LOST IN CONTEMPLATION OF WORLD

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CINE: Suicide Squad (Escuadrón Suicida)

Por: Mónica Heinrich V.

Premier de una película, brillitos, lentejuelas, alfombra roja, hombre casi cincuentón grita: “Fuck Marvel!”.

Horas después, el mismo individuo se disculpa a través de twitter diciendo que solo repetía cual muñeco de ventrílocuo lo que dijo un fan.

Como canta la India: Ese hombre que tú ves ahí, que parece tan galante, tan atento y arrogante es el infame David Ayer, director de Suicide Squad.

Repasando la filmografía de David Ayer (Training Day, Sabotaje, End Watch, Fury) nos damos cuenta que está a la altura de su comentario “de salón” y, por supuesto, de todo perendengue mal contado que distrae la pupila en esta entrega tan esperada del universo DC.

Porque sí, abnegados compañeros de butaca, si pensamos que Batman VS Superman era lo peor que le podía pasar a dicho universo, es porque no habíamos visto esto.

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Colorinchis y rechinantes como el tercer día de carnaval

No, no hace falta ser maestro Pokemon para atrapar ese monstruo feo, deforme y rosado que metaforiza la decepción dejada por el producto de Ayer.

Y digo decepción subiéndome al barco a la deriva ocupado por los fans, geeks, freaks, y público en general que realmente navegaban con la cara pintada color esperanza.

Alguien dirá: “Por lo menos, es más entretenida que BvS”.

No sé. Sería la tutti que estuviera para resoplar almohadas teniendo tanto personaje pintoresco, el cortísimo short de Harley Queen y situaciones bizarras varias.

Pero empecemos hablando de la película, con spoilers al trochis mochis, como debe ser.

Hay una doñita llamada Amanda Waller (Viola Davis), que con la muerte de Superman se fatiga pensando “y ahora quién podrá defendernos”, entonces se le ocurre reclutar a ciertos personajillos que sean CAPOS para sus matufias, capos pero desechables. Estamos hablando de esos tenedores que parecen metálicos pero que en realidad son de plástico: son útiles, sacan de apuros pero si los perdés o se fregan no pasa nada.

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Señores, ahí donde me ven he ganado un Emmy y fui nominada al Oscar.

Estos personajillos tienen evidentes problemas mentales, son asesinos, han vivido mucho tole tole, y no son precisamente gente a la cual escarbarle los sentimientos o usarlos de modelo de vida como si se tratará de un Michael Phelps. No.

Buena parte de la película se desarrolla en la presentación de los reclutados: que si DeadShot es el mejor sicario del mundo mundial, pero OH! su talón de Aquiles, su Kate del Castillo es su pequeña hija. Que si Harley Queen se enamoró del Joker (¿amor?) y se volvió más impredecible que el invierno cruceño. Que si Diablo vive atormentado por haber perdido a su mujer y a sus hijos (espacio para sentir penita por un feminicida que con o sin súper poder ejercía la violencia doméstica y la violencia a secas) Y bla bla bla bla y más bla.

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Lo mejor de este personaje son las chinelas: cómodas, a rayas y no se meten en las hendiduras de los dedos

Cuando la tal Amanda tiene luz verde para juntar a tan ameno grupete y defender la Patria (USA), entran en escena Batsy (Ben Affleck) y Flash, que los capturan en mode: flash y sin intervenir mucho más porque sí, recordemos chicos: los héroes siempre son funcionales al sistema.

A cada prisionero se le inserta una especie de chip explosivo en el coto que servirá como elemento disuasivo de intentos escapistas. Nada como la coerción en un país que ha fundado sus cimientos de esa manera.

Lo que hasta ahora era soportable se va al carajo con la aparición de la Encantadora, interpretada por Cara Delevigne.

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Tráfico de influencias, malos efectos especiales, pésima actuación, todo condensado en este frame

Ignoro cuya elección fue, quién la puso por amistad, taquilla, o simple ceguera de murciélago, el responsable de ese casting lanzó un gargajo al firmamento y cayó pegajoso encima de nosotros. Asco.

Esta tipa no sabe ni contonearse, y no tiene la fuerza actoral para un personaje que se supone tiene que hacer frente a los loquitos arriba mencionados.

Por si fuera poco, la Encantadora es una de las reclutadas, y Amanda teniendo en su poder el famoso corazón que la destruiría al tiro, la deja montar un zafarrancho que pone en peligro a la siempre aterrorizada Norte América.

La brujita tiene poderes de diversas índoles y alcances, puede hacer hamburguesas de todos y cada uno de los crispines que la persiguen, y crea un portal (¿?) muy choto con la finalidad de, a su vez, crear “un arma” (¿?).

Es frente a esa cosa brillante, insulsa, donde la no menos insulsa Cara hace su mejor esfuerzo contorsionista y naranjas.

No existe plastilina en el mundo que me ayude a explicarles con qué fin u objetivo sucede toda esa secuencia. Tampoco tengo ganas de enlistar los portales, rayos verticales, fuentes de poder, que vengo viendo desde hace años en películas de súper héroes (¿es un plugin prediseñado?), mientras el malo maloso se ventea por ahí e intentan destruirlo hasta que en una burla al extrañado Alejandro Dumas, consiguen vencer la amenaza bajo el “todos para uno y uno para todos“.

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Te acordás que antes de que venda escáneres, allá por 1996, ¿me deshice de un bollo de aliens?

Esta trama tan “compleja” fue escrita por el mismo David Ayer, que sí, se basó en los cómics originales, concretamente los producidos en los 80s por el señor Ostrander y los escritos por Adam Glass a partir del 2011, pero que producto de las malas reseñas obtenidas por Batman Vs Superman y la exigencia de hacer de Escuadrón Suicida una película familiar, termina con una trama absurda, sin contenido de ningún tipo, bobalicona, con una villana de risa e inoperante, y unos antihéroes poco memorables.

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La cagamos, Puddin!

Will Smith vuelve a interpretar a, fanfarrias por favor, Will Smith. Solo le falta vender escáneres o darle a su hija un Handy para hablarle desde su celda/nave espacial. Su paternalismo yanqui llega hasta la mimosa Harley Queen, una Margot Robbie compenetrada en su papel de objeto sexual cinematográfico y de perturbada partner del Joker. Jared Leto, pobrecito él, piensa que lo jodido de la película es que dejaron al Joker en apariciones boludas que juntas suman en total 15 minutos, pero NO Yisus Leto, No. No hay nada que tu personaje pueda hacer por la película de Ayer. Nada. Vos sos parte del problema, no de la solución. Hay que hincarse de rodillas y dar gracias a Dios y al de abajo porque no tuvo más minutos en pantalla. Yisus nos entrega un Joker que parece un tipo con un “mal viaje” cospleyeando a Ledger/Nicholson juntos.

Jai Courtney interpreta al Capitán Boomerang, que al igual que el resto de suicidas desechables tiene poco brillo del cual presumir. Ustedes saben: personajes de relleno para el Príncipe del Rap (aka Will Smith).

Lo peor sucede cuando ya asumida la chicha sin dulce de Cara y el despelote de la trama y el desperdicio de personajes y  la cruel estafa de los tráileres donde nos prometían más Joker del que en realidad había, llega el cherry de la torta: los sociópatas/psicópatas que forman parte de la troupé, desarrollan sentido de pertenencia y son más unidos y leales entre ellos que los mismísimos Ingalls. Ñoños express.

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Somos rudos…y sí…nos amamos

¿Algo para rescatar? ¿Así como cuando una potencial pareja no te gusta y decís que es buena gente?

