LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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CINE: Train to Busan/ Tren a Busan y Passengers / Pasajeros

Por: Mónica Heinrich V.

Señores, estoy que deshojo margaritas esperando la gran batalla entre el grupo de Rick y el malévolo/sexy/sensual Negan. Muero por ver a Lucille chorreando sangre. Necesito que sus púas se lleven consigo a Morgan, lo necesito.

Mientras esos gloriosos momentos llegan, estos coreanos irrumpen a lo grande para decirnos que ya está bueno de los zombies boludos, lentos y fofos. Ya está bueno. Los de The Walking Dead han vivido bien, y no lo saben. No lo sabíamos.

Acá no hay walkers, acá hay runners y estamos ante una de las películas de zombies más divertidas y mejor hechas que he visto dentro del género.

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Soo Ann vive con su papá, pero su papá es trabajólico, tiene otras prioridades. La niña está de cumpleaños y el tipo ni siquiera le compró un regalo personalmente o tuvo un gesto paternal real. Conciente que se fue al chancho decide concederle a su hija lo que hace tiempo le pide: ir a visitar a la mamá en Busan.

Hacia allá se van. ¿Cómo? Por tren, el tren a Busan, claro. Coincidentemente, un terrible virus que convierte en zombies a las personas se está extendiendo a la velocidad de la luz. A los pasajeros del tren los pescará desprevenidos y tendrán que luchar para sobrevivir. La vieja lucha del débil, el fuerte, el ñoño, el egoísta.

La película dirigida por Sang Ho Yeon es emocionante. Los 10.000.000 de coreanos que la han visto no pueden equivocarse. No.

Sang Ho Yeon, que también escribe el guión, maneja su historia a la perfección, crea los personajes entrañables que deseamos no se lleven el mordisco mortal: Las hermanitas ancianas, la pareja embarazada, los chicos atletas, el mendigo y la niña cumpleañera.

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No dejen sola a Soo Ann!

El director coreano tiene una conciencia del ritmo y de los puntos de giro que hacen que sea imposible apartar los ojos de la pantalla. Además, su dirección de arte y vestuario son impecables, muy muy cuidadas.

SPOILER

En medio de todo el despelote, en medio de la sangre, de los sacrificios, del heroísmo, llega el momento culminante, ese en el que te descubrís soltando lágrimas por una película de zombies, ese en el que te muestran una muerte poética (el sol, la sombra que cae) mientras atrás se escuchan los gritos desgarradores de alguien que ha perdido a un ser querido.

Sí, Train to Busan tiene muchos aspectos elogiables. Desde su fotografía hasta las truculentas escenas de acción. Notable que se haya condensado tan bien la historia en el tren y que la emoción no decaiga hasta llegar al final después de casi dos horas de espectáculo.

Es verdad que tiene unas cuantas secuencias estúpidas, sobre todo la referente a la puesta fuera del vagón del grupo que piensan está “infectado”, pero a pesar de cualquier bache o falla argumental existe un resultado global bastante parejo que hace la experiencia más que satisfactoria.

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Este es el compañero de Apocalipsis que todos deseamos tener

SPOILER FINAL

No por nada los gringos, que siempre andan colgándose de donde pueden, ya están planeando el remake. Apuesto lo que quieran que será mucho menos efectivo que esta joyita coreana. A mí me mantuvo hincándole las uñas, literalmente, a compañero de butaca y emitiendo los típicos gritos de ¡NO! a la pantalla cuando la emoción te supera.

Sang Ho Yeon, estrenó al mismo tiempo (2016) un anime llamado Seoul Station, también con temática zombie. Esta semana planeo verlo. Así como el resto de su filmografía: The fake y The King of Pigs. Todas anime.

Porque, aunque no lo parezca, Train to Busan es el debut de este director con actores en pantalla y QUÉ debut. Si estás buscando algo interesante/entretenido para ver en la cartelera local, elegí cien veces esta película cuya trama es harto ya vista, pero que con el director correcto entrega grandes, grandes momentos.

Lo mejor: trepidante y muy bien narrada Lo peor: … La escena: cuando los bichos se cuelgan del tren y la muerte de los dos que sabemos  Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: las desgracias sacan lo peor de la gente El mensaje latente: también sacan lo mejor El consejo: Vela en pantalla gigante y subtitulada, lo vale! El personaje entrañable: Soo Ann y los embarazados El personaje emputante: el pendejo que provoca todo el caos El agradecimiento: por la pericia, por la emoción.

Si ya la viste, puntúa la película!

Passenger/Pasajeros

No sé qué más tiene que hacer el guionista Jon Spaihts para convencernos que lo suyo no es hilar bien las historias de ciencia ficción.

Veamos: The Darkest Hour, Prometheus, Doctor Strange, y ahora Passengers.

Curiosamente, todas tienen en común que se parte de una muy buena base. Luego, las historias se descalabran hasta acabar en el sinsentido o en las ganas de poner a hibernar al señorito Spaihts.

Lo de Passengers incluso tiene otros problemitas, más serios. Sí.

Lo siguiente está lleno de spoilers, lo aclaro porque después hay quienes lloran sobre la leche derramada.

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Resulta que el ser humano ha evolucionado lo suficiente para construir cruceros espaciales donde, además, los crispines que desean  perpetuarse en el tiempo y vivir “mejores días” pagan por un sueño artificial en el que pasan cientos de años hasta llegar a su nuevo hogar, un planeta modelo onda urbanización del Urubó.

En la nave todos están botando baba sobre la almohada, hasta la tripulación. La cosa se ha mecanizado tanto que las computadoras se encargan de cualquier inconveniente, si hay alguna colisión el coso se autorepara.

Negligencia everywhere, si vas a hacer algo así que los pendejos se duerman por turnos, digo yo. No le vas a dejar al azar un negocio de millones de dólares (insertar sonido de caja de supermercado)

El caso es que el aparato choca contra algo y ese algo daña los sistemas al punto que ¡OH! Desgracia. De las quichicientas cápsulas que hay de pasajeros se daña UNA, la de Jim, la de Chris Pratt.

Jim se despierta 90 años antes de la llegada al planeta prometido. Ok, Jim, tranquilo.

La película, dirigida por el noruego Morten Tyldum (The Imitation Game, Buddy, Fallen Angels) entra en una brecha existencial. Jim está solo, le faltan 90 años de viaje, hay cosas que amainan su triste vida dentro de la nave, pero está y estará solo.

Cojudamente solo.

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Estoy solito, muy solito

La premisa es, como ya dije al principio, simpática, atractiva. Plantea cuestionamientos válidos, uno se pone a reflexionar sobre su propio accionar y las posibilidades narrativas se despliegan ante nuestros ojos con entusiasmo. People need People, podría ser su slogan.

Si fueran mis calzones estaría chocha, no despertaba a “nadies”, pero Jim se deprime ante la ausencia de más bípedos humanos.

No vamos a culpar a Morty (el director) de lo que sucede después, porque ya está establecido que el culpable, el responsable de cómo se tuercen las cosas es Spaihts.

Sí, vos Spaihts.

De esa primera parte linda e interesante, saltamos a la introducción de Aurora, el personaje de Jennifer Lawrence.

Jim decide que ya no puede seguir así, solito con su alma, y que tiene que despertar a alguien, y ¿a quién despierta? No, no es a la gorda que en la vida real limpiaba baños o a un viejo que coleccionaba estampillas, él elige despertar a Aurora, la linda, joven, y escritora Aurora.

Luego, sirviéndose de sus accesos a la nave, la stalkea (lee su archivo, ve sus grabaciones antes de embarcar) hasta que dice estar enamorado de ella.

Stalkers everywhere.

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Dejá que te toque el piano, para compensarte que te cagué el viaje y la vida.

La película plantea la decisión desde un punto de vista ético, que lo tiene, pero se olvida de lo perturbador que resulta todo, más allá de lo básico que es despertar o no despertar a algún compañero de viaje.

Passengers, entonces, cambia la premisa existencial o filosófica del ser ante la nada y adopta un tono edulcorado, romántico para que veamos con buenos ojos a ese prospecto de forzada “pareja”, esa donde el sujeto la eligió a ella como cuando se escoge un cachorro en una tienda de mascotas.

Y ahí están, dos de los actores más lindos de Hollywood viviendo una situación conflictiva en una súpernave, pero que gracias a Dios se tienen el uno al otro. Es pues casi bíblico.

Aurora manifiesta que es la primera vez en su vida que no se siente sola.

Muere Spaihts, muere.

Después de despelotes varios, el guionista concluye su aventura espacial con nuestra heroína “enamorada” del “abusador” (fue un abuso, mis queridos lectores), dejando sus sueños de vida (incluso abandonó a su familia y seres queridos en la Tierra por perseguirlos) y quedándose a mirarle la jetota a Jim para siempre. Por amor.

Qué triste historia, carajo.

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Cada vez que te enojés conmigo te voy a hablar por los altoparlantes. Sabelo.

Este bochorno nos lo venden como lo más romántico del mundo, y la doña se llama Aurora en honor a La Bella Durmiente, esa tipa que se queda botada durmiendo hasta que viene un imbécil a besuquearla.

Pues no, no salí muy satisfecha de la sala de cine.

Estuvo muy entretenida al principio, y luego se degeneró en esta suerte de película sin personalidad, donde la idea de la felicidad es encontrar tu alma gemela o a un stalker que te manipule lo suficiente como para desarrollar el síndrome de Estocolmo.

Si no se la toma en serio, pasa por una película relativamente entretenida, sin mayores sorpresas que concluye torpemente.

