LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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cine americano - page 3

EN CARTELERA: En la cuerda floja (The Walk) y Revancha (Southpaw)

The carrots are NOT cooked!

Hubo un tiempo en el que Robert Zemeckis fue un innovador. Santa Cruz no tenía tantas calles pavimentadas ni tantos edificios. Sus innovaciones generalmente se veían en el Cine Palace, en el René Moreno o en el cine El Arenal. No había 3D ni whatsapp, tampoco existía Justin Bieber y, claro, creíamos que el ser humano era puro y sincero. Hubo un tiempo.

Zemeckis nos lanzó existenciales preguntas como ¿Quién engañó a Roger Rabbit? o ¿Dónde carajos quedó Wilson?

Cuando la innovación cesó y dio paso a una actitud más conformista en su cine, este director que salió de los campamentos infantiles de Steven Spielberg, igual siguió dando películas que cumplen con aquello de «entretener”, como sea y con quien sea.

The Walk no es la excepción.

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Es difícil cagarla con un personaje como Philippe Petit a quien ya hemos espiado en ese grandioso documental que es Man on wire. Un tipo que a los 24 años consiguió la hazaña de tender un cable metálico entre las Torres Gemelas y caminar sobre él sin ningún tipo de protección, 8 veces! ida y vuelta.

Zemeckis opta por un relato edulcorado, carente de profundidad y algo plástico para narrar con un omnipresente Philippe (Joseph Gordon Levitt) cómo se gesta su amor por el funambulismo y se lleva a cabo el famoso scoop.

Veremos a sus cómplices, a una devota novia Annie (Charlotte Le Bon), a un didáctico Papa Rudy (Ben Kingsley) y a otros personajes cuya labor es magnificar o barnizar a los personajes reales. Porque sí, en la vida real ni Annie fue tan devota ni los cómplices tan condescendientes.

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El guión que corre a cargo del mismo director y de Christopher Brown (Beowulf) rápidamente muta de un homenaje a la hazaña de Philippe a un homenaje a las desaparecidas Torres Gemelas o a New York mismo. Ajá, los gringos hacen de cualquier hueco una trinchera.

Como diría Juan Gabriel: ¿Pero qué necesidaaad, para qué tanto problema…? ¿Qué necesidad hay de tener a Gordon Levitt trepado, obvios efectos de por medio, en la estatua de la libertad all the fucking time, y el relato yendo y viniendo a él, cuando hubiéramos agradecido más una prosaica y miserable voz en off?

Zemeckis se entretiene con el 3D y con truquitos tecnológicos en detrimento de la historia y su gran, gran crimen contra el arte, la vida, el dios Sol y nosotros es que transforma a Philippe en un odioso y altisonante payaso. Payaso que constantemente nos está explicando qué siente y de qué color es el uñero del pie.

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Da un poco de ternura ver el empeño que le puso Gordon Levitt para interpretar al famoso francés, y en ese apartado podemos decir que zafa, aunque por momentos el guión lleve a nuestro personaje a estridencias más altas que las Torres.

La fotografía de Dariusz Wolski ,que también tiene otro gran trabajo suyo en The Martian de Ridley Scott, deja claro porqué lo contratan Sancho, Pedro y Martín. El hombre es talentoso y hay unos cuantos momentos solucionados de una manera muy linda, incluido el momento clímax de la película.

Porque claro señora, señor, no se sorprenda si a pesar de todo lo dicho usté se descubre conteniendo el aliento ante la hazaña del cruce de torre a torre de Joseph Gordon y su peluquín. No se sorprenda. Todos sabemos que ni el fulano ni el peluquín caerán al vacío newyorquino, pero igual lo sufrimos.

Y quizás sea lo único que pague la entrada: la hazaña en sí misma.

El resto es brillo y lentejuela de un director que siempre fue pipoquero, y que a ojos vista está enamorado de las nuevas tecnologías y de New York. Ese amor desmedido hace que su película The Walk no logre dar un pasito más allá de la confortable azotea en la que se encuentra.

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Lo mejor: entretenida y la historia pelada es muy interesante Lo peor: artificial y magnificada en puntos pueriles La escena: el cruce de torre a torre Lo más falsete: lo de la gaviota: EL HORROR.  El mensaje manifiesto: Piensa en grande y se te concederá El mensaje latente: Un paso en falso y caés al vacío El consejo: mirate Man on Wire para emociones más duraderas El personaje entrañable: la cuerda El personaje emputante: el protagonismo de las Torres y la Estatua de la Libertad El agradecimiento: que si ves esto y no has visto Man on Wire, te llevarás una linda y emocionante sorpresa.

Si ya viste The Walk, puntúa la película!

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Jake, siempre Jake

He aquí una película simplona, convencional, bien filmada, sensiblera, que puede pasar sin pena ni gloria por la cartelera si no fuera por esa espectacular interpretación que hace Jake Gyllenhaal del boxeador caído en desgracia Billy Hope.southpaw-poster

Historias de boxeadores lamiendo el piso de la derrota las hemos visto muchas, desde la emblemática Rocky hasta El Luchador, de Aronofsky.

Revancha ya en su cursi título en español te dice de qué va la película y cómo termina.

Poca o ninguna sorpresa habrá en un filme que además, muy al estilo Hollywood, refuerza los lazos afectivos entre padres e hijos y que está dirigida por Antoine Fuqua, conocido por películas patrioteras, de simple acción, con personajes moralistas y finales relativamente felices.

Billy Hope es un boxeador con un pasado tumultuoso, criado en un orfanato donde conoció a su esposa, Maureen. Luego de algunos problemas con la ley se enfocó en el boxeo y se convirtió en campeón mundial de su categoría. Cuando al película arranca, Billy está mostrando menos resistencia en las peleas por lo que Maureen (Rachel McAdams) le pide que se retire y se dedique a la familia.

Desgraciadamente, su rivalidad con otro boxeador hará que pierda a la mujer de su vida en un confuso incidente, lo que será un detonador para que todo se venga abajo.

Hope, haciéndole honor al apellido, luchará por recuperarse con la ayuda de un nuevo entrenador interpretado por Forest Whitaker.

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Como ven, nada nuevo bajo el sol aparte del forzado giro de la esposa muerta.

Kurt Sutter se quedó con la autoría del guión, aunque dicha autoría fue peleada por Richard Wenk y finalmente la corte falló a favor de Sutter, cuya experiencia se limita a episodios de series como Hijos de la Anarquía, o The Shield. El guión le pone a Billy obstáculos que parecen insalvables para luego levantarlo de la cenizas como un ave fénix.

Lindo. Y ya visto ene veces.

Eso no es impedimento para que la historia de pobre chico huérfano sin formación, explotado por su entorno, abandonado en época de desgracia, sin muchos elementos con los que retomar su vida sea accesible o genere empatías.

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Jake Gyllenhaal reluce cual gema de 1 kilo en medio del desierto. Él es por lo que te enganchás a la película, por lo que sufrís con la muerte chota de la esposa, y por lo que te alegrás cuando el momento de la revancha llega. Entrañable actuación de Jake, que película a película nos muestra que es uno de los mejores actores de su generación.

La dirección de Fuqua, a pesar de un guión bastante austero, se luce en los momentos de pelea gracias también a la expertise de su director de fotografía: Mauro Fiore (Avatar, Training Day, La Isla).

La banda sonora fue creada por James Horner, que la hizo gratis ya que Fuqua dizque no contaba con presupuesto para pagarle y se trató del último trabajo que hizo porque moriría tiempito después en un accidente de avión. Música acorde a una película de este tipo. Incidental, limpia, funcional.