Dentro de todo es una película muy bien filmada, con personajes que merecían mejor suerte, con algunas secuencias que visualmente son hermosas (la introducción de Harley Queen está como de videoclip), con una banda sonora que gustará y que tiene temas emblemáticos como The House of Rising Sun (Animals), You don´t own me (Grace), Sympathy for the devil (Rolling Stones), Paranoid (Black Sabbath), entre otros, y claro, ese tipo de distracción boluda, sin culpas, que puede sentarle muy bien a una parte de la platea.

A diferencia de BvS que era solemne, Suicide Squad quiso hacer la gran Deadpool y jugar con algunos chistes, un par funcionan y otros se quedan a medio camino. A mí Escuadrón Suicida me vendía locura, irreverencia, y desmadre, al final tenemos unos psicópatas ñoños protagonizando una película muy desechable.

Como dijo acertadamente un gringo al criticar esta tierna incursión americana:  Suicide Squad convierte al universo de DC en el Donald Trump de los blockbusters.

Buenas noches.

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Lo mejor: a nivel visual tiene sus buenos momentos y al ser un fanservice habrá fans que la disfrutarán (sí me lo copié de la reseña de BvS) Lo peor: Suicide Squad tiene demasiada desidia en el guión y mucha inmadurez del director o del estudio o del espíritu santo La escena: la presentación de Harley Queen (bonita), la del portal (terrible) Lo más falsete: excesos de flashbacks, la villana es una lágrima y los tipos rudos demasiado ñoños El mensaje manifiesto: taquilla no es equiparable a calidad (sí, también me lo copié de la reseña de BvS) El mensaje latente: a veces el villano te da la dimensión que alcanzará el héroe o su equivalente El consejo: si la vas a ver, no gastés en el 3D, ni esperas demasiado (último copie de la reseña de Bvs) El personaje entrañable: el pobre Ben Affleck haciendo de un Batman emo (no, este será el último último) El personaje emputante: la Encantadora, obvio El agradecimiento: por haber dejado solo esos 15 minutos al Joker de Yisus Leto.

 

CURIOSIDADES

Tom Hardy era el elegido para ser Rick Flag, pero por sus compromisos con El Renacido no pudo ser parte de la filmación.

Entre toda la chorizada de escenas que cortaron están varias que involucran a Yisus Leto, a Killer Croc, el pasado de Diablo, y otros. Según dicen los que se quejan del corte final (Yisus Leto) se dejaron muchas cosas en la sala de edición.

El pobre Yisus se metió tanto en su papel de Joker que actuaba como tal incluso cuando no estaban filmando. Hubo gente del crew que estaba algo atemorizada por su comportamiento e incluso Will Smith dijo que no pudo conocer su verdadera personalidad porque siempre estaba en personaje. Sí, y después de toda esa paja mental Yisus solo tuvo 15 minutos en pantalla. Shit Happens.

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Es la tercera aparición del Suicide Squad en personajes de carne y hueso. Ya aparecieron en TV, en las series Smallville y Arrow.

Ryan Gosling fue tentado para hacer el Joker, pero no quiso atarse a una película que suponía secuelas. Muchacho inteligente.

La entrega del producto final supuso para David Ayer un estrés extremo, la película pasó por las manos de varios editores, de conflictos creativos, y de exigencias de Warner, sobre todo con el resultado que obtuvo BvS se hicieron muchos cambios e incluso se refilmaron escenas para inyectarles humor.

Jai Courtney había declarado que nunca estaría en una película de súper héroes. Helo aquí. Helo aquí.

Emma Roberts fue ofrecida por Warner para interpretar a Harley Queen, papel que ella rechazó para dedicarse de lleno a su serie televisiva.

La película se filmó en Toronto y Ontario bajo el nombre Bravo 14.

David Ayer castineó a Cara cuando no había guión por lo que le recomendó que para preparar su personaje se desnudar en el bosque, preferentemente a la luz de la luna y caminara. Ella dice que siguió las indicaciones (insertar emoticón que vuelca los ojos)

Para la Encantadora las opciones eran: Brie Larson, Megan Fox, Ellen Page, Emma Stone, Alicia Vikander, Emilia Clarke…hmmm…sí…cualquiera hubiera sido mejor, cualquiera.

Zack Snyder dirigió la escena en la que Flash captura al capitán Boomerang.

El hijo de Clint Eastwood, Scott Eastwood aparece en la película como uno de los ayucos de Flag.

Hay una escena post-créditos en la que Waller hable con Bruce Wayne y le entrega documentación clasificada. Un pobre intento de unir este despelote con La liga de la Justicia.

Un fan ha demandado a Warner por publicidad engañosa. Alude a que todos los trailer de Suicide Squad mostraban al Joker como la voz cantante y luego fue al cine y se encontró con que el Príncipe del Rap era el mandamás. Veremos qué sucede.

Si ya la viste,puntúa la película!

CINE: Batman VS Superman

Por: Mónica Heinrich V.

Es como cuando tenés miedo a nadar y te animás a meter un pie al mar y aparece un tiburón.

Este tiburón tiene su nombre tatuado en una aleta: Batman VS Superman, y llega así: gigantesco, colmilludo, justo cuando ya vos estás con el agua hasta la cintura.

Así de mala es la nueva película de Zack Snyder, sobrepasa cualquier pesimista predicción que se fue cocinando en los tres años que pasaron desde que se anunció el proyecto en Comic Con.

Lo de Snyder podría entrar entre los anales de la destrucción más violenta y virulenta (además de lenta) de varios superhéroes. Inventaremos una palabra para el susodicho: es un “superheroéfago”. Se los come a todos y los devuelve hechos mierda.

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La Trinidad, desperdiciada

Pero OH! sorpresa de las sorpresas, el señorito Ben Affleck resulta ser el MENOR de los males.

Desarrollo por partes. Aviso que hay spoilers y que esto será largo, pajero y hasta insoportable, pero me acojo a lo que dijo Zack Snyder cuando le preguntaron sobre qué pensaba de la bosta en camión que le echaban a la película: “It is what it is”

1.- Hubo una vez algo llamado blockbuster

Todos sabemos que si vamos a ver un blockbuster no veremos una película de Michael Haneke o de Wes Anderson o de Fellini, o sea, el blockbuster es un cine pop, es el Justin Bieber de las salas, es la hamburguesa Luisin, es El Alquimista.

Lo que podés esperar en el caso de un blockbuster con superhéroes es al sujeto de turno (Batman, Superman, Hombre Araña, Iron Man) luchando para salvar al mundo de “algo” o “alguien”, un villano loco, una chica linda, y algunos conflictos existenciales del héroe. Todo revestido de algo de misoginia, fascismo, celebración del Estado americano y paternalismo yanqui.

Muy bien.

Nos comemos esa huevada para recibir a cambio algo de entretenimiento, popurrí cursi, violentos cortes de plano, algunos chascarrillos, rayitos acá, bichitos allá y distraernos un rato de nuestra pintoresca realidad personal y nacional que ya son películas multigénero.

2.- Hubo una vez un blockbuster de superhéroes

En el tema de los superhéroes hay dos visiones: DC y Marvel. Mientras el universo Marvel es más relajado, descontraído, y con héroes más humanos, DC juega la carta conservadora de lo que debe ser un superhéroe. En ese conservadurismo apuesta por un enfoque más profundo.

Eso no está mal, se puede disfrutar/o no disfrutar de ambos estilos, de DC es la trilogía Batman de Nolan, mientras que Los Avengers (Jódanse, Avengers!!) de la cocina Marvel.

Batman Vs Superman es la manera que encontraron DC y Warner de expandir su universo y tratar de hacerle competencia a Marvel en ese ámbito.