El mexicano Rodrigo Prieto es el ojo detrás del lente. A un currículum compuesto por películas como Argo, Brokeback Mountain, The Wolf of Wall Street, Babel, se le suma este trabajo. Prieto hace lo suyo con maestría entregándonos escenas lindísimas en las que se combinan los efectos especiales y una buena composición del plano. Lo colaboran una dirección de arte de lujo. Una banda sonora disfrutable, algunos personajes pintorescos como el androide sin pantalones y esito sería.

Como dije antes, la culpa no es de Morty, el director noruego, ya que Passengers es una película por encargo, con un muy feo guión que está en espera desde el 2007 y que pasó por varias opciones de dirección y casting.

Hay quienes gustan de comparar películas del mismo género, y en este caso se podrían preguntar si el filme es igual o superior a Arrival o Gravity. No. No le llega ni a los talones a ninguna, porque se conforma con ser una boba película “romántica” sin mucho que ofrecer aparte de la cara de espanto que generará en algunos espectadores que se sentirán asqueados por su final.

Lo mejor: Estéticamente linda como sus protagonistas Lo peor: si se la toma en serio es groseramente machista La escena: cuando la desconecta, evidentemente la cosa se pone turbia ahí Lo más falsete: que en el fondo no es un mal tipo y es material romántico El mensaje manifiesto: está bien abandonar las cosas con las que siempre soñaste por “AMOR” El mensaje latente: hace falta una edición de guiones en Hollywood El consejo: no esperes gran cosa El personaje entrañable: Arthur, el androide, el ser más sincero y sano del lugar El personaje emputante: el pendejo de Jim, por stalker y la pendeja de Aurora, por sometida El agradecimiento: porque Andy García solo sale medio segundo en esa huevada.

Si ya la viste,puntúa la película!

EN CARTELERA: Norte estrecho y Boquerón

Les voy a ahorrar la lectura de ambas reseñas con esto nomás:

El dolor es inevitable pero el sufrimiento es opcional.

Y bajo esa máxima es que ver cine nacional en los últimos tiempos se ha convertido en un picahielos que se hunde una y otra vez en el corazón, al mejor estilo del uso que le daba Sharon Stone en Bajos Instintos.

Luego, cobijados por la practicidad budista, el hecho traumático tiende a olvidarse para pensar en mejores días. Días en que los new faces (póngase el nombre de cualquier cineasta que ande sonando) o las reliquias que alguna vez sorprendieron (póngase el nombre de cualquier cineasta que alguna vez sonó) sacarán la tan añorada gran película boliviana.

Hmmmm…A estas alturas ya ni siquiera esperamos la gran, sino solo la buena película boliviana.

El problema puede que sea matemático o ecuacional: si se suman los años que han pasado desde una buena buena (así, doble) película boliviana se pensará que ya toca, por obviedad, algo decente. La otra sería que algunos géneros como el cortometraje y el documental han conseguido algunas sorpresas así que, por obviedad, tocaría que el largometraje/ficción llegue a la misma meta.

Y no. No. Nuevamente somos ese personaje de Roy Anderson congelado en una maravillosa composición fotográfica que ve pasar el absurdo de la vida sin que se pueda hacer nada al respecto.

Y en ese paisaje surrealista, en esa versión criolla de Anderson nos metemos a la sala de cine y vemos Norte Estrecho.

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Como casi todas las veces que entramos a ver una película boliviana, sabemos que las buenas intenciones abundan por todas partes, que ese camino de baldosas amarillas a Oz fue recorrido con la misma esperanza que Dorothy, que un director, un guionista y sus actores no trabajan pensando que están haciendo una huevada.

Sabemos eso, y miramos con incomodidad la pantalla por lo mismo, porque el resultado suele ser lo opuesto a las buenas intenciones.

En Norte Estrecho, los co-guionistas Juan Cristóbal de los Ríos y  Omar Villarroel (también director del filme), exploran la temática de la migración. Una sala de videoconferencia en Estados Unidos administrada por Jorge (Luis Bredow) es el punto de unión entre todas las historias que la película propone. La sala de videoconferencias rompe la película en cuatro puntas: 1) la doñita Charo (Carmencita Salinas) que va para hablar con su hijo (Jorge Jimenez) que se encuentra en el DF, el tipo ya es viejango y ella lo sigue manteniendo, en parte por la culpa que le provoca el haberlo dejado y en parte porque piensa que con la plata que le manda él estudiará y tendrá un vida mejor. 2) la parejita en conflicto: Mauricio (Federico Saslavsky) que dejó a su novia Alejandra (Adriana Asturzzi) en Buenos Aires persiguiendo sueños de grandeza como actor. 3) El boliviano Julio (Pablo Fernández) que trabaja de albañil y que viudo dejó a su única hija al cuidado de su hermana y 4) la historia del mismo Jorge (Luis Bredow) indocumentado con su familia en Bolivia.

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La idea es tan buena como las intenciones, el juego con las pantallas o las cámaras del boliche, las recreación de situaciones comunes y corrientes como cenar, celebrar un cumpleaños o tener una noche romántica a través del internet para paliar la ausencia física, como idea, como concepto, funciona.

Donde Norte Estrecho pierde es en su forma y en su técnica.

En un conjunto global, la narrativa no supera la barrera de esa buena idea y las situaciones apenas se sostienen, la sensación de estar viendo una telenovela o una película para televisión te empieza a sopapear fuerte.

La fotografía de Sergio Bastani no parece encontrar una unidad, tiene algunos momentos cinematográficos pero rápidamente se diluyen para dar pie a composiciones televisas, con luz plana y sin nada que pueda interesar.

La película avanza, y no encuentra su propio Norte. Las historias están ahí, pero cada una más predecible que la otra, y con algunas escenas como el discurso de Bredow en el juzgado que no sé si rotular de naif o qué.

Aún así, hay partes en las que decís: eso funciona o eso está bien porque no, no estamos ante la peor película nacional, ni siquiera la pondría entre las peores de las últimas que he visto, de hecho un comentario casi resignado entre compañeros de butaca con los que fuimos a verla fue: No está tan mala como Boquerón, que ya es decir mucho.

Da un poco de tristeza, ¿no? Que estemos tan acostumbrados a ver malas producciones y que el listón esté tan bajo que el barómetro para decidir si está bien o no es comparándola con lo peor que hemos visto en lugar de mirar hacia arriba, hacia las altas esferas cinematográficas.

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Acá podemos hacer una salvedad: definir algo como peor o malo es absolutamente personal, una vez un docente de cine dijo que no habían malas películas sino visualidades diferentes. Y muchas veces el que te guste o no una película depende de factores personales, experiencias y cualquier otro colgandijo. Me pareció una apreciación muy justa.

Así que desde mi experiencia, factores personales y otros colgandijos puedo decir que Norte Estrecho no está en ese punto que querés arrancarte los ojos o demandar a la boletería, pero nada más. Es plana, con problemas de montaje, de guión, y claro, de factura más televisiva que cinematográfica.

Rescato lo siguiente: la idea de la que partieron es un tema que puede tocar a la platea, que puede generar empatía no solo en Bolivia sino en otras partes del mundo, que bien manejado o mejor ejecutado pudo dar una película más que aceptable.

Las actuaciones estaban, a grandes rasgos, correctas, hicieron lo posible con un guión que no daba para mucho más. Me encantaría ver a Luis Bredow, a Soledad Ardaya, a Alejandro Molina en una gran gran (así, doble también) película boliviana, se lo merecen al igual que muchos actores bolivianos.

Quisiera ser ñoña y decir que también rescato el esfuerzo, el tiempo dedicado de 7 años a la historia, el compromiso que le pusieron al filmarla en varios países, los desvelos e ilusiones que habrá supuesto y bla bla bla bla, pero a la hora de la verdad, el cine en ese punto es despiadado: al público de a pie poco o nada le importan esos detalles, a la hora de la verdad, el público solo ve el resultado en pantalla.

Ese tiempo en pantalla es lo único que tenés para que el público desde su butaca disfrute o no la película, desgraciadamente Villarroel ha perdido esa oportunidad de revelarse como una opción a lo que acostumbramos ver.

Al inicio de Norte Estrecho dicen Bolivia No Funciona. Mientras salís de la sala de cine, la frase se queda levitando en tu mente cual niebla de cerro paceño.

Lo mejor: una buena idea
 Lo peor: una buena idea que no cuajó
 La escena: la del destino de la niña: Innecesario
 Lo más falsete: el discurso de Bredow en el juzgado, el altercado del personaje de Alejandra Lanza cuando cuestiona al hijo de doña Charo en la presentación y el destino de la niña El mensaje manifiesto: falta mucho camino por andar  El mensaje latente: el camino es estrecho 
El consejo: Vela, por ahí tu experiencia, historia personal y colgandijos hacen que te guste
 El personaje entrañable: Jorge El personaje emputante: el paco que detiene a Jorge El agradecimiento: las he visto peores.

Si ya la viste, puntúa a Norte Estrecho!

Mucho más grave es el caso de Boquerón, cuyo mayor pecado es no ser consciente de sus propias limitaciones.

Cuando no te das cuenta hasta dónde podés llegar con algo, estás cagado.

Tonchy Antezana a ojos vista no tenía el presupuesto ni los recursos personales para permitirse una épica, o para hacer efectos especiales hollywoodenses, y sin embargo decidió lanzarse a buscar ambas cosas.

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Él mismo podrá pensar que es signo de arrojo y valentía, pero si tu resultado no está por encima de la aspiración, es nomás una decisión desacertada.

En Boquerón todo quiere ser grande: el guión, el diseño de producción, el toque histórico, las actuaciones. La palabra clave es: quiere.

