LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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Crítica - page 6

EN CARTELERA: Píxeles

Como pegarle a un borracho

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Yo fui por el enano. Por Tyrion. Sí. Tampoco me molestaba ver un ratito a Kevin James. No.

Mi gemela ñoña quiere creer que Adam Sandler es un buen tipo, que si te lo topás en una calle de Hollywood seguramente estará de shorts, polera, y gorra. Que estará mirando tetas y culos de algunas damas, solo porque «no lo puede evitar», mientras habla huevadas con algún amigo. Y así, muy inocentemente, querrá hacer una nueva película para que «el público» se divierta, para que él y el amigo boludo se diviertan.

Eso cree ella, yo creo que Pixels no es Punch Drunk Love o Click, lo más decentito de su filmografía. Pixels es una más de ese desfile de películas tontas y poco memorables que acostumbra producir/protagonizar.

Sin embargo, quiero hacer un punto aparte: a sala casi llena, a mi alrededor parece que estaban los amigos de mi gemela ñoña… el público se reía y hasta se escuchó uno que otro tibio aplauso. No sé si eso habla más mal de mí, de mi gemela ñoña o de los amigos de mi gemela ñoña.

Parecería que no importa que Sandler vuelva a repetir el personaje de fracasado que actúa como un patán con la protagonista y ella, siempre linda e inteligente, termina viéndolo pintoresco, divertido e interesante. No importa que la trama, escrita por Tim Herlihy y Timothy Dowling (ambos responsables de buena parte de su filmografía) sea absolutamente pobre, con chistes básicos, y con tantos defectos que ya no se la puede ni criticar porque es como pegarle a un borracho.

Tampoco se puede decir algo de Columbus, director al que ya le hemos perdido la fe hace mucho y enterramos allá en la profundidad de nuestra memoria como al pobre Macaulay Culkin.

No señores, acá hay un borracho y muy borracho está, encima se choca con nosotros y catarrea a morir.

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En Pixels, Sandler es Sam Brenner, un tipo que instala aparatos electrónicos, pero que en su infancia de la siempre recordada era de los 80s, fue un campeón de videojuegos, un gamer de cuidado. Creció y la vida lo dejó atrás como en todas sus películas.

La NASA envió al espacio una cápsula que contenía elementos de nuestra cultura, entre ellos videojuegos de los 80s, y los aliens al verlos lo tomaron como una declaración de guerra. Hasta ahí creo todo, después de ver en qué pierde el tiempo la humanidad yo también pensaría que es correcto eliminarlos.

Kevin James sale del fofo Presidente de los Estados Unidos.

Cuando los aliens lanzan un ataque/desafío simulando  Galaga, y más tarde Pacman, Donkey Kong, Centipide, y etc., el fulano decide llamar a los especialistas, sus amigotes gamers de la infancia quienes al final del día verán que la ociosidad rindió frutos y serán los héroes que salvarán al mundo de la hecatombe alienígena.

En este momento deben haber hombres de 35 a 70 años aún conectados al cable del playstation que se están sintiendo dignificados por las mañas torpes de Sandler como gamer heroico.

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Nada chicos, todo es un vaivén de emociones baratas donde solo destaca uno que otro momento de los juegos ochenteros. Ese revival de nostalgias e infancias irrecuperables que tendrían un happy ending si el colosal y amarillo PacMan se comiera a todos.

Una fotografía cumplidora, unos efectos especiales cumplidores, actores haciendo lo que se puede con ese guión, y bla bla bla.

Repito: yo fui por el enano y disfruté al enano. Lástima que solo hubieran funciones dobladas, porque capaz y disfrutaba más al enano.

Si los Lannister existieran de verdad, esta sería una deuda que Tyrion no podría pagar nunca.

Buenos días.

Mónica Heinrich V.

CURIOSIDADES

Jennifer Anniston rechazó el papel principal de la Coronel.

La hija y la mujer de Adam Sandler hacen un cameo en el filme.

El verdadero creador de Pac Man hace un cameo también, aunque no como el personaje, ya que no habla inglés.

Es la novena ocasión en que Kevin James y Adam Sandler participan juntos en un proyecto.

Fue basada en un corto francés del mismo nombre dirigido por Patrick Jean que dicen estaba muy bueno.

La película ha sido tempranamente catalogada como un fracaso debido a su pobre recepción con la crítica y a su discreta recaudación en taquilla.

Lo mejor: El enano y algunos momentos de los videojuegos. Aparte, el público general parece disfrutarla, cosa que siempre es buena.
Lo peor: un producto Adam Sandler: tonto y barato.
La escena: todas en las que aparece Peter Dinklage
Lo más falsete: el desafío alienígena, y claro, el amor que despiertan los personajes estúpidos de Sandler
El mensaje manifiesto: Sandler seguirá haciendo películas mientras el público vaya a verlas
El mensaje latente: Sandler hará películas toda su vida
El consejo: Andá por el enano
El personaje entrañable: El lanzallamas o lo que es lo mismo: EL ENANO.
El personaje emputante: Adam Sandler, of course.
El agradecimiento: Porque por lo menos están EL ENANO y Kevin James.

CARTELERA: Guardianes de la Galaxia, El amanecer del planeta de los Simios, Tortugas Mutantes Ninjas y un extra

Señorit@s, es Blockbuster Time! repasaremos la cartelera local y esos regalitos que Hollywood nos deja en los pocos cines que hay en el país. Regalitos que, esta vez, no es abrirlos y destapar el fétido aroma de Transformers, ajá, ahora podemos hacernos coronitas de flores y cantar en el bosque porque no, no están mal. Es decir, hay en cartelera algunas películas de entretenimiento masivo muy dignas de ver y que hacen que renueve mi fe en la humanidad, en Hollywood, en los Doritos, en la cerveza Heineken y en toda marca que aparece camuflada en ellas.

1) Guardianes de la galaxia o mi perro se parece a Rocket

No esperaba un peso partido al medio de esta nueva película basada en comics. Cero. El desconocido James Gunn que había escrito huevadas como Scooby Doo y dirigido Slither (La Plaga) no era garantía de calidad. Grande fue mi sorpresa y dicha, cuando fui al cine, me senté en la butaca y me divertí como cuando trepaba a los árboles de palta en mi infancia. Sí.

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Guardianes de la galaxia tiene todos los ingredientes para pasar un rato ameno en el cine: buenos personajes, está bien dirigida, efectos especiales notables y un sentido del humor del que acuso recibo: RECIBIDO GUNN, RECIBIDO!

Chris Pratt se puso a dieta para interpretar a Peter Quill. Peter es el típico personaje un poco atarantado y pagado de sí mismo que en otras películas se hace muy detestable y lo querés matar a lapos, pero que aquí lo mirás como se mira a un gatito dormir. Obviamente que parte de ese encanto está en la abnegada troupe que lo acompaña: un divino Rocket con la voz de Bradley Cooper, un adorable Groot con la voz de Vin Diesel, Zoe Saldaña haciendo de Gamora, y la presencia de Benicio del Toro y Glen Glose que se campean por ahí.

El mismo director (Gunn) y una debutante Nicole Pearlman se encargaron del guión que se basa en el comic de Dan Abnett y Andy Lanning (la nueva generación de GDLG), en él Peter es un saqueador de poca monta que se topa con un objeto que será la manzana de la discordia. Tras de su cuerpito irán Rocket y Groot tratando de ganar una recompensa por su captura y Gamora será la que le pondrá la onda Rome/Julieta la asunto. Claro, el romance NUNCA puede faltar (gracias, Carrusel)

No me jode ni que Ronan (Lee Pace) actúe tan mal, ni que Drax (Bautista) parezca hecho de las piedras incaicas de Samaipata o que las acciones de Nebula (Karen Gillian) no tengan ningún sentido, da igual. Lo compro.