Dicho esto, podemos meternos sin pudor con hombres que vuelan, damiselas en apuros y kilos y kilos de cemento destruido.

En Batman VS Superman, Snyder nos vuelve a presentar a Batman como el traumado niño Bruce (¿era necesario?) y arranca su película con el entierro de sus padres y su subsiguiente orfandad.

Elipsis temporal.

Bruce Wayne ya creció (un alto y fornido Ben Affleck) y llega a Metrópolis que está siendo atacada por aliens, para más precisión estamos hablando del momento exacto cuando se lleva a cabo el enfrentamiento entre Superman y Zod en The Man of Steel.

Uno de los edificios de Bruce se encuentra en pleno centro del despelote. El espectáculo es dantesco y cualquier ser humano con dos dedos de frente evacuaría la zona, pero sus crispines están ahí como mensos, viendo caer los edificios de alrededor como la vaca mira pasar el tren, eso hasta que Bruce llama y les dice que salgan tostando.

Superman está luchando contra Zod y, según él, tratando de salvar al planeta, pero como daño colateral se podría adivinar que mueren un montón de personas, incluido un tal Jack,  amigo de Bruce Wayne que estaba en el edificio junto a algunos empleadillos más.

Nuestro Batman queda, otra vez, traumado y resentido. No entiendo en qué universo paralelo sería culpa de Superman y no de los hijos de puta que atacaron Metrópolis. Si me preguntan a mí, la culpa es de Jack por no evacuar a tiempo y del mamerto de Bruce por no ordernar la evacuación a tiempo.

Negligencia, everywhere.

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Si la negligencia tuviera cara, sería esta

El hombre murciélago no lo ve así, y decide “vengarse” de Superman, aunque para eso se tome años (LITERALMENTE). La venganza se disfraza de control, porque como Superman es un alien, y encima súper poderoso, ¿qué tal si un día no se lo puede controlar?

“Yo, que no puedo controlar mis pensamientos emo, te controlaré pinche Superman“, parece murmurar Batsy.

Batman se convierte en un tipo acomplejado, ridículo, loser, inútil hasta para la venganza, que va por ahí en onda muy freak marcando a los criminales que agarra cual si fueran sus terneros. Se podría decir que necesita un súper psiquiatra.

Superman no lo hace mejor, siempre detrás de Lois Lane (Amy Adams) que se las arregla para meterse en entuertos estúpidos a título de que es periodista y cuya misión en la vida es ser rescatada por su novio con el cual tiene una química que ronda el menos cero.

Tanto en su versión Clark Kent como en su versión de Dios con capa, la versatilidad como actor de Henry Cavill me resulta pasmosa. Para muestra un botón o, mejor dicho, un ceño:

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El señorito Superman también anda “preocupado” por las actividades extracurriculares de Batman porque pareciera que su oficio de vigilante es más “legal y necesario” que el del Hombre Murciélago. ¿Me pregunto si no hay otras cosas de las que ocuparse en Metrópolis y en Gótica? que dicho sea de paso parecen tan cercanas como mi vecina y yo.

Al final, más que un enfrentamiento épico, pareciera la enemistad que podrían tener Kim Kardashian y Nicki Minaj por quién luce la retaguardia más voluminosa, así de patético se ve y se vive.

Damn you, Snyder!

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Tranquilo, Batman. No te fatigués. En el fondo nos amamos y nuestras madres se llaman igual.

Entra en escena Lex Luthor (Jesse Eisenberg) a quien debieron avisarle que Heath Ledger ya murió y que no se ve bien que haga un Lex Luthor que es una mezcla de Zuckerberg y el Joker. Su personaje tampoco tiene mucha coherencia ni altura de villano, o sea, secuestra a la mamá de Superman, tiene la piedra de kriptonita, hace estallar el juzgado, pero pucha que sin el menor orden o consistencia. Tampoco es la anarquía que generaba mi amado/crush/amigoimaginario El Guasón, esa anarquía medida que él mismo describe como un perro que persigue autos, pero que de alcanzarlos no sabría qué hacer con ellos.

Vacíos, everywhere.

Oh, piedrita, piedrita, qué haré contigo, piedrita
Oh, piedrita, piedrita, qué haré contigo, piedrita

Se introducen más personajes, se hace mención a un muerto Robin, se muestra brevemente a Jimmy Olsen (fotógrafo amigo de Lois y de Clark Kent), también a Mercy Graves que es mano derecha de Luthor, Aquaman, Cyborg, Silas, son solo algunos de los cameos comiqueros que veremos deseando no verlos.

Es difícil simpatizar con la visión de Snyder sobre esta franquicia, el trabajo de Frank Miller era un decontrucción del mito del superhéroe,  pero Snyder parece ignorar cómo deconstruir y mucho menos construir. Hollywood le sigue dando cantidades obscenas de plata a este sujeto para que obtenga estos no menos obscenos resultados. La taquilla lo acompaña, pero de cambiar el director, ¿estamos seguros que no tendría la misma taquilla?

Porque ¿qué es lo que hace Snyder?

Lo que hace Snyder es un fanservice de principio a fin.

Así, descaradamente y como si el público se comiera los mocos.

Agarra elementos sueltos de distintos comics, huevaditas que a los fans (algunos) les pueden gustar, los ventea un poquito y BOOM, bitches! Batman vs Superman.

Puede que resulte suficiente que Flash aparezca como una premonición de Bruce Wayne, o la alusión a Darkseid o los guiños a los superhéroes que serán parte de la Liga de la Justicia, y la parafernalia “freak” “geek” “comiquera” que puede generar hurras de alegría.

Yo doy un hurra de alegría por la gente a la que el fanservice de Snyder le ha funcionado, porque si la disfrutaron y no sintieron que botaron su plata a la calle es para tirar purpurina y confetti o, en el peor de los casos, sentarse en una esquina a shhhorar.

3.- Hubo una vez algo llamado cómic

PicMonkey CollageAl salir del cine, hablaba y hablaba de lo mala que había sido la experiencia hasta que un amigo me sacudió casi a manazos y mirándome a los ojos me gritó: “Los cómics son igual de estúpidos!”, y yo dije al estilo Barney Stinson: “Challenge Accepted!”. Me busqué los cómics en los que se basaron para la película y pasé un par de días sumergida en ese mundo. No sé porqué carajos a los felices fans no les incomoda que los cómics usados como referencia hayan sido tratados casi casi como papel higiénico.

A continuación pongo, con opción a lectura, los cómics en los que se pueden encontrar partes de la trama que Snyder nos entregó.