Una cosa es querer otra poder.

El guión, escrito por el mismo Antezana, agarra un pedazo de la historia boliviana que es por demás de interesante y significativo.

Esa batalla entre bolivianos y paraguayos durante la Guerra del Chaco, el fortín que resistió estoicamente el asedio, da para explotarlo de muchas maneras.

Antezana se decanta por abordarlo desde 4 personajes que a través de flashbacks nos llevan hasta la aridez del Chaco.

En la primera escena ya es un suplicio, un camino cuesta arriba tratar de mirar con simpatía esta producción que echa agua por todos lados.

No la acompaña nada, ni el guión plagado de personajes tópicos que lanzan textos demasiado armados como para tomárselos en serio, ni las actuaciones, ni la fotografía también televisiva, ni la música incidental.

Cuando llegué al flashback dentro del flashback, me quedé sin palabras.

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Las escenas de guerra pierden verosimilitud con sus planos torpes y sus fogonazos hechos en post producción, el doblaje de los diálogos solo acrecentó esa sensación de estar viendo un collage de elementos puestos en pantalla de manera caótica.

Las cualidades cinematográficas son casi inexistentes y aunque se haya exhibido en el cine y el público asistió masivamente a las salas con ansias de revivir un hecho histórico sensible, Boquerón es ese pequeño fortín donde falta todo y todo está perdido.

Si algo hay para rescatar es el olfato de Antezana a la hora de elegir un tema que jala público.

En un país ya decepcionado de su propio cine, el que Boquerón consiga estar en cartelera tantas semanas, amén de lo que se piense o no de su calidad, o mejor dicho a pesar de su calidad, solo puede ser visto con admiración.

Boquerón, comparativamente, tampoco está en ese subsuelo del bochorno ese en el que solo preferimos guardar silencio, porque sí, lo triste de nuestro cine es que la escalera hacia arriba es muy corta, pero hacia abajo parece no tener fondo.

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Hace no muchos años, la juventud y la distancia con respecto a las producciones nacionales me hacían ver con humor los intentos de película. Iba al cine, me divertía con algunas escenas chotas,  y eso era todo.

Ahora me cuesta un poco verlas con humor, ahora es el dolorcito del que hablo al principio, después de todo comprar una entrada siempre es una entrega de confianza, y pagar por una película para ver algo que apenas cumple con los requisitos de exhibición da como resultado cierta desazón.

El tiempo dirá si los new faces o las reliquias consiguen reavivar una llama que parece extinguida, mientras tanto, de acuerdo a tu experiencia, factores personales y colgandijos toca dar la ya popular palmadita chauvinista o filial (de amigos y conocidos) en la espalda o esperar mejores días.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: un tema interesante, apasionante que jala público por la memoria colectiva
 Lo peor: demasiada aspiración para tan pocos recursos
  y encima muy larga La escena: toda la secuencia de la prostituta, terrible
 Lo más falsete: Los efectos especiales, las escenas de guerra, toda la secuencia de la prostituta, ya dije que fue terrible? 
El mensaje manifiesto: Boquerón es su propio Boquerón El mensaje latente: y además es estrecho 
El consejo: Vela, por ahí tu experiencia, historia personal y colgandijos hacen que te guste
 El personaje entrañable: El personaje emputante: …El agradecimiento: porque tenés la opción de quedarte o salirte de la sala.

Si ya la viste, puntúa Boquerón!

EN CARTELERA: Los 33

Cuando los mineros chilenos quedaron enterrados en el 2010 la cosa se vivió de dos maneras: 1) la fatiga que generaba el hecho de que se pueda o no rescatar a esos 33 hombres y 2) una suerte de reality al que se le dio uso político y mediático, tal cual ameritan situaciones extremas (Saludos, Torres Gemelas).

Cinco años después, la maquinaria hollywoodense agarra esta historia y la lanza cual escupitajo de llama hacia nuestros ávidos ojitos.

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Sí, Hollywood sabe lo que hace y durante un poco más de dos horas nos entretenemos con el relato que protagonizan nada más y nada menos que Antonio Banderas, Juliette Binoche y Rodrigo Santoro.

Somos grandes, viejos, y resignados ante la vida, hay que aceptarlo.

Pero también hay que aceptar que Los 33 es solo una película gringa hecha para gringos y latinos que puedan subirse al burro de la ñoñez americana.

Contextualizando: El 5 de agosto del 2010, la mina San José se derrumbó dejando atrapados a 33 mineros a una profundidad de 720 metros durante 70 días. Se gastó más de 10 millones de dólares en el rescate, un rescate que es el más exitoso de este tipo a nivel mundial y que consiguió una audiencia solo superada por el funeral de Michael Jackson (¡!). El rescate, en la vida real, se inició esa misma noche y contó con una respuesta inmediata de las autoridades y rescatistas.

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Así que entiendo perfectamente porqué vale la pena hacer una película sobre el asuntito, lo entiendo ($us.). Lo que no entiendo mucho es que teniendo todos los recursos para hacer una película inteligente, pendeja, que además sea apegada a la verdá, se hayan conformado con gelatina rosa.

La mexicana Patrica Riggen, a quien conocemos por La misma luna (ñoño y telenovelesco filme) es la directora de Los 33.

Su dirección, si bien no incomoda y cumple con entregar una película con buena factura a nivel técnico, no nos lleva a ningún lado aparte de reforzar clichés, endiosar al Ministro de Minería y pasarse por el traste a los verdaderos héroes del boliche: los rescatistas y los ingenieros que trabajaron sin ninguna duda ni amague de abandono para sacar con vida a los mineros enterrados.

El papel del boliviano Carlos Mamani interpretado por Tenoch Huerta es uno de los más lamentables. Un tipo constantemente menospreciado, sin capacidad de lucha, o de autodefensa, al que le hacen bullyng a gusto para darle toques dramáticos/cómicos al encierro.

Es evidente que hay poco apego a la verdad y mucho dibujo libre.

Los 33 tampoco sirve como reflexión de la naturaleza humana, porque para ser gente que estuvo 70 días viviendo un encierro terrible, la película se encarga de resaltar los buenos corazones y el triunfo de la solidaridad del ser humano por encima de las adversidades.

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O sea, sí, qué bonito, pero no, no gracias.

Alguien me dirá, uno no va al cine a extraer mensajes de nada y ESTOY DE ACUERDO!, solo que la situación vivida por los 33 y el contexto de la experiencia requerían un trato más serio, que no banalice lo sucedido y que por ahí cuestione el sector minero y la leyes al respecto, ya que los 33 nunca recibieron indemnización y algunos, actualmente, están sin trabajo.

El casi debutante Mikko Alanne, Craig Borten (Dallas Buyer Club), José Rivera (Diarios de Motocicleta, Cartas a Julieta) y Michael Thommas (Lady Halcon, El ansia) son los encargados de la historia/guión.

Sí, tal cual, “Por sus créditos los conoceréis!”.

Un guión complaciente, con golpes efectistas como la cachetada al Ministro, la llegada de Don Francisco, el canto de Gracias a la vida, la supuesta renuncia a continuar del ingeniero que en realidad fue uno de los héroes más importantes del rescate, el supuesto peligro que corría la cápsula de rescate, y así.

Hay escenas plásticas como jugo de naranja enlatado que tienen la intención de ponerle poesía a un filme cuya gran falencia es esa, la falta de poesía, ejemplo: la cena imaginada de ricas comidas, el final en el mar y cosas como esta:

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Con respecto a las actuaciones, la que brilla con luz propia es Juliette Binoche que nos convence del todo sobre la posibilidad de que una francesa se convierta en latina. No corre tan buena suerte Antonio Banderas, interpretando al líder de los mineros: Mario que durante la película es todo un Coelho de las profundidades. Antonio, a veces, está un poco pasado de revoluciones, como en muchas de sus películas parece creer que más es más. Kate del Castillo sale sin pena ni gloria como la esposa de Mario, y Santoro le da galanura a un Ministro de Minería que en la realidad poco o nada se le acerca.

El verdadero Luis Urzúa, capataz de los 33, lo dijo más claro:

¿Para qué ver una película que no nos representa y nos humilla?

Y sí, película aparte sería la ausencia de penalidades a los dueños de la mina donde estos 33 hombres estuvieron enterrados en vida, o que ese mismo año 45 mineros SÍ murieron en situaciones parecidas, película aparte sería cómo las aves de rapiña políticas, literarias y cinematográficas consiguieron contratos abusivos con estas familias humildes y que ahora, muchos de ellos, sufren secuelas psicológicas y no consiguen trabajo.

Mientras tanto, tenemos Los 33, protagonizada por rutilantes estrellas como Antonio Banderas, Juliette Binoche, Rodrigo Santoro, que esperan quizás alguna nominación a un premio cinematográfico, donde puedan recibir la codiciada presea y hablar emocionados sobre esos 33 que merecían otra película.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: se deja ver
Lo peor: plástica y banal
La escena: la primera escena con la cámara introduciéndose a la mina.
Lo más falsete: el papel de Santoro, el coelhiano Mario, Don Francisco, la cena, el mar, muchas cosas.
El mensaje manifiesto: El ser humano triunfa sobre la adversidad
El mensaje latente: el ser humano se APROVECHA de la adversidad.
El consejo: Para verla sin mayores expectativas y sabiendo que no pasa nada con el filme.
El personaje entrañable: los casi omitidos rescatistas
El personaje emputante: Mario, el ministro, el presidente, el dueño de la mina.
El agradecimiento: porque no está mal filmada y es nomás entretenida.