Esta película planeaba ser la secuela de 8 miles protagonizada por Eminem, y el mismo Eminem iba a actuarla. El rapero decidió dedicarse a su disco y la historia fue cambiando hasta ser independiente a 8 miles y tener a Jake Gyllenhaal como Billy.

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El resultado es una película lacrimosa, de fácil estructura y sin sorpresas, pero muy mirable. Un filme que si no fuera por Jake Gyllenhaal  podría pasar directo al DVD y  se vería en una tarde lluviosa de gripe y sueño.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: la actuación de Jake Gyllenhaal y que, gracias a eso, se deja ver Lo peor: nada nuevo bajo el sol La escena: la escena inicial y la pelea final Lo más falsete: la muerte de Maureen El mensaje manifiesto: Llora y llorarás solo El mensaje latente: Ríe y el mundo reirá contigo El consejo: vela por Jake Gyllenhaal El personaje entrañable: Billy El personaje emputante: el agente de Billy  El agradecimiento: por esa lindísima interpretación de Jake.

EN CARTELERA: Sicario (Denis Villeneuve)

Un tipo como Denis Villeneuve que tiene en su currículum la feroz Incendios y la enigmática Enemy, un día se despierta y voilá: hace Sicario.

Main-Quad_AW_29617-Sicario-smallSí, el filme está siendo celebrado en circuitos festivaleros pero en definitiva es una, por demás, simplista aproximación al mundo del narcotráfico, al cruce o no de límites para “combatir el mal” y la ya archiconocida muletilla “sos lobo o sos cordero”.

Después de un operativo antisecuestro, la agente del FBI Kate (Emily Blunt) es reclutada por un grupo, digámosle alternativo, del gobierno en una misión que más tarde se revela es para descabezar el cartel de Juárez. El personaje de Kate es exasperante, es como si fuera una Winnie Pooh que nunca abrió un periódico en su vida o nunca se informó de nada del mundo exterior, se pasa la mitad de la película sin saber qué carajos sucede y la otra mitad conflictuada por lo que descubre.

¿2 más 2 son 4?
¿2 más 2 son 4?

A mí, en la butaca, me ocurrió exactamente lo mismo.

Como parte del triángulo de fuerzas clichés que quiere vendernos el debutante guionista Taylor Sheridan está la ya mencionada Inocencia/Ética (Kate), lo Político/InstitucionalAlternativo a través del enchinelado Matt Graver (Josh Brolin), que chicle en la boca tampoco se entiende muy bien porqué se toma la molestia de reclutar a alguien tan inoperante como Kate-WinniePooh, además de no darle lineamientos básicos de lo que se espera de ella y finalmente el Mal/Siniestro en Alejandro (Benicio del Toro) que está ahí con cara de circunstancia aunque a la legua se ve que debe tener el ADN de Pablo Escobar.

La famosa operación se lleva a cabo sin ningún asidero legal de parte de los americanos y es chapucera de principio a fin lo que hace que como espectador bordeés el análisis serio del filme o acusés recibo de una boba película americana más.

Bajo el paraguas de la constante sospecha/tensión puede suceder de todo, desde que nuestra Winnie Pooh se ligue a un desconocido en plena misión, hasta que nos muestren a un personaje marginal toda la película para que casi al final quieran dar su golpe bajo, autocomplaciente con él.

¿Y si vamos a Juárez, a poner ese rancho en orden?
¿Y si vamos a Juárez, a poner ese rancho en orden?

Villeneuve apuesta por climas y solemnidades que pretenden darle seriedad a las situaciones y revestir de profundidad un mensaje que está muy masticado a pesar de que se intente vender cierta ambigüedad y repartija de culpas grises entre ambos bandos.

Lo que le da cierta verosimilitud es la más que buena interpretación del casting encabezado por un Benicio del Toro que no tiene desperdicio, otro punto a favor es la espectacular fotografía del experimentado Roger Deakins (No es país para viejos, Skyfall, Shawshank Redemption). Deakins recrea con maestría cuerpos colgados de los puentes, enfrentamientos en túneles ocultos, y una muy suculenta escena casi al final en la que Medellín/Alejandro invade la casa del capo de Juárez.

Lo de Deakins, empero, no alcanza para que el evidente paternalismo del filme no acabe por vencer cualquier simpatía estética que tengás y salgás del cine con la sensación de que has visto una fallida y genérica puesta en escena sobre el narcotráfico.

Fallida hasta el punto que podría servir como apoyo de campaña de Donald Trump.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: poderoso envoltorio

Lo peor: guión tonto y condescendiente

La escena: la de los túneles, la de la invasión de Medellín a la casa de su enemigo

Lo más falsete: lo de la carretera y el embotellamiento, el discurso ñoño de Medellín al enfrentarse con el capo, el cuasi encame de Kate, la escena de Kate al salir del túnel y la escena entre Kate y Medellín al final

El mensaje manifiesto: A esos mexicanos hay que ponerlos en vereda como sea

El mensaje latente: todos somos la misma cochinera

El consejo: para verla como un simple thriller

El personaje entrañable: ciudad Juárez.

El personaje emputante: Kate, Matt

El agradecimiento: por Deakins.

CURIOSIDADES

La pobrecita Emily Blunt sufrió de diarrea en México por lo que la escena en la que viajan en auto hacia la frontera se puede apreciar a Blunt sudorosa y pálida por la enfermedad.

Tuvo un presupuesto de 30.000.000 $us..

Denis Villeneuve describe su película como un poema oscuro.

Blunt acababa de dar a luz cuatro meses antes de empezar a filmar.

El alcalde de Ciudad de Juárez llamó a boicotear la película: «La película presenta como actuales una época de violencia que ya fue superada».

El guionista Taylor Sheridan llevó a cabo una exhaustiva tarea de investigación, que incluyó trabajar en el área en la que transcurre la película junto periodistas y junto a un agente del FBI, en el que está basado el personaje que interpreta Emily Blunt.

EN CARTELERA: Marte / The Martian (Ridley Scott)

Ridley Scott se sacudió todos los hijueputazos que le llovieron por Prometheus (2012), decidió reintentar con el género que lo hizo famoso: Ciencia Ficción y hacer una versión ligera del espacio, ligera como nube de algodón. Sacó su cabeza por un huequito y, a sus casi 80 años, dijo: Ola, k asen?

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Está bien. La nueva película de Ridley, Marte (The Martian), es, sin duda, muy entretenida.

De qué va? Un grupo de seis astronautas está en una misión en Marte. De pronto surge una tormenta, y la Comandante Lewis (Jessica Chastain) decide que es tiempo de agarrar los chécheres y salir tostando del planeta. No se olviden del dicho: Mejor aquí corrió que aquí murió.

Empiezan a caminar en fila india hacia la nave y pim pum pam, un pedazo de antena se lleva con todo a Mark Watney (Matt Damon). Los trajes de astronautas están diseñados para emitir las señales vitales, y el equipo no recibe señal alguna del traje de Mark, entonces piensan que ha muerto y con la tormenta ya encima no les queda otra que partir.

Mientras ellos están de regreso a la Tierra resulta que nuestro Mark estaba vivito y coleando en ese desolado y rojo planeta llamado Marte.

La película agarra un tono survival, donde el personaje principal tiene que luchar por sobrevivir, porque sí, porque la vida es un camino cuesta arriba. Lo hemos visto mucho y de todas las maneras posibles, esto sería una mezcla entre GravityEl Naúfrago, Robinson Crusoe y Kathy, la oruga.

Mark, que es un astronauta con una maestría en Botánica, dará muestras de ingenio en esa lucha por llegar con signos vitales hasta el final de la aventura. Ajá, McGyver un piojo tuerto, Sheldon Cooper un mero aprendiz. Ni Harry Potter con su varita se las podría haber ingeniado mejor que Mark Watney.