  • Batman, el caballero de la noche regresa: Esta es una miniserie de cuatro números, publicada por DC Comics y escrita por el gran Frank Miller . Es considerado el cómic más importante de Batman de los últimos años. En la historia, Batman anda efectivamente atormentado, pero tiene que ver con cosas más profundas que si Superman o él la tiene más grande. La complejidad de lo que le pasa a Batman se desarrolla en los cuatro tomos y nos lleva al enfrentamiento con Superman (último libro), que va más allá (nuevamente) de un celo profesional o de vacías vanaglorias. Batman ya es cincuentón y Gótica está jodida, por lo que a pesar de ser un borracho patético y no tener motivos para vivir, Bruce Wayne retorna a poner el gallinero en orden. El Estado, que tiene en Superman  (quien regresa de una situación casi zombie) a un aliado, le pide al Hombre de Acero que se “ocupe” de Batman. El enfrentamiento se lleva a cabo de esa manera: Superman, un “empleado” estatal/ contra Batman, un renegado. El resultado es opuesto al mostrado en la película. Compruébalo con tus propios ojitos AQUI. Pensar que Miller tuvo un proyecto con Darren Aronofsky que fue rechazado por Warner porque los niños no iban a poder verla (muy oscura) y no venderían juguetes. Damn you, Warner!
  • La muerte de Superman.- También considerada una de las tramas más exitosas con el Hombre de Acero como protagonista. Está dividida en cuatro partes: La muerte de Superman, Funeral para un amigo, El legado de Superman y El Regreso de Superman. Todos se pueden leer AQUI. Es verdad que Superman “muere” a manos de Doomsday, pero ni Doomsday tiene el origen que muestra la película, ni la batalla se libra como parte de un enfrentamiento con Batman. De hecho, toda la Liga de la Justicia intenta detener al bicho y nadie lo consigue, Superman se sacrifica, pero nada tiene que ver Batman. Por eso es que es tan engañoso el título de la película de Snyder, porque al final no es Superman Vs Batman, sino Superman, Batman y Mujer Maravilla Vs Doomsday.
  • Flashpoint Paradox: de ahí sacan la minúscula y horrible escena de Flash advirtiéndole a Batman sobre Lois y Superman. Una prueba más de que hay que ser muy pendejo y osado para usar una trama compleja y ponerla para los fanboys de la manera más paupérrima del mundo. Pruebita AQUÍ!
  • La Saga de Darkseid: La escena anaranjada denominada Pesadilla, donde vemos a Batman entrar a un camión y en la que aparece Superman transformado y luego atacan los parademons (los bichos que volaban) es parte de la trama creada para Darkseid y que Snyder manoseará en el futuro. “Oye, y si en lugar de esperarnos a que lleguen las otras pelis, metemos nomás a Darkseid de refilón aunque no pegue ni con pegamento industrial?”. El cómic AQUÍ.

4.- Hubo una vez algo llamado guión

Ni siquiera revisando los nombres que entran como guionistas hay una explicación para tamaño exabrupto.

Chris Terrio junto a David S. Goyer son los responsables de estito. Terrio fue guionista de Argo, y Goyer ha colaborado en la trilogía de Nolan, aunque para ser honestos solo en una fue parte del script, ya que su función fue más para delimitar la premisa de las historias. En Batman Vs Superman trabajaron a cuatro manos, y no sé a cuál poner en mi lista negra. No sé. Y ante la duda, los meto a los dos.

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Damn you, both!

Acá las incongruencias del guión de Terrio y Goyer.

  • Ya lo dijimos, hay que ser muy bruto para ver todos los edificios cayendo como naipes a tu alrededor y vos mirar por la ventana cual si estuvieras asomándote a un balcón en las islas Fiji.
  • Si Batman sabía que Lex Luthor era un mafiosillo (por algo lo quiere hackear), y luego ve que tiene los archivos de varios superhérores y que estaba evidentemente loco, no era más prioridad que Superman, un ñoño que andaba salvando vidas?
  • El tipo que pierde las piernas. O sea, Bruce Wayne casi casi se dormía pensando en Superman y nunca se preocupó por ese pobre infeliz? Sus empleados nunca le pasaron las amenazas alarmantes que hacía?
  • Culpan a Superman porque hubo un tiroteo entre mercenarios cuando fue a rescatar a Loise Lane, un tiroteo del que Loise fue testigo y encima la boludaza se conflictúa?
  • Si Clark Kent era un periodista de larga data, cómo es posible que no sepa quién carajos es el famoso, multimillonario, mujeriego, Bruce Wayne.
  • Si vas a poner a la Mujer Maravilla en la trama, ponela y que haga Maravillas. La querida Gal Gadot se pasó la película enfundada en trajes de diseñador, tacos, y mirando lo que sucedía a su alrededor por la tele. Inutilidad express.
  • Batman-v-Superman-Dawn-of-Justice-Trailer-2¿Era necesario que Superman interactúe con su fallecido padre UNA VEZ MÁS? Dejen que Kevin Costner muera en paz.
  • El menso de Batman pone un rastreador al camión. Encima bastante notorio, que tiene pitido y lucecita roja, aún así decide atacar el camión porque sí, qué más da. Los maleantes no se dan cuenta del cosote que suena y se ilumina. Hermoso.
  • Sabés que tu pareja puede morir por la exposición a la kryptonita, y cuando ves un arma potencialmente peligrosa que cualquier enemigo del susodicho puede usar en su contra, la largás como una papa caliente a un hueco y que sea lo que Dios quiera.
  • Luego, mirás a Doomsday y pensás (de entre todas las cosas que podés pensar) ahhh, sí, el palo con la kriptonita puede destruirlo! iré a buscarlo.
  • Hay formas de contar las cosas sin recurrir a chafas, fétidas e infantiles secuencias oníricas, flashbacks, premoniciones, alucinaciones.
  • Las motivaciones de Lex Luthor brillan por su ausencia.
  • La Mujer Maravilla consigue robar un flash cuya información no puede desencriptar y tiene la cortesía de devolverlo.  Qué boniiitooo.
  • Estamos hablando del jodido Batman (multimillonario, supuestamente inteligente y lleno de artefactos de última generación), las trampitas que le pone a Superman cuando llega la batalla son tan ingenuas y cursis que dan ganas de darle un apretado abrazo a Batman y decirle: “Batsy, lo intentaste”.
  • Jeremy Irons acompaña a Bruce Wayne como Alfred, y sí, es uno de los pocos personajes bien actuados. ¿Aporta? Nada. Dentro del guión es tan o más adorno que la Mujer Maravilla.
  • Acá viene mi reclamo mayor: lo de la madre. Lo de Martha. Marthita. No podés. A quién se le ocurrió crear un vínculo entre Batman y Superman basados en lo de sus mamitas queridas. Que si es la manera en que Batman se da cuenta de la humanidad de Superman, que si esto o aquello. Pajas! Y lo peor para mí no fue cuando Batman se pone histéricA por lo de Martha, sino cuando va a rescatar a Martha y le dice: “SOY AMIGO DE SU HIJO”, muuuuuueeero! y si no muero, mátenme! Asco. Deberían hacer camisetas con esa frase.
  • Demasiados personajes, demasiadas alusiones, demasiado todo, faltó nomás que aparezca El Chapulín Colorado o una premonición de Walter Mercado.

Finalmente, cuando el señorito Superman “estira la pata” y cuelga la capa, Batman está acongojado, claro, porque qué pena que él que estuvo tan solo en la vida no pudo ser amigo de ese Clark Kent (Superman) que compartía con él su amor por las Marthas.

5.- Hubo una vez una película en serio.-

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La película daba para más, cuando leés los cómics (sobre todo los relacionados a Batman) te das cuenta del potencial desperdiciado, se pudo aprovechar toda esa lucha de clases, de poder, el tema político, el tema filosófico, el tema de la manipulación de las masas, etc.. para plasmar una historia más sólida e interesante.

Sin embargo hay cosas que la salvan del olvido:

  • La hermosa música de Junkie XL, compositor de Mad Max: Fury road, y que acá baña con su talento las tristes escenas de Batman. Hans Zimmer compuso una también correcta música para las escenas de Superman.
  • La fotografía de Larry Fong (300, Sucker Punch, Watchmen) que sí estuvo por momentos muy linda.
  • Creo que la secuencia del bombazo estuvo bien construida en cuanto a climas y a intensidades.
  • Vuelvo a repetir, en un universo donde el Hombre de Acero es el Hombre de Acero a excepción del ceño y la Mujer Maravilla es un maniquí viviente, Ben Affleck fue el menor de los males, lástima que le tocó tan pobre película.

¿Es aburrida? ¿La recomiendo? No me pareció aburrida, porque es tan estúpida que no podés sucumbir al sueño, la sorpresa por ver tanta cosa revuelta no lo permite.

