El nacimiento de una nación confirmó de manera masiva lo que muchos blancos querían que se cuente como consecuencia de la Guerra Civil: El afroamericano libre es un peligro para los blancos y el mejor lugar para ellos es la cárcel y el trabajo forzado. Acuérdense de la escena de la blanquita balanceando sus pies inocente y juguetona, mientras un perverso negro la acechaba para violarla.

La película también produjo un renacimiento del Ku Klux Klan al mostrarlos bajo un halo romántico y heroico. La cruz quemándose fue algo creado por el propio Griffith (el director), porque le parecía una imagen fuerte, luego el KKK la adoptó.

El documental evalúa el trauma generacional que supuso tener que migrar del sur hacia otros estados no en busca de bonanza económica sino de escapar de las condiciones de vida donde el asesinato por sospecha de crímenes estaba normalizado.

Luego, cuando se hizo inaceptable que esas prácticas quedaran impunes, surgió un agregado legal: la segregación. Los negros no podían usar los buses, ir a la playa, entrar a algunos restaurantes, ir a ciertas escuelas, o universidades, no podían votar, etc..

Cuando Nixon fue presidente tenía en su contra a varios movimientos sociales: los que peleaban por los derechos civiles, los antiguerra de Vietnam, los LGBT, entonces lanzó una dura campaña contra las drogas que no tenía otro destino que meter presos a los que le incomodaran y así poder controlar los movimientos en su contra. ¿Qué se puede esperar si se ataca el problema de las drogas desde lo penal y no desde la salud?

Con Reagan esto se hizo más profundo. Cuando salió el crack y quedó claro que esa droga era la que afectaba a los afroamericanos más que la cocaína, se impusieron penas ridículas: unos cuantos gramos de crack obtenían la misma condena que ser encontrado con 3 kilos de cocaína.

13th muestra imágenes de archivo en las que tanto Hilary Clinton como Donald Trump percibían a toda una generación afroamericana como Superpredadores. Prueba de ello fue que en los 80s, un caso de violación en el Central Park puso en la cárcel a 5 adolescentes negros, Trump inclusó pagó una página del New York Times presionando para que los chicos sean condenados a muerte. 11 años después las pruebas de ADN dijeron que eran inocentes.

Es terrible constatar que la comunidad afroamericana no es paranoica, que realmente existió una educación sistématica, impartida durante años en la que se crea este concepto de crimen=negros, que no solo es aceptada por la comunidad blanca sino por los mismos negros.

Al final, todo resulta ser por el cochino dinero, todo.

El bonachón Clinton expandió dramáticamente el sistema carcelario, se crearon más cárceles, y se les dio incentivos a la policía para hacer cosas hoy consideradas abusivas. Se produjo una militarización de los policías rurales y se ejecutaron sentencias más largas.

Hoy, Clinton admite que empeoró el problema. Para muestra un botón, el caso Zimmerman y Trayvon Martin, del tipejo ese que asesinó a un adolescente negro por “sentir” que era sospechoso en su urbanización. Zimmerman se apoyó en la ley Stand your Ground y salió libre.

Pero esta ley no cayó del cielo, no, la participación de ALEC (un grupo de políticos y corporaciones que redactan leyes para los republicanos) en el armado de la legislación tuvo mucho que ver. Empresas como WalMart son parte de ALEC, leyes como Stand Your Ground disparan las ventas de armas en los Estados Unidos, Walmart es uno de los más grandes almacenes que vende armas y es el mayor vendedor de balas del mundo. Luego de la tragedia de Trayvon, Walmart se alejó de ALEC aunque aún lo financia.

A través de ALEC, CCA es una empresa que mueve billones construyendo cárceles y ligada íntimamente al incremento de la penalización.

Si en sus cabezas están escuchando sonar el pitido de la caja registradora, es tal cual.

ALEC también impulsó la ley SB1070 que le daba el derecho a la policía de detener a quien pareciera inmigrante. Es así que CCA ganó un contrato de 11 millones de dólares al mes para “alojar” a los inmigrantes arrestados.

Porque hay que actualizarse, claro, con el flujo de refugiados e inmigrantes, ahora la atención del negocio se vuelca a esas comunidades a las que, a su vez, trasladan el mote de criminales, amenaza, peligro.

La monetización de las cárceles es tan grande que hay compañías de seguridad, telefónicas, comida, servicios de salud, etc.. que ganan millones en contratos a largo plazo para las cárceles. También, hay empresas que se sirven del trabajo gratuito de los internos. Las papas Idaho de las McDonalds son sembradas, cosechadas y empacadas por internos.

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¿Qué podemos decir? Un documentalazo, de esos que manejan una información valiosa, que además tienen una estética cuidada y una presentación de los datos meritoria.

La directora Ava DuVernay confirma la pericia, la sensibilidad y contundencia mostrada en su película Selma.

Un gran tema abordado de manera responsable, además escuchamos lo que vulgarmente se llama “las dos campanas”, porque también hay testimonios de miembros de ALEC o senadores republicanos y el trabajo cuenta con detalles como la música, el montaje, la gráfica muy admirables.

Estamos ante una fuerte denuncia porque el 25% de la población carcelaria mundial se encuentra en USA y ese 25% está compuesto en su gran mayoría por negros, latinos y árabes. En lugar de ocuparse de cazar musulmanes y alzar estúpidos muros, los ojos de Trump deberían estar puestos en optimizar las cárceles y dejar libres a un montón de personas que podrían tener otra oportunidad en la vida.

Sabemos que no será así, después de todo, cazar musulmanes y alzar estúpidos muros también tiene su beneficio económico. Una pena.

O.J.: Made in América

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He visto bastantes películas, documentales, especiales, reportajes sobre el caso de O.J. Simpson. Por eso, empecé a ver este documental sin mucho entusiasmo, más como una tarea para reseñarlo en el blog. Así es, la idea de verme las cinco partes, cada una de hora y media, me parecía demasiado. Pensé en ver la primera parte y en base a eso sacar conclusiones en cuanto a estética y manejo de información. Grande fue mi sorpresa cuando no lo pude soltar.

En serio, no se puede soltar.

Mi amigo Ezra Benjamin Edelman, el director, hizo un trabajo maravilloso, memorable. No sé si soy la única que ha llorado con esta terrible fábula del ascenso y la caída de un ser humano, pero confieso que al terminar de verlo sentí muchas cosas.

Parte 1

La primera parte nos cuenta la historia de O.J. desde sus inicios en un humilde barrio afroamericano de San Francisco hasta que alcanza su status de jugador de futbol americano. Hasta que es conocido como el Juice. En esa primera época, O.J. se ve casi tímido, relajado, accesible a sus seguidores, en sus primeros pasos hacia la fama.

Paralelamente, como una constante en todo el documental, se hace una semblanza del contexto social de la época, los 60s.

Simpson fue el primer hombre negro en ser contratado por una marca de auto para sus anuncios, y fue el primer hombre negro en estar en un comercial publicitario con una imagen exitosa y de ejemplo a seguir.

El tipo era, según lo que dicen, más grande que Ali. Porque además él no iba al conflicto con el tema racial, directamente no se involucraba, no era partícipe de los movimientos por los derechos civiles, no era vocero, no daba declaraciones polémicas, él siempre decía  “no soy negro, soy O.J.”.

Simpson se casó con una mujer llamada Marguerite, que en un inicio fue novia de su mejor amigo Al Cowlings. Con ella tuvo dos hijas.

Esta primera parte comienza con la voz en off de O.J. diciendo que más que dinero quiere fama, ser reconocido, que la gente al verlo diga: allá va O.J.. El capítulo termina exactamente cuando conoce a Nicole Brown (aún casado), que en ese entonces tenía 18 años y era mesera de un restaurant. Al verla dijo: Me voy a casar con esa chica.