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El tipo vuelca las adversidades a su favor, y todo con una predisposición y un buen estado de ánimo envidiable que es acompañado de clásicos de la música disco. Turn the beat around, Hot Stuff, Rock the boat, Don´t live me this way y hasta I Will Survive se campean por ahí.

Sí, Marte es una píldora contra la depresión y los deseos suicidas. Todo en ella es superación y ver el vaso tan llenito que ya se está derramando.

Paralelo a la situación del animado Mark, vemos lo que la NASA hace para manejar primero: la supuesta muerte de Mark ante la opinión pública y luego: el supuesto rescate. Hay que recordar que ir a Marte no es como agarrar un micro que te lleve a Warnes, no. Toma años llegar o salir de ahí, sin contar el gasto de millones de dólares que exige mandar una misión.

El montaje de Pietro Scalia (Gladiator, Prometheus, Good Will Hunting) colabora para que la historia sea accesible y veamos ambas puntas de manera efectiva.

El guión es de Drew Goddar, conocido por La Cabaña del Bosque y Guerra Mundial Z, créditos que nos permiten constatar que el público objetivo es el masivo, y que la idea es hacer una película taquillera con un esquema argumental más bien clásico.

Claro que se apegaron bastante al libro homónimo en el que se basa, tanto que su autor, Andy Weir, dijo que las lágrimas se le escaparon al ver el primer corte del filme.

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Lágrimas que esperan sean compartidas por un público que sí, que aún sabiendo que todo pinta a final feliz, sufre con los obstáculos por los que atraviesa Mark y se ríe bobamente con los chistes americanos del abandonado personaje.

Dariusz Wolski (Prometheus, Exodus, Piratas del Caribe) pone su impronta detrás de la cámara y a través de su hermosa fotografía transforma los paisajes de Jordania en un espectacular planeta marciano.

Mención aparte merece Matt Damon, que al igual que Sandra Bullock por Gravity y Tom Hanks por El Naúfrago, seguro recibirá un reconocimiento por su papel del chabacano y animoso Mark Watney. Estos papeles que sirven de humanos paradigmas siempre son bien recibidos por la Academia, y si encima el actor/actriz perdió algunos kilos en el proceso, pues es casi seguro que lo tendremos en los Oscar 2016.

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El resto de los actores que interpretan tanto a los compañeros de Mark como a la gente que trabaja en la NASA, también demuestran su solvencia: Chastain, Daniels, Chiwetel, Kristen Wigg, Sean Bean están en la medida correcta y con personajes igual de luminosos que Mark. No hay muchas mezquindades, ni siquiera un odioso antagónico, porque como decía El PUMA: Juntos podemos llegar, Unan sus manos conmigo.

Ridley, por su parte, se mete a la piscina del conformismo y nos entrega una película común y corriente, bien hechita, bien filmada, bien contada, bien actuada, pero con la que no pasa más nada. Sus detractores dicen que nuestro Ridley se ha convertido en un vulgar Ron Howard.

(insertar emoticón del monito con los ojos tapados)

No sé si llegaremos a tanto. Marte no será la apuesta más innovadora o lo más jugado de Ridley Scott pero es su mejor y más entretenida película desde Gladiator, es la menos accidentada, la menos bizarra, la menos ceremoniosa, la menos petulante.

Conseguir un buen blockbuster tampoco es tan sencillo, todas las semanas estrenan huevadas que son infumables a pesar de ser solo productos destinados a escapar del mundanal ruido un rato, en el caso de Marte están todos los elementos que hablan de un buen director y un buen equipo, aunque sí, sí, hay que reconocer que poco o nada se ve del director de Blade Runner.

En esa metáfora que son las inclemencias por las que atraviesa Mark Watney supongo que Ridley ha bajado los brazos y ha decidido entregarse a una industria donde repetir una historia de sobrevivencia con un mensaje global de superación personal que bien pudo ser escrito por Coelho o Dyer, aun funciona.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: Funciona.

Lo peor: bastante simplona.

La escena: todo lo relacionado a cómo Mark supera los imprevistos.

Lo más falsete: en general: demasiado buena onda, buen corazón y buen ánimo. y claro, lo de Iron Man.

El mensaje manifiesto: Vos podés.

El mensaje latente: Vos podés.

El consejo: Vela, está bonita. No sé si valga mucho el 3D, a excepción del inicio y el final, creo que no hay mucha necesidad de los lentes.

El personaje entrañable: las plantitas

El personaje emputante: Prometheus, ah no. Eso era en la otra…hmmm

El agradecimiento: porque es ligera y entretenida.

CURIOSIDADES

El libro en el que se basó: The martian (El Marciano), fue escrito primero por capítulos en un blog, en el que el autor tomaba los consejos que le daban los lectores para ir desarrollando la historia. El texto final fue rechazado por varias editoriales hasta que Weir decidió subirlo a Amazon para comercializarlo por su cuenta. De ahí, la alta venta de su versión virtual hizo que una editorial lo contactara y lo llevara a papel, el resto es historia.

La película fue filmada en Wadi Rum Jordania. Las escenas de set se filmaron en Budapest.

NASA y varios científicos fueron consultados para pulir los aspectos científicos del filme.

Aunque en la película Mark tiene que ver la manera de crear agua, 4 días antes de que la película fuera lanzada al mercado se supo que se había encontrado agua en Marte.

Cerca de 20 sets fueron construidos para filmar Marte.

Matt Damon filmó sus escenas en 5 semanas.

La escena en que el personaje de Donald Glover (Rich) se cae cuando está tratando de hacer cálculos para la sonda, fue una caída real en la primera toma, a Ridley le gustó como quedó y la dejó en el corte final.

Bastante material que se investigó y consiguió para hacer Prometheus fue usado/reciclado para The Martian.

El rodaje duró alrededor de 70 días y tuvo un presupuesto aproximado de 180.000.000 $us..

Mark es el equivalente inglés a Marcus que es el equivalente latino de Marte.

EN CARTELERA: Shaun, el cordero – Ricki and the flash – Maze Runner 2

El cine, queridos, el cine.

Muchas cositas para ver en cartelera, pero NO siempre la experiencia es satisfactoria. Acá la reseña de tres películas: Una está lindísima, otra está bien nomaj y otra está muy más o menos.

¿Cuál será cuál?

Fanfarrias por favor.

Shaun, el cordero o No hay silencio entre los corderos

Puede ser que te parés frente al poster y pensés que no vale la pena gastarte tu dinero en esta película que no es de Pixar, Disney o Dreamworks.

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Yo también me paré frente al poster y lo miré como carne de cogote.

ERROR.

Suele suceder, cuando menos te lo esperás PUM! sacás el premio mayor de la cajita feliz o las tres cerezas de la máquina del casino.

Shaun the sheep, cuya correcta traducción sería La oveja Shaun, es una divertida y tierna animación que tomó 6 años en hacerse. La técnica usada es stopmotion y dicen que del equipo de 20 animadores, cada uno tardaba un día en hacer 2 segundos de la película.

Desde su escena inicial te sentís sacudido y pensás que quien/quienes hizo/hicieron este filme han puesto todo el corazoncito en cada viñeta, como tiene que ser. Como el cine, la animación, y nosotros nos merecemos.

El filme, en realidad, es una adaptación cinematográfica de una exitosa serie de la televisión británica.

Shaun vive en una bonita granja, con su humano y el resto de sus compañeros animales.

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Al inicio, la película nos muestra primero cuando ellos eran bebés y luego la rutina del día a día. Los animalitos se levantan con un ajustado cronograma. Muy aburrido, muy monótono.

La ovejita Shaun ve pasar un bus por la granja con un letrero que dice: Tomate un día libre! y decide que ellos también merecen un día libre, por lo que arma todo un plan para que puedan saltarse la rutina y ver televisión dentro de la casa.