Lo que me hace detestarla y escupir sobre su tumba es lo que menciono que no me gustó porque para el presupuesto que tiene, para la mercadotecnia de la que goza, para las posibilidades de casting, de director, para basarse en un cómic de Frank Miller (que tiene diálogos hermosísimos y viñetas pendejas), para tener todo lo que tiene a su favor, es triste que nos quedemos con un resultado tan vacío.

Lo peor, es que no hace falta que venga Flash del futuro a través de un portal chanta para advertirnos que lo más probable es que Snyder seguirá cagando las próximas entregas.

Damn you, mil veces, Snyder!

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: a nivel visual tiene sus buenos momentos y al ser un fanservice habrá fans que la disfrutarán Lo peor: intentó abarcar demasiado en lo que es la presentación de un universo  La escena: lo de Martha y el “Soy amigo de su hijo” OMFG Lo más falsete:casi todo se ve falso como diente de palo El mensaje manifiesto: taquilla no es equiparable a calidad El mensaje latente: un héroe puede quedar como un cojudo en un segundo El consejo: si la vas a ver, no gastés en el 3D, ni esperés demasiado El personaje entrañable: el pobre Ben Affleck haciendo de un Batman emo El personaje emputante: todos los demás El agradecimiento: por contratar a Junkie XL, su música es brutal.

EXTRA

Morí de risa, lo mejor comienza en el minuto 3!

CURIOSIDADES

Jeffrey Dean Morgan, el actor que interpretará al esperado Negan en The Walking Dead, encarna al papá de Bruce Wayne. Él también fue considerado para el rol de Batman, pero quedó como papá.

Ben Affleck y Christian Bale se toparon por casualidad en una tienda de disfraces, habían ido a buscar casualmente un disfraz de Batman para sus respectivos hijos. Ben le pidió consejos a Christian y este le dijo que lo mejor que podía decirle era que se asegure de que pueda orinar en ese traje.

Henry Cavill ganó el doble de musculatura de la que tenía en The man of steel, por su parte, Ben Affleck ganó unos 10 kilos de masa muscular.

Ben Affleck interpretará a Batman en seis películas más. 3 en el universo de La liga de la Justicia y 3 en solitario.

Ben intentó quedarse con el disfraz de Batman luego de terminada la película, el chistesito le salía 100.000 $us. al final se desanimó.

Hubo un momento (HORRIBLE) que el estudio consideró a Tom Hanks para hacer de Lex Luthor.

Este es el décimo sexto Batman desde 1939.

Otros actores considerados para Lex Luthor fueron Jean Dujardin (el de El Artista), Joaquin Phoenix, Adam Driver (Kylo Ren), Matt Damon y Bradley Cooper.

Es el debut de Batman en 3D. Nolan nunca quiso usar el 3D para sus películas.

Gal Gadot tiene 16 líneas en el filme.

En conversación con IGN, el director Zack Snyder explicó que “ Robin murió hace 10 años durante su encuentro con un joven Joker”.

El cineasta indicó que como Bruce Wayne prácticamente no tiene vida fuera de su guarida en la película, “pensé que la inclusión de Robin, un Robin muerto, ayudaría a entender” quién es Batman.

Si ya la viste,puntúa la película!

CINE: The hateful eight (Los odiosos ocho)

Partamos diciendo que The hateful eight NO es lo mejor de nuestro querido Quentin Tarantino. No. Sigamos con que no tiene un ápice de sentido y que todo se desarrolla con el mismo caos y excentricidad que cuando intentás hacer caipiriñas en un vaso de plástico y no tenés idea de las medidas ni del orden de los ingredientes.

Eso puede generar el odio más corrosivo por Los odiosos ocho. Ajá. Pero he aquí un detalle: tal vez no sea lo mejor de Tarantino pero sigue siendo una película de Tarantino.

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Con esto quiero decir que tiene personajes pintorescos y escenas pendejas que harán que valga la pena sentarte como 3 horas a ver ese desfile de autoreferencias que se te antojará eterno.

Q.T. se inclina (una vez más) por el western y sitúa la acción en la América profunda y racista que ya nos mostraron en Django.

Una diligencia avanza por la blanca nieve, en ella viajan don John Ruth (Kurt Russel) y Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh). La diligencia se detiene en el camino para darle aventón al mayor Marquis Warren (Samuel Lee Jackson) y Chris Mannix (Walton Goggins).

Ruth está llevando a la señorita Daisy al pueblo Red Rock para obtener una recompensa por su cabeza y ver cómo la ejecutan en la horca.

Es evidente que la presa, Daisy/Jennifer, será el botín a disputar y es evidente que Ruth no debió detener NUNCA esa maldita diligencia.

Así las cosas, charlas van y vienen y nos damos cuenta que en esta nueva película de Q.T. escucharemos un montón de texto y que dentro de su filmografía es su película más “diferente”. Diferente porque pone el diálogo por encima de la acción.

odiosos-2Pero volvamos al argumento: a la situación ya de por sí incómoda y peligrosa, se suma el hecho de que hay una tormenta a punto de alcanzar a los viajeros y la troupé se detiene en una especie de tiendita: la famosa Mercería de Minnie.

Los cuatro personajes se toparán entonces con otros cuatro sujetos: el mexicano Bob (Demian Bichir), Osvaldo Mobran (Tim Roth), Joe Gage (Michael Madsen) y el general Smithers (Bruce Dern).

Ocho crispines, una tormenta, una tipita cuya cabeza vale un montón de dinero, varios cazarecompensas, y voilá, tenemos montada una intriga sobre qué pasará y lo más importante: quién llenará de balazos a quién.

Q.T. responde esas inquietudes con creces recurriendo a su ya consabido derramamiento de sangre, algo de gore, violencia extrema al pedo, y MÁS (sí), MÁS texto.

Por supuesto que es un desfile efectista y egomaníaco, es como ver a Q.T. bailando una bachata con él mismo, con el contoneo y todo.

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Y claro, Ennio Morricone que tiene más de 500 piezas acreditadas como compositor para audiovisuales (comerciales, series, películas) le pone su impronta a esa bachata tarantinesca con una banda sonora ideal, asegurándose así el Oscar este año a Mejor Banda Sonora.

Por su parte, el gran Robert Richardson (Kill Bill 1 y 2, Hugo, Django, Bastardos sin Gloria) demuestra una vez más su talento para fotografiar este frío western. Bonita secuencia la que nos explica cómo Bob y compañía llegaron a la Mercería de Minnie. Bonita.

Lo menos creíble de The Hateful Eight fue el ojo morado de Jennifer Jason Leigh que si existiera un premio a peor maquillaje, tendríamos que dárselo a ese horrible círculo negro que aparece al principio y que va oscureciendo/menguando a su antojo mientras la película avanza. Mapache Style.

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The Hateful Eight se inspira en The Thing, película de terror/ciencia ficción de John Carpenter y si ven o repasan este ya clásico de clásicos, se pueden comparar planos, personajes y situaciones.

Hay que decir, empero, que Tarantino parece un niño de pecho al lado del Carpenter de The Thing, es como ese amigo ñoño que quiere imitar al malote del curso.

Lo más decepcionante es que después de los ríos de texto y sin vos contar con las habilidades de Hércules Poirot o Miss Marple, te preguntás porqué los maleantes no usaron esa bonita secuencia que nos explica cómo Bob y companía llegaron a la Mercería de Minnie para emboscar a Ruth y compañía.

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Tres horas con un guión que dice poco, aparte de las sesenta y cinco veces que la palabra nigger es escuchada fuerte y claro.