Parte 2

El encuentro con Nicole coincide ya con sus últimos años como jugador profesional, O.J. estaba próximo al retiro y su hija menor había muerto ahogada en la piscina de su lujosa casa. Hecho por el que culpó a su entonces esposa Marguerite.

Cuando se enamora de Nicole, él ya lleva una vida de lujos y rodeado por un séquito de amistades de todo tipo. En esa época vive en Los Ángeles, ciudad que le encantaba porque en ella se movía como una celebridad.

Afianza su relación con Nicole, se muda a Brentwood (un barrio residencial del sur de Los Ángeles) donde es uno de los tres afroamericanos de toda la zona. En esa casa contrae matrimonio con Nicole, y en esa casa iban y venían sus amistades, entre las que se contaban políticos, deportistas, artistas y policías, mayoritariamente blancos.

Mientras O.J. se relacionaba con los policías en onda groupies-estrella, la comunidad afromaericana los veía como sus enemigos. Nuevamente, se muestra el contexto de la época, el famoso caso de Rodney King apaleado por policías blancos o la muerte de Latasha Harlins baleada por una mujer coreana en una tienda. La comunidad negra sentía que no había justicia para ellos, que la vida de los negros no tenía importancia en una sociedad en la que eran ciudadanos de segunda clase.

O.J., por su parte era amado por los blancos y era amado por los negros. Era un proveedor, se encargaba de su familia, de sus amigos, de Nicole, de toda la familia de Nicole.

Sin embargo, la aparente paz de esta estrella de fútbol americano ahora abriéndose camino como actor y presentador de televisión, da un giro cuando se descubre que ejerce violencia de género sobre Nicole.

La denuncia formal llega después de otros 8 incidentes previos. Por ese delito le dan 120 horas de servicio comunitario que las usa organizando torneos de golf entre celebridades.

Las marcas que lo tienen como imagen no lo abandonan y su entorno lo apoya, incluida la misma Nicole. Estamos ante un personaje que hasta la fecha sigue saliéndose con la suya, y cuyo nombre O.J. pesa más que la justicia.

Esta parte termina cuando Nicole decide separarse y O.J. no puede dejarla ir. Un amigo suyo dirá: “Es tan celoso como buen jugador de fútbol. La persona más celosa que conocí en mi vida”.

PARTE 3

Este capítulo arranca con detalles del asesinato en sí mismo. Imágenes del crimen y el relato de lo que pasó ese día y los posteriores.

O.J. se apareció en el funeral como un compungido viudo.

Cuando la policía decide arrestarlo, él pacta con su abogado una entrega que nunca sucede y es cuando se produce la famosa persecución. La que todos recordamos del Bronco blanco filmado por helicópteros y perseguido por un montón de patrullas. Yo lo vi así, sin embargo, policías de la época, periodistas comentan en pantalla que eso fue una escolta, que la policía de Los Ángeles actuó así porque se trataba de O.J. que si fuera otra persona se habría manejado diferente.

Como el seguimiento estaba siendo televisado la gente cercana a la zona por donde pasaba el auto salió a las calles vitoreándolo, con letreros de apoyo y muchos lo siguieron hasta la blanca Brentwood.

Cuando lo consiguen arrestar, el mismo O.J. se asombra de la cantidad de negros que rodean la zona: “Cómo hicieron tantos niggers para estar acá”, fue uno de sus comentarios.

Luego viene la preparación del juicio, O.J. contrata a lo que se llamó el “dream team”, formado por Ben Shapiro y más tarde por el abogado que también defendió a Michael Jackson: Jhonny Crochan, un abogado de reputación intachable admirado por toda la comunidad afroamericana. En la selección de jurados, hacen una encuesta que arroja que las mujeres afromaericanas están dolidas porque un hombre negro exitoso y guapo se casó con una blanca por encima de alguien de la comunidad, pero ese antagonismo no está dirigido a él, sino a la víctima.

La fiscal Marcia Clark había tenido buenas experiencias antes con jurados mujeres y negras, así que no objeta la elección del jurado que queda compuesto en su mayoría (8) por mujeres afroamericanas. Como una jugada poco afortunada, involucran como parte del equipo fiscal a Chris Darden, solo porque es negro. Darden cometerá alguno de los errores más graves de su equipo.

La defensa, el dream team, arma una estrategia anclada en presentar a O.J. lo más negro posible, y, como tal, probable víctima de la policía de Los Ángeles. Bajo esa artimaña consiguen desacreditar al detective Mark Furhman, que tenía un historial de comentarios racistas y denigrantes. Sí, se juegan la carta racial, esa que Shapiro dijo en una entrevista previa no iban a usar.

Brillante.

PARTE 4

Acá se desglosan las evidencias en contra de O.J.: Sangre de O.J. en el lugar del crimen, sangre de O.J. y de los asesinados en el auto de O.J., sangre de O.J. y de los asesinados en la casa de O.J. (en ese entonces Nicole vivía separada de O.J. en otra casa cercana), O.J. no tenía coartada, el asesino había sangrado en la escena del crimen porque estaba herido, O.J. tenía uno de sus dedos con un feo corte que nunca supo explicar cómo se lo hizo (se contradijo muchas veces), las evidencias en su contra eran muchas, y además incluía algo básico de cualquier crimen: Un móvil, una motivación y antecedentes (los reportes de violencia, el diario de Nicole donde aseguraba estar aterrada por la posibilidad de que un día él la mate).

La defensa decidió objetar las pruebas y tratar de sembrar en el jurado una idea absurda: que el detective Mark Furhman había plantado las evidencias por su odio a la comunidad negra, que se dio el afán de colectar sangre del detenido (O.J.) y regarla en los lugares mencionados, que además se siguió un negligente protocolo de colecta de evidencias, y eso aunado a la segura postura de inocencia de Simpson, construyó el clima perfecto para un veredico a favor.

Al ser un caso tan mediático, la comunidad negra lo adoptó como una causa más por la cual luchar. Habían letreros de apoyo que rezaban: NO importa si lo hiciste o no lo hiciste, te amamos!, o mujeres afroamericanas que sin tener un argumento sólido para afirmarlo clamaban la inocencia del famoso O.J..

PARTE 5

En esta última parte, se da el veredicto. Después de 8 meses de juicio, el jurado deliberó apenas 3 horas y media. Lo declararon inocente. Mientras leían el fallo, uno de los miembros del jurado se levantó e hizo el gesto de las Panteras Negras, porque él había sido pantera años atrás, cosa que la fiscalía supo en ese momento.

Cuando los jurados fueron relevados se escuchó que se celebraba diciendo: Esto fue por Rodney King.

Después del juicio era evidente que la gran mayoría pensaba que sí era culpable y  escarchaban a O.J. en lugares públicos, los amigos no se acercaban y él intentó continuar con la vida que tenía antes sin conseguirlo.

La familia de Ronald le hizo un juicio civil que ganaron fácilmente, porque se tuvo la oportunidad de cuestionar a Simpson directamente. En él, O.J. ni siquiera admitió la violencia doméstica que tenía constancia en más de 12 reportes policiales. A pesar de ser encontrado culpable, la pena era solo monetaria, por lo que estaba obligado a pagar un resarcimiento económico a la familia de los asesinados.

Después de un periodo de adaptación al escrache al que era sometido en algunos lugares, Simpson siguió teniendo groupies, fans, personas que caían seducidas por su carisma.

Se sumergió en las drogas, en el alcohol, en una vida disipada que trasladó a Miami, ahí la caída del astro fue total. Puede que haya ganado el juicio que lo libró de la cadena perpetua o la pena de muerte, pero en la práctica el hombre se hundió en la miseria.

Finalmente, en un confuso episodio dentro de un hotel de Las Vegas y recuperando cosas personales que un coleccionista vendía a altos precios como Memorabilia, fue condenado a la cárcel por delitos menores. Así es, por una estupidez tiene una condena de 30 años de cárcel, y ahí está desde hace 10 años. Este 2017 puede apelar a la libertad condicional.