Lastimosamente, las cosas salen mal y su humano termina en la ciudad con amnesia por lo que la nueva misión será ir a buscarlo y traerlo de vuelta al hogar.

Muy, muy linda animación. No existe un solo diálogo en la película pero entendés perfectamente todo y rápidamente estás enganchado a la trama.

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Querés que Shaun consiga lo que se propone y que su humano sea devuelto a esa linda vida familiar en el campo.

Tiene escenas muy logradas, muy mágicas y como digo se le ha puesto mucho amor. Los personajes están lindísimos, y hay momentos puntuales que el corazón lagrimea.

Esta película británica es muy diferente a las animaciones gringas que solemos ver, cocinadas, masticadas, digeridas con gags repetidos y una estructura que suele ser casi siempre la misma.

Shaun, the sheep es una brisa refrescante, una pequeña película que vale la pena ver en pantalla gigante y que niños y adultos podrán disfrutar sin distinción.

Lo mejor: muy linda, refrescante
 Lo peor: su poca fama o reconocimiento
 La escena: la del refugio de animales, cuando se preparan para que los adopten y cuando los animalitos se abrazan a su humano y la casa está por caer
 Lo más falsete: … El mensaje manifiesto: a veces uno no valora lo que tiene 
 El mensaje latente: la rutina está bien pero hay que tratar de romperla de vez en cuando 
El consejo: Vela, no te arrepentirás
 El personaje entrañable: los animalitos
 El personaje emputante: el hdp de retención de animales El agradecimiento: por el amor.

Si ya la viste, puntúa a Shaun, el cordero!

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Ricki and the flash o In Meryl Streep we trust

Diablo Cody.

Después de Juno (¿se acuerdan de Juno?) la ex stripper/bloguera devenida en guionista tenía un futuro brillante. La anécdota de sus inicios, su estrafalario look y su desfachatez hizo que se la rotulara como la guionista del momento. El Oscar que ganó por Juno solo acrecentó su subida.

Nota mental: Diablo Cody tiene un Oscar.

Y claro, todo lo que sube tiene que bajar, su próxima película fue esa huevada extraña llamada Jennifer´s Body donde Megan Fox salía mejor alimentada. Hasta el día de hoy siento una punzada por el desperdicio de quintos y jóvenes actrices en esa intentona.

Luego escribió Young Adult que sí me gustó. Para qué, vi a much@s conocid@s ahí, en ese perverso retrato de una mujer (Charlize Theron) crecidita que se rehúsa a vivir como treintañera digna y sigue comportándose como adolescente. Estuvo bastante bien. Un amargo recuerdo de que la vida pasa, envejecés y el “Hey, nene qué vas a hacer cuando seás grande” ya fue.

Doy este pequeño currículo de Diablo Cody porque: Tenemos que hablar de Ricki and the flash.

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Es difícil que me guste una película en la que casi todos sus personajes me parecieron odiables y emputantes.

Ya sé, el objetivo era mostrar el lado humano de esa perdedora rockera que a pesar de haber “seguido sus sueños” por encima de la familia, ama a los suyos…lo triste es que las motivaciones tanto de ella como del resto de los personajes se acarician demasiado someramente como para que creés un vínculo real y no tengás ganas de estrellar una guitarra de fierro en cada uno de ellos.

Todo parece muy armado, muy puesto a la fuerza, con calzador. Es más o menos como cuando las hermanas de Cenicienta se intentaban poner la zapatilla de cristal y en el cuento real, la versión más sangrienta, se cortaban talones y pulgares tratando de que la maldita zapatilla entre.

Eso me pasa acá, veo talones y pulgares cortados, veo sangre, veo demasiado esfuerzo para que las situaciones sean “interesantes”, “estrafalarias”, de familia disfuncional en la que se mezclan las clases sociales, los gustos y unos escuchan Serrat y otros Locomía.

75-1¿Sinopsis breve? Ricki (Meryl Streep) es una mujer en sus 60s que tiene su banda, que abandonó a sus hijos para continuar con su carrera musical, pero que en la práctica solo grabó un pinche disco y trabaja como cajera de supermercado. Por las noches continúa con su banda en un bar de mala muerte. Un día su ex marido la llama para decirle que su hija está pasando por una fuerte depresión porque fue abandonada por su esposo. Ricki decide ir a ver a la hija que vive en otra ciudad.

El conflicto está alrededor de ese reencuentro y las deudas emocionales pendientes entre everybody.

Lindo.

A mí lo que me jode es que la película está dirigida por Jonathan Demme que tiene en su haber cosas como El Silencio de los Inocentes, La boda de Rachel y Philadelphia, películas muy superiores a esta chacota.

Nota Mental: Jonathan tiene un Oscar, un Oso de Berlín, un Fipresci en Venecia.

Ricki and the flash está filmada a la altura del currículo de Demme en lo técnico, pero ahondando más los cuadros musicales son muy largos y no lo suficientemente buenos como para que ameriten tanto tiempo en pantallas, los momentos emocionales son falsos y la comedia prometida arranca pocas risas.

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Quizás lo más interesante sería la presencia de una Meryl Streep que parece salir airosa de cualquier papel que le pidan que haga, y que como rockera fracasada seguro conseguirá otra nominación más en alguno que otro premio cinematográfico.

Por mi parte, me cansaron. Me cansó la cantaleta de la depresiva, del hijo gay, del hijo comprometido, de la madre sustituta, del ex marido que aun sentía cositas por ella, sí, mucha caricatura ambulante por ahí. Dos Oscar entre Diablo Cody y Jonathan Demme y esto es lo que nos dan.

Un aplauso aparte para el perro: Sigma con su sola presencia blanca, esponjosa, rebosante de gracia canina hizo que no recuerde con rencor a Ricki and the flash.

Salud por eso.

Lo mejor: técnicamente bien filmada y Meryl hace lo suyo
 Lo peor: mucha caricatura suelta
 La escena: todas en las que aparece Sigma
 Lo más falsete: la escena en la cocina entre Meryl y su ex marido
 El mensaje manifiesto: la familia siempre será la familia
 El mensaje latente: Hay familias de mierda 
El consejo: Podés verla o no verla, no pasa nada si no la ves
 El personaje entrañable: Sigma, claro
 El personaje emputante: Todos excepto Sigma y el novio de Meryl/Ricki El agradecimiento: por Sigma.

Si ya la viste, puntúa Ricky and the flash

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Maze Runner: Prueba de fuego o No me toquen al chino

Sí, es la verdá.

Desde la primera parte de esta saga, lo único que me ha importado es que el chino no muera.

El chino es Minho, el personaje asiático de la película, sé que es coreano/americano pero, para variar, le digo el chino.

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La saga de Maze Runner (2009) es basada en el libro homónimo de James Dashner, y es evidente deudora del éxito literario de Los Juegos del Hambre (2008) al igual que Divergente (2011).

No he leído los libros de Dashner, y después de la adaptación cinematográfica tampoco me han dado ganas de hacerlo. Sin embargo, pienso que Wes Ball (director) ha hecho un buen trabajo.

No se trata de una peli que cambiará la historia ni que será de culto, pero tanto Maze Runner 1 como Maze Runner 2 cumplen con su condición de blockbuster de entretener y, además, a pesar de sus falencias, pasás un rato ameno en la butaca.

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En la primera parte nos mostraban cómo Thomas (Dylan O´Brien) entraba en el laberinto y lideraba una revolución. Al escapar del mismo se topaba con la maquinaria detrás del laberinto y para el público quedaba sobreentendido que hasta el escape del grupo había sido un engaño. La doñita Ava Paige (Patricia Clarkson) sigue y seguirá dando tole tole a los inmunes para extraer sus enzimas.