¿Gusta? Es difícil no sucumbir ante el encanto de algunos de sus diálogos, o a esa soberbia Jennifer Jason Leigh, que merece más y mejores papeles en el cine. Es difícil.

Como dije al principio: puede generar un honesto odio haciéndole honor a sus odiosos personajes, algunos seguidores quedarán aburridos por el excesivo texto, o se sentirán traicionados porque la famosa violencia aparece en contadas ocasiones y no de manera espectacular.  Yo me quedo con una sensación de jugarreta, de esas que arrancan risas.

Igual de sabrosas, igual de efímeras.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: no deja de tener el desparpajo Tarantino Lo peor: una bachata lenta y apretada de Tarantino con Tarantino La escena: la parte en que el Mayor le cuenta al Coronel Sanders lo que pasó con su hijo Lo más falsete: tanto tole tole que con la eficiencia mostrada al inicio se pudo resolver más fácilmente El mensaje manifiesto: menos es más El mensaje latente: los excesos pueden ser marcar registrada El consejo: se disfruta más sin grandes expectativas El personaje entrañable: Daysi y su hermano (Channing Tatum siempre será “entrañable”) El personaje emputante: el de Roth, similar a los que suele hacer Waltz El agradecimiento: por las pequeñas grandes escenas.

CURIOSIDADES

Fue filmada en 65mm. Generalmente, una película contiene 24 fotogramas por segundo, y gracias a este formato se puede alcanzar hasta los 30 fotogramas dándole al filme un look ultrapanorámico.  En la práctica y en específico para The Hateful Eight, esa elección resulta más un capricho de Tarantino, teniendo en cuenta que de panoramas y tomas colosales hay poco y todo se reduce a lo que sucede en la Mercería de Minnie, un lugar para el que no necesitás mucho más.

En la escena que Jennifer Jason Leigh toca la guitarra y canta Jim Jones at Botany Bay se prestaron una guitarra antigua de un Museo de guitarras. La guitarra en cuestión era de 1870, y se habían construido dos réplicas para que Kurt Russell las destruya de acuerdo al guión. Desgraciadamente, no le informaron a Russell de dichos reemplazos y el actor destruyó la guitarra original. La reacción de Jason Leigh es auténtica y quedó para la película. El Museo lanzó un comunicado asegurando que nunca más prestarían guitarras para otra filmación.

Este es el guión que se coló a las redes gracias a piratas informáticos. Tarantino había decidido no filmarlo, pero como ya se había hecho una lectura con el cast y los actores estaban entusiasmados, persuadieron al director de continuar con el proyecto.

The hateful eight tiene referencias a True Grit, Django, Bastardos sin Gloria y Reservoir Dogs.

Es la sexta colaboración entre Samuel Lee Jackson y Tarantino.

Algunas escenas se grabaron en sets refrigerados a -1 grados bajo cero.

Las primeras pruebas con público tenían una duración de más de tres horas y un entreacto.

En el guión original Bob era francés, no mexicano.

Tarantino hace la voz en off.

Es la primera banda sonora para un Western que compone Morricone en los últimos 35 años.

Hubo alguna polémica porque al personaje femenino lo estropean durante toda la película, algunos colectivos o periodistas acusaron a Tarantino de perpetuar la idea de que maltratar a una mujer está bien. O sea!!! ni cómo explicar cosas que parecen tan obvias. Es más, si algo sucede con Daisy es que nunca se la trata distinto por ser mujer. En fin.

Si ya la viste,puntúa la película!

OSCAR 2016: Spotlight / En primera plana

Por: Mónica Heinrich V.

Spotlight es de esas películas cuya relevancia está más en lo que dice que en cómo lo dice. No veremos algo fuera de lo común, no veremos un filme de esos que no se olvidan, no será una experiencia que a nivel cinematográfico sea extraordinaria, pero sí, es importante.

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El director Thomas McCarthy tiene un currículum irregular, de hecho es curioso que el año pasado haya escrito, dirigido y producido otra pésima película de Adam Sandler llamada The Cobbler. Así es, el tipo con una película nominada a los premios Oscar tiene otra (el mismo año) que apenas alcanza el 8% de aprobación en el Rotten Tomatoes.

Podría escribir los párrafos más tristes esta noche, pero como dicen los colombianos: me da mamera y acá estamos para hablar de Spotlight, no para hablar de Sandler.

Neal-Huff-Basado en hechos reales, el filme se introduce en la redacción del Boston Globe, más concretamente en su sección Spotlight dedicada a reportajes especiales de investigación. En julio del 2001, el periódico contrata a Marty Baron (Liev Schriever) como editor, Baron de entrada pone el gallinero en orden, decide sacudir el tablero y que los periodistas de Spotlight trabajen sobre una pequeña nota en la que un abogado afirmaba que el Cardenal Law (Arzobispo de Boston) estaba al corriente del caso de abuso sexual perpetrado por uno de sus sacerdotes y NO hizo nada al respecto.

La idea era compleja: desentrañar los secretos de la Iglesia Católica respecto al abuso sexual en Boston y no quedarse con los nombres de los abusadores, sino llegar hasta el tope de la pirámide de poder que sabía o no sabía de esa situación.

spotlight-dataWalter”Robby” Robbinson (Michael Keaton) es el líder del equipo, y junto con Resendez (Mark Ruffalo), Sacha (Rachel McAdams), Matt (Bryan Darce James) y Ben (John Slattery) entrevistarán a víctimas, abogados, sacerdotes buscando la esquiva y asquerosa verdad.

Josh Singer es el guionista. Guionista cuya experiencia, a excepción del mediocre filme El Quinto Poder, es netamente televisiva. A sus manitos les pertenecen créditos como Fringe, La ley y el Orden, Lie to me y The West Wing. 

Puede que a eso se deba un aire televisivo, con una narrativa que se antoja hasta retro, no sé. Igual, dentro de todo lo convencional que es la propuesta tanto de dirección como de guión, Spotlight quiere defenderse bajo el argumento de retrato casi docu-ficción al que no se le encuentran muchas fisuras en cuanto a argumento.

La primera parte de la película se desarrolla morosamente, con parsimonia y algo de tedio. En la segunda es donde podemos sentir un poco la adrenalina del oficio periodístico y la enormidad de lo que Spotlight estaba descubriendo.

Unas solventes actuaciones del cast, logran que una película correcta y sin sorpresas, avance un poco más allá. La fotografía austera de Masanobu Takayanagi (Silver Linings Playbook, The Grey, Warriors) nos sumerge en pasillos, bibliotecas, salas de redacción, oficinas y calles de Boston sin mayores pretensiones. 

Todo está medido, y no hay que desmerecer la sencillez de Spotlight, a veces es difícil ser sencillo y Spotlight lo es.

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Después de acompañar el relato por más de dos horas, llegás a la conclusión de que hay historias que efectivamente merecen ser contadas, esta es una de ellas. No importa que llegue casi dos décadas tarde, la película servirá para seguir debatiendo sobre las responsabilidades de la Iglesia respecto a los abusos sexuales, y el papel del periodismo para revelar temas gajudos.

Bonito el mensaje, sí. Qué bonito el mensaje.

Aún así, confieso que no me encantó, no me fascinó. Seguí la proyección con interés, admirando su relato tranquilo y sobrio, sin que me despierte mayores pasiones. A ratos, la sentí algo repetitiva en sus recursos y limitada a nivel visual.

Eso me pareció triste, que esta carta de amor al periodismo no deja de ser una algo plana aproximación a la realidad. Entiendo que es la propuesta, pero su factura más televisiva que cinematográfica me estorbaba, para qué les voy a mentir.