Una hermosa banda sonora con su Awsome Mix Vol. 1 y Awsome Mix Vol.2 con temazos como Hooked on a feeling de Blue Swede, I want you back de los Jackson 5, y uno de mis favoritos de siempre Aint no mountain high enough de Marvin Gaye y Tammi Terrel, logran llevar la película a momentos de clímax emotivo.

La huevada termina, y una sonrisa estúpida sigue pegada en tu cara.

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Lo mejor: dura dos horas y no las sentís pasar Lo peor: que vamos a tener que esperar harto pa la secuela La escena: hay varias: la de la pierna es un cague de risa, la de las luces es muy bonita, la ñoña de agárrense de las manos como en el spot de Doria Medina está cute Lo más falsete: …. El mensaje manifiesto: la unión hace la fuerza El mensaje latente: No hay montaña suficientemente alta El consejo: para verla en su idioma original con subtitulitos y quédense porque después de toda la chorizada de créditos HAY YAPITA El personaje entrañable: todos amamos a Groot y a Rocket El personaje emputante: Nebula, por pelotuda El agradecimiento: la plantita final.

CURIOSIDADES

El luchador Dave Bautista rompió en llanto cuando le confirmaron que su papel sería el de Drax, el destructor y firmó el contrato inmediatamente.

Según Vin Diesel la línea I´am Groot, fue grabada más de 1000 veces y que además la grabó en varios idiomas (español, ruso, francés, mandarín) para que sea siempre su voz la que se escuchara.

Pratt perdió cerca de 30 kilos para interpretar a Peter Quill, su audición fue tan buena que el director le dijo que el papel era suyo siempre y cuando se pusiera en forma.

Diesel ha afirmado que interpretar a Groot lo ayudó a lidiar con la muerte de Paul Walker. Su amigo acababa de morir cuando la filmación comenzó, y el personaje que es una celebración a la vida lo ayudó a salir del lugar oscuro en el que estaba.

El creador de Rocket, Bill Mantlo, fue atropellado en 1992 en un hecho nunca esclarecido, Mantlo estuvo en coma mucho tiempo y al despertar sus capacidades cognitivas no eran las mismas, ha pasado los últimos 22 años institucionalizado en un hospital con enfermeras especiales, se hizo una presentación especial para él de la película.

Lee Pace (Ronan) audicionó para el papel de Peter Quill, y al final quedó como el villano.

El perro que aparece con el casco de astronauta es el perro del director James Gunn.

2) El amanecer del planeta de los simios o la triste historia del mundo

Sí, mis amadas gotas del rocío boliviano, después de ver El amanecer del planeta de los simios, algo se te queda en el corazón, una triste sensación de que así nomás es.

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La historia continúa lo dejado por el despelote que armaron James Franco, Trinity y César en la anterior Planeta de los Simios. Pasaron los años y el virus desarrollado por los humanos barrió con casi todos los humanos (bella redundancia).

César y los suyos (los otros simios) se unieron y crearon una sociedad con reglas, con un líder, con rutinas, que viven pacíficamente en medio del bosque.

Como no puede ser de otra manera, llega un grupo de humanos y se les meten al rancho. Estos humanos necesitan trabajar en territorio de los simios para poder generar electricidad en el refugio humano. Si no lo hacen, los humanos igual atacarán a los simios para conseguirlo.

César, que es un líder en todo su esplendor, decide hacer un pacto con ellos para ayudarlos y a sabiendas de que sin ese pacto habrá un enfrentamiento que derramará sangre de ambos bandos.

Pero no todo es criterio, ni entre los simios, ni entre los humanos, en ambos bandos nunca falta un loquito inestable que cagará los esfuerzos por llevar la fiesta en paz.

Una clara alegoría de la historia del mundo, una fábula de lo humano, en donde los procesos de paz se ven siempre interrumpidos por aquellos que odian tanto a su enemigo que no les importa el baño de sangre con tal de hacer lo que se les canta.

Explosiva, y con momentos que alguna lagrimita arrancan, El amanecer del planeta de los simios cumple con la estela que promete una historia donde la máxima es: Simio no mata a Simio.

Matt Reeves es la mano que mece la cuna y hace lo suyo dignamente. Un director que tiene películas como Cloverfield y la versión americana de Let me in.

Rick Jaffa y su esposa, Amanda Silver, que también participaron en la película anterior, y en The Relic, y en la peli con Sally Field esa de Ojo por ojo  entregan un guión en el no hay grandes sorpresas pero que funciona. A ellos los acompaña Mark Bomback cuya expertise se ha visto en películas como Duro de matar 4, Wolverine, y The Night Caller, entre otras.

Andy Serkis dándole vida al imponente César, Nick Thurson como Blue Eyes, Toby Kebbell como el atormentado Koba, Karin Konoval como Maurice, hacen un trabajo que eleva el filme a algo más.

Por el lado de los humanos: Jason Clarke como Malcolm, Gary Oldman como Dreyfus y la siempre recordada Felicity: Keri Russell como Ellie, tampoco decepcionan ni desentonan.

Mención aparte merecen los efectos especiales, esas tomas multitudinarias de simios, los primeros planos en los momentos emotivos o tensos, estamos ante una película trabajada con esmero y que merece reconocimiento por haber puesto la técnica al servicio de una historia.

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Lo mejor: bien filmada y emociona Lo peor: es bastante predecible La escena: cuando César le dice a su hijo la gran verdad, rompe el corazón y también la de los simios a caballo y también la de Koba y su tomadura de pelo y la del final Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: Simio mata a Simio El mensaje latente: Hombre mata a hombre El consejo: para verla en su idioma original con subtitulitos El personaje entrañable: Koba, demasiado dañado El personaje emputante: el hijo de pooh que estaba de ayudante de Felicity y su marido, ese que casi los hizo botar del campamento El agradecimiento: por Andy Serkis. Hay que dar gracias a Dios todos los días por ese hombre.

CURIOSIDADES

Koba, el nombre del simio que es la mano derecha de César, es un guiño a Stalin, así se llamaba a sí mismo el famoso dictador ruso.

Matt Reeves fue co-creador de la serie Felicity, de ahí que casi 15 años después, le hiciera casting a Keri Russel a quien le dio el papel protagónico de esa serie.

Es la primera Planeta de los Simios en ser filmada y lanzada en 3D.

Otros directores que fueron considerados para este proyecto fueron: Carlos Fresnadillo, J.A. Bayona, Guillermo del Toro y Jeff Nichols

3) Las tortugas Ninjas o alimenten a Megan Fox

Y bueno, ahora nos toca ocuparnos del retorno de Megan Fox a las grandes lides o de nuestra mancha en el mantel de los buenos blockbusters.

Pobrecita Megan, después de su desafortunado comentario en el que comparaba a Michael Bay con Hitler, prácticamente la borraron del escenario hollywoodense. Michael Bay se quejó de que, además, la tipa andaba prendida al blackberry y que ponía cara de estreñimiento en todo el rodaje, sí. Pues ese mismito Bay es el productor del nuevo intento de lanzar a las Tortugas Ninjas a la pantalla de cine.

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Parece que todo ha sido perdonado y ahora Megan Fox interpreta a April O´Neil una periodista en ciernes que está cansada de reportear huevadas y que quiere hacerse con una gran historia.

Por casualidad, la desnutrida April presencia la aparición de las tortugas ninjas como vigilantes de Nueva York y decide ahondar en esa investigación.

Ese es el meollo. Chica linda quiere ser periodista seria y se topa con la súper historia. Tortugas normales, usadas para experimentar, con nombres de grandes pintores se convierten en súper héroes y viven una súper historia. Y no nos olvidemos de la rata gigante que es su mentor. Todos viven en las alcantarillas y comen pizza.