En esta secuela retomamos a los chicos después de ser “rescatados” y son llevados directamente a un complejo bajo las órdenes de Janson (Aidan Guillén AKA Meñique en GOT).

Obviamente, todo huele a felino cautivo porque donde está Meñique siempre habrá felino o felinos cautivos.  Thomas empezará a desconfiar, y su stress se disparará por no poder ver a su adorada Teresa (Kaya Scodelario).

En ese instante, entra un nuevo personaje a escena Aris (Jacob Lofland) que guiará a Thomas para descubrir que se encuentran en la fase 2 del malvado plan de WICKED y casi inmediatamente emprender la veloz huida.

La acción se eleva y los personajes tienen que cruzar el desierto plagado de seres similares a los de The Walking Dead, pero la diferencia es que esos cojudos no caminan sino corren jodidamente.

Mientras los bichos iban y venían, las tormentas de arena arreciaban y los rayos caían, solo había un pensamiento y una verbalización en lo profundo de mi ser.

Ajá, vos lector atento lo sabés. Sí, lo sabés.Era:

NO, EL CHINO, NO!

maze-runner groupEn general, a pesar de las malas críticas que le han dado, la secuela está bien lograda, con un diseño de producción impecable (ver ciudad devastada y edificios volcados) y la pericia de cada cierto tiempo meter un giro para que no te aburrás y puteés en la oscuridad a Wes Ball.

Adrenalina al pedo, pero precisa.

Ball, que apenas tiene 34 años, sale airoso de esta oportunidad que le da la industria, lo mismo sucede con la fotografía del húngaro Gyula Pados. Ambos hacen que el filme se sostenga a pesar de su caída narrativa al final y de ser a grandes rasgos otra tonta película para adolescentes y adultos con síndrome de Peter Pan.

Así que no será la papa, no será lo mejor de lo mejor, no podremos lanzar fuegos artificiales ni reventar alguna piñata con forma de tinaja incaica PERO entretiene y entretiene bien.

Lo mejor: Entretenida y claro, el chino
 Lo peor: se alarga demasiado
 y claro, lo que le pasa al chino La escena: todas en las que aparece el chino Lo más falsete: el escape, la llegada al boliche de Jorge, la llegada al antro de Marcus, la llegada al boliche de Vince, la huida de Janson con Teresa, bueeeee
 El mensaje manifiesto: siempre habrá loquitos que traten de vender sus acciones en nombre del bien común
 El mensaje latente: el bien común no necesariamente es tu bien 
El consejo: vela, pero mejor con subtítulos
 El personaje entrañable: claro, el chino
 El personaje emputante: Teresa El agradecimiento: sí, voy a ser descarada y pondré EL CHINO y porque está bastante ligera y mirable.

Mónica Heinrich V.

EN CARTELERA: El lado oscuro del deseo / Knock Knock

A ver, a ver, muchachada!

Digamos que ya te sometiste al matricidio, formaste familia, y andás feliz con tu vida doméstica.

Desperate Husband/Housewife.

Un buen día, tu mujer y tus hijos se van a la playa dejándote solo en casa para que entregués un trabajo pendiente. En la noche PIM PUM PAM dos muy atractivas jovencitas tocan tu puerta y empiezan a seducirte. Acá se las presento para que se hagan la idea:

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Vos:

1.- Pensás sobre sus motivaciones, el porqué están intentando seducirte, qué pueden tener en común con vos esas señoritas que a ojos vista se te están ofreciendo, quedás convencido que son un par de loconas a las que no hay que darles bola y las sacás tostando de tu casa.

2.- Aunque al principio te resistís, finalmente les das como a tambor.

Quiero que te tomés un tiempo para pensarlo, para que yo también lo piense y para que ambos lleguemos a la misma conclusión.

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He ahí la premisa de Knock Knock.

Estamos ante una película de baja aspiración que te convence de entrar a verla solo porque Keanu Reeves está en el poster. Luego, en la oscuridad de la sala, te das cuenta que OH! es dirigida por Eli Roth!

El filme está coprotagonizado por la veinteañera esposa de Eli, Lorenza Izzo, una chilena que conoció hace unos dos años mientras filmaban una peli juntos.

Lorenza interpreta a Génesis, que junto a la cubana Ana de Armas (Bel) son las chicas seductoras que siembran el caos en la vida de Keanu (Evan)

De más está decir que Knock Knock está filmada casi en su totalidad en Santiago de Chile, aunque nos quieran hacer creer que la acción sucede en Los Ángeles.

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Y sí, ya sabemos qué tipo de cine ofrece Eli Roth. No, no es alguien que aspire a ganar un Oscar. Más bien pareciera que filma para divertirse y para resucitar el cine clase B.

Su filmografía, que algunos críticos llaman mediocre, agarrándola así como homenaje al cine choto y sangriento tiene uno que otro momento.

De él es esa entretenida película Cabin Fever y las pasada de rosca Hostel 1 y 2. Este 2015, hace una nueva versión de una película mínima de 1977: Death Game.

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Para empezar, la filmó con una Canon EOS-1D C, una cámara bastante accesible que cuesta alrededor de 9.000 $us. con sus implementos básicos.

El guión es del mismo Eli, y comparte créditos con chilenos amigos de su esposa Nicolás López y Guillermo Amoedo. ¿Que cómo sé que son amigos de la esposa? Porque han trabajado con ella antes que con nuestro muchacho.

Así que todo pinta como una película hecha con poco presupuesto, entre amigos/conocidos, y que a pesar de ser en líneas generales flojita, ha conseguido distribución internacional.

La gran duda gran es cómo convencieron a Keanu Reeves de actuar en el filme.

No sé, pero curiosamente lo peor de Knock Knock es Keanu Reeves.

Ya está, lo dije.

Keanu, haciendo de Evan, jamás consigue llegar a la tesitura adecuada de su personaje. Todo en él se ve falso y acartonado. Eso sin contar que estamos ante Neo, el mismísimo John Wick y es como complicado creer la inutilidad de su personaje ante un par de chicas que tampoco son Beatrix Kiddo.

Pero OK, cerremos nuestros ojitos y pensemos que sí, que porque el personaje tiene una cirugía reciente en el hombro y es solo un padre de familia no podrá reaccionar con mayor brío al acoso/violencia de las chicas.

Cerrar los ojitos no nos salva de escuchar los diálogos, diálogos que llegan a rozar el sonrojo masivo, como por ejemplo la escena en la que Keanu suelta su discurso cuestionando las acciones de las chicas sobre el castigo que sufre su pobre persona y te dan ganas de agarrar un sartén y volcarlo a lapos.

Lo contrario ocurre con Ana de Armas, la actriz cubana que interpreta a Bel, el punto alto del filme y todo un descubrimiento. Estoy segura que esta actriz dará sorpresas en el futuro.

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Hablando de la trama, el asuntito de home invaders ya ha sido explotado con mejor suerte en pelis como Funny Games. Eli Roth, al contrario de Haneke, parece empeñado en darnos un mensaje a la conciencia sobre los bajos instintos y la inmoralidad de la infidelidad.

Todo se descontrola sin ton ni son, como si el objetivo del filme fuera mostrar de manera bastante grosera y absurda las consecuencias de una canita al aire.

Eli Roth dijo que quería mantener al público al borde de su asiento, y creo que lo logra, uno se mantiene al borde del asiento entre las ganas de irse y las ganas de ver en qué termina todo el puterío.

Hay cierta factura televisiva en Knock Knock, como que no te acabás de creer que es una película para sala de cine, las actuaciones tan malas del principio (esposa cornuda e hijos), algunos planos de más en el montaje y lo dicho, la nefasta actuación de Keanu Reeves, no colaboran mucho a que te creás el cuento.