Ya lo dije al principio: esta es una película cuya importancia está en lo que dice más que en cómo lo dice, pero a manera personal siento que por muy importante que sea la temática si no tiene un envoltorio a su altura  no llegará más allá del impacto momentáneo.

El tiempo dirá.

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: sencilla y dice algo importante Lo peor: una propuesta de guión y de dirección demasiado convencional, casi televisiva La escena: cuando descubren cómo estaban listados los curas pedófilos en la guía de sacerdotes de Boston, y, también, la escena de Saviano Lo más falsete: el griterío de Mark Ruffalo cuando se pone histérico con Keaton porque van a retrasar la publicación, las escenas en que a fuerzas hacían aparecer niños en lugares donde se entrevistaba a pedófilos como mostrando “OH, todavía hay víctimas alrededor de ellos”, la escena del gordito cuando se detiene frente a la Iglesia El mensaje manifiesto: el poder siempre esconde mugre El mensaje latente: el poder NUNCA es inocente El consejo: para verla  El personaje entrañable: las víctimas El personaje emputante: el HDP del Cardenal Law El agradecimiento: porque siempre es necesario contar estas historias.

OSCAR 2016

Mejor Película: Me parece que puede ser la sorpresa de la noche. Es la típica película “lava conciencias” que al Oscar le gusta premiar. Veremos si la Academia se la juega o gana el lobby de El renacido o el espectáculo cinematográfico de Mad Max.

Mejor Guión: Difícil categoría. Aún no veo Straight Outta Compton, pero de las nominadas, no adoro el guión de ninguna. Pienso que el guión de Charlie Kauffman se revolcaba a todos estos.

Mejor Dirección: Yo quiero que se lo den a George Miller. Sería muy chistoso que McCarthy gane a mejor dirección, teniendo otra película tan mala ese año. O sea, el Mejor Director del año es también uno de los peores? insertar risa maquiavélica.

Mejor Actor de Reparto: Solo tengo dos palabras: TOM HARDY.

Mejor Actriz de Reparto: Esta me pareció una nominación gratuita. Cualquiera, cualquiera de las otras puede arrebatarle el Oscar a la señorita Rachel McAdams.

Mejor Montaje: Hmmmm…ocho meses de edición? hmmmmmm huevadas: Mad Max o The Big Short.

CURIOSIDADES

La edición tomó casi 8 meses.

El guión de la película estuvo en la famosa Black List del 2013, de los guiones más poco probables de filmarse.

Cuando la película se filmó, Resendez era el único miembro del equipo original que seguía trabajando en Spotlight.

Matt Damon fue considerado para el rol de Resendez.

Margot Robbie rechazó el papel de Sacha alegando cansancio. Amy Adams y Michelle Williams también fueron consideradas para el rol.

Es la segunda película en la que Michael Keaton es parte del periodismo, la primera fue The Paper (1994).

El director Tom McCarthy también es actor y tiene 39 créditos en películas y cortos.

Si ya la viste,puntúa la película!

OSCAR 2016: Carol

Por: Mónica Heinrich V.

El señorito Todd Haynes nos ha dado películas como Velvet Goldmine, Im Not There o Far From Heaven, y sin ir muy lejos una interesante serie llamada Mildred Pierce.

Por ese curriculum se assume que Haynes es sutil, un director que además puede retratar una época (los 50s) y que sabrá darle a sus personajes algo más que una engañosa bidimensionalidad.

Con Carol, Haynes se queda en una especie de cómodo limbo, donde sí hay una “linda” y “delicada” película, pero quizás sobrepasada por ese estilo pulcro y sin costuras.

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La película comienza con una escena entre Carol (Cate Blanchett) y Therese (Roonie Mara), ambas están en un local teniendo una charla definitoria acerca de su relación. Alguien interrumpe ese momento clave, y el filme viaja en un círculo para contarnos cómo llegamos a esa mesa, a esa charla.

Carol está basada en una novela homónima de Patricia Highsmith, si leen la novela descubrirán que el énfasis está puesto en esa jovencísima Therese, que a pesar de mantener una relación amorosa que ya llegó a ser sexual con su pareja Richard, todavía tiene conflictos irresueltos.

En la novela, Therese es joven, culta, lee libros, escucha música, tiene opiniones sobre la vida, sobre el mundo. Carol es una puerta hacia el amor sí, pero también a esa parte dormida dentro suyo que la chica no sabía que existía. En la novela, que tampoco está wow pero que engancha, Therese se descubre a sí misma gracias a esa relación.

La película nos presenta a una Therese con poca sustancia, que aún no ha intimado con su pareja y a la que le gusta tomar fotografías. Similar sensación deja Carol, mujer adinerada, viviendo una separación, con una hija pequeña, y paren de contar.

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Hay una historia de amor, pero los personajes no tienen mayor profundidad. Y ojo, nadie está diciendo que la película debió ser igual a la novela, de hecho primero vi la película y después leí la novela. Al leer la novela, le di algo más de valor a la película porque quedaron claras algunas cosas que en el trabajo de Haynes apenas se perciben.

El guión adaptado por la debutante Phillys Nagy conmueve en determinados momentos, cumple con exhibirnos a esta seductora y confiada Carol, a la tímida Therese, a esa relación que surge a partir de una mirada en medio de un mar de gente.

En contrapunto, o poniéndole el pelo a la leche, tenemos al estereotipo de macho celoso y posesivo en Harge (Kylie Chandler) que seguirá y atormentará a Carol porque no se resigna al fracaso matrimonial y peleará por la custodia de la hija de ambos.

Sí, el guión cumple con lo básico. La fórmula de una historia de amor casi imposible está ahí.

El final SPOILER ALERT contradice la norma de los 50s (eso quería su autora), en una época en que las relaciones interraciales u homosexuales suponían un estigma en todos los aspectos de la vida de los involucrados, Carol pretende dejarnos una suerte de happy ending o, por lo menos, algo parecido a darse una oportunidad: dos mujeres que a contracorriente deciden intentar ser felices por encima de los prejuicios. Hay que reconocer que no deja de haber belleza en eso. FIN SPOILER ALERT

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Con una linda fotografía de Edward Lachman (Erin Brockovich, Las vírgenes suicidas, Im Not There) y muy bien actuada por Blanchett y Mara, lo mejor que puede decirse de Carol es que es una película filmada con gusto, elegante y sobria.

Si algo hay que admirarle a Haynes es que su narrativa no cae en la muletilla de “amor lésbico”=propaganda de los derechos gays, sino que el filme se trata como una historia de amor a secas.

¿Alcanza? Puede que a algunos espectadores sí, en mi caso me dejó una sensación de vaga empatía, en la que por algún extraño motivo recordaba a La vida de Adèle y su famosa escena del café donde las dos chicas se juntan y una descubre que finalmente, después de tanta agua bajo el puente, el amor se acabó.

Quizás eso extrañé en Carol, más vísceras, más pulso, más desgarro, más…algo.

Mónica Heinrich V.

EXTRA

La novela en PDF: Carol – Patricia Highsmith

OSCAR 2016

Carol consiguió seis nominaciones:

Mejor Actriz: Cate Blanchett hace una interpretación muy buena de Carol, una mujer sofisticada, elegante, que alcanza sus mejores momentos en las discusiones con Harge. Sin embargo, visto lo visto, ese Oscar debe ir para nuestra Mamá de Room.

Mejor Actriz Secundaria: Rooney Mara hace una Therese frágil y encantadora. Acá, mi corazón se parte porque me encantó Jennifer Jason Leigh en Los odiosos 8, Kate Winslet está genial en Steve Jobs, Alicia Vikander hace lo suyo en La chica danesa, quizás la única que no me gustaría que se lo lleve sería Rachel McAdams.