CURIOSIDADES

El verdadero Mario Sepúlveda conoció a Antonio Banderas el primer día de rodaje y se convirtió en asesor de los extras.

James Horner compuso el tema final de la película, donde los verdaderos mineros están en el mar, sin embargo falleció en un accidente de avión meses antes que la película fuera lanzada.

Julitte Binoche reemplazó a Jennifer López.

La cachetada no ocurrió en la vida real.

Se rodó en Chile y Colombia.

Si ya la viste,puntúa la película!

EN CARTELERA: El Payaso del Mal (Clown)

Hay que asumirlo, de entrada el título nos haría escupir tres veces sobre la tumba de Stitches (ajá, también vi Stitches).

Si hay que repartir culpas, la culpa es en primer lugar del Multicine porque fui a ver Hitman y tenían un problema con la llave de la película, así que NO hubo proyección y tuve que elegir otra, en este caso El Payaso del mal; en segundo lugar el maquillaje del pinche payaso me hizo humedecer el corazón recordando a El Guasón y, tercero, la culpa también es de Eli Roth que hace aparecer su nombre en el afiche garantizando todo el asuntito. Eso le pasa a Eli por creer en maripositas preñadas. John Watts (Director y guionista) y Christopher Ford (co-guionista) lanzaron, allá por el 2010, un tráiler falso bajo la sugerente publicidad : “Del maestro del terror: Eli Roth”, y claro, Eli no sabía de la existencia de la película, de Watts o de Ford, pero le pareció chistosito, y pensó que esa mentira (o estrategia de marketing) en pro de visionados fáciles era muestra de arrojo, de valentía, y al final terminó contactando a los crispines y metiéndose de productor. De ahí que el póster haya quedado así:

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¿Resultado? Vi El Payaso del mal.

La idea de un payaso malo que despierta terror ya nos la vendió el mismísimo Stephen King con IT y los niños de los 90s vieron ese terror materializado en su película de TV y en la rechoncha figura de Pennywise.

Lo demás, son huevadas.

Ahora, como que estamos muy viejos y muy cansados para asustarnos con payasos malévolos.

Roth y Watts y  Ford pensaron que aún hay tela para cortar y el 2014 se estrenó Clown: lo que por estas tierras tropicales se denominó El Payaso del mal.

CLW_2447Kent McCoy (Andy Powers) es un agente de bienes raíces. Está casado con Meg (Laura Allen) y tiene un pequeño hijo llamado Jack. Jack está de cumpleaños y espera que a su cumple llegue un payaso. El payaso contratado cancela y Meg desesperada le avisa a Kent que NO hay payaso. Kent se encuentra en una de sus tantas casas que está poniendo a la venta y recibe la llamada en un cuarto donde OH! SOPRESA! descubre un disfraz de payaso que él mismo usa para que Jack no sea decepcionado.

¿Ven? cosas malas ocurren cuando malcriás a los niños: Si NO hay payaso, NO hay payaso. Punto.

Kent se pone el disfraz, va a su casa, y para alegría del cumpleañero y de los invitados se convierte en Tontín.

La fiesta termina, el abnegado padre se duerme, Meg posterga la noticia de su recién descubierto nuevo embarazo y chan! Al día siguiente despierta con la novedad de que el traje, la peluca, el maquillaje y la nariz de payaso no se los puede quitar.1280x720-BaQYo me imaginé que el payaso malo iba a ser un cojudo vestido de payaso onda psicópata, compañero de butaca pensó que quizás el payaso iba a ser reemplazado por un psicópata y bla bla bla. La palabra clave es psicópata.

Entonces, cuando Kent queda sin poder desprenderse de los objetos que lo hacen payaso, se abre una brecha narrativa surreal: tiene que ir a dejar a su hijo al colegio vestido así, tiene que aparecerse en el trabajo así, y vemos sus vanos esfuerzos por quitarse los elementos que cuasi cuasi se han fundido con su cuerpo.

Terrible.

Watts intenta manejar cierto humor negro, pero creo que en su caso apenas consigue desprenderse del absurdo y generar más bien risas incómodas.

Roth comentaba que como parte de su decisión de producir el filme pensó que esta era una buena oportunidad para hacer una versión de La Mosca, y asistir a una suerte de transformación grotesca.

Ok, Eli, entendemos lo de La Mosca y de hecho, la transformación está: Kent es un hombre bueno que a merced del traje de payaso experimenta cambios en su personalidad y en su físico. Pero la comparación llega hasta ahí, la dieta infantil y cómo es resuelta la transformación del personaje hablan de la inexperiencia del director y sus guionistas.

La película desbarranca del todo y se pone pesada. Pesada en giros, pesada en escenas, pesada en extensión.

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Llegó el momento en que solo le decía a la pantalla: SPOILER “Ya decapiten al maldito payaso!” FIN DEL SPOILER

A destacar una excelente fotografía del casi debutante en largometrajes Matthew Santo y una linda elección de colorimetría.

Podríamos decir que lo más logrado de El Payaso del mal son las cosas que insinúa, cuando no se pone gore al pedo y  aspira a salirse del lugar común, lo que sucede en muy poca parte de su metraje.

No diré que es aburrida, se ve con relativo entretenimiento, pero tal como su título promete no te deja nada más que los 100 minutos pasados en la butaca.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: su fotografía y la idea base de que el payaso no se pueda quitar el traje

Lo peor: el personaje boludo que hace de dueño anterior del traje

La escena: la parte de la nariz, creo que fue lo más intenso.

Lo más falsete: el personaje boludo que hace de dueño anterior del traje, el bicho en el que se convierte y casi toda la secuencia final es muy estúpida.

El mensaje manifiesto: si NO hay payaso, No hay payaso y PUNTO.

El mensaje latente: Te queremos Pennywise.

El consejo: Para asustar a uno que sufra de coulrofobia.

El personaje entrañable: el pobre Shadow…

El personaje emputante: Debo decir que Meg y el papá de Meg y claro, el personaje boludo que hace de dueño anterior del traje. AH! y hay espacio para decir que en la función que estuve una parejita llevó a sus niños pequeños a ver esa atrocidad y las pobres criaturas lloraban asustadísimas.

El agradecimiento: porque las he visto peores.

CURIOSIDADES

  • Es bueno ser amigo de Eli Roth, después de Clown, a Watts le ofrecieron hacer una peli que se estrenó este año llamada Cop Car con Kevin Bacon y gracias a esa película nuestro Watts, con solo 34 años, dirigirá el reboot de El Hombre Araña. Bien por él.
  • Eli Roth hace un cameo en el filme como el payaso Frowny.
  • En Italia prohibieron el poster por encontrarlo demasiado para el público general.
Si ya la viste,puntúa la película!

EN CARTELERA: Mad Max:Fury Road

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“What a day! WHAT A LOVELY DAY”

Me subo al pony de la dicha cinéfila y desde ahí puedo gritarle al mundo con propiedad que Mad Max: Fury Road es todo eso que el trailer prometía: ES-PEC-TA-CU-LAR.

Y miren que la luna salió y se escondió muchas veces, que estas semanas extrañé al cine como el cine extraña a Marlon Brando, que supe (for sure) que el cine es más bonito de afuera que de adentro y que desparramarte en una butaca y encontrarte con una película  así convierte tu día en “a lovely day”.

Lo que ha hecho George Miller (el director) es una hazaña. Y no es que le falte currículum, poseedor de una trilogía de culto, artífice de Babe, el cerdito valiente, a sus 70 años, Miller hace lo suyo con gracia.

Apuesto que cualquiera que haya leìdo la noticia de este “nuevo episodio en la vida de Max” seguro se quedó puteando en la oscuridad y sacando el muñeco vudú de Miller y de Mel Gibson (nunca está de más sacar el muñeco de Mel) para detener ese despropósito. Seguro.

Alfiler pim pum pam.

Pero no. Me quito el sombrero, las gafas, la cartera, el beldent, la copa de vino y hago un montón de significado a los pies de este hombre.

Georgie, como ahora puedo llamarlo, agarró la tiza, dibujó con expertise lo que se supone es una película blockbuster por todo lo alto y nos dejó con la boca abierta.

Jódanse Avengers.

Y hay que decir que un aproximado del 80% de la película carece de efectos especiales computarizados, ajá, lo que ven en pantalla obedece simplemente al talento de Georgie, a un excelente diseño de producción y a la capacidad del fotógrafo de conseguir crear la ilusión de escenas complicadas sin recurrir al pinche croma. Oh talento, bendito talento.

Jódanse Avengers.

En esta entrega, que no tiene lógica temporal con ninguna de las anteriores películas de Mad Max, el mundo se ve casi post-apocalíptico, como un desierto en el que no hay vegetación y cuesta encontrar agua. En esa escasez/aridez es que Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne) surge como líder y tirano de un grupo de humanos (y otras variaciones) azotados por el hambre.

Immortan Joe es un personajillo asqueroso que además le raciona el agua a la Ciudadela.

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A Max (Tom Hardy) lo capturan al inicio y encima lo ponen como bolsa de sangre de Nux, un war boy. Este war boy es un personaje freak, enfermo, “solo un chico” como dicen más adelante, perturbado por una crianza orientada a en algun momento encontrar la muerte y entrar a Valhalla.

“I live, I die, I live again”,es una de las frases que marcan el perfil del war boy.

Nicholas Hoult es quien tiene la difícil labor de hacer de este personaje alguien con quien la platea termina empatizando.