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Al final, previos graffitis de El Arte no existe y No fue un sueño,  Eli Roth (como en cualquier película clase B-C-D-E-F-G) se decanta por ponerle un toque de humor a una escena que ya de por sí era una oda al disparate. En ese instante, la sensación de tomadura de pelo se completa. Gracias, Eli.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: es entretenida y cortita
Lo peor: demasiado chota para mi gusto
La escena: la del uniforme de colegio y la explicación sobre el padrastro
Lo más falsete: las escenas altisonantes de Keanu
El mensaje manifiesto: Cosas malas suceden si no abrazás la monogamia
El mensaje latente: Hay una delgada línea que divide el cine clase B del telefilme clase B
El consejo: Sobre aviso no hay engaño
El personaje entrañable: Monkey, of course
El personaje emputante: Evan-Keanu, of course, y también la señora de Evan
El agradecimiento: es cortita

CURIOSIDADES

  • Tuvo un presupuesto aproximado de 3 millones de dólares
  • Eli Roth escribió Cabin Fever (su primera peli) a los 22 años y todos le dijeron que el guión era una basura y que nunca sería filmado. Cuando hizo la película, tuvo una recaudación de más de 30 millones de dólares.
  • Lorenza Izzo tiene 25 años y Eli tiene 43.
  • Ana de las Armas es cubana y entró a Escuela Nacional de Arte de Cuba a los 14 años. Se fue a vivir a Madrid a los 18 y actualmente está viviendo en Hollywood. Una de sus películas recientemente terminadas tiene como coprotagonista a Keanu Reeves nuevamente y en otra la acompañará Robert De Niro.
  • Se casó a los 22 y se divorció a los 25 años. Actualmente, tiene 27.

EN CARTELERA: Operación U.N.C.L.E. / Agente de C.I.P.O.L / The man from U.N.C.L.E.

Guy Ritchie sabe filmar.

Y sabe filmar de una manera muy bella con su sello característico.

El Agente de C.I.P.O.L. lo demuestra una vez más.

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Paren la serpentina y el champagne! Estéticamente tiene unos momentos muy logrados, pero a nivel narrativo se diluye entre tanto toma y dame, y acusa una falta de ritmo que se hace más evidente al final.

O como diría el profesor pendejo de Whiplash: NOT QUITE MY TEMPO!

La duda que además se me genera, así como cuando te preguntás el origen de las especies y qué fue primero si el huevo o la gallina, es ¿por qué, por qué Guy Ritchie contrató como actores principales a dos tipos que actúan tan mal?

Armie Hammer fue el príncipe boludo en Mirror, Mirror y el descafeinado Llanero Solitario, mientras que Henry Cavill es ya conocido como el nuevo/mustio Superman.

Sí, ya sé, algunas damas (y damos) salivan por las dotes físicas de ambos muchachones, pero, acá entre nos, la falta de talento me es muy matapasiones.

Diremos que, a pesar de la falta de talento, el dúo consigue funcionar sin que eso pueda dar pie a que ambos personajes se conviertan en icónicos como Bourne, o James Bond o el mismo Ethan Hunt.

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Luego de esa reflexión que se estrella en el infinito, sigamos…

Son los 60s. Guerra Fría. USA y Rusia jugando (Pinky y Cerebro´s style) a conquistar el mundo.

Henry “Frente” Cavill es Napoleón Solo un agente americano que se mete en la Alemania dividida por el muro para buscar a Gaby (Alicia Vikander), aunque el objetivo final es descubrir dónde está su papá, un científico colaborador de los nazis que tiene en su poder la clave para armar bombas nucleares. La misma misión en la vida tiene el ruso Illya (Hammer)…

Hmmm esperen, esto no es básicamente la misma sinopsis de Agente 47? Dos menganos tras de una fulana porque quieren encontrar al padre de la susodicha?

En fin…

A Gaby (Alicia Vikander) la encuentran al principio, fastuosa escena de extracción de la Alemania Socialista de por medio. Luego, Illya, que es agente de la KGB, debe unir fuerzas con Solo, que es agente de la CIA, para llevar a cabo la misión de encontrar al científico y a la peligrosa organización secreta que gesta la bomba nuclear.

Nuestro Guy Ritchie tuvo la presión del estudio que deseaba una película apta para menores de edad ($us), así que reprimió sus instintos violentos/sangrientos y terminó haciendo la típica buddy movie solo que en medio de una historia de espionajes/asesinatos y oscuros intereses.

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Si bien, como ya dije, el dúo de amigos/enemigos funciona, los villanos nunca terminan de despuntar, y aunque todo canta que estos dos sujetos son espías encubiertos, los personajes antagónicos parecen no darse cuenta hasta que SPOILER Gaby delata a todo mundo porque ella TAMBIÉN es agente encubierta, pero por el lado de los británicos FIN DEL SPOILER.

La historia tiene muchos baches, pero baches panditos. Sabés que es una huevada pero no te dan ganas de arrancarte los ojos.

El Solo que construye Henry Cavill podría pasar un taller intensivo de 1001 maneras de actuar con la frente o La versatilidad de la frente como elemento de actuación. Aquí una muestra que ociosamente he recopilado de escenas de la película, solo para que vean que no miento ni exagero.

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Por su lado, Hammer, pobrecito, hace lo que puede con su espía ruso…aunque por lo menos el humor y su relación con Gaby salvan algunas escenas, porque de todos los espías que aparecen en la pantalla la sueca parecida a Natalie Portman es la que sale mejor librada.

El filme es un reboot de una serie de los 60s de igual nombre. La serie fue concebida en un inicio por Ian Flemming (el autor de James Bond) y como parte de los correteos de Bond, de ahí extrajeron al personaje Solo y le crearon un universo televisivo. Illya apareció en un episodio como un accesorio más de la trama y tuvo tanta repercusión en el público que inmediatamente los productores decidieron unir a la pareja dispareja y convertir la serie en una historia para dos.

La versión televisiva duró 4 años, de 1964 a 1968 y respondía a inquietudes políticas de la época. El proyecto para el cine tardó en cuajar más de una década y Guy Ritchie le puso mucho entusiasmo llegando a involucrarse en el guión junto con Lionel Wigram, conocido por participar en varias de las Harry Potter y en Sherlock Holmes (la que tanto odié).

Hay quienes dicen que Guy Ritchie debe dedicarse a dirigir y no a escribir, y puede que sea cierto. Su afán de ponerle humor a la historia, y de marcar evidentes momentos para que transcurra acción o no, además de su poca visión a la hora de finalizarla (TERMINÁ LA PELÍCULA DE UNA VEZ!), nos dejan pensando muy en onda onírica en lo que esta saga de espías pudo ser y no es.

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A pesar de lo dicho, de Frente Cavill y de las obvias deudas al género, a nosotros y a la Pachamama, hay un par de escenas que están muy buenas, a eso agreguémosle una excelente fotografía de John Mathieson (Gladiador, X-Men, Hannibal)  y una maravillosa banda sonora (quizás lo mejor de todo) de Daniel Pemberton que hacen que Agente de C.I.P.O.L. sea una película que se puede mirar con relativo entretenimiento, con un hermoso envoltorio, pero hueca como tutuma volcada.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: muy bien filmada y excelente banda sonora
Lo peor: le sobran 20 minutos y no consigue dejarte una sensación de wow
La escena: toda la secuencia en que SOLO se sube al camión, come, y luego se champa al agua.
Lo más falsete: los 20 minutos que le sobran y las actuaciones de Cavill/Hammer
El mensaje manifiesto: En el fondo, todos podemos ser amiguitos
El mensaje latente: no confíes en ningún amiguito
El consejo: Vela con subtítulos en un horario no muy tarde porque es larga
El personaje entrañable: la parejita de Illya y Gaby
El personaje emputante: la frente de Henry Cavill
El agradecimiento: porque dentro de todo se deja ver muy bien.