Como el título promete, esto es una película TEEN, o sea para adolescentes/niños/lactantes/adultosconsíndromePeterPan, de otro modo es muy difícil encontrarle más sentido que el de algunos chistes opas y evidentes.

Tampoco puede faltar en una película de este estilacho: un malo maloso que tratará de arrasar con el mundo y de ponerlo bajo su pie izquierdo y claro, el héroe salvador, en este caso las tortugas gigantes mutantes ninjas adolescentes come-pizza que tratarán de impedirlo.

Jonathan Liebesman es el director de esta descafeinada versión mutante, aunque Liebesman ya nos había demostrado un talento especial para hacer películas aburridas y poco memorables con Ira de Titanes, Invasión a la Tierra, La matanza de Texas, el origen y En la oscuridad, ZZZZzzzzZZZZ.

Tiene buenos efectos especiales, pero si ya has visto X men, El planeta de los Simios y Guardianes de la Galaxia, como que miras con cara de: sí, sí, qué bonita la nieve, y el patín, y el camión, algo más?

Nada gente, esta versión de las Tortugas Ninjas no me supo tan horrible como las Transformers (ajá, tengo un issue con las Transformers a excepción de la 1) pero hasta ahí, apenas alcanza para pensar en una que otra escenita, en uno que otro chiste, en las ganas de hacerle un menú criollo lleno de carbohidratos a Megan Fox, y esito sería todo.

Lo mejor: uno que otro chiste funciona Lo peor: aburrida y estúpida hasta decir basta La escena: cuando parece que están por morir y alguien menciona a Lost Lo más falsete: April y su relación con el poco masculino camarógrafo El mensaje manifiesto: lo retro no siempre pega El mensaje latente: los 80s no volverán El consejo: para verla si NO hay otra cosa mejor El personaje entrañable: Donatello y su amor por April El personaje emputante: El camarógrafo El agradecimiento: que se deja ver.

CURIOSIDADES

Megan Fox y Will Arnett comentaron que sus hijos fueron un factor determinante a la hora de aceptar hacer la película.

El creador de las Tortugas Ninjas, Kevin Eastman, hace un cameo en la película como doctor.

Es la primera Tortuga Ninja en ser catalogada para PG-13 en Estados Unidos.

Jane Levy, Anna Hendrick y Elizabeth Olsen hicieron casting para el rol de April.

El lanzamiento de la película coincide con el 30 aniversario de la saga de Tortugas Mutantes Ninjas.

EXTRA-TARDÍO EXTRA

Quedé debiendo la de X-men que la tenía escrita pero nunca tuve tiempo de subirla, a pedido de G.A. que escribió al mail reclamándome de una manera muy coloquial mi desidia, acá la dejo y cumplo.

X-men o cómo los mutantes siguen funcionando

La nueva entrega de X-Men es todo eso que esperamos de un blockbuster. Sí. Esta parte V, este Días del futuro pasado llega a momentos de sublime felicidad cinéfila y hace que con más ahínco pensemos que el resto de directores del mismo nicho (el de Amazing Spider Man 2, Godzilla, Divergente y todas las Transformers a excepción de la 1) son, de verdad, for real, crispines de oficio.

Y eso que con Bryan Singer hemos tenido nuestros encuentros y desencuentros. Encuentros con películas como Los sospechosos habituales, o las respectivas X-men que dirigió previamente, y desencuentros con esa bosta al infinito que fue Superman Returns y con la mustia Valkyria.

No importa.

Para los que dudábamos que un quinto retorno de los mutantes sería un desperdicio, es un placer decirles que no, las X-men no decepcionan nunca y esta nueva entrega es quizás una de las mejores.

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El filme arranca con una trabajada secuencia de nuestros mutantes en un futuro apocalíptico (año 2023) huyendo de los Centinelas.

Me encantaron los portales de Blink y su caracterización, plin, plun, plon. Ahora me ves, ahora no me ves.

Magneto y Xavier se unen en pro de la supervivencia colectiva y deciden lanzar un disparo a la oscuridad: Kitty Pride (Ellen Page) cuyo poder es hacer saltos mentales en el tiempo, trasladará la mente de uno de los mutantes al pasado, para impedir que Mystique lleve a cabo una acción que es el detonante del despelote imperante.

Temblad, pasado, temblad!

La acción se trasladará a 1973 donde los mutantes que conocemos hasta ahora están en su versión más joven, igual que en la anterior entrega.

Michael Fassbender interpretará nuevamente a Erik (Magneto en sus primeros escarceos), James McAvoy volverá a ser Xavier, aunque esta vez apesadumbrado por la pérdida de Raven, sus piernas y su escuela,  y claro, también aparecerá Mystique/Raven (Jennifer Lawrence) un conflictuado personaje que en distintas versiones hemos visto a la sombra de Magneto o a la sombra de Xavier, mientras que aquí será el personaje en torno al cual gire el futuro de los mutantes.

Quizás el gol de media cancha se lo lleva la incorporación de Evan Peters como QuickSilver (Mercurio) en su adolescente versión. Claro, aún cuando hay fans que se arrancaban la piel a mordiscos cuando supieron que este jovencito sería Quicksilver, al final del día poco importa si el chico es o no fiel al cómic, su personaje funciona. Todo lo que sucede mientras Quicksilver está en pantalla es entretenido, interesante, bien filmado e hizo que, apresurada, escribiera una carta llena de corazones con MyB a Singer. En especial, la secuencia de la cocina en el Pentágono.

Gracias, fui 3600fps feliz.

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En ese momento, bien pude gritar: «Apaguen todo que nos vamos», largarme e igual recomendar esta película, así de buena es la escena. Pero obviamente me quedé sentadita en la butaca, porque además, por si la aparición de este personaje no fuera suficiente, otra dicha que nos deparó Singer en su casting fue la incorporación de Peter Dinklage como Bolívar Trask. Sí!!!!!! ese gran actor (no es ironía) que es Peter, salta de cada episodio de Juego de Tronos, a la pantalla gigante en X-men como un fascista científico que intentará acabar con los mutantes creando los Centinelas.

Muere, Tyrion facho, muere!!!!

Pero no solo hay girasoles meciendose en el viento, en su apresurado desarrollo hay inconsistencias argumentales que nos llevan a un sopapo de realidad y a decir resignadamente: “Y bueeee, es un blockbuster” habría que hacerse las siguientes preguntas, sólo como ejercicio lúdico: Por qué dejan a QuickSilver si a ojos vista se ve que es menos inútil y problemático que el mamerto de Magneto. Por qué buscar a Magneto que piensa con la uña del pie izquierdo y que se sabe NO pueden confiar en él. Si vas a mandar al pobre Wolverine al pasado mínimo puej contale bien con qué se va a encontrar porque es muy pérdida de tiempo largarlo así solo con frases como “Te va a ser complicado porque no era lo que conoces ahora” y bla bla bla. Los humanos van a quedar tranquilos solo porque vieron que Mystique salvó a Nixon y compañía, luego de ver el despelote que hizo Magneto?. Viviré lo suficiente para ver la próxima secuela?.

Esas y otras preguntas quedan flotando en el aire. Aún así, con los baches argumentales y las jaladas de cabello que te podés dar por el manoseo al cómic, salimos del cine satisfechos.

Con la barriga llega y el corazón contento, emborrachados de efectos especiales, de algunas bromitas bien dichas, y de esa casi onírica secuencia final donde se pasan por el traste a todas las anteriores X-men y nos devuelven las lágrimas derramadas.

Lo mejor: una de las mejores de la saga y con una bellísima factura Lo peor: algunos baches argumentales La escena: Quicksilver en el Pentágono: AMÉ Lo más falsete: la huevada de Nixon y el estadio, ya puejjjjj El mensaje manifiesto: eliminar nunca funciona El mensaje latente: al malo solo el cariño lo vuelve puro y sincero El consejo: si no la viste, vela en DVD o BLURAY El personaje entrañable: Quicksilver: AMÉ El personaje emputante: Magneto, Nixon El agradecimiento: Quicksilver: AMÉ.