Mejor Fotografía: Aunque tiene una fotografía muy linda no le hace sombra a Lubezki o a John Seale de Mad Max, creo que incluso la fotografía de La Chica Danesa pudo ser mayor rival, aunque no fue nominada.

Mejor Vestuario: Hmmm en esta categoría tampoco tengo un claro favorito. El vestuario de La Chica Danesa es espectacular, Cenicienta y Mad Max pueden dar pelea y el de Carol estaba muy lindo también.

Mejor Guión Adaptado: Me falta ver Brooklyn, pero entre las restantes me quedo con la primera hora de Room. Si no fuera Room, supongo que Carol, pero la verdad, ni fu ni fa con ninguno.

Mejor Música Original: Esa sí quedaría entre Carol y Los odiosos 8.

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Lo mejor: elegante y sobria Lo peor: sensación de vacío, una historia de amor fría La escena: cuando Carol le dice a Harge: We are not ugly people, Harge, fue una de las pocas escenas que me movió el piso Lo más falsete: sabe que el marido es un HDP que anda arañando las paredes y se va de road trip con la amiguita…El mensaje manifiesto: la vida es una sola o como se dice actualmente YOLO (You only live once) El mensaje latente: uno es artífice de su felicidad  o de su desdicha El consejo: para verla en el cine y en idioma original El personaje entrañable: la pobre hija El personaje emputante: Harge, por no saber dejar ir El agradecimiento: por el lindo vestuario y por no hacer una película que parezca más una propaganda pro derechos gay que una historia de amor.

CURIOSIDADES

La nominación de Rooney Mara a Mejor Actriz Secundaria causó controversia, tomando en cuenta que en la novela es ella la protagonista y en la película tiene 6 minutos más de pantalla que Cate Blanchett.

Fue filmada en Super 16mm para tener una textura similar a la de los años 40s/50s.

Justo después de filmar La Chica del Dragón Tatuado (2011) se le ofreció a Mara el papel de Therese, ella lo rechazó y Mia Wasikowska estuvo atada al proyecto hasta que decidió filmar con Guillermo del Toro Crimson Peak.

La productora ejecutiva del filme Tessa Ross, dijo que lleva 11 años tratando de llevar la historia a la pantalla gigante.

Es la segunda adaptación de una novela de Patricia Highsmith en la que participa Cate Blanchett, la primera fue El Talentoso Mr. Ripley.

La guionista Phillys Nagy escribió el primer borrador del guión en 1996.

La película recibió una ovación de casi 10 minutos en su premier en Cannes.

La primera escena que Mara y Blanchett filmaron juntas fue precisamente la escena en que sus personajes hacen el amor por primera vez.

La historia se basa en un encuentro real de la novelista con una atractiva mujer rubia en una tienda de Nueva York.

Si ya la viste,puntúa la película!

OSCAR 2016: El Renacido / The Revenant

Una vez escuché decir a alguien que Iñárritu más que una filmografía tenía un prontuario.

Saquemos nuestro filtro cálido CSI Miami (el calorcito cruceño así lo requiere) y analicemos las evidencias:

Amores Perros, una ópera prima que ha envejecido muy mal, aunque ya en esas épocas la parte del vagabundo era de terror.

-La lacrimógena 21 gramos donde seguían dándole manija al cine de varias historias con diferentes líneas argumentales que se unen por las maravillosas casualidades de la vida. Con este filme, Iñárritu empezó a construir ese nido rocambolesco de cine hecho para y por Hollywood.

Babel, película que sirvió para que el director mexicano rompa relaciones diplomáticas/personales/artísticas con su guionista Guillermo Arriaga (gracias, virgencita del Socavón) y en la que lo más interesante fue la muda asiática y lo peor todo lo relacionado a la empleada mexicana. Recuerdo haber reflexionado a la luz de la luna sobre lo extraordinario que sería para él hacer una película que  cuente solo UNA historia.

Biutiful, espesa como taza de leche con 20 cucharadas de Toddy y de la que guardamos la ingrata imagen de Javier Bardem con pañal y el recuerdo de 25 chinos gasificados.

Birdman, en la que se condensan todas las mañas y virtudes de este cineasta. Sus excesos, sus carencias. Eso sí, hay que reconocer que tuvo una propuesta estilística arriesgada y, por momentos, fascinante.

El Renacido.

Y bueno, el cine de Iñárritu te puede gustar o no, pero no te deja indiferente.

Antes de Birdman, Iñárritu andaba deprimido porque su trabajo ya no lo llenaba y  el desafío que supuso hacer ese filme le levantó la moral y lo subió a una ola “creativa” en la que decidió meter a la licuadora lo que se le antojara sin restricciones.

Ajá.

Parece que todavía no se bajó de esa ola.

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Con obvias referencias a Tarkovsky, El Renacido se basa en el libro homónimo de Michael Punke que, a su vez, agarra una historia de la vida real.

Efectivamente, cuando los americanos y los franceses estaban exterminando indios, existió un Hugh Glass. Este Hugh Glass fue atacado por un oso y dado por muerto y luego, movido por la venganza, emprendió un glorioso y anecdótico regreso a su fuerte buscando a los tipos que lo dejaron botado como una chancleta.

En la vida real, los dos tipos fueron un tal Fitzgerald y el joven Bridger, aunque los registros no indican porqué dejan al susodicho abandonado.

En el libro homónimo, Fitzgerald ve a los indios acercándose y corre a avisarle a Bridger, tomando la decisión de dejar a Glass por ese motivo.

Tanto en la vida real como en el libro, la venganza de Hugh Glass tiene un asidero personal y hasta algo desproporcionado. Por otra parte, el regreso al fuerte no fue tan accidentado, sí largo y agotador, pero no TAN duro de matar porque a pesar de lo inhóspito y de las fricciones imperantes, en el camino recibió ayuda de nativos amistosos.

El final de esa historia ocurre cuando llega al fuerte y Fitzgerald se ha marchado a enlistarse, Glass va a donde está enlistado y le dicen que el cojudo es propiedad del ejército y por lo tanto no accederá a él. O sea, Glass no puede “vengarse” nunca y el renacimiento va más allá de ser movido por la venganza, o de regresar de entre los muertos, también consiste en dejar ir.

Lo terrible, difícil, y a la vez liberador que es DEJAR IR.

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¿Qué hace Iñárritu?

Le quita a Glass su banal humanidad de vengarse simplemente por él, y le añade un hijo Pawnee para darle un toque de conflicto racial y ponerle más emotividad a la venganza.

Esas cosas que a Hollywood y a Televisa tanto gustan.

Reviste de solemnidad y misticismo esta venganza, queriendo darle mayor trascendencia de la que por sí sola despediría sin tanto remarcado.

Transforma a Fitzgerald (Tom Hardy) en un villano a tiempo completo, quien a pesar de su villanía es bastante inútil a la hora de la verdad.

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Hola, soy yo, el villano

Pero a ver, vayamos por partes y alarguémonos al pedo haciéndole honor al filme. Puntos a favor:

  • Hay dos películas en El Renacido: Una que está muy (MUY) buena y que termina o queda interrumpida en el momento exacto en que apuñalan al hijo de Glass y otra donde las cosas inverosímiles y chotas comienzan a llover como confeti a partir de ese punto.
  • La gloriosa fotografía de Emmanuel Lubezki. El plano secuencia inicial del ataque de los indios es sencillamente magistral.
  • El ataque del Oso a un Glass que queda a su merced. Escalofriantes y violentos minutos en los que Iñárritu consigue que contengás el aliento y que sufrás por…sí…el OSO.
  • Un antagónico de lujo. A pesar que dentro del guión el personaje de Fitzgerald es poco consistente