CURIOSIDADES

U.N.C.L.E. que en español significa Tío, puede ser un guiño al Tío Sam o a la ONU. También era anacrónico a  United Network Command for Law and Enforcement (Comando de Red Unida para la Ley y la Ejecución).

Henry Cavill que interpreta a un espía americano es en realidad británico, Armie Hammer que interpreta a un espía ruso es en realidad americano y Alicia Vikander que interpreta a una alemana es en realidad sueca.

Armie Hammer bromeó diciendo que la primera vez que se juntó con Henry Cavill se sintió intimidado por su gran look: “su cuerpo, sus músculos, casi todo. Hay un paquete completo ahí” dijo.

David Beckham tiene un pequeño cameo como el proyeccionista.

El único miembro del casting principal que usa su acento natural es Hugh Grant.

El único que vio El Agente Cipol de 1964 fue Armie Hammer.

Steven Soderbergh iba a ser el director inicialmente, pero debido a diferencias creativas con el estudio abandonó el proyecto.

George Clooney fue el primer actor en ser considerado para personificar a SOLO, pero por problemas con su espalda se retiró del proyecto.

Henry Cavill audicionó para el rol de Illya Kuryakin.

Armie Hammer audicionó para el rol de El Hombre de Acero que protagonizó Henry Cavill, luego también fue considerado para el rol de Batman en la nueva entrega, papel que finalmente cayó en Ben Affleck.

Es el primer guión desde RoncknRolla en el 2008 en el que participa Guy Ritchie.

Hugh Grant rodó sus escenas en tres semanas.

Es el primer filme de Guy Ritchie rodado íntegramente con cámaras digitales.

EN CARTELERA: El Payaso del Mal (Clown)

Hay que asumirlo, de entrada el título nos haría escupir tres veces sobre la tumba de Stitches (ajá, también vi Stitches).

Si hay que repartir culpas, la culpa es en primer lugar del Multicine porque fui a ver Hitman y tenían un problema con la llave de la película, así que NO hubo proyección y tuve que elegir otra, en este caso El Payaso del mal; en segundo lugar el maquillaje del pinche payaso me hizo humedecer el corazón recordando a El Guasón y, tercero, la culpa también es de Eli Roth que hace aparecer su nombre en el afiche garantizando todo el asuntito. Eso le pasa a Eli por creer en maripositas preñadas. John Watts (Director y guionista) y Christopher Ford (co-guionista) lanzaron, allá por el 2010, un tráiler falso bajo la sugerente publicidad : “Del maestro del terror: Eli Roth”, y claro, Eli no sabía de la existencia de la película, de Watts o de Ford, pero le pareció chistosito, y pensó que esa mentira (o estrategia de marketing) en pro de visionados fáciles era muestra de arrojo, de valentía, y al final terminó contactando a los crispines y metiéndose de productor. De ahí que el póster haya quedado así:

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¿Resultado? Vi El Payaso del mal.

La idea de un payaso malo que despierta terror ya nos la vendió el mismísimo Stephen King con IT y los niños de los 90s vieron ese terror materializado en su película de TV y en la rechoncha figura de Pennywise.

Lo demás, son huevadas.

Ahora, como que estamos muy viejos y muy cansados para asustarnos con payasos malévolos.

Roth y Watts y  Ford pensaron que aún hay tela para cortar y el 2014 se estrenó Clown: lo que por estas tierras tropicales se denominó El Payaso del mal.

CLW_2447Kent McCoy (Andy Powers) es un agente de bienes raíces. Está casado con Meg (Laura Allen) y tiene un pequeño hijo llamado Jack. Jack está de cumpleaños y espera que a su cumple llegue un payaso. El payaso contratado cancela y Meg desesperada le avisa a Kent que NO hay payaso. Kent se encuentra en una de sus tantas casas que está poniendo a la venta y recibe la llamada en un cuarto donde OH! SOPRESA! descubre un disfraz de payaso que él mismo usa para que Jack no sea decepcionado.

¿Ven? cosas malas ocurren cuando malcriás a los niños: Si NO hay payaso, NO hay payaso. Punto.

Kent se pone el disfraz, va a su casa, y para alegría del cumpleañero y de los invitados se convierte en Tontín.

La fiesta termina, el abnegado padre se duerme, Meg posterga la noticia de su recién descubierto nuevo embarazo y chan! Al día siguiente despierta con la novedad de que el traje, la peluca, el maquillaje y la nariz de payaso no se los puede quitar.1280x720-BaQYo me imaginé que el payaso malo iba a ser un cojudo vestido de payaso onda psicópata, compañero de butaca pensó que quizás el payaso iba a ser reemplazado por un psicópata y bla bla bla. La palabra clave es psicópata.

Entonces, cuando Kent queda sin poder desprenderse de los objetos que lo hacen payaso, se abre una brecha narrativa surreal: tiene que ir a dejar a su hijo al colegio vestido así, tiene que aparecerse en el trabajo así, y vemos sus vanos esfuerzos por quitarse los elementos que cuasi cuasi se han fundido con su cuerpo.

Terrible.

Watts intenta manejar cierto humor negro, pero creo que en su caso apenas consigue desprenderse del absurdo y generar más bien risas incómodas.

Roth comentaba que como parte de su decisión de producir el filme pensó que esta era una buena oportunidad para hacer una versión de La Mosca, y asistir a una suerte de transformación grotesca.

Ok, Eli, entendemos lo de La Mosca y de hecho, la transformación está: Kent es un hombre bueno que a merced del traje de payaso experimenta cambios en su personalidad y en su físico. Pero la comparación llega hasta ahí, la dieta infantil y cómo es resuelta la transformación del personaje hablan de la inexperiencia del director y sus guionistas.

La película desbarranca del todo y se pone pesada. Pesada en giros, pesada en escenas, pesada en extensión.

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Llegó el momento en que solo le decía a la pantalla: SPOILER “Ya decapiten al maldito payaso!” FIN DEL SPOILER

A destacar una excelente fotografía del casi debutante en largometrajes Matthew Santo y una linda elección de colorimetría.

Podríamos decir que lo más logrado de El Payaso del mal son las cosas que insinúa, cuando no se pone gore al pedo y  aspira a salirse del lugar común, lo que sucede en muy poca parte de su metraje.

No diré que es aburrida, se ve con relativo entretenimiento, pero tal como su título promete no te deja nada más que los 100 minutos pasados en la butaca.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: su fotografía y la idea base de que el payaso no se pueda quitar el traje

Lo peor: el personaje boludo que hace de dueño anterior del traje

La escena: la parte de la nariz, creo que fue lo más intenso.

Lo más falsete: el personaje boludo que hace de dueño anterior del traje, el bicho en el que se convierte y casi toda la secuencia final es muy estúpida.

El mensaje manifiesto: si NO hay payaso, No hay payaso y PUNTO.

El mensaje latente: Te queremos Pennywise.

El consejo: Para asustar a uno que sufra de coulrofobia.

El personaje entrañable: el pobre Shadow…

El personaje emputante: Debo decir que Meg y el papá de Meg y claro, el personaje boludo que hace de dueño anterior del traje. AH! y hay espacio para decir que en la función que estuve una parejita llevó a sus niños pequeños a ver esa atrocidad y las pobres criaturas lloraban asustadísimas.

El agradecimiento: porque las he visto peores.

CURIOSIDADES

  • Es bueno ser amigo de Eli Roth, después de Clown, a Watts le ofrecieron hacer una peli que se estrenó este año llamada Cop Car con Kevin Bacon y gracias a esa película nuestro Watts, con solo 34 años, dirigirá el reboot de El Hombre Araña. Bien por él.
  • Eli Roth hace un cameo en el filme como el payaso Frowny.
  • En Italia prohibieron el poster por encontrarlo demasiado para el público general.