Es muy triste todo el documental, porque en el vistazo que le damos a O.J. como el tipo que “lo logró”, hay todo un contexto social y racial que es tan jodido que repercute hasta en un caso judicial de la peor manera. Es el sueño americano convertido en pesadilla. A través de entrevistas a periodistas, políticos, atletas, amigos, y familiares de los involucrados, por primera vez uno es conciente cómo fue creado O.J.. Ese tire y afloje entre lo que debía ser como negro en su comunidad, entre lo que los blancos esperaban de él, entre lo que él deseaba para sí mismo, entre lo que su status de estrella, de héroe requería.

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No, no se humaniza al asesino, sino se deja claro que el sistema permite que un ricachón escape de su culpa, en un terrible contraste con los negros provenientes de los sectores pobres de Los Ángeles que apoyaron a Simpson durante el juicio.

Extraordinario documental, necesario y desolador. Por eso, fue casi imposible evitar las lágrimas al final por los que pusieron el pecho por él en una absurda solidaridad de raza, por la caída brutal, por las muertes, por la tragedia.

No sé cómo acabé aquí. Tenía una gran vida. Conozco la bondad que había en mí y la bondad que di a los demás. Ahora, ya no siento esa bondad. Me siento vacío. Completamente vacío. Solo le pido a las personas , por favor recuérdenme como el Juice, por favor. Recuérdenme como el buen tipo.

Fuocoammare / Fire at sea / Fuego en el mar

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Para mí, este documental italiano es uno de los colados de la categoría.

Gianfranco Rossi agarra un tema espinudo: Los refugiados y nos lleva con su cámara a la isla italiana Lampedusa, por la que han llegado cerca de medio millón de personas de distintos países africanos.

La idea de Rossi es mostrarnos como una realidad paralela dos hechos: la llegada masiva de refugiados en condiciones infrahumanas y la vida apacible de los lugareños, una vida cómoda de europeos con sus necesidades básicas cubiertas.

Me parece que la comparación es injusta, y al mismo tiempo antojadiza. Rossi nunca hila a profundidad lo que pretende con esa comparación aparte de valorar las condiciones de vida de ambas partes y la aparente indiferencia a los migrantes que tienen los lugareños.

El estilo es frío desprovisto de cualquier emoción, cosa que en ciertos trabajos se agradece, pero acá torna la pila de cadáveres en un barco de africanos en una especie de fotografía de exhibición.

Hay pequeñas insinuaciones: el niño con el ojo flojo, que  ve borroso y que necesita mejorar su vista. La doñita súper cristiana, inmersa en sus labores domésticas escuchando por la radio el horror y comentando: Pobres cristianos. Los niños paseando y jugando en una tierra que es concebida como el sueño a alcanzar, como la promesa de una mejor vida y por la que miles de personas mueren.

No, el tema no es poca cosa.

Y de hecho, yo me quedé con ganas de saber qué pasa con ellos, cómo se los procesa, dónde se los manda. Lo único que el documental muestra es: largas escenas del niño jugando con su honda, o paseando, largas escenas de la familia comiendo fideos, largas escenas del rescate de los refugiados que piden ayuda por radio, testimonio del doctor que muchas veces los recibe, una especie de selección de enfermos-no enfermos, y eso es todo.

Creo que en su afán de hacer una comparación, se pierde mucho tiempo mostrando cosas sin importancia real. Para decirme que el europeo promedio vive en la seguridad de su casa sin importarle un carajo lo que hacen otras personas escapando de la guerra o de la pobreza, no necesito cien imágenes de europeos comiendo o pasándola bien.

Sin embargo, Rossi parece necesitarlo.

Le rescato su sentido de la oportunidad (¿o es también gol en contra?), los refugiados son uno de los temas candentes de la actualidad, y merecen una aproximación profunda que mediatice la necesidad de una respuesta internacional real y sólida. Le rescato, también, las imágenes que consigue, el tipo se metió en el meollo del asunto. Filma la llegada de refugiados en las peores condiciones, filma los cadáveres, su material es vasto y útil.

Una lástima que como relato no haya llegado a buen puerto y se quede como una mirada desprovista de alma.

LIFE, ANIMATED

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Es triste decir que un documental que tiene un aparente fin social es un colado dentro de las nominaciones, pero sí, me hago cargo.

Life, Animated  narra la vida de un niño autista que consigue conectarse con su familia y el mundo exterior gracias a…películas de Disney. El documental dirigido por Roger Ross Williams, se basa en el libro homónimo escrito por el padre del niño, Ron Suskind.

Owen empezó a desarrollar autismo a los 3 años, y dejó de hablar. Los especialistas dijeron que lo más probable es que nunca vuelva a comunicarse hasta que descubrieron que había memorizado todas las películas de Disney y además elaboraba conceptos en base a ellas.

En el documental vemos a Owen ya de veintipico años, a punto de mudarse y haciéndose cargo de su vida, tiene novia, va a conseguir trabajo y sigue igual de fascinado por las animaciones de Disney.

Es evidente que se trata de una hermosa historia de superación, condimentada por los elementos que a todos nos gustan: emotividad, familia unida, prójimo solidario y final feliz.

Sin duda, un lindo trabajo que además intercala las imágenes de la vida de Owen, con las de Disney y con las animaciones originales que narran su niñez y adolescencia.

¿Material de Oscar? No creo, a ratos parece, también, una larga publicidad para Disney y sus personajes. Está narrado de una manera convencional, sin grandes sorpresas y, para mi pesar, tiene una escena casi al final que sentí gratuita y actuada: el rompimiento con Emily, la novia autista.

Fue el último documental que vi de la tanda, y la verdad me sentí agradecida de ver algo positivo y limpio.

Pero no, creo que la selección de este documental como Mejor Documental en los Oscar obedece a cubrir un espacio que está dominado por el tema racial, político y social. No deja de ser un tema «oscarizable», pero siento que su factura no alcanza los niveles ni siquiera para separarlo de un documental de A&E Mundo.

CONCLUSIONES

Mi corazón estaría feliz si se lo dan a 13th o a O.J.: Made in América, la investigación es tan profunda y la dirección tan cuidada, que cualquiera de los dos podría alzar el Coso Dorado.

Dárselo a cualquiera de las coladas sería bochornoso. Esperemos que el domingo, se haga justicia en esta categoría.

EN CARTELERA: Zootopia / The Witch / Pasiones Prohibidas / Truman / Sin Filtro / Deadpool / Zoolander

Porque hay muchas películas, poco tiempo y demasiada información para digerir (Zapata-Gate, Refugiados, Siria, Lula, Cantando por un sueño y Fatmagul) hago un repaso raudo y veloz de la cartelera.

ZOOTOPIA / ZOOTROPOLIS

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¿Cómo se llama un camello de tres jorobas?

De todas las boludeces que sacan para niños, en las que dan mensajes ambiguos y a veces hasta poco afortunados (ver El sapo y la princesa, Frozen y otritas) Zootopia es el ejemplo perfecto de lo que una buena animación debe ser: Tiene personajes entrañables, es divertida, dice cosas importantes de forma didáctica, y, en general, es una película que no hace que salgás del cine deseando quemar las instalaciones Disney.

Byron Howard (Bolt/Enredados) y Rich Moore (Wreck it Ralph) son los directores de este proyecto y confirman una vez más que hacen lindos trabajos.

En un mundo de animales, Judy es una conejita que desea ser policía, pero OH, ese oficio está destinado a animales más grandes y feroces, y ella tiene que vencer todos los obstáculos para probar su valía.

Esta es una película sobre soñadores, y sobre un mundo de aparente inocencia que está sumergido en la corrupción, el sexismo, el racismo, y todos los ismos.

Señores padres de familia, se les comunica que pueden y deben llevar a sus niños al cine a ver esta gran película animada. Nunca estará de más mirar este espejo de animales y ver el reflejo de nosotros mismos.

Claro que en la vida real la cosa viene sin las canciones bonitas, el colorido, los villanos castigados, las voces tiernas y los finales felices.