Tan es así que solo quería tomarlo en brazos y cantarle canciones de cuna:
Duérmete, war boy, duérmete ya…

Quiero decir algo más de Nicholas, y quiero decirlo porque amerita, porque no lo podía creer y porque es otro motivo de lanzar un fueguito artificial al firmamento. Nicholas es el niño de About a boy. Sí! La película donde Hugh Grant salía de cínico y terminaba haciendo amistad con un curioso/peculiar niño. Estamos, entonces, ante la evolución de un actor que hasta el momento no es un juguete roto de Hollywood y que ya lleva en sus espaldas películas como Furia de Titanes, X-Men y uno de los protagónicos de la serie de culto inglesa Skins.

Vale la pena seguir la carrera de Hoult.

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 Volviendo a Mad Max.

Paralelamente, Furiosa (Charliez Theron) se puso furiosa en serio y le tuvo penita a las “parideras” de Immortan Joe, decidió tomar ese toro por las astas y salir tostando con las chicas en busca de una mejor vida.

El Lugar Verde (Paraje Verde, Tierra Verde) se alza como quimera de esa vida que Furiosa conoció cuando era niña. Niña y feliz. Esa es la esperanza: dejar esos áridos caminos, encontrar verdor, y sobre todo, un lugar donde esas chicas que eran tratadas como objetos de placer e incubadoras humanas consigan su libertad. “No somos cosas” dice una de las fugitivas.

Sigo aumentando el montón de significado a los pies de Miller, le boto encima mi primera rosa y el primer libro que me regalaron, porque resulta que de un guión que tiene todas las papeletas para ser muy pedorro, este señor saca algo menos conformista. Pudo quedarse en el facilismo de una película de acción cualquiera y tiene el tupé de en su peliculita de acción, pipoquera meter una reinvindicación a los personajes femeninos.

No son las damas asustadas que serán salvadas por Max, no son doncellas resignadas a su suerte, no, son guerreras, son mujeres buscando un futuro para ellas.

George Miller, y los novatos Brendan McCarthy y Nick Lathouris, componen el equipo de guionistas de esta fastuosa puesta en escena en la que tampoco falta como consultora de guión la escritora feminista Even Ensler.

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Furiosa y Max se encontrarán en algún momento de la película, y Max así con su poco hablar y su mirada torva, dejará de lado sus intereses por el bien común deseando encontrar una segunda oportunidad en ese/este mundo hostil.

Mientras ellos escapan, Immortan Joe con todo su séquito quiere recuperar a sus esposas cueste lo que cueste con una electrizante persecución.

Charlize Theron y Tom Hardy, ambos actores del método, se miden en sus interpretaciones tratando de trasladar toda esa impotencia de una realidad a la que hay que controlar por la fuerza, porque sí, porque hay gente mala, porque hay opresión, porque hay enfermedad, y hay oportunismo. Mientras eso exista solo queda ser artífice del cambio, romper el calzón de castidad y que caiga al piso hasta hacerlo temblar.

No hay muchos diálogos, pero los pocos diálogos tienen hasta su toque de furiosa y gustosa poesía, palabras que te hacen revolverte en la butaca y susurrar: “qué buena que está!” y esta vez no te referís a una mujer/hombre admirado/cosificado sino a la única expresión que le cabe a un impactante espectáculo de fuego y ruedas.

Estamos todos locos y qué. Desde el mismísimo director, pasando por War Boy hasta las chicas traumadas, no hay espacio para la cordura ni para el respiro, tomando en cuenta que el relato que hago de la sinopsis se produce en imparables escenas de acción, las reflexiones y las miradas a las estrellas son casi nulas.

Y está bien.

Las escenas coreografiadas, casi circenses acompañadas de un vestuario y una dirección de arte notables consiguen que la experiencia sea tremenda. Nadie olvidará a ese guitarrista vestido de rojo, enmascarado, colgado cual  títere tocando una guitarra que escupe fuego mientras los tambores marcan una persecución que solo puede traer muerte. Nadie.

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Visualmente es un placer para los ojos, y aunque estés acostumbrado a ver montón de películas, no dejás de escapar un asombrado suspiro ante algunas secuencias. John Seale, que ya trabajó con Miller en Lorenzo´s Oil y que ha estado nominado al Oscar por Rain Man, Cold Montain y Witness es el hombre detrás del lente.

La sinergia la completa la banda sonora, una banda sonora poderosísima que eleva los momentos de acción a la gloria, responsabilidad total de Junkie XL, un conocido DJ y músico de los Países Bajos que sin duda ha sido un acierto y cuya experiencia en películas se resume a Divergente, 300: Rise of an Empire y Una noche para sobrevivir (entre otras menos importantes).

En realidad, Mad Max: Fury Road tiene todos los elementos para un desastre épico, estoy segura que en las manos de otro crispín correrían ríos de venenoso resentimiento, pero gracias a Georgie no sucede. No. Estamos ante un renacimiento del género, y hasta del mismo Miller.

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Sí, sí, sí, podemos decir que hay unos momentos (casi al final) donde la adrenalina disminuye y el guión entra en esa salvaje encrucijada de irse a la mierda con todo o complacer plateas, sí. Así es la vida, mastercard y la pulpería de la esquina. Y sí, aceptamos también que los últimos 15 minutos de cierre son eso: complacientes con la platea, algo atropellados en narrativa, facilistas en guión, hasta boludos.

Pero ¿saben qué? No me importa.

Te compro todo Georgie, al enano, a los war boys y al  (SPOILER ALERT) aparato que baja para dejar subir a los asesinos de Immortan Joe como si llegaran de  recoger margaritas en el campo, te compro a Immortan Joe sin ninguna capacidad de estrategia para atrapar a Max y las parideras, te compro el revolcón de lealtad del War Boy, el letrerito cursi del final, la rubia raquítica que actuaba tan mal, los mensajes a la conciencia chotos, te compro todo (SPOILER FIN)

Filmada en el desierto de Namibia durante 6 meses, en condiciones extremas, donde los actores describen que Miller subió la música a todo volumen y apenas escuchaban nada, y que la arena se les metía por sus más recónditos lugares, Mad Max: Fury Road es de esas películas que da gusto ver y que merece un segundo o tercer visionado.

Llegando a mi hogar, con la mente llena de guitarras flameantes y sprays plateados, no me quedó otra que buscar la trilogía original (la que evadí estos años por tener el nombre de Mel Gibson en ella) y sentarme, finalmente, a ver la Mad Max de culto por primera vez en mi vida.

Esa es otra historia.

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Lo mejor: visualmente una obra de arte y una trama donde las dos horas no se sienten pasar Lo peor: que nos deja con ganas de más, pero tardarán un montón en sacar las otras La escena: hay un montón! cuando el primer war boy se inmola y grita lo de Sean Mis Testigos!, cuando Immortan Joe sale a perseguirlos y se abre el plano para ver la caravana, las escenas en la noche, las escenas de acción cuando los palos bajaban con el enemigo, las escenas de la guitarra llameante, la última escena de Nux, lo de la embarazada, cuando nace el hijo de Immortan Joe y Rictus discursea, pucha, hay demasiadas! Lo más falsete: los últimos 15 minutos son como too much, pero se podría interpretar que a rey muerto, rey puesto. El mensaje manifiesto: qué moderno se puede ser a los 70 años El mensaje latente: se pueden hacer blockbusters inteligentes El consejo: vela no una sino varias veces, en versión ORIGINAL SUBTITULADA El personaje entrañable: Nux, las chicas El personaje emputante: Immortan Joe El agradecimiento: por dos horas de puro placer (permiso, me voy a fumar un pucho)

CURIOSIDADES

  • Tuvo un presupuesto de 150.000.000 $us. y se filmó en alrededor de 6 meses!
  • En la mitología nórdica, Valhalla (del nórdico antiguo Valhöll, «salón de los muertos»1 ) es un enorme y majestuoso salón ubicado en la ciudad de Asgard gobernada por Odín.2 Elegidos por Odín, la mitad de los muertos en combate viajan al Valhalla tras su fallecimiento guiados por las valquirias,
  • Tom Hardy ya firmó por tres películas más de la saga.
  • La hija de Lenny Kravitz, Zoe Kravitz, es una de las esposas de Immortan Joe.
  • El director quería que la película tuviera un look de alto contraste y colorido, para diferenciarla de las imágenes lavadas y opacas que suelen usar las películas distópicas.
  • Filmada en mayor parte con muchos planos secuencia.
  • Miller tuvo planes para filmarla en el 2003 con Gibson en el casting, pero la obsesión de Mel por La pasión de Cristo (2004) hizo imposible el proyecto.
  • Tom Hardy y Mel Gibson tuvieron encuentros para hablar sobre el personaje (Max) y Gibson se sintió complacido con la posibilidad de que Hardy lo interprete.
  • El storyboard fue elaborado con la colaboración de 5 artistas y tuvo alrededor de 3500 paneles. De hecho fue creado antes que el guión porque como la mayor parte de las Mad Max, el filme tiene poco diálogo y se apoyo más que nada en lo visual.
  • Tom Hardy se disculpó con Miller en el festival de Cannes, porque al parecer hubo roces en el set ya que Hardy no entendía muy bien lo que Miller proponía y se frustraba pensando que las cosas estaban saliendo mal. Una vez vio la proyección se quedó tan obnubilado que tuvo que pedir disculpas al director.
  • Charlize Therón se rapó para el rol de Furiosa y luego tuvo que usar pelucas para sus proyectos posteriores.
  • Heath Ledger fue considerado para el rol de Max . De hecho era el candidato más fuerte para el director, pero lamentablemente el actor falleció en el 2008.
  • Por los problemas y postergaciones que hubo con el proyecto, Miller se desesperó y llegó a pensar en hacer la película animada y en 3D.
  • La escritora y feminista Even Ensler fungió como consultora de guión para crear los personajes femeninos.
  • El guitarrista de fuego de la película es Sean Hape, mejor conocido como iOTA, es un músico australiano. En una entrevista dijo que la guitarra pesaba más de 50 kilos y que botaba fuego de verdad que él tenía que controlar.
Si ya la viste,puntúa la película!