CINE: El Graduado

Mi primer contacto visual con El graduado (1967), fue a través del documental La historia del cine: una odisea, de Mark Cousins. Vi fugazmente la escena en la que Dustin Hoffman, muy joven, inexpresivo, mira, casi en estado vegetal, un televisor. Esta imagen se me quedó tatuada en la retina; me planteé ver la película. Este compromiso que me hice se debía a que yo mismo, indolente, estaba tirado en mi cama frente a la pantalla: consumiendo sin muchas ganas un documental de 915 minutos; me encontraba en un preciso momento en el que podía proyectarme en esa escena.

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El arrebato por verla no fue suficiente como para buscarla en ese preciso instante; supongo que me dormí luego de ver un episodio del documental. La emoción por ver películas, de las que me ha llegado una referencia, me dura, a lo sumo, una hora. En ese lapso consulto sinopsis, crítica, luego busco el archivo de mejor calidad, el audio original, los subtítulos adecuados, se arranca la descarga, pero una vez conseguida no la veo porque hay otras en cola, a no ser que los ánimos sean inminentes. No fue el caso con El Graduado. Transcurrieron semanas, un par de meses. Pienso ahora que este proceso que describo está acorde con la búsqueda desapasionada por consumir cultura, tampoco propiamente reflexiva; es más bien como si la sensibilidad y los ánimos se dejaran llevar por una de esas plantas del viejo oeste, que se ve en las películas, que está a merced del viento. No buscaba respuestas en El graduado, existía una curiosidad honesta, sí, también el ánimo de acumular películas en la cabeza.

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            Lo que encontré el filme fue más o menos esto:

El protagonista es Benjamin Braddock (Hoffman) quien regresa a su casa luego de haber terminado exitosamente su carrera universitaria: se lo recibe con una fiesta en donde sus orgullosos padres lo exhiben a sus amistades, al círculo de clase alta de su ciudad. Ante esta celebración, Ben, se siente ofuscado, tímido, reacio, manifiesta su preocupación por su futuro, “quisiera que sea diferente”, dice Ben. Luego aparece en escena Mrs. Robinson (Anne Bancroft), una espléndida, elegante, fumadora, decadente, guapa mujer de cuarenta y algo años con la que Ben tendrá un affaire [el que se anime a ver la película recordará que a la hora de desnudarse, Mrs. Robinson, tiene las marcas del bikini sobre su bronceado cuerpo, bueno, yo lo recordaré un buen tiempo]. En seguida se suma Elaine, hija de Mrs. Robinson que complicará el curso de la historia.

A partir de la aparición de este tercer personaje los protagonistas entran en crisis, tornando así el filme de lo que parecía un cómico ‘drama existencial’ a una comedia romántica (incluso el ritmo de la película cambia: es más frenético, ansioso, como cuando se está enamorado pero no se es correspondido). Lo que parece ser una comedia (rara) romántica en donde se entiende triunfará el amor -todo apunta hacia eso-, se convierte al final en un drama donde el sexo, incluso el amor, solo son paliativos para aquello que corroe a los personajes: el spleen, aquella melancolía sin causa aparente y de la que los personajes sin saberlo tratan de sacudirse.

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Llama la atención que Ben Braddock y Mrs. Robinson son un espejo del otro, se encuentran en el mismo lugar donde se los muestra en la película: es decir, ambos comparten, llamémosle, el bloqueo vital. Los diferencian sus circunstancias que no han sido las mismas. Ben, hijo de una familia adinerada, buenas calificaciones, futuro promisorio, pero insatisfecho. Mrs. Robinson, se embarazó muy joven, tuvo que responder a esta responsabilidad, se casó, es infeliz con su esposo, alcohólica, también insatisfecha con lo que le ha tocado. Braddock y Robinson son el espejo del uno del otro, solo que esta última ha sido deformada por el tiempo, ahora lo suyo es un fastidio crónico. En lo que respecta a Ben, su caso muestra un destello de luz al final del túnel: el amor, él intuye esto, lucha por ello, quiere estar con Elaine.

La película destina más de un cuarto de película para esta ‘lucha’, que culmina con una escena clásica, una pareja frente al altar de la iglesia, Ben en la parte de atrás, al otro lado de unos vitrales gritando “Elaine”, ella corresponde, huye con Ben, suben a bus, se acomodan en la parte trasera, comienza a sonar Sound of silence, de Simon y Garfunkel. Hasta este momento uno cree que la pareja se dará un beso, que así cerrará la historia (rara) de amor, pero no ocurre esto: si no que ves las expresiones de ambos, la de Elaine es de extravío o de arrepentimiento, en todo caso no está contenta, a Ben se lo ve gozoso pero no mira a Elaine, está contento por lo que acaba de hacer, la aventura, no porque hubiera conseguido a su amor. Entonces es cuando uno comprende que la película no es una comedia romántica ligera, que de eso no trataba la película, si no que nunca habíamos abandonado el drama que atraviesan sus personajes enfrentados a su crisis.

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            Menciono esto como curiosidad: llama la atención el recurso de la pecera para provocar un efecto o como símbolo de encierro, sin salida, de aburrimiento. Al comienzo del filme, la cámara se detiene un par de veces en una pecera, también enfoca a Ben visto a través del agua burbujeante y habitada por pececitos. La presencia de este objeto en la ficción relacionada a una crisis de un personaje, o que se plantean el sentido de la existencia, lo vemos en Meaning of life, de los Monthy Python, con la escena famosa en la que seis peces con el rostro de los python discuten absurdamente sobre el sentido de la vida. El otro ejemplo bien puede ser la relación de Cetarti, personaje de Carlos Busqued, en su novela Bajo este sol tremendo en el que tiene como mascota a un ajolote inexpresivo, hierático en su pecera: el personaje Cetarti también tiene estas características.

            ¿Qué me deja el filme?

            Una excelente interpretación de Hoffman, es su segunda película de su carrera; casi un debut. Me quedo con la escena de Mrs. Robinson poniéndose las pantimedias frente a Ben. Me queda una preciosa escena de Hoffman vestido de buzo en el fondo de una piscina y otra en la que sobre esa misma piscina, ayudado por un flotador, se dora bajo el sol.

            ¿Nos alimentamos de eso, no?

De fragmentos de los personajes de un actor, de escenas de las películas.

Permanece conmigo Hoffman maquillándose frente al espejo en la película Tootsie. Hoffman caminando vestido con la misma ropa de Tom Cruise en Rainman. Aprecio a Hoffman rengo, timador, sucio, con el calcetín roto y fui marcado por su muerte en la excelente Midnight Cowboy. Pero también reconozco a Hoffman en sus versiones menos memorables, de maestro perfumista en El perfume. De padre excéntrico de Ben Stiller y esposo de Bárbara Streinsand, en Los Fockers. Continúo en la búsqueda para rellenar mi versión de este gran actor; hace poco descargué Perros de paja, de Sam Peckinpah.

Otros datos:

Por aquellos de su estreno se consideró a El graduado como cine de autor.

El filme está basado en una novela, menor, de Charles Webb.

Se consideró la película un golpe duro a la clase alta norteamericana.

Tuvo 7 nominaciones a los óscar. Premio mejor director en los premios Bafta. Y otros galardones más.

La banda sonora estuvo a cargo de Dave Grusin, Simon y Garfunkel.

La escena final la recrearon los Simpson cuando el abuelo Abe arrebata a la abuela Bouvier del altar cuando estaba por casarse con el Sr. Burns.

Saúl Montaño

montanosaul@gmail.com

twitter: @montanosaul

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