CURIOSIDADES

  • Patrick Stewart y Ian McKellen se encontraban haciendo la obra Esperando a Godot cuando fueron llamados para la película.
  • Es la séptima vez que Hugh Jackman interpreta a Lobezno
  • Bryan Singer solo estaba dispuesto a hacer la película si Stewaart y McKellen confirmaban su participación
  • El personaje de Halle Berry, Storm, fue reducido al mínimo debido a que la actriz estaba embarazada
  • A pesar de que el personaje de Anna Paquin aparece solo 3 segundos y no tiene diálogo, es una de las actrices mejor pagadas de esta entrega.
  • Singer basó a Bolívar Tras en Adolfo Hitler.
  • Jamie Campbell (Billy Elliot) y Nico Tortorella audicionaron para Quicksilver.
  • Bryan Singer tiene un cameo como fotógrafo en el bollo de gente que se forma cuando Mystique cae del edificio y trata de huir.

CINE: Dans la maison

El perfume de mujer de la clase media

François Ozon es un director francés que la tiene clara. Su cine posee un estilo particular que puede gustar o no gustar.  Su filmografía suele ser muy irregular, tiene películas tan intrascendentes como 8 mujeres y otras un poco más interesantes como Swimming Pool.

A Ozon se lo tilda de Almodóvar francés (!) no sé si se debe sentir halagado o insultado, el caso es que siendo un cineasta relativamente joven (46 años) ya lleva 15 largometrajes y casi 20 cortos. Una carrera prolífica que ha traspasado las fronteras de su país y lo ha puesto como un director conocido internacionalmente.

El 2012 regresó al candelero con esta película: Dans la maison (In the house, En la casa)…

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Podemos decir, sin temor a equivocarnos, que estamos ante la mejor de sus películas hasta la fecha.

Adaptación libre de la obra de teatro del español Juan Mayorga, El chico de la última fila, Ozon crea un guión en el que prevalece el juego o como él mismo aclara: la creación. Una creación atrapante y enfermiza para el espectador y para sus personajes.

Uno de sus mayores logros es ese, que la película seduce porque su engranaje lúdico va desde el guión hasta la forma en que está filmada.

Germain (Fabrice Luchine) es un profesor de literatura de un liceo. En su momento intentó destacar como escritor, pero la poca acogida de su obra y su no reconocida falta de talento, hicieron que vuelque su tiempo en dar clases. Es el típico profesor que se queja de la flojera de los alumnos, de la infinidad de errores ortográficos o gramaticales de las tareas que corrige, de lo brutos que son hasta para describir algo tan básico como el día que tuvieron.

Eso cambia cuando se topa con el texto de Claude García (perturbador Erns Umhauer).  Claude, con sus ojitos dulces de muñeco de torta, escribe un relato sobre su visita a la casa de otro compañero de clase, Ralph.

Hasta ahí nada raro, pero el estilo de la escritura denota una madurez y un cinismo inusitado para su edad.

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El vouyerismo extraño que se lee entre líneas y la descripción que Claude hace de «los Ralphs” (peyorativo para la familia de su compañero) y su vida de “clase media”,  aunado a un enigmático “continuará…” al final del texto, hacen que Germain quede intrigado.

La curiosidad lo llevará a darle clases particulares a Claude para dizque estimular su talento y que continúe escribiendo. Dicha escritura seguirá girando retorcidamente alrededor de “los Ralphs”. Escucharemos lecciones sobre escritura, cómo manejar una historia, y lentamente, Germain será parte del vouyerismo del chico y comenzará a leerle los textos a su esposa Jeanne (Kristin Scott Thomas).

Jeanne, también será atraída por el relato, y pronto la rutina diaria se llenará de comentarios sobre la escritura de Claude, la familia Ralphs y sobre lo que deberían hacer o no hacer los personajes. A la larga, la doña se aviva y le informa al viejo: “Te está manipulando”.

Ya es tarde. Uno mismo se embarca morbosamente en ese tren y sigue con atención la trama, deseando que el chico escriba mais, mais, mais y ver el desenlace que, se intuye, traerá algo denso.

SPOILER: Y sí, llegamos a momentos culminantes en los que la atracción de los personajes entre sí se vuelve hasta malsana, y todo es movido por la escritura de Claude.

Pequeño demonio! diría Homero Simpson.

¿Es real? ¿Es ficción? ¿Por qué el chico se inventaría todo eso? Al principio esas preguntas importan, después no. Germain traspasa  los límites permitidos poniendo en juego su matrimonio y su carrera por la fascinación que siente hacia el adolescente.

Claude actúa lo mismo de maquiavélico puppet-master que de inocente ovejita.

La insinuación de encuentros carnales entre el chico con Ester, la mujer de clase media (Emmanuelle Seigner) y Jean, le ponen más morbo a la cuestión.

Claude invade la vida de ambas familias, la de «los Ralphs» y la formada por el matrimonio sin hijos Profesor-Jean.

Mientras la película avanza, Germain discursea sobre la construcción de los personajes, y el filme se sirve del discurso. Es como un libro dentro de una película que está dentro de otra película. SPOILER

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Dans la maison es obsesiva, perversa, pero a la vez tiene humor. Es un ejercicio de creación literaria y de eficacia cinematográfica.

El final llega con la advertencia literaria de Germain: “Los buenos finales tienen que ser INESPERADOS pero al mismo tiempo deben ser percibidos como el único final posible”…

Digamos que como espectadora me esperé ESE final, pero puede que haya sido el único final posible. ¿Es un buen final, entonces?

Hay algo de poesía, de turbia e incómoda poesía, en ese último plano:  las ventanas, las vidas ajenas tan frágiles a la vista, tan susceptibles a intromisiones, a manipulaciones, la naturaleza humana de meterse con lo ajeno,  de husmear, de saber de qué color son los calzones del vecino y cómo se los pone.

La mirada del otro a la distancia, de afuera. Sí jode.

Esa poesía vouyerista tan similar a la vida, al cine.

Lo mejor: muy entretenida y bien construida

Lo peor: se cae un pelín al final, pero no es nada grave

La escena: cuando Germain está en la casa de los Ralphs y cuando Claude obsesivamente pasea por la casa

Lo más falsete: …

El mensaje manifiesto: la vida privada es frágil como una burbuja

El mensaje latente: el morbo es tan humano

El consejo: Verla, una película para ver y disfrutar

El personaje entrañable: los Ralphs

El personaje emputante: a ratos: Germain

El agradecimiento: Por el juego, por la narrativa y por lo cinematográfico.

CURIOSIDADES

– Ambos padres de Ozon eran profesores

– Se filmó durante 8 semanas, de agosto a septiembre del 2011

– Tuvo un presupuesto de alrededor de 10 millones de dólares

– Es la cuarta adaptación de un libro al cine que lleva a cabo Ozon

– Cuando era profesor en Moratalaz, un alumno ante el desconocimiento de las respuestas de un examen de matemáticas, le escribió a cambio su día a día y su sueño de convertirse en tenista. De ahí, la imaginación de Juan Mayorga comenzó a volar y así, el reconocido autor español, dio vida al texto, obra de teatro y ahora película: El chico de la última fila. Ahora, Dans la Maison.

– “Todo director de cine es un manipulador”, dijo Ozon en una entrevista a razón del estreno de esta película

– Una actriz amiga de Ozon, lo invitó a ver la obra en la que participaba que resultó ser El chico de la última fila. A Ozon le encantó la obra y decidió adaptarla. Quiso comprar los derechos y los tenía un director de cine español, se asustó pensando que sería Almodovar y resultó que era un director español desconocido que no tuvo el dinero suficiente para realizar el filme.