EN CARTELERA: World War Z

WORLD WAR Z o hay que comprar el shampoo de Brad Pitt

world-war-z-bannerDespués de ver Titanes del Pacífico he cambiado drásticamente mi parecer sobre la nueva película de Brad Pitt. Así, a la distancia, un tibio recuerdo me sume en la nostalgia: aprendí a valorar su entretenimiento plástico, anti-neuronal, pero efectivo.

Marc Forster dirige la gran apuesta de zombies del año.  Forster es el mismito que dirigió Monster´s ball, Más extraño que la ficción, Descubriendo Nunca Jamás, Cometas en el cielo y Quantum of Solace. Las primeras me gustaron, lo de Quantum of Solace fue la prueba de que el señor no debería dedicarse a la acción/suspenso/loquesea.

Contrario a todas las predicciones acá lo tenemos.

Nuestro amigo Brad Pitt, que también produce la película, fue el que luchó a brazo partido para que Forster ocupe la sillita de Director. El pobre soñaba hacer una película de zombies con profundidad dramática, seguramente en esa ensoñación un pony alado surcaba los cielos.

Al final,  consiguió lo que quería, un director al que le salen bien los dramas dirigiendo una superproducción que le quedó grande.

Como pueden suponer, se desató la hecatombe, la sangre llegó al río más rápido que los zombies de la película. La filmación fue descrita como un infierno en el que Forster no tenía idea de dónde estaba parado y días antes de empezar el rodaje ni siquiera tenía claro qué iba a hacer con los zombies a nivel visual. Creo que lo único claro era la blonda cabellera de Brad.

Cosito vio cómo el trabajo se iba al carajo y se cabreó tanto que hasta le retiró la palabra al tal Forster. Yo también se la retiré a él, además de a Forster y a Angelina y a los quichientos hijos que tienen.

Forster y Pitt. Una película de zombies hecha, una amistad rota
¿Brad, y si los zombies tienen súper poderes?

Volviendo al filme, si me hablan de zombies espero ver mucha sangre, gore, emociones fuertes, y algo parecido a lo que fue The Walking dead hasta que Sofía sale del granero.

Sí, quiero ver al ser humano destruido por el apocalipsis. Con la esperanza aniquilada y el corazón hueco por las pérdidas.

Pero lo de Brad Pitt y su cabello no es una película de zombies, no, es solo una película de acción condimentada, así como quien le pone una pizca de perejil a la sopa, con zombies.

World War Z nos narra las blondi-aventuras de Gerry (Brad Pitt). Todo comienza cuando él y su familia están desayunando tranquilamente mientras se dicta una ley marcial.

El día que fui a verla una doña se sentó a mi lado, atendió su celular y se puso a hablar sobre si le dolía esto o aquello. En el momento en que me paré para cambiarme de asiento, pasé a la fila de atrás y me volví a poner los pinches lentes (no más de 10 segundos), ya Gerry estaba en su auto, huyendo y los zombies llovían como granizo.

Pero esperen, hay que darle contexto a ese chiverío. En primer lugar, la huevada se basa en un best-seller escrito por Max Brooks. Los que quieran ver que aquello de “basado en…” es simple cháchara para atraer a los fans de la novela, pueden ver las hondas diferencias aquí. La culpa, entonces, no es de Brooks, sino del crispinismo que se apoderó de la pre-producción y la producción del filme.

Esta película tenía un presupuesto de 120 millones de dólares, el guión fue boceteado en un principio por Michael Straczynski, de quien no podemos esperar mucho, su obra consiste en Thor, Underworld: El despertar, El Intercambio, capítulos de series de tv como Babylon y (AGARRENSE) episodios ochenteros de She-ra y He-Man. Luego llaman a Matthew Michael Carnahan, siendo el responsable de La sombra del reino, Leones por corderos y La sombra del poder. Este don es quien pule la cosa y entrega un guión final que, dicen, ya adolecía de muchos problemas.

Los sujetos filmaron en un caos tal que el director de foto Robert Richardson (ganador del Oscar), consternado por el curso de los acontecimientos intentaba poner orden en el rancho (cuentan las fuentes chismosas que de MUY mala manera), a lo que le solicitaron amigablemente que “se vaya un poquito a la mierda”, finalmente Richardson se larga porque tenía que filmar Django desencadenado y en su lugar queda Ben Seresin (habitual colaborador de Michael Bay) que es quien aparece en los créditos. Hay que gregar que Richardson pidió que lo retiren de los créditos si es que se les ocurría la brillante idea de convertir la película en 3D, que fue lo primero que hicieron. En tu FACE, Richardson!!

Mientras tanto, la pinche post-producción de la película se termina y hacen un focus group. El público la odió. El estudio y Pitt se asustan, así que toman la decisión de refilmar el último tramo. Llaman a Lindelof (NOOOOO) que es el mismo que reescribió Prometheus e hizo esa bosta al infinito llamada Cowboys vs Aliens, y este a su vez llama a Drew Goddar (co-escritor en Lost) y sacan lo que nosotros vemos en la sala.

"No te asustés, actriz que sale brevemente de mi esposa"
“Así son las cosas, actriz que sale brevemente de mi esposa”

Estamos hablando de mes y medio de re-filmación. El presupuesto se va de 120 a 170/200 millones de dólares y todos están cabreados. Todos.

Y con razón. Brad Pitt contrató a Forster porque quería que la historia sea humana, y que el público conectara con los personajes. Desgraciadamente, sucede lo opuesto.

Gerry (Pitt) huye con su familia y llega a un barco de la U.N. donde hay un montón de refugiados, ahí lo chantajean para que ayude a los que quedan a averiguar cómo funciona el contagio de los zombies y encontrar una cura.

De la forma más tonta del mundo mandan a Pitt con unos cinco o seis soldaditos dizque a una base militar en Corea con la que no tienen contacto alguno para ver si “encuentra algo”.  Hermoso.

En un momento dado llegamos a Israel, que es cuando la historia fue reescrita. El tramo que cambiaron apunta a un mayor impacto emocional, pero nada alcanza para rescatar esta película de la etiqueta “una más del montón”, y de la sensación de haber visto algo muy desordenado.

A continuación una lista de SPOILERS (datos reveladores de la película) que nos hicieron maldecir a Lindelof y a todo aquel que participó en el guión. El que no la haya visto salte al párrafo siguiente: 1) Cuando agarran el remolque y nadie más lo había agarrado antes, estaba ahí para la especial familia Lane 2) El niño latino que ve morir a sus padres de la manera más salvaje y cruel mientras el mundo se cae a pedazos a su alrededor con una pandemia, sube al helicóptero tan pancho, como uno más de la familia Pitt-Jolie 3) Lo de las bicicletas en Corea, qué onda…dizque no hay que hacer bulla, y los dones en unas bicis todas cacharras y chirriantes 4) En el muro de Israel, esteee…hay helicópteros sobrevolando esa huevada y nunca se dan cuenta que los bichos están trepando la muralla? 5) Sí, si explotas una granada de mano en un avión, a pesar de que el avión se parta en dos y se estrelle: vos y la manca sobrevivirán.6) salís del avión, caminás un poquito y te encontrás con la central que estabas buscando 7) lo del celular con su esposa, lo del celular con el jefe, lo del celular en la central de la U.N.. y así. Obviamente de una película de acción no hay que esperar un contenido coherente, PERO, si vas a poner cosas tan tontas, mínimo que la peli lo valga. FIN DEL SPOILER

La familia es meramente adorno, y todo personaje que llega a la pantalla lo mismo. La excepción es Segen (Danielle Kertesz), que aunque no dice casi nada, en su corta participación consigue que deseés que sea la ÚNICA sobreviviente.

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“Tranquila Segen, yo estoy aquí”

A su favor diré que World War Z entretiene, no es aburrida, aunque todo el tiempo sabés qué va a pasar y nada sorprende. Los efectos especiales que prometían ser algo novedoso, se quedan hasta ahí nomás.

Gerry sobrevive a todo y a todos, con su hermosa, rubia, resplandeciente cabellera casi intacta, las hordas de zombies atacan tan rápido que no hay mucho tiempo para asquearse o fatigarse. Solo importa que sobreviva ÉL, un mesías moderno que arriesgará su vida por detener la pandemia.

(suspiro)

La guerra prometida en el título contra los zombies, no es tal, aquí no hay guerra, y tampoco zombies-zombies. Max Brooks, en el libro en el que se basa estito, narraba un apocalipsis-zombie donde desnudaba con sarcasmo algunos puntos de la política exterior americana y la miseria del ser humano, esa misma miseria que mandó a Laika a morir al espacio. La película de Brad, Forster y todos aquellos que salían despedidos a cada rato durante el caótico rodaje, narra la historia de un tipo buscando una cura, y su encuentro ocasional con el peligro. Nada más.

Si hacemos un balance de calidad-presupuesto, debe ser el fiasco más grande del año. En todo caso, le damos la medalla al esfuerzo, ese que hizo que re-filmaran una buena parte de la historia y ese que dejando de lado sus ausencias de contenido, logró que uno se entretenga un rato en el cine.

Al final del día, entre tanta destrucción y bichos bípedos corriendo, algo nos quedará implantado en la memoria: la necesidad de ir hacia la máquina expendedora de sodas y tomar una PEPSI. Gracias Brad.