Salud.

Lo mejor: Linda, técnicamente impecable y funciona para niños y adultos Lo peor: nada La escena: la del perezoso es de antología y también el homenaje a El Padrino Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: Los sueños se consiguen si se trabaja El mensaje latente: Siempre habrá alguien queriendo darle un hondazo a tu volantín El consejo: andá a verla! El personaje entrañable: Judy, los perezosos, el mini Padrino El personaje emputante: la oveja careta El agradecimiento: porque no es animación para formar niños estúpidos.

PASIONES PROHIBIDAS / ADORE

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Supongamos que sí, que la vida es una sola, que la moral es algo aprendido, que lo “correcto” o lo “incorrecto” puede ser percibido de manera muy flexible de acuerdo al cojudo de turno y que hay que buscar la felicidad sin miramientos. Sí. Supongamos que dos mujeres mayores, grandes amigas de toda la vida, cada una con un hijo varón veinteañero, puedan enamorarse la una del hijo de la otra y darle vuelo a la hilacha a las piruetas horizontales.

Ok. He visto/leído cosas peores. Te lo compro si en tu historia me mostrás ese mundo endogámico con las consecuencias que dicha relación traerá. Si ya de por sí es complicado establecer una relación con un boludo/a que no es nada tuyo, y cuya única complicación será la adaptación del uno al otro, NO puedo imaginar la histeria, susceptibilidades y cosas raras que podrían gestarse en una relación de dos mujeres BFFs (mejores amigas por siempre) y dos hijos que también son BFFs (mejores amigos por siempre) más revueltos que bolillo de bingo.

A la directora Anne Fountain la historia le termina quedando grande, y a ratos convierte este drama en una involuntaria comedia. Como cuando pasa algo grave y vos soltás la risotada.

De Fountain he visto dos o tres películas, incluida la descafeinada biopic de Chanel: Coco. Me queda la impresión de que aún le falta solidez en la narrativa, acortar algo de tiempo en el montaje, y darle mayor verosimilud a una historia que puede ser chocante y muy explotable.

El lindo y preciso trabajo actoral de Naomi Watts  (la dulce Lil) y Robin Wright (la sensual Roz) contrasta con la de los hijos de catálogo de surf: Xavier Samuel (Ian) y James Frecheville (Tom), quienes apenas consiguen salir del cliché barato de joven tentación sexual.

Basada en Las abuelas, libro de Doris Lessing (que tampoco es de mis escritoras favoritas), Pasiones prohibidas es larga y sin el pulso necesario para hacerla memorable, eso no quita que el morbo te mantenga en la butaca con ganitas de ver en qué termina todo el puterío.

Lo mejor: sostiene el interés a pesar de no estar a la altura Lo peor: demasiado larga y “light” para la temática La escena: cuando Ian descubre al final todo y se lo dice a Roz / el frame final, de postal Lo más falsete: dos años en ese cuarteto y cuando pasa lo que pasa todos lo toman como la cosa más natural del mundo El mensaje manifiesto: los límites se los pone uno mismo El mensaje latente: hay límites tácitos que no se cruzan por algo El consejo: para verla si no tenés nada mejor que hacer El personaje entrañable: los hijos/nietos que quedaron al cuete a favor del hedonismo El personaje emputante: las abuelas El agradecimiento: por Naomi y Robin.

LA BRUJA/ THE WITCH

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Esta es la película que hizo que Stephen King dijera que lo había aterrorizado, esta es la película que fue la sensación del Festival de Sundance y, según algunos críticos, esta es la película que ya se convirtió en un nuevo referente para el género Terror.

¿Será, será?

Si estás esperando sobresaltarte en la butaca, arañar los brazos de tu acompañante y llegar al parqueo del cine con miedito mirando para un lado y mirando para el otro, no es tu película.

La bruja, más bien, se inscribiría en ese género sin nombre de película que “da cosita” o “te deja mal sabor”.

Situada en 1630 y basada a medias en lo que sucedió con las brujas de Salem, sigue la vida de una familia de puritanos que deja su comunidad y decide instalarse cerca de un bosque.

Como si de un castigo divino (o maligno) se tratara empiezan a suceder hechos que solo pueden tildarse de sobrenaturales: la cosecha no crece, Samuel, el hijo recién nacido, desaparece y la paranoia comienza a cundir entre los miembros de esta familia.

Vos sos. No, sos vos. Vos. Él es. No, es ella.

Todo esto mientras hablan de manera freak de Dios, la Biblia y recitan parábolas/versículos para proteger sus atribuladas almas.

La experiencia en este tipo de películas en las que se intenta acudir al de arriba para protección es que siempre termina ganando el de abajo.

Robert Eggers dirige y escribe esta ópera prima con la pericia de quien sabe lo que está contando y con escenas que alcanzan puntos muy, muy altos.

Desgraciadamente, el final muestra algo de inmadurez y termina llevando una película que pintaba muy bien hacia el lugar común. Un lugar común donde hay otra involuntaria risotada en la oscuridad.

Anya Taylor Joy (Tomasin), Ralph Ineson (Padre) y Katie Dickie (Madre), soportan las escenas más dramáticas y hacen que todo valga la pena y que, de pronto, nos encontremos inmersos en el siniestro bosque.

La bruja es un hallazgo en la cartelera por el estilo de Eggers para filmarla, por su excelente adaptación de la época, por su dirección de arte, por su vestuario y por un par de escenas que sí o sí se te quedarán en la mente un buen rato.

Ya lo dije: NO por miedo, sino porque «da cosita».

No, no responde a los cánones de película comercial, tiene sus tiempos, sus metáforas y por ahí para un público que está yendo a ver algo más onda Jeepers Creepers o The Ring (por decir una boludez) resultará aburrida. Sin embargo, sus puntos altos son tan altos que hay que recomendarla.

Lo mejor: buena estética, buenos climas Lo peor: no se resistió a caer en el lugar común La escena: cuando Caleb está en la cama habla de Jesús y pasa lo que pasa/ y cuando se echan la culpa los gemelos y Tomasin, y Padre descubre lo que descubre Lo más falsete: demasiada paciencia con un lugar del que se tuvo que huir ni bien las cosas empezaron a ponerse feas / y claro, el final barato El mensaje manifiesto: como dice el poster: El diablo toma muchas formas El mensaje latente: pero generalmente, el cielo y el infierno están dentro de nosotros mismos El consejo: tenés que verla en versión ORIGINAL, no la huevada doblada que está en el cine El personaje entrañable: Samuel El personaje emputante: Madre y los gemelos (qué HDPs) El agradecimiento: por los puntos altos, muy altos.

TRUMAN

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Es curioso cómo la percepción sobre una misma película varía de acuerdo a la persona que la ve. En Filmaffinity hay un montón de críticas que dicen que Truman es sutil, sin golpes bajos, discreta y bla bla bla. A mí me pareció un poco forzada, como que el guión marca muy bien los puntos para conmover y los puntos para hacer humor. Me refiero a que no es algo fluido, y en mi caso sí percibo un obvio direccionamiento para provocar emociones.

No obstante, es una película amable (no de amor, sino de simpática) que relata el reencuentro entre dos amigos de toda la vida: Julian (Ricardo Darín) y Tomás (Javier Cámara).

Este reencuentro se debe a que SPOILER Julián está con cáncer terminal y se ha negado a recibir un tratamiento que alargue su vida, así que Tomás viaja desde Canadá hasta Madrid para pasar unos días con él, despedirse y ayudarlo a encontrar hogar adoptivo para Truman, el perro/hijo de Julián FINAL DEL SPOILER

Esta es una película sobre la Amistad, así con mayúsculas, esas amistades que sobreviven a todo y a todos. Sí, Truman habla más de la Amistad que de los tristes finales y eso está muy bien.

Aunque la situación es difícil y es fácil irse por el lado melodramático, hay momentos para el humor.

Truman, el perro de Julián, es otro personaje importantísimo. Un personaje que puede ser símbolo de la soledad de Julián, del apego/dependencia que se genera a nivel emocional con los animales y, en definitiva, para mí las mejores escenas son las que tienen que ver con el canino (siempre).

La película está dirigida por Cesc Gay, cuya filmografía es variada y hasta la fecha no es un director que me produzca mayor interés.

Truman no me encantó. En general, se deja ver, y si se está sensible puede resultar una experiencia bonita, pero a mí me pareció una película más. Bien actuada (sobre todo por Ricardo Darín), con buenas intenciones y ya.

Una de esas películas ñoñas con mensajes positivos sobre las relaciones que hacen que mandés mensajitos cursis a tus amigos cercanos, que facebookees a amistades del pasado y que te planteés encuentros con gente que has dejado de ver.

Paso.

Lo mejor: se deja ver y tiene una ondita de «hay que valorar las relaciones» Lo peor: algo forzada / en la vida real el perrito murió dos meses después de concluir la película. Tenía 8 años y había sido entrenado para trabajar con niños autistas La escena: cuando dejan a Truman con las lesbianas, lloré como si se abriera un grifo Lo más falsete: la presencia de Dolores Fonzi y su relación con Tomás El mensaje manifiesto: la Amistad con mayúscula existe El mensaje latente: los amigos no son un montón, son uno o dos como ese Tomás que viajaría desde Canadá a Madrid para darte el último adiós El consejo: vela, no arranca crueles arrepentimientos El personaje entrañable: Truman, siempre Truman El personaje emputante: el dueño del teatro / la pareja que no lo quiso saludar El agradecimiento: por Truman, siempre Truman.

SIN FILTRO

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Desde Chile nos llega esta película de poco presupuesto, filmada en 12 días y sin otra aspiración en el mundo que hacer reír un rato al público.

Dirigida por Nicolás López, Sin Filtro ha conseguido ser la película más taquillera en Chile, desbancando incluso a El Renacido de Iñárritu.

No, no cambiará tu vida, pero curiosamente funciona.

Pía (Paz Bascuñán) es una tipa casi en los cuarenta, que siempre ha sido políticamente correcta, buena gente, comprensiva con las huevadas de los demás y en resumen, los crispines a su alrededor se aprovechan de su nobleza. Así es la vida: el que mucho da, cuando acuerda se quieren quedar hasta con sus calzones.

La pobre Pía vive con un fulano que es pintor y que todo el día se rasca las bolas a título de su arte mientras ella trabaja y se ocupa de hasta el menor asunto de la casa; en el trabajo, su jefe es el hijo del dueño de una Agencia de publicidad, este hijito de papá toma decisiones mamertas y pensando siempre en cómo tener más chicas lindas en el staff. O sea, es un perfecto imbécil. Y así, sucesivamente, las desgracias de Pía se acumulan y como la pobre mujer no saca afuera todas esas frustraciones empieza a tener dolores físicos que la llevan a buscar ayuda.

Sin Filtro quiere hacer reír y lo logra, es un humor básico, cliché, sí, pero bien manejado e ideal para pasar un rato ligero (ligerísimo)  en el cine. Es una película latinoamericana bien filmada, bien actuada, y sin nada que envidiar a una película americana. De hecho, la fórmula de la que bebe es de la comedia facilona que tantos resultados da en el mundo y, claro,  sus defectos son los mismos.

A rescatar el final, un final donde se huye como si fuera la peste de SPOILER “chico se queda con chica porque la maldita vida es mejor de a dos” y promueve el selfie-road (autoconocimiento) y la soledad como mejor compañera. FIN DEL SPOILER.

Me basta.

Lo mejor: ligera y divertida Lo peor: es simpática, pero una más del montón La escena: la del enfrentamiento con la tipa que no le quería ceder el paso Lo más falsete: hmmm es que no es una película que se apegue a lo verosímil El mensaje manifiesto: como dice la negra Sosa: Hay que sacarlo todo afuera como la primavera…El mensaje latente: la gente es muy mañosa, a veces funciona mejor con putazos que con ronroneos El consejo: vela para pasar un rato El personaje entrañable: Pía y el pobre gato El personaje emputante: el hijito de papá, la youtubber, el pintor El agradecimiento: por el final.

DEADPOOL

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A ver, a ver! Si no has visto Deadpool no sé qué carajos estás esperando! Olvídense de Batman en las oscuranas, acomplejado, traumado, conflictuado existencialmente y reflexionando sobre su papel de vigilante, olvídense de Superman con su dilema terrícola/Kryptoniano, olvídense también de los pinches Vengadores siempre defendiendo la bandera americana y respondiendo al statu quo. Sí, olvídense de todos esos pendejos y abran paso a Deadpool, un sujeto con súper poderes que los usa para su venganza personal (egoístamente, como tiene que ser) y que además no tiene ningún código ni escrúpulo (como tiene que ser).

Por si no fuera suficiente, hay algo que también lo adorna y es lo que más me gusta: no se afilia al gremio.

Mueran, gremios, mueran!

Tim Miller debuta por todo lo alto como director, entregando un producto fresco, jodidamente divertido y con las papeletas para ser nuestro adulado.

Cuando vi el trailer tenía mis dudas. De hecho, acababa de ver hace un tiempo Self/Less una película donde el mismo Ryan Reynolds salía de un fulano que por dinero daba su cuerpo al personaje de Ben Kingsley que estaba con cáncer y luego OH Ryan seguía en algún lugar del cuerpo y entonces comienza a haber una lucha entre el alma/ser de Ryan y Ben. Parece intenso, pero no lo fue. Aunque la dirigía Tarsem Singh, el otrora interesante director desaparecía entre tanto despelote. Así que cuando vi el trailer, me dije: esto ya lo vi en versión drama/ciencia ficción y no, no me atrae ni un poquito.

Haciéndole honor a eso de que «las apariencias engañan«, pasé uno de los mejores momentos de los últimos meses en cuanto a blockbusters se refiere.

Sí, Deadpool es estúpida, pero es conscientemente estúpida. Se hace la burla de su estupidez y de la estupidez que manejan las franquicias de súperhéroes. Se burla de la solemnidad, de la supuesta estampa del deber, la burla es tal, que Ryan Reynolds se termina burlando hasta de sí mismo.

Wade Wilson (Ryan Reynolds) es un criminal de poca monta al que diagnostican con cáncer terminal, justo cuando ya encontró al «amor de su vida» y se encuentra en un buen momento.

Como no hay roto sin descosido, se le aparece un tipo muy similar al Agente Smith de Matrix y le ofrece una cura milagrosa. Las cosas no salen como espera y Wade termina desfigurado aunque con poderes especiales.

El personaje rompe la cuarta pared cada tanto para informarle al espectador lo que está pensando o lanzar algún chascarrillo, lo acompaña una excelente banda sonora y unos efectos especiales que cumplen con lo que cualquiera desea de una película de este tipo.

Me encantaron los chistes guarros, la irreverencia, el desparpajo, sí.

Evidentemente, hay cierta autocomplacencia en tanta pose de «romper el molde», estructuralmente no deja de ser la típica película donde hay un villano, una chica, droga, sexo y violencia, obvio que a propósito, pero Miller y sus guionistas han sabido dosificar el mejunje para que quede un buen cocktail que nos dejará casi fumando el pucho al final.

No se vayan hasta después de los créditos que hay dos escenitas de yapa.

Feel the fucking love!

Lo mejor: fresca y divertida Lo peor: ya para el final se vuelve un poco repetitiva La escena: la de la «manito» WTF Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: no todo lo que es entretenimiento vacío es malo El mensaje latente: se pueden hacer blockbusters de calidad El consejo: andá a verla pero en inglés! El personaje entrañable: la vieja ciega y el taxista indio El personaje emputante: el villano El agradecimiento: porque se la pasa muy bien.

ZOOLANDER 2

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A ver, a ver.

Ben Stiller me parece un tipo inteligente, y creo que es admirable que tenga en su currículum películas como Reality Bites, La vida secreta de Walter Mitty y la misma Zoolander 1, que pueden no ser perfectas pero que dan muestra de un director cuando menos aceptable.

Alguien convenció a Stiller, o él mismo tuvo esa errónea percepción, de que el mundo necesitaba una secuela de Zoolander.

NO, BEN! NO LA NECESITAMOS!

Lo que en el 2001 fue algo tan descabellado, ridículo y bochornoso, que ya me costaba ver incluso como parodia o como inteligente crítica al mundo de la moda, en este 2016 me resultó casi insoportable.

La historia es lo de menos porque literalmente no hay mucho dentro del guión escrito a dos manos por el mismo Stiller y por Justin Theroux, el marido de Jennifersita (Aniston).

Es como esos trucos de magia: Nada por aquí, nada por allá y pum sacan una paloma nadie sabe de dónde.

IDEM! acá hay palomas por doquier que se sacan de los lugares más recónditos.

Solo que todo sabe a basura reciclada, a chicle con colorante y sabor artificial, causa hasta lástima  ver a tanta gente desperdiciada en Zoolander 2.

Paradójicamente, es esa gente la que puede hacer que….hmmm…no joda tanto verla, porque tenemos un desfile de personajes de la talla de Benedict Cumberbatch como un andrógino All (Todo), Susan Sarandon, Kiefer Shuterland, John Malkovich, Justin Bieber, Kristin Wig, Katie Couriec, Milla Jovovich, Billy Zane, Ariana Grande, Demi Lovato, Susan Boyle, etc…

Sí, ya sé. Muchos grandes nombres para una película torpe y sin alma.

Lo mejor: una muerte sangrienta y violenta de Justin Bieber Lo peor: Penélope Cruz que sigue sin dar una actuación decente en Hollywood La escena: Benedict Cumberbatch como All (Todo)  Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: hay cosas que es mejor no repetir El mensaje latente: podés hacer una huevada y aún así conseguir que actores de renombre se suban al proyecto El consejo: no perdás tu tiempo El personaje entrañable: el perro embalsamado El personaje emputante: todos los demás El agradecimiento: porque termina y parece que no habrá continuación.

Mónica Heinrich V.

ANIMACION: Mickey Mouse Shorts

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Cortos de Mickey Mouse que van por su tercera temporada…

Es fácil pensar que están dirigidos a los más niños del Disney Channel, pero en realidad estos cortos alcanzan a un público más amplio.

Son una actualización inteligente del universo antiguo de Mickey con una estética actual, colores más cercanos a las crayolas y una actitud desenfadada e irreverente que me sorprende de buena manera.

No verán al Mickey santurrón al que estamos más acostumbrados sino a uno llamado a la picardía, con motos que hablan, irrespeto a las posesiones ajenas, y acompañado de los secundarios (siempre bien recibidos) como Donald, Tribilín, Daisy, y Minnie. Algunos otros del universo Disney aparecen, pero en menor medida.

Los cortos de Mickey están notoriamente influenciados por la nueva corriente de dibujos animados irreverentes de Cartoon Network, que a la vez están influenciados por los dibujos animados de la época inicial Disney, cerrando un círculo muy cuidado.

Tratan de ser universales (o, en todo caso, mundiales) con capítulos que suceden en diferentes países y con diferentes idiomas, usualmente en inglés pero no es raro escuchar el capítulo enteramente en español, frances o alemán, por decir alguno, sin que esto merme el entendimiento de la acción que toma parte central.

Los capítulos son auto-contenidos por lo que al no apreciar una continuidad los podemos empezar a ver por donde queramos sin perder nada. Los puedes encontrar subidos a Youtube de manera oficial, y en el canal de Disney.

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Mickey Mouse es una joya que debe ser vista, trabajado con cariño a su historia y al presente, y que no ha tenido la repercusión que se merece.

Marco Martorell

@matole

EN CARTELERA: Star Wars The Force Awakens / El despertar de la fuerza

Los 70s no son los 80s, los 80s no son los 90s y los 90s tampoco son el nuevo milenio. Dicha esa obviedad, el público también evoluciona. No es aquel que se asustaba por el tren viniendo hacia la cámara, o el que se obnubilaba por los FX de planetas lejanos.

Nos convertimos en un público más pachorriento y poco dado a las expresiones de entusiasta embeleso en la butaca. Un público atiborrado de pipocas y Coca Cola. Hemos visto tanto y de tantas maneras que para que salgan gritos masivos o aplausos en media proyección se necesita un milagro.

OH, sorpresa, el milagro se llama Star Wars: El despertar de la fuerza y nos dice fuerte y claro que las fórmulas repetidas aún funcionan.

Por los tornillos de R2D2! No les miento.

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Sí, es verdad, el gordo George Lucas casi casi aniquiló la franquicia con Amenaza Fantasma y El Ataque de los Clones, planes de enviar cartas con ántrax fueron elaborados, pero después de La Venganza del Sith todo volvió a su cauce natural y pudimos esperar con relativo entusiasmo el glorioso retorno de la saga.

No, J.J. Abrams no ha reinventado a Star Wars ni le dio un empujón que la lleve al olimpo de las grandes películas, no. De la mano de Disney es difícil hacer algo que no esté bañado de crema chantilly y bonitos colores pasteles. Muy difícil.

J.J. Abrams dirige con practicidad un bulto pesado, ese bulto es revivir Star Wars y lograr dos cosas: 1) que la generación que amó y creció con la saga no escupa sobre su tumba y 2) que las nuevas generaciones se vuelvan parte de ese consumo masivo que mueve tantos millones de dólares.

Y la verdad, logra ambas. star-wars-the-force-awakens-daisy-ridley-bb-8

El despertar de la fuerza es un eco del pasado y como tal está diseñada para agarrar las aristas más llamativas de la trilogía original y sacarle partido:

Tenemos a la Resistencia, que después de quichicientos años sigue en las mismas.

Tenemos a la parejita chico/chica unidos en una epopeya de la que no saben mucho pero a la que convierten en una especie de misión.

Tenemos un poder tiránico, opresivo, al cual derrotar.

Tenemos una galaxia que salvar.

Tenemos a un malo maloso que lee mentes, levanta su manito y zas! Matanga dijo la changa. Por supuesto, el don sufre una lucha personal/espiritual entre el bien y el mal.

Tenemos el droide que carga un mapa y su propia misión.

Tenemos la Starkiller Base como elemento a destruir, muy similar a la Death Star.

Tenemos conflicto padre e hijo.

Tenemos a the chosen (el elegido/a) cuyo papel aún está por determinar pero que con poderes impensables sabemos que es el peón principal de esta nueva entrega.

Tenemos la cantina de bichos raros.

O sea, el universo es un pañuelo para que se repitan y se junten tantas cosas similares a la primera trilogía.

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El guión escrito por el mismo J.J. Abrams acompañado de Lawrence Kasdan, autor de El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi (entre otras)   y Michael Arend, autor de Little Miss Sunshine, Toy Story 3, Oblivion y la primera Juegos del Hambre, bebe de la melancolía y decide darle al público aquello que supuestamente quiere.

Rey (Daisy Ridley), una chatarrera que espera el regreso de la familia que le fue arrebatada, se encuentra con BB 8, un droide al que le han encargado guardar el mapa que llevará a la Resistencia a encontrar al mítico Luke Skywalker.

La chica decide ayudarlo, y para ello se une a Finn (John Boyega) , un ex stormtrooper escapando de esa condición.

En plena misión se toparán con Han Solo (Harrison Ford) y Chewbacca (Peter Mayhew) que intentarán ayudarlos para lograr encontrar a Luke.

La base es muy simple y en general está llena de baches e inconsistencias. Nada tiene mucho sentido, pero tampoco importa. El manto de Disney le quita la oscuridad y la tragedia que se cernía sobre los personajes en El Retorno del Jedi, quizás la entrega más intensa de toda la saga.

J.J. Abrams cubre esa ausencia de peso dramático con efectos especiales y muchas peleas al pedo.

A los que hemos visto las películas una y otra vez nos suena a circo repetido, pero el circo repetido está tan bien montado que cuando aparecen Han Solo y Chewie, se te humedece el corazón y una ahogada exclamación se siente vibrar en medio del público.

Lo mismo sucede cuando la princesa Leia entra a escena, el diálogo acartonado entre estos dos amantes que además son padres de un hijo, no sería nada sin el poder de la memoria. Es la memoria lo que hace que disfrutemos el cursi encuentro y es la memoria lo que hace que batamos palmas cuando aparecen los droides originales C3PO y R2D2.

Una película de este tamaño requiere un villano igual de grande y poderoso, y, para mí, la mayor flaqueza de El despertar de la fuerza está en la elección de sus villanos.

Mientras Kylo Ren (Adam Driver) se encuentra con la máscara puede ser un villano creíble, en el momento que se quita la máscara pierde toda credibilidad y nos quedamos con un fantoche sin presencia escénica.

Y ojo, a mí me gusta el trabajo de Adam Driver, sobre todo en comedias, pero acá la tesitura ideal para un papel tan atormentado no se consigue nunca y queda como un fulano muy desabrido que además toma las peores decisiones y que nunca demuestra la maldad que requiere la oscuridad que lo gobierna.

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SPOILER ALERTA

La muerte de Han Solo en sus manos me pareció lo más choto de todo y, como dije, el villano parricida no trasciende el tormento que debería asquearnos hasta lo más profundo de nuestro ser. Se lo ve raro e incómodo. Incluso la acertada dirección de fotografía de Daniel Mindel (John Carter, Star Trek, Mission Imposible III, Spy Game) que lo ayudaba en la escena clave iluminando solo la mitad de su rostro, no pudo darle mayor énfasis a la situación.

Después de que Solo sorteó los mayores peligros durante años, verlo morir de esa manera tan inoficiosa me resultó doloroso. Fui de las que se llevó las manos a la boca, aunque todo indicaba que iba a suceder, y algunas lágrimas corrieron en honor de un ícono al cual le había llegado su final bochornosamente.

Así es señores, me siento sola por la muerte de Solo y declaro rotundamente que Hans merecía una muerte mejor en manos de alguien peor.

FINAL DE SPOILER

La carrera de J.J. Abrams no nos engaña respecto a la trivialidad con la que aborda la dirección de El despertar de la fuerza.

Mission Imposible III, Star Trek, Super 8, y Lost son un testimonio de un estilo más abocado al espectáculo vacío.

No hay engaño, pero aún así sentimos cierta trampita en el recopilado, en ese collage fácil de los elementos de la trilogía original. Es treparse a una balsa segura, con el pito  que puede soplarse en caso de emergencia.

No deja de ser válido, y hay que reconocer que a diferencia de las dos primeras películas de la segunda trilogía, por lo menos J.J. Abrams no te hace salir del cine puteando hasta en japonés, ni te entrega un recuerdo tan bizarro como Jar Jar Binks.

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El despertar de la fuerza cumple con entretener, sumergir en la melancolía a viejas generaciones y presentar la saga a nuevas generaciones.

Más no se puede pedir ni esperar, quizás otro director le pueda dar un extra de consistencia a las dos entregas que vienen, quizás otro director consiga revivir, aparte de los personajes de antaño, esa poesía que la hizo duradera a través de los años. Quizás.

Solo queda desear que la fuerza nos acompañe.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: es entretenida y emociona en las partes que tiene que emocionar.

Lo peor: los villanos (Kylo y el bicho computarizado al que obedecía), le sobran algunos minutos, y es una película que parece un remake de la trilogía original. No tiene nada innovador y también carece de peso dramático.

La escena: la defunción de quien sabemos, y claro, todas las partes en que aparecían viejos personajes y la gente exclamaba y aplaudía en la sala.

Lo más falsete: la pelea entre Rey y Kylo, por pelotuda. La defunción de quien sabemos, por pelotuda.

El mensaje manifiesto: Todo tiempo pasado fue mejor

El mensaje latente: de recuerdos vive el hombre

El consejo: Vela subtitulada, en el cinemark hay la opción del DBOX que es con asientos que se mueven de acuerdo a la película. Elegí horarios no muy masivos porque la gente no sabe ir al cine y con los celulares/charlas/ comentarios puede arruinarte la experiencia.

El personaje entrañable: BB 8

El personaje emputante: el piloto Poe (Oscar Isacc) qué personaje inoficioso y encima interpretado tan mal.

El agradecimiento: porque no es odiable.

CURIOSIDADES

Daniel Fleetwood, un joven con cáncer terminal, pidió como último deseo que se le permita ver la película aunque esta todavía iba a tardar unos meses en estrenarse. Como la condición de Daniel era terminal, tanto Mark Hammil como John Boyega presionaron al estudio para cumplir el deseo.  Finalmente, pudo ver la película en su casa y falleció el 10 de noviembre de este año.

El episodio 11 de la nueva temporada de The Big Bang Theory recrea la asistencia de Leonard, Wolowitz y Koothrapali a la premier de El despertar de la fuerza, Sheldon Cooper no asiste porque es el cumpleaños de Amy y por ende decide darle algo muy especial: su primer encuentro sexual. El episodio hace un paralelismo entre ambos eventos épicos.

La producción exigió a Carrie Fisher perder al menos 15 kilos y a Mark Hammil llegar a perder 20 kilos si es que querían retornar a sus papeles de Leia y Luke.

Carrie Fisher sufre de trastorno bipolar, adicción a las drogas y problemas de peso.

J.J. Abrams decidió usar en la medida de lo posible locaciones reales y maquetas, en lugar de recurrir a los efectos especiales.

El nuevo droide BB 8 se basa en los bocetos tempranos de R2D2.

Los actores Kevin Smith y Bennedict Cumberbatch visitaron el rodaje luego de firmar acuerdos de confidencialidad.

Michael Fassbender y Hugo Weaving fueron considerados para el papel del villano Kylo.

La hija de Carrie Fisher, Billy Lourd, debuta en esta película.

La película costó alrededor de 200 millones de dólares, lo que la convierte en la más cara de la saga.

Adam Driver abandonó la serie Girls para poder participar en esta película.

Elizabeth Olsen, Jennifer Lawrence y Shailene Woodley fueron consideradas para el papel de Rey.

Michael Arnd era el encargado principal del guión, pero luego abandonó el proyecto y fue retomado por J. J. Abrams y Lawrence Kasdan.

El nombre de Rey, se tomó de un miembro del equipo de filmación Rey Philippe Santos.

Es la quinta película que dirige J.J. Abrams.

LIBROS: CINCUENTA SOMBRAS DE GREY

Azótenlos!

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Admiro a E.L. James, la admiro. Es imposible no admirar a una mujer que se hace rica y famosa gracias a una obra menor escrita con la nalga izquierda. Sí, encima una obra surgida como un homenaje a esa saga mortífera llamada Crepúsculo que gracias a Dios vive sus últimos estertores. Pero visto lo visto, creo que subestimé a nuestra querida Stephanie Meyer (autora de Crepúsculo). Visto lo visto, Meyer no es lo peor que le puede pasar a la literatura o al género “basura literaria”: Best-seller.

Ahora llega para todos nosotros la señora E.L. James que convierte a su novela Cincuenta sombras de Grey en lo peor que he leído en los últimos años, CONTANDO CREPÚSCULO. Y mientras Crepúsculo convencía a las adolescentes y púberes de que los amores imposibles entre mamertas y vampiros pijos eran lo más romántico del mundo, Cincuenta sombras de Grey desmitifica una relación normal/saludable/donde hay amor propio y seres pensantes; y  nos dice que una relación irreal con personajes tipo modelos de Victoria Secrets, y sus “rebuscados” encuentros sexuales es lo más top. Pone la vara alta (alta y dura si seguimos la línea metafórica del libro) presentando personajes que dan ganas de vomitar,  y que hacen ver las pornos como una opción honesta y necesaria.

Valoro su poder de mover a las masas a adquirir y devorar el libro, ya sea por el morbo de la carga supuestamente sexual de la trama o la propaganda mentecata de que es el Harry Potter de la literatura erótica. Sin embargo, no ofendamos a la dignísima J.K. Rowling, que Rowling por lo menos escribe, y escribe bien.

No podemos decir lo mismo de E.L. James a quien si le pagáramos un dólar por cada vez que a su protagonista femenina le dicen “nena”, o habla de la “diosa interna” que lleva dentro,  o le dicen como a un perro entrenado “Bien hecho, chica”, tendría más plata en el banco de la que ya tiene.

Quizás sería bueno preguntarse por qué de un tiempo a esta parte los productos enfocados a resaltar la “liberación femenina”, la experiencia sin complejos y sin tapujos del sexo desde la óptica de la mujer, vienen envueltos en un celofán rosa que bien analizado solo pone a la mujer en la postura de boba suplicante esclava sexual, que en el fondo de su corazón necesita a un pobre cojudo para ser “bien cogida” y claro, si ese “favor” te lo brinda un don como Christian Grey, que es asquerosamente guapo, asquerosamente millonario, asquerosamente misterioso, los “detallitos” que en otro crispín…digamos un cartero con la nariz deforme, te harían dejar tu silueta estampada en la pared, en Grey parecen asquerosamente fascinantes. Seh…más semen aspiracional para el mundo.

Recapitulemos: Anastasia Steel es una virgen de 21 años, sin ninguna experiencia de nada, de hecho es como si hubiera vivido en el monte rodeada de osos cariñositos y personajes de Disney. Conoce a Christian Grey un joven empresario, multimillonario, que inexplicablemente queda prendado de ella y decide invitarla a firmar un acuerdo sexual. En el acuerdo sexual él será el Amo y ella La Sumisa, teniendo ELLA que cumplir los deseos y demandas del Amo: Sadomasoquismo Express.

El libro de más de 500 páginas dedica su lectura a los pajeos mentales de la protagonista sobre aceptar o no aceptar el acuerdo, así como los encames ocasionales en vistas de firmar el documento. Luego, siguen más encames ocasionales sazonados con la más aburrida selección de diálogos sin sentido, aburridos encuentros sexuales donde queda claro que para la autora el sexo salvaje, desenfrenado y sin prejuicios pasa por una serie de reglas, avisos de cómo serán las cosas, confirmaciones si uno la pasó bien, charlas post-coitales de risa y la re-confirmación sobre si uno se encuentra en buenas condiciones luego de tanto “ajetreo”.

Como los dos protagonistas son bellos y sobre todo flexibles: Física, moral, emocional y filosóficamente, la autora cubre su carencia de argumento con un más bien paupérrimo escenario sexual donde saca a la luz esposas, fustas, fisting, sexo oral, anal, juguetes y otros como si se tratara de una revelación al mundo. Oh, sí! hay otras formas de coger aparte del misionero!

Además, para que Grey no quede como un pelotudo sado-stalker con mucho tiempo libre, con un cuadro obsesivo compulsivo que requiere urgente medicación, y que dado el perfil en la vida real hasta tendría problemas para mantener erecciones, el chico tiene su quejumbroso y oscuro pasado. Las sombras que lo atormentan y justifican sus “gustitos”. ZzzzZzzzzZZZZZZZZzzzzzzzz

Será frecuente que Anastasia exclame profusos WOW! ante la magnificencia de la danza horizontal, de su primera vez, de su primer mamada, de lo grande que es el miembro de Grey, y cualquier otra pendejada que se les ocurra. Será frecuente que Grey hable del labio que ella se muerde y de sus actividades sexuales como si fueran lo más enigmático, creativo y original del mundo.

Son páginas y páginas de aburrimiento disfrazado de novedad donde lo peor NO es que se trate de una ficción, lo peor es que haya gente que piense que es remotamente interesante que algo así suceda en la vida real, como si la vida real y el sexo real no fuera infinitamente más variado e intenso que esas pálidas descripciones.

Me costó un montón leerlo, de hecho tuve que leerlo en 20 días. Incrédula pasaba hoja tras hoja, a veces haciendo lectura rápida porque definitivamente no daba ni para detenerse mucho en el camino a oler las flores del campo. Por mi mente solo se pasaba un pensamiento: AZOTENLOS A LOS DOS Y DEJEN QUE SE PUDRAN AL SOL.

Y es muy curioso que la obra que nos ocupa sea un éxito. Éxito que a diferencia del obtenido por otras sagas conocidas y respetables como la de Harry Potter y hasta las de Los juegos del hambre, solo causa tristeza. Es como si las vidas sexuales que llevan el promedio de lectores fueran tan aburridas, que se emocionan como el mono que descubre el hueso en Odisea en el espacio ante esta historia soft llena de “polvos vainillas”; sí, seguramente a Grey le emputaría que llamemos así a sus aburridos y teóricos encuentros con la diligente Anastasia.

Entiendo…hmmm…la verdad no entiendo, pero respeto la fascinación que genera el libro y cubre vacíos existenciales en algunos lectores. En lo personal, y de manera subjetiva, con otros vacíos a ser cubiertos, sufrí Cincuenta sombras de Grey. Sufrí leyendo, sufrí con sus personajes, sufrí.

Más allá de la historia tan básica, tan poco trabajada, sus personajes son lineales, sin matices. Lejos de sumergirme en las aguas tibias y reconfortantes del retorcijón erótico, el personaje de Grey me parece patético, inseguro, acosador: un pelele en toda regla, y el de Anastasia es el retrato de lo que nunca debería ser mujer alguna. Y claro, el gran gran problema fue la parte literaria. La escritura es realmente desastrosa. La doña no escribe pero se gana la vida escribiendo. Y por eso digo que merece admiración, porque hace algo muy mal y encima se hace millonaria con eso.

Por ahí el entusiasmado lector de esta saga piensa que lo que no me gustó del libro es el género o que la parte subida de tono fue “too much” para quien escribe esta reseña. Error,  soy fan del género erótico tanto soft como hardcore. Tampoco es el hecho que se hable del BDSM (Bondage Discipline Sadism Masochism) digamos que Historia de O de Pauline Réage es muchísimo más impactante, o los libros de Sade se van a por todo y no se quedan en reglas aptas para ñoños o hasta los de Anaís Nin consiguen llevarte de lleno a las sombras que E.L. James apenas bocetea, sip, lo que jode la experiencia es sin duda la pobreza narrativa.

El libro tiene dos continuaciones, ya que el beneplácito de millones de lectores hizo posible que la historia de esos poco iluminados amantes continúe y hasta tenga en marcha su versión cinematográfica. EL HORROR! Creo que esta vez el escarnio es tal que me quedo en este primer tomo, no puedo continuar. No me da para continuar, no tengo siquiera curiosidad por saber qué pasa después.

Digo esto con todo el cariño del mundo y pidiendo perdón de antemano a aquellos que encontraron el libro espectacular y para quienes es su niña mimada, su ejemplo a seguir, su sexo intenso a aspirar: Cincuenta Sombras de Grey convierte a Corín Tellado en un tesoro de la literatura. Ajá. Lo dije, y hasta he revalorizado el éxito de Coelho.

NO hay nada más que agregar.

LINKS PARA LEERLA ONLINE
Seh, ahórrense unos dólares y si aún tienen ganas de ver qué onda, léanla aquí: http://leerlibrosonline.net/50-sombras-de-grey-por-e-l-james/Para quienes deseen el ejemplar en físico en la librería El Ateneo (Design Center al lado de Sonilum) pueden encontrarla.

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