EN CARTELERA: The Counselor (El Abogado del Crimen)

“Demasiado ginecológico para ser sexy”

El título de la reseña: “Demasiado ginecológico para ser sexy” aplica totalmente para la esencia de The Counselor.

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Señores, se acaba de estrenar The Counselor, la más reciente película de Ridley Scott que tiene un casting  como para dejarte la jeta abierta: Michael Fassbender, Javier Bardem, Cameron Diaz, Penélope Cruz,  Bruno Ganz, Rubén Blades (¡!) y el pobrecito Edgar Ramírez.

Además, su director de fotografía es Dariusz Wolski y el guión le pertenece a (tiene que ir con mayúsculas y  ser dicho con megáfono): CORMAC MCCARTHY

Leer y escribir eso es casi orgásmico (si el nombre de Penélope no lo jodiera).

Y es lo que esperamos: Un orgasmo.

Después de la cagada que Ridley se mandó con Prometeo, era justo y necesario un resarcimiento de daños, una compensación que haga que saquemos los muñecos de Blade Runner del baúl y la vida continúe su curso natural.

Pero no. Lo visto en el cine no se puede procesar bien. Pasan demasiadas cosas y se dicen demasiadas huevadas como para que se saque algo en limpio.

Aquí, desde el título, la palabra clave es “demasiado”.

Aunque un “demasiado” de Ridley Scott siempre es mejor que un “demasiado” cualquiera, o ¿no?

Bueno, resulta que estamos ante una historia de narcos y conspiraciones. De puñaladas traperas en la espalda, de un juego despiadado de caza/pesca y de inocencias turbias.

Fassbender interpreta a un abogadillo (del que nunca sabremos el nombre) que accede a subirse al pony del crimen de la mano de Reiner (Javier Bardem). Estamos hablando del narco “exitoso”, las grandes ligas. Gente que mueve millones y millones de dólares en operativos de distinta índole. Ahí está pringau también Westray (Brad Pitt).

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¿Qué pito tocan Cameron Díaz y Penélope? Pues Cameron es Malkina, cuyo nombre ya te dice que debe ser muy pendeja e hija de puta. Mala y maquinadora. Seh.  Malkina es la blondielover de Reiner.  Por su lado, Penélope es Laura, la ñoña de la película, novia del abogadillo, con cruz colgada en el coto y todo.

El abogadillo es codicioso, y aún gozando de un alto nivel de vida se involucra con esa gentuza estando comprometido en matrimonio con la ñoña de Laura.

Por una nefasta coincidencia, un negocio se va al chancho y el peligro revienta botando pus para todos lados.

ALERTA DE SPOILER: Cuando acordamos, el abogadillo, Reiner, Westray, Laurita Ingals, están con el dibujo de tiro al blanco en la frente. Los narcos creen que ellos se aliaron para robarles un cargamento de merca y todos tienen que morir.

Claro, como escarmiento puej. No es nomás venir a joder al Cartel.

Por mi parte, después de estar escuchando tanta chorizada de texto filosófico, solo deseaba que las muertes sean sangrientas, lentas y dolorosas. Porque lo que hace Cormac o…hmmm…sí, la culpa debe de ser de Ridley, lo que hace Ridley con su película es disparar sin sentido un montón de situaciones, no filtrar diálogos pelotudos y dejarnos con la incómoda sensación de que nos fuimos un poquito a la mierda. FIN DEL SPOILER

Porque en una época post-Breaking Bad, en un mundo en el que ya tenemos la magnífica Pulp Fiction, hacer una historia en la que de repente los narcos son los pensadores del siglo XXI, puede generar dudas.

Rubén Blades se lanza una catarata de frases que parecen ser escupidas por alguien que encontró a su mujer  en la cama con su familia inmediata y se ha tomado dos fardos de cerveza. Sí, cita a Machado y habla del ser y la nada, todo eso con una actuación pésima que provocaron en esta espectadora las ganas de agarrar un ladrillo meterlo dentro de un guante y darle unos buenos sopapos. ¿Por qué no te callas?

Los estereotipados personajes de Bardem y Pitt supuestamente no son niños de pecho, y cuando estalla el conflicto no hacen nada medianamente coherente. Pero eso sí, tienen tiempo de recitar versos a la pantalla que deben tener a Nietzsche pateando el cajón.

Mientras tanto, Penélope deambula por ahí con cara de niña asustada que sufre de algún problema digestivo.

Cameron Díaz construye un personaje al que no le ahorran ni tatuajes de manchitas felinas para que quede claro su naturaleza depredadora, tiene una escena que por disparatada, maldita y curiosa, hace que valga la pena ver el despropósito que supone la película en su conjunto. Anótense con marcador y estén atentos a la escena del auto y el bagre. Tan insólita como extrañamente sublime.

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Y así, todo se desliza en el precipicio de la nada absoluta, lo plástico y lo rimbombante al pedo.

McCarthy, a quien considero un escritor espectacular, escribe un guión plagado de textos rebuscados y a quien nadie le avisó que no era adecuado al lenguaje cinematográfico. Habrá quien los disfrute igual, porque no deja de ser Cormac McCarthy el autor y no dejan de lanzarse frases pendejas, pero en su resultado global pareciera que a Ridley le dio cosita decirle a don: “recortemos 70% de texto y quitemos todas estas escenas boludas”.

Porque sí, estamos ante un filme bipolar, por un lado tiene varias escenas absolutamente prescindibles: la del tipo en su casa antes de la escena de la moto, la del confesionario, algunas entre Reiner y Cameron, la voz de Cameron en el teléfono, la marcha de los desaparecidos, etc…pero no podemos negar que también tiene escenas inolvidables y de alta calidad: auto, bagre, motociclista y alambre, cordón mortal y Brad Pitt…

El The Counselor de Ridley Scott es un trabajo prácticamente inclasificable,  un desfile de caricaturas que se desvanecen en la ambición desmedida de esta producción que en conjunto acusa más sombras que luces.

Considero que aún a pesar de su barroquismo y excesos, hay chispazos de lo que pudo ser que hacen que valga la pena verla en el cine.

Una pena que esta mayonesa no cuajó.

Lo mejor: mucho pedigrí

Lo peor: mucho pedigrí pa tan triste resultado

La escena: Cameron Díaz y el auto (otra, otra, otra!!!)

Lo más falsete: Rubén Blades al teléfono. MATENLO.

El mensaje manifiesto: No todo lo que brilla es oro

El mensaje latente: Hasta los diamantes tienen imperfecciones

El consejo: Vale la pena verla, pero solo para aquellos que apreciarán la elegancia de Scott a pesar del resultado general.

El personaje entrañable: El auto amarillo y ver a Dean Norris como narco (Hank el de Breaking Bad)

El personaje emputante: los estereotipos narcos y las charlas boludas sobre las mujeres

El agradecimiento: Porque es una película que al salir los créditos te deja varias imágenes en la mente

CURIOSIDADES

–       El filme se desarrolla en en la frontera méxico-americana, pero fue filmado en España y Estados Unidos.

–       El personaje de Malkina era originalmente para Angelina Jolie, ella dejó el proyecto y el papel pasó a Cameron.

–       La película está dedicada a la memoria de Tony Scott, hermano de Riddley que se suicidó cuando se estaba filmando.  Ridley dejó la filmación una semana para acudir al entierro de su hermano.

–       Natalie Portman fue considerada para el rol de la ingenua Laura

–       Bradley Cooper y Jeremy Renner fueron contemplados para hacer de Reiner.

–       Comarc McCarthy estuvo en la filmación de The Counselor casi todos los días

–       Cormac tiene 80 años

EN CARTELERA: World War Z

WORLD WAR Z o hay que comprar el shampoo de Brad Pitt

world-war-z-bannerDespués de ver Titanes del Pacífico he cambiado drásticamente mi parecer sobre la nueva película de Brad Pitt. Así, a la distancia, un tibio recuerdo me sume en la nostalgia: aprendí a valorar su entretenimiento plástico, anti-neuronal, pero efectivo.

Marc Forster dirige la gran apuesta de zombies del año.  Forster es el mismito que dirigió Monster´s ball, Más extraño que la ficción, Descubriendo Nunca Jamás, Cometas en el cielo y Quantum of Solace. Las primeras me gustaron, lo de Quantum of Solace fue la prueba de que el señor no debería dedicarse a la acción/suspenso/loquesea.

Contrario a todas las predicciones acá lo tenemos.

Nuestro amigo Brad Pitt, que también produce la película, fue el que luchó a brazo partido para que Forster ocupe la sillita de Director. El pobre soñaba hacer una película de zombies con profundidad dramática, seguramente en esa ensoñación un pony alado surcaba los cielos.

Al final,  consiguió lo que quería, un director al que le salen bien los dramas dirigiendo una superproducción que le quedó grande.

Como pueden suponer, se desató la hecatombe, la sangre llegó al río más rápido que los zombies de la película. La filmación fue descrita como un infierno en el que Forster no tenía idea de dónde estaba parado y días antes de empezar el rodaje ni siquiera tenía claro qué iba a hacer con los zombies a nivel visual. Creo que lo único claro era la blonda cabellera de Brad.

Cosito vio cómo el trabajo se iba al carajo y se cabreó tanto que hasta le retiró la palabra al tal Forster. Yo también se la retiré a él, además de a Forster y a Angelina y a los quichientos hijos que tienen.

Forster y Pitt. Una película de zombies hecha, una amistad rota
¿Brad, y si los zombies tienen súper poderes?

Volviendo al filme, si me hablan de zombies espero ver mucha sangre, gore, emociones fuertes, y algo parecido a lo que fue The Walking dead hasta que Sofía sale del granero.

Sí, quiero ver al ser humano destruido por el apocalipsis. Con la esperanza aniquilada y el corazón hueco por las pérdidas.

Pero lo de Brad Pitt y su cabello no es una película de zombies, no, es solo una película de acción condimentada, así como quien le pone una pizca de perejil a la sopa, con zombies.

World War Z nos narra las blondi-aventuras de Gerry (Brad Pitt). Todo comienza cuando él y su familia están desayunando tranquilamente mientras se dicta una ley marcial.

El día que fui a verla una doña se sentó a mi lado, atendió su celular y se puso a hablar sobre si le dolía esto o aquello. En el momento en que me paré para cambiarme de asiento, pasé a la fila de atrás y me volví a poner los pinches lentes (no más de 10 segundos), ya Gerry estaba en su auto, huyendo y los zombies llovían como granizo.

Pero esperen, hay que darle contexto a ese chiverío. En primer lugar, la huevada se basa en un best-seller escrito por Max Brooks. Los que quieran ver que aquello de “basado en…” es simple cháchara para atraer a los fans de la novela, pueden ver las hondas diferencias aquí. La culpa, entonces, no es de Brooks, sino del crispinismo que se apoderó de la pre-producción y la producción del filme.

Esta película tenía un presupuesto de 120 millones de dólares, el guión fue boceteado en un principio por Michael Straczynski, de quien no podemos esperar mucho, su obra consiste en Thor, Underworld: El despertar, El Intercambio, capítulos de series de tv como Babylon y (AGARRENSE) episodios ochenteros de She-ra y He-Man. Luego llaman a Matthew Michael Carnahan, siendo el responsable de La sombra del reino, Leones por corderos y La sombra del poder. Este don es quien pule la cosa y entrega un guión final que, dicen, ya adolecía de muchos problemas.

Los sujetos filmaron en un caos tal que el director de foto Robert Richardson (ganador del Oscar), consternado por el curso de los acontecimientos intentaba poner orden en el rancho (cuentan las fuentes chismosas que de MUY mala manera), a lo que le solicitaron amigablemente que “se vaya un poquito a la mierda”, finalmente Richardson se larga porque tenía que filmar Django desencadenado y en su lugar queda Ben Seresin (habitual colaborador de Michael Bay) que es quien aparece en los créditos. Hay que gregar que Richardson pidió que lo retiren de los créditos si es que se les ocurría la brillante idea de convertir la película en 3D, que fue lo primero que hicieron. En tu FACE, Richardson!!

Mientras tanto, la pinche post-producción de la película se termina y hacen un focus group. El público la odió. El estudio y Pitt se asustan, así que toman la decisión de refilmar el último tramo. Llaman a Lindelof (NOOOOO) que es el mismo que reescribió Prometheus e hizo esa bosta al infinito llamada Cowboys vs Aliens, y este a su vez llama a Drew Goddar (co-escritor en Lost) y sacan lo que nosotros vemos en la sala.

"No te asustés, actriz que sale brevemente de mi esposa"
“Así son las cosas, actriz que sale brevemente de mi esposa»

Estamos hablando de mes y medio de re-filmación. El presupuesto se va de 120 a 170/200 millones de dólares y todos están cabreados. Todos.

Y con razón. Brad Pitt contrató a Forster porque quería que la historia sea humana, y que el público conectara con los personajes. Desgraciadamente, sucede lo opuesto.

Gerry (Pitt) huye con su familia y llega a un barco de la U.N. donde hay un montón de refugiados, ahí lo chantajean para que ayude a los que quedan a averiguar cómo funciona el contagio de los zombies y encontrar una cura.

De la forma más tonta del mundo mandan a Pitt con unos cinco o seis soldaditos dizque a una base militar en Corea con la que no tienen contacto alguno para ver si “encuentra algo”.  Hermoso.

En un momento dado llegamos a Israel, que es cuando la historia fue reescrita. El tramo que cambiaron apunta a un mayor impacto emocional, pero nada alcanza para rescatar esta película de la etiqueta “una más del montón”, y de la sensación de haber visto algo muy desordenado.

A continuación una lista de SPOILERS (datos reveladores de la película) que nos hicieron maldecir a Lindelof y a todo aquel que participó en el guión. El que no la haya visto salte al párrafo siguiente: 1) Cuando agarran el remolque y nadie más lo había agarrado antes, estaba ahí para la especial familia Lane 2) El niño latino que ve morir a sus padres de la manera más salvaje y cruel mientras el mundo se cae a pedazos a su alrededor con una pandemia, sube al helicóptero tan pancho, como uno más de la familia Pitt-Jolie 3) Lo de las bicicletas en Corea, qué onda…dizque no hay que hacer bulla, y los dones en unas bicis todas cacharras y chirriantes 4) En el muro de Israel, esteee…hay helicópteros sobrevolando esa huevada y nunca se dan cuenta que los bichos están trepando la muralla? 5) Sí, si explotas una granada de mano en un avión, a pesar de que el avión se parta en dos y se estrelle: vos y la manca sobrevivirán.6) salís del avión, caminás un poquito y te encontrás con la central que estabas buscando 7) lo del celular con su esposa, lo del celular con el jefe, lo del celular en la central de la U.N.. y así. Obviamente de una película de acción no hay que esperar un contenido coherente, PERO, si vas a poner cosas tan tontas, mínimo que la peli lo valga. FIN DEL SPOILER

La familia es meramente adorno, y todo personaje que llega a la pantalla lo mismo. La excepción es Segen (Danielle Kertesz), que aunque no dice casi nada, en su corta participación consigue que deseés que sea la ÚNICA sobreviviente.

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«Tranquila Segen, yo estoy aquí»

A su favor diré que World War Z entretiene, no es aburrida, aunque todo el tiempo sabés qué va a pasar y nada sorprende. Los efectos especiales que prometían ser algo novedoso, se quedan hasta ahí nomás.

Gerry sobrevive a todo y a todos, con su hermosa, rubia, resplandeciente cabellera casi intacta, las hordas de zombies atacan tan rápido que no hay mucho tiempo para asquearse o fatigarse. Solo importa que sobreviva ÉL, un mesías moderno que arriesgará su vida por detener la pandemia.

(suspiro)

La guerra prometida en el título contra los zombies, no es tal, aquí no hay guerra, y tampoco zombies-zombies. Max Brooks, en el libro en el que se basa estito, narraba un apocalipsis-zombie donde desnudaba con sarcasmo algunos puntos de la política exterior americana y la miseria del ser humano, esa misma miseria que mandó a Laika a morir al espacio. La película de Brad, Forster y todos aquellos que salían despedidos a cada rato durante el caótico rodaje, narra la historia de un tipo buscando una cura, y su encuentro ocasional con el peligro. Nada más.

Si hacemos un balance de calidad-presupuesto, debe ser el fiasco más grande del año. En todo caso, le damos la medalla al esfuerzo, ese que hizo que re-filmaran una buena parte de la historia y ese que dejando de lado sus ausencias de contenido, logró que uno se entretenga un rato en el cine.

Al final del día, entre tanta destrucción y bichos bípedos corriendo, algo nos quedará implantado en la memoria: la necesidad de ir hacia la máquina expendedora de sodas y tomar una PEPSI. Gracias Brad.

Lo mejor: entretiene nomaj

Lo peor: es ese tipo de entretenimiento similar a cuando estás en tu casa haciendo zapping

La escena: lo del muro y la de la Pepsi.

Lo más falsete: los zombies y la familia de Pitt, ambos de adorno

El mensaje manifiesto: no hay lugar para los débiles

El mensaje latente: se puede tener la plata y el talento, y a veces las cosas salen mal

El consejo: para verla en una tarde lluviosa con un ataque de sinusitis

El personaje entrañable: Segen (no te mueras, SEGEN!!!)

El personaje emputante: el del pobre Matthew Fox en la base de Corea

El agradecimiento: intentaron salvarla

CURIOSIDADES

Puede que salga una trilogía de este desastre, incluso se ha confirmado ya una secuela

En un alto contrato de seis cifras, Paramount Pictures adquirió los derechos de la pantalla para la novela de Max Brooks “Guerra Mundial Z: Una Historia Oral de la Guerra Zombie.” el seguimiento de la sátira “La Guía de Supervivencia Zombie” Brooks “desató una batalla de ofertas, con Warner Bros. y Appian Way de Leonardo DiCaprio en el otro lado de la mesa  la Paramount y de Brad Pitt Plan B

Ed Harris y Bryan Cranston fueron considerados originalmente en la película, pero ambos se retiraron debido a conflictos de programación.

El rodaje tuvo lugar en varias zonas del Reino Unido, incluyendo Cornwall, Inglaterra, donde la escena de la sala de control de la ONU fue filmada junto a escenas en el Ministerio de Defensa Primary Cárcel de siniestros (PCRF), RFA Argus (AS en la cubierta de vuelo). El rodaje también tuvo lugar en Glasgow, Escocia, con las calles hechas para parecerse a los de Filadelfia con muchos coches americanos, camiones, taxis y señalización de calle envían desde los EE.UU.. También el rodaje tuvo lugar en La Valeta, Malta.

Un total de 85 ametralladoras, rifles y pistolas que se utilizarían en las escenas de rodaje en Hungría fueron confiscadas por funcionarios de aduanas contra el terrorismo en Budapest, Hungría, después de haber volado desde Londres. Los apoyos, que son propiedad de una empresa inglesa iban a ser utilizados en la filmación. Las autoridades húngaras dijeron que las armas podrían ser activadas por la simple eliminación de los tornillos de llenado al final de los barriles. El supervisor de armas, Bela Gajdos, en la película, comentó que el permiso de las armas había sido emitido por la policía húngara. Los informes sostienen que el principal actor Brad Pitt estaba “furioso” en la crisis.

El filme estaba previsto estrenarse en diciembre, pero debido a todos los conflictos tuvo un retraso de seis meses. En la premier cantó el grupo Muse.

El personaje de Matthew Fox estaba previsto que sea un villano humano, era un personaje súper importante en el primer tratamiento de guión, con la reescritura de la trama, Fox se quedó con solo 5 palabras en toda la película.

La versión alternativa que fue eliminada porque no gustó, narraba que después del periplo en Israel, Gerry llega Rusia, los rusos eliminan a las mujeres, niños y heridos que están en el avión y meten presos a los demás. Hay una elipsis temporal, Gerry tiene barba y está en malas condiciones. Se da cuenta que los bichos/zombies son menos fuertes en el frío, así consigue escapar en un momento dado para regresar a buscar a su mujer, pequeña batalla de por medio y darse cuenta que la misma inició un romance con el tipo del helicóptero que los rescata al principio.

EN CARTELERA: Anna Karenina

Asesino de mi felicidad 

“Es demasiado tarde”

Musita una Anna Karenina rendida ante las mieles del amor y la pasión cuando su esposo le pide que corte toda relación con el conde Vronsky. La cámara sigue su cuerpo que cae hacia atrás en éxtasis, con la mirada volcada al cielo, una mirada que pide perdón por sus pecados, pero que acepta el castigo.

Es la Anna Karenina de Joe Wright, la que algunos aman y otros odian. Una Anna que no le hace justicia a la Anna de León Tolstói. Una Anna interpretada por Keira Knightley, una Anna que habla en inglés, que se ve frágil y delicada, y que durante 2 horas y 9 minutos se destruye ante nuestros ojos.

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La de Tolstói es uno de los personajes más emblemáticos de la literatura rusa. Uno de los más emblemáticos de la literatura universal con relación a la doble moral hacia la mujer en la sociedad. La que posee los matices suficientes para ser espejo de una era, y tiene la habilidad de presentar, a través suyo, una terrible historia que una vez leída nunca se olvida.

La pluma del ruso relató esa terrible historia en 1040 páginas. 1040 páginas llenas de detalles, dolor y redenciones.

 “Todas las familias felices se parecen entre sí; pero cada familia desgraciada es desgraciada a su manera”

Con esa frase inauguraba Tolstói su Anna Karenina de 1877, trabajo que tanto Dostoievski como Nabokov consideraron una obra de arte.

Llevar una obra de arte a la pantalla gigante nunca es tarea fácil, nunca. En el caso de la heroína rusa, Clarence Brown lo intentó en 1953 con una Greta Garbo muy Kareniana, y hasta el momento, la más fiel a la versión literaria.

Luego siguieron unas 20 versiones más de menor impacto y el 2012 Wright decidió dirigir una ambiciosa puesta que daba una revisión a la historia y de la que solo podemos decir que es la Karenina de Wright y no la de Tolstói, teniendo esa afirmación pros y contras.

Wright, de 40 años, con una niñez en la que fue objeto de burla por su sobrepeso y su dislexia, tiene una filmografía decente, en la que destacan Orgullo y Prejuicio, Hanna, The soloist y Atonement. Sus padres se dedicaban al teatro y él mismo tuvo una formación teatral desde adolescente, por eso no es de extrañar que su versión de Anna Karenina tenga como propuesta un escenario teatral móvil en el que los personajes aparecen y desaparecen.

Hermosas coreografías que erizan la piel narran la historia de Anna. En ese artificio, la protagonista es una mujer que se casó a los 18 años con un prominente político, y que tiene un hijo con él al que ama profundamente. Su vida da un vuelco cuando conoce al conde Vronsky. Anna resiste los embates del deseo, hasta que finalmente sucumbe a él.

Wright dibuja un personaje que va perdiendo la razón conforme las desgracias se acumulan y la vida “recta”, “ordenada” y “apacible” que tenía cuando era la señora de Karenin se convierte en una vida “oscura”, de “pecado”, siendo la amante despreciada de Vronsky.

Paralelamente, conocemos la historia de Levin, personaje en el que se describe las luchas sociales de la Rusia Imperial. Una Rusia con hondas diferencias entre una aristocracia frívola y ruin, y una clase obrera con otras urgencias que atender aparte de los puteríos de alcoba.

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Una fotografía exquisita a cargo de Seamus McGarvey alegra el ojo y el espíritu. Todo es belleza, todo. La desgracia que se cierne sobre la heroína, la humillación de Karenin, la impotencia de Vronsky, el despertar espiritual de Levin. La belleza sacude la pantalla sin parar.

La partitura de Dario Marinelli y las adaptaciones de Tchaikovsky y su 4ta Sinfonía, acompañan una dirección de arte notable y un diseño de vestuario merecidamente ganador del Oscar.

La Anna Karenina de Wright es soberbia en su forma. Es sobrecogedora en su teatral puesta en escena, aunque para ello sacrifique a la Anna de Tolstoi.

Jude Law como el correcto, noble y engañado marido (Alexei Karenin) convence del todo y hace que la platea odie secretamente al teñido de Vronsky, y llamen “perra” (sí, vos J.C.) a Anna por las decisiones que toma. Personaje que llega a arañar el fondo de esa oscuridad en el que solo existe desprecio y culpa.

El final, donde lo bello continúa exhibiéndose impúdico por encima del contenido, deja a Anna-Keira en nuestra memoria como una digna heroína, ajena a la rusa, pero heroína al fin y al cabo.

 “No puede haber paz para nosotros, sólo tristeza y la mayor felicidad”

Tolstói no estaría contento, no. Los puristas de Tolstói tampoco lo estarán. Wright presenta una bella película, pero su belleza está por encima de su referencia y termina banalizando una historia dramática sobre el adulterio, las clases sociales y el escenario político del Imperio Ruso.

Mientras Tolstói reafirmó a través de su obra el compromiso crítico con su entorno, Wright convirtió su filme en un espectáculo (hermoso, sí) algo vacío, en el que prima una Anna que para el espectador común y corriente se antojara como una esclava de sus deseos, más que como un personaje que buscó a toda costa su libertad, asfixiada por la hipocresía de la alta sociedad y necesitada de huir de los cánones de su época.

La doble moral que perdonó a Vronsky y le devolvió su status social, fue la misma que nunca aceptó a Anna de vuelta, el encuentro espiritual de Levin y Kitty es apenas boceteado, los juegos de poder políticos en los que el marido de Anna se halla inmerso y que son parte de su vergüenza, y que hace más profunda la traición de Anna ni siquiera se insinúan. Y así, sucesivamente.

La de Wright es una versión accesible, apta para todo público, a nivel de contenido, pero contrasta con una puesta que puede no serlo, y que algunos espectadores encontraran confusa.

Siendo fan del libro, y sufriendo intensamente con el personaje ruso, igual me gustó la película. La belleza es tanta que, como ya dije, me conquistó. En algunos momentos como los del baile, los campesinos trabajando, la carrera de caballos, era tan bello que no, no se puede odiar, escapar, ser indiferente a la belleza.

Anna-Karenina-Keira-Knightley-Film-1024x575El final para ambas Annas, la de Tolstói y la de Wright, sigue siendo el mismo, el spoiler más grande que podamos tener de tan conocido que es. Y a pesar de su banalización, de su estilo algo kitsch, de la estridencia con que Wright impregna su propuesta, algo dentro tuyo lagrimea ante el destino de ese amor prohibido, la incapacidad de aceptar el precio del mismo y un entorno social cruel.

La imagen de Karenin en medio del campo verde, su calmada resignación, su aceptación (en contraparte) de lo que le tocó vivir, cierra una película que no es perfecta.

En un mundo que divide obras maestras de las que no lo son, la Anna de Tolstói lo es y la de Wright no. Aún así, vale la pena conocer a ambas.

«Y la vela a cuya luz había leído ese libro lleno de angustias, decepciones, dolores y desdichas, resplandeció con más fuerza que nunca, iluminó lo que antes había estado sumido en tinieblas, chisporroteó, empezó a parpadear y se extinguió para siempre.»

Lo mejor: una hermosa puesta en escena

Lo peor: el artificio se olvida del contenido y banaliza la obra de Tolstoi

La escena: la del baile, la de la carrera de caballos, la del campo

Lo más falsete: la falta de matices de Anna

El mensaje manifiesto: el pecado tiene un precio

El mensaje latente: no todos pueden pagar ese precio

El consejo: Vela, es hermosa visualmente

El personaje entrañable: Alexei Karenin (siempre)

El personaje emputante: Lidia (en el libro es mucho más metiche e intrigante)

El agradecimiento: por tanta belleza

CURIOSIDADES

–       El guión pertenece a Tom Stoppard que escribió películas como Shakespeare in Love, El imperio del Sol, Brazil y otras, además de una vasta trayectoria escribiendo obras teatrales.

–       El personaje de Levin era una versión autobiográfica de Tolstoi

–       El 90 por ciento de la película fue filmada en los Shepperton Studios, en las afueras de Londres, y el 10 por ciento restante en las calles de San Petersburgo y de Moscú, en Rusia.

–       James McAvoy, Saoirse Ronan (Kitty), Cate Blanchett, Benedict Cumberbatch, y Andrea Riseborough rechazaron los papeles que se les había ofrecido para esta película.

–       La cinta es la tercera colaboración entre el director Joe Wright y la actriz Keira Knightley.

–       La película ganó el Oscar por Mejor Diseño de Vestuario en la pasada entrega.

–       Cuenta con las actuaciones de Kinghtley, Jude Law, Aaron Taylor-Johnson, Alicia Vikander, Emily Watson y Kelly Macdonald.

–       Se filmó durante 12 semanas, en 100 escenarios diferentes, en 240 escenas y 83 diálogos.

–       Los actores también trabajaron con la profesora de dialecto Jill McCullough; además, algunos tuvieron que aprender a montar a caballo y a manejar armas. Casi todos ensayaron muchísimas horas con el coreógrafo hasta aprender a controlar las secuencias de baile en su conjunto y los movimientos de cada uno. La danza es un elemento primordial en ANNA KARENINA, unos 25 bailarines profesionales aparecen en diferentes momentos como aristócratas en un baile o en una velada, como criados, como bailarines exóticos en una decadente «boîte» francesa e incluso como funcionarios.

–       Con el fin de incrementar la sensación «rusa» del rodaje, cientos de extras rusos afincados en el Reino Unido se unieron al reparto.

–       «Rodamos con objetivos anamórficos que requieren algo más de luz, pero nos inclinamos por una iluminación un poco anticuada, e incluso usamos focos de tungsteno», sigue diciendo. La iluminación es como la de un teatro, para lo que fue necesario un especialista que controlara las luces según las indicaciones de Joe Wright y Seamus McGarvey, con cambios sutiles de una escena a otra para realzar los momentos dramáticos.

–       Dario Marianelli compuso valses y mazurcas mucho antes de que se filmaran las secuencias para que Sidi Larbi Cherkaoui pudiera planificar la coreografía correspondiente.

–       Los exteriores de la casa de verano que alquila Karenin se rodaron en el impresionante parque de Hatfield House, en Hertfordshire, que data de la época jacobea y al que pertenece el laberinto donde juegan Anna y su hijo.

–       Los actores y el equipo volaron hasta San Petersburgo, donde tomaron un tren nocturno antes de un recorrido final de seis horas en coche para llegar al lago Onega. Allí hicieron frente a temperaturas sumamente bajas que les obligaron a rodar muy poco tiempo seguido para no dañar el equipo. Pasaron la noche en la isla y ninguno se atrevió a dar un paseo nocturno al enterarse de que había lobos hambrientos…

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