Lo mejor: entretiene nomaj

Lo peor: es ese tipo de entretenimiento similar a cuando estás en tu casa haciendo zapping

La escena: lo del muro y la de la Pepsi.

Lo más falsete: los zombies y la familia de Pitt, ambos de adorno

El mensaje manifiesto: no hay lugar para los débiles

El mensaje latente: se puede tener la plata y el talento, y a veces las cosas salen mal

El consejo: para verla en una tarde lluviosa con un ataque de sinusitis

El personaje entrañable: Segen (no te mueras, SEGEN!!!)

El personaje emputante: el del pobre Matthew Fox en la base de Corea

El agradecimiento: intentaron salvarla

CURIOSIDADES

Puede que salga una trilogía de este desastre, incluso se ha confirmado ya una secuela

En un alto contrato de seis cifras, Paramount Pictures adquirió los derechos de la pantalla para la novela de Max Brooks “Guerra Mundial Z: Una Historia Oral de la Guerra Zombie.” el seguimiento de la sátira “La Guía de Supervivencia Zombie” Brooks “desató una batalla de ofertas, con Warner Bros. y Appian Way de Leonardo DiCaprio en el otro lado de la mesa  la Paramount y de Brad Pitt Plan B

Ed Harris y Bryan Cranston fueron considerados originalmente en la película, pero ambos se retiraron debido a conflictos de programación.

El rodaje tuvo lugar en varias zonas del Reino Unido, incluyendo Cornwall, Inglaterra, donde la escena de la sala de control de la ONU fue filmada junto a escenas en el Ministerio de Defensa Primary Cárcel de siniestros (PCRF), RFA Argus (AS en la cubierta de vuelo). El rodaje también tuvo lugar en Glasgow, Escocia, con las calles hechas para parecerse a los de Filadelfia con muchos coches americanos, camiones, taxis y señalización de calle envían desde los EE.UU.. También el rodaje tuvo lugar en La Valeta, Malta.

Un total de 85 ametralladoras, rifles y pistolas que se utilizarían en las escenas de rodaje en Hungría fueron confiscadas por funcionarios de aduanas contra el terrorismo en Budapest, Hungría, después de haber volado desde Londres. Los apoyos, que son propiedad de una empresa inglesa iban a ser utilizados en la filmación. Las autoridades húngaras dijeron que las armas podrían ser activadas por la simple eliminación de los tornillos de llenado al final de los barriles. El supervisor de armas, Bela Gajdos, en la película, comentó que el permiso de las armas había sido emitido por la policía húngara. Los informes sostienen que el principal actor Brad Pitt estaba “furioso” en la crisis.

El filme estaba previsto estrenarse en diciembre, pero debido a todos los conflictos tuvo un retraso de seis meses. En la premier cantó el grupo Muse.

El personaje de Matthew Fox estaba previsto que sea un villano humano, era un personaje súper importante en el primer tratamiento de guión, con la reescritura de la trama, Fox se quedó con solo 5 palabras en toda la película.

La versión alternativa que fue eliminada porque no gustó, narraba que después del periplo en Israel, Gerry llega Rusia, los rusos eliminan a las mujeres, niños y heridos que están en el avión y meten presos a los demás. Hay una elipsis temporal, Gerry tiene barba y está en malas condiciones. Se da cuenta que los bichos/zombies son menos fuertes en el frío, así consigue escapar en un momento dado para regresar a buscar a su mujer, pequeña batalla de por medio y darse cuenta que la misma inició un romance con el tipo del helicóptero que los rescata al principio.

Si ya la viste,puntúa la película!

TEST: ¿Eres un GHDP (Grandísimo hijo de puta) en el cine?

A continuación, el siguiente test  le dará un barómetro de su hijueputez en la sala de cine. Marcar con un Sí o No las afirmaciones que más se aproximen a su proceder. Recuerde  que nunca es demasiado tarde para saber cuán hijo de puta se es y una vez hecho el descubrimiento, asistir al cine con un comportamiento rehabilitado.

PARA LOS QUE VAN EN AUTO

1.- Si hay mucha gente en el cine y no pillo dónde parquear, en lugar de dejar mi auto dos o tres cuadras lejos del cine, suelo detenerme en la puerta del parqueo del cine, literalmente corto el tráfico (no importan los bocinazos de los demás) 10 o 20 minutos. Mi viveza siempre rinde frutos: alguien termina saliendo del parqueo y yo me GANO ese lugar. Otro truquito inteligente es pararme (con una cola de autos detrás) a esperar que un auto con los guiñadores puestos salga y yo ocupe su lugar. Estoy en TODO mi derecho de buscar comodidad.

2.- Cuando decido parquear en la calle, es muy difícil encontrar lugar, porque los cleferos de mierda se han adjudicado el derecho de repartirse la calle para los estacionamientos. Algunos no te dejan parquear a menos que aceptés que te laven el auto. Malditos! Yo me cago en ellos, y meto mi auto entre sus baldes y si me dicen algo los puteo de arriba/abajo.

ANTES DE ENTRAR A LA SALA

3.- Cuando quiero ir al cine, voy. Siempre hay una cola laaarrrrga. En la cola converso, hablo por teléfono, pienso en la vida y el ser, en cuando fui niño y feliz,  al llegar a la ventanilla (con más cola detrás), recién me pregunto qué película veré y a qué hora. Si el vendedor de los tickets es buena gente, le pido consejo. Elegir o no elegir, he ahí el dilema.

4.-Repito el mismo proceso en el candybar, no sé si quiero el combo, la soda mediana, la soda chica, la soda grande. Mis pipocas (palomitas) me gustan saladas con mantequilla extra, pero siempre pido que agarren la cajita, le pongan un poco de pipoca, le chorreen mantequilla, extra, otra vez más pipoca y otra vez más mantequilla. A veces pido Coca Cola y después cuando la están por servir me da antojito de Fanta. Si me dicen que no tienen un ítem, le pido al encargado que “revise de nuevo”, así me cercioro que hizo todo lo posible por darme lo que le pedí. Casi nunca tengo listo el dinero, sigo charlando o pensando en Snowden y cuando toca pagar recién empiezo a buscar en mis bolsillos.

5.- A veces llego 5 minutos antes de la película y hacer la cola de los tickets y la cola del Candybar me pone de mal humor, entonces empiezo a putear en la fila sobre lo mucho que tardan en atender, y me cabrea infinitamente la gente que paga con tarjeta. ¿No saben que hay personas que están con la película por comenzar?

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EN LA SALA

6.- Nunca sé dónde sentarme. Si la sala está semivacía pruebo un asiento y después me cambio a otro. Me gusta sentarme al medio, así que si la sala está llena y solo quedan dos asientos separados en la misma fila, le pido a la gente que se dio el trabajo de llegar antes que se corra  para que pueda tener los asientos que deseaba. En la vida hay que ser solidarios ¿o no?.

7.- Cuando voy con amigos, no entramos al cine al mismo tiempo, a veces entro primero, reservo asiento, la película empieza y saco mi celular para que mis amiguitos no se pierdan en la oscuridad de la sala y puedan llegar a la fila, si pienso que no me ven, les hago señas con los brazos, silbo, les grito sus nombres y me paro para que me ubiquen.

8.- A veces llegamos tarde todos, y nos da un poco de risa estar llegando atrasados y no encontrar asiento, entonces reímos, nos insultamos en broma, y buscamos a los gritos dónde sentarnos porque está oscuro y no vemos un carajo. Es muy chistoso.

9.- Una vez la película empieza, si llegué tarde, con mis amigos conversamos sobre lo afortunados que somos de llegar aunque sea un poco atrasados, reímos, charlamos un poco más, hablamos sobre las pipocas, la soda, si sería mejor otro asiento, etc..y capaz se nos antoje algo más del candybar, ahí atravieso toda mi fila cuando la película ya empezó y salgo a conseguir lo que deseaba. Vuelvo y, obvio, tengo que ponerme al día con la película, así que hago que me cuenten qué me perdí.

10.- Siento a los actores como si fueran mis conocidos, y me gusta hablarle a la pantalla como si ellos me escucharan. “Mierda, cómo vas a hacer eso” o “Hermosa” o “Papito churro”, o en Titanic “NO TE MUERAS ,JACK” son algunas de las cosas que puedo decirle a la pantalla. Otra interacción que me gusta tener es sacarle fotos a la pantalla con una cámara fotográfica o con el celular, claro, lo que pasa es que en internet nunca encuentro fotos de buena calidad de la película, y mi celu o cámara, así en la oscuridad y con su flash choto saca unas fotos de lujo.

11.- Me pongo un poco ansioso en el cine, entonces saco un bollo de pipocas grande y me las meto a la boca, suena como si los jinetes del apocalipsis arañaran un plastoform. También sorbo mi Coca cola aunque ya no quede nada en el vaso. Si me aburro juego con la bombilla, y el cartón. Es como reventar las bolitas de las bolsas esas de plástico.

77108051612.- El cine es como la sala de tu casa, así que podés comentar desde la estética del robot de transformers hasta lo mucho que te recuerda Cameron Díaz a tu prima Paquita. Me gusta pasarla bien y comentar cada detalle, si los zapatos del actor son bonitos, si ese pez me da miedo, y qué haría yo en lugar del personaje. Además es el sitio perfecto para compartir chismes e historias de la vida cotidiana.

13.- Hay que ponerse cómodos en el cine, sacarse las chancletas, subir los pies encima del asiento de adelante, desabrocharse el jean, aflojarse la falda, lo que sea para estar cómodos.

14.- Me dan mucha risa las películas como Black Swan o Amour,  o esas que hablan de lesbianas y homosexuales. Cuando una chica y otra chica se besan quiero mear de risa. El niño del pijama a rayas fue otra comedia que me arrancó carcajadas.

15.- Me pongo nervioso y pateo los asientos cuando me muevo, boto la pipoca por todos lados y así, es que a veces o es la emoción o es el aburrimiento lo que no me deja quieto. Si la película me aburre, o no me gusta, no me salgo, si pagué me quedo y  prefiero chatear o conversar con mis acompañantes.

16.- Hay películas que me gusta ver varias veces, entonces voy con gente que no la ha visto y empiezo a prepararlos para los momentos más impactantes, me encanta comentarles lo que va a venir, y lo mucho que se sorprenderán y además interpretarles la trama.

17.- Si alguien a mi alrededor dice “SHHHHHHHHHH” porque dizque hago bulla, me emputo y hago ruido con más ganas, y comento con más entusiasmo, quién se cree que es ese para callarme. Si me sigue haciendo “SHHHHHHH” lo puteo por atrevido.

18.- Si mi celular suena, lo contesto, soy multitasking, y puedo hablar por celular y ver una película tranquilamente. No susurro porque sino el otro no me escucha, hablo fuerte y claro como se tiene que hablar. No, no puedo esperar 1 hora o 2 para hablar con el jardinero o con mi prima sobre su ida al ginecólogo.

19.- Tengo Whats up, Blackberry Messenger y/o SMS activos, entonces me gusta compartir con mis amigos que estoy en el cine, revisar mis llamadas, mis actualizaciones, puedo subir a media película un status de Facebook o de twitter. Repito, soy multitasking.

hijo del siglo XXI: el zombie-loser
Hijo del siglo XXI: el zombie-loser

20.- Las predicciones son mi especialidad, si no he visto la película digo en voz alta lo que pienso que va a suceder. Nunca fallo, soy un Nostradamus de los guiones y me gusta que los demás se sorprendan con lo inteligente que soy.

21.- A pesar de ser súper/archi inteligente y multitasking, reconozco que hay películas que me cuesta comprender un poquito, entonces pido a mis acompañantes que me expliquen algunas cosas o comparto con ellos mis dudas.

22.- Tengo hijos pequeños (0-6 años) ellos ya han visto conmigo La noche de los muertos vivientes, Chucky:el muñeco diabólico, Hostel, Escupiré sobre tu tumba y recientemente Posesión Infernal. No importa qué tan chicos sean, hay que culturizarlos.

23.- Si mi bebé llora, mi filosofía es que llore nomás. No lo voy a malcriar haciéndole caso y sacándolo de la sala donde le estorba el ruido porque quiere dormir o porque se asusta. No. Que sea macho/a desde bebé.

24.- A mis hijos de 0-10 años los llevo a ver películas subtituladas y les leo los subtítulos toda la película y además les explico lo que sucede en pantalla. Hay que ser buenos padres. Nunca les explico que hay ciertas reglas en las salas de cine, no. Yo prefiero que mis hijos sean de los que colorean fuera de la raya.

25.-El cine también puede ser un motel, una vez fui con alguien que me gustaba y aproveché los sillones cómodos, la oscuridad y el ruido de la película para besarnos, escarbar el sur y botar fluidos.  Que alguien nos vea solo aumenta el placer de lo prohibido.

25.- Una vez finaliza la película, así como entré con mis pipocas y sodas en la mano, me da flojera caminar 10 o 20 metros para llevárselos al acomodador que está con su bolsa de basura al lado de la puerta de salida. Que limpien ellos nomás, si pa eso se les paga.

RESULTADOS

Cuente las respuestas afirmativas que más cercanas son a su proceder y coteje:

0: Felicidades, usted es un digno compañero de butaca. Da para invitarlo al cine, comprarle el candy bar, además tener una conversación sobre la película luego de la proyección y colocarle un sticker de Hello Kitty en la frente.

1 : Usted es un hijo de puta menor. Si el único punto que ha marcado afirmativamente es el 25, es un hijo de puta cochino.Nada de lo que sentirse orgulloso.

2-5: Hijo de puta moderado, se hace el que no, pero igual jode. Que pase alguna vez, que sea menos que los demás, no quita la hijueputez.

6-25 Grandísimo hijo de puta, deberían prohibirle la entrada al cine de por vida y de paso la procreación.

Si ya la viste,puntúa la película!

Jafar Panahi

Este post donde copio una opinión sobre La Manzana que escribí en el 2003, está dedicado a Jafar Panahi. Panahi es un cineasta iraní conocido por inmensas películas como El Globo Blancoy El Círculo que tuve la fortuna de ver.
Se cumplen ya 3 meses desde que el reconocido director fue puesto en prisión junto a su hija, otros amigos y otro cineasta. ¿Su crimen? Respaldó al dirigente opositor Mir Hosein Musaví en las presidenciales del año pasado, y en marzo fue acusado de estar preparando un filme sobre la polémica reelección de Ahmadineyad.
El sábado comenzó una huelga de hambre porque desde que fue puesto en prisión no le han brindado la asistencia de un abogado, y sufre maltratos y abusos. En el Festival de Cannes, que se está realizando en estos momentos, se ha elaborado una carta donde se clama por la liberación de Panahi, firmada por numerosas personalidades del cine.
Por su lado Kiarostami (gran gran director iraní) en la rueda de prensa de Copie conforme, su más reciente filme, tuvo palabras para su colega y compatriota, haciendo una airada reflexión sobre el régimen y sobre cómo el cine está siendo agredido por este tipo de situaciones.
Panahi había sido invitado como jurado a Cannes, al estar privado de su libertad no pudo asistir, pero una silla vacía se encuentra como símbolo de rechazo hacia su encarcelamiento.
Como es de esperar, la prensa o los medios no le han dado mucha bola al tema, que es jodido, y que nuevamente pone sobre el tapete la dura realidad que vive el pueblo iraní, menos mal que las lágrimas de Juliette Binoche en Cannes al saber que Panahi había comenzado una huelga de hambre, hizo que unos cuantos periódicos y revistas mencionaran el tema debajo de la foto llorosa de la actriz.
Un nuevo mundo
Si a mis 18 años pudiera filmar una película como ésta, me podría dar por bien servida. La directora Samira Makhmalbaf lo hizo, creó un film que puede servir como un testimonio, no sólo de la realidad iraní, sino de la realidad humana donde el relacionamiento social (con todas sus “normas” o “reglas”) es parte de nuestra libertad.

Samira nos cuenta una historia de delicada belleza y armonía, de una exquisita simplicidad, dos hermanas que ya han alcanzado casi la adolescencia, han sido mantenidas en cautiverio en su propia casa, sin poder pasar más allá del portón que da a la calle, su padre aduce que como la madre es ciega, él deja encerradas a las tres mujeres para que no se pierdan ni les hagan daño.

Además, como parte de la cultura iraní, dice que si alguien llega a tocar a las niñas estas quedarían deshonradas y que ha sido por el bien de ellas que no les permitía salir. Como resultado, las niñas presentan un déficit en sus habilidades sociales y un atraso en su desarrollo de todos sus procesos, cognitivos, motores, etc..
Los vecinos cansados de ver a las niñas sin comer y en condiciones higiénicas precarias desde hace años, denuncian al hombre y la película arranca a partir de ese punto, cuando la asistente social se presenta en la casa para permitirles a las niña que salgan a la calle a enfrentarse con el mundo.
Es desde aquí, cuando la película encuentra ritmo, momentos de dulzura, de simpatía, de tristeza. La cámara sigue fielmente a ambas niñas en su descubrimiento del mundo, en esa aventura que el ser humano común y corriente desarrolla gradualmente de acuerdo a las necesidades de su evolución. En el caso de estas hermanitas, este descubrimiento se realiza tardíamente, en una etapa en que esas aptitudes sociales ya deberían estar sino pulidas, por lo menos manejables. Y somos partícipes, de lo nuevo, de lo cotidiano para nosotros pero de lo exhuberante para ellas, y el contenido del film, no se centra en el abuso del que eran objeto, sino en una visión positiva del mundo donde todo es posible y todo es superable, además de perdonable.
El final no se los cuento, pero déjenme decirles que llega con suavidad, cierra una historia que pudo ser tratada dramáticamente, con tintes de pornomiseria, pero la joven directora lo hace de una manera poética y dentro de esa poesía, real.
Las actuaciones son pasables, quizás da la sensación de que es más un documental que una película propiamente dicha, pero la sensación termina casi a la mitad del film, donde encontrás mucho más.
La dirección está muy bien lograda, en general, dicen que si bien Samira es la directora del filme, su padre (Mohsen Makhmalbaff: Kadanhar entre otras), un reconocido cineasta, quizás la pudo haber colaborado en algunos detalles.
La historia está basada en un hecho real, que no es el único, desgraciadamente son muchos los niños que se han visto privados de un desarrollo normal, ya sea por padres negligentes o ignorantes, o por padres que los encerraban por abuso.
Irán un país pobre, casi olvidado, cobra vida en la pantalla para mostrarnos la situación social, política de la mujer, de los niños, de las personas que en algunos casos ni siquiera han podido asistir a la escuela para recibir educación. Una sociedad sujeta por alfileres.
Una película que junto con Los Niños del cielo, El silencio, y otros nos muestran que filmes de lugares tan lejanos y quizás tan diferentes como Irán, encuentran un común de denominador en espectadores como nosotros: el ser humano y su libertad.
Si ya la viste,puntúa la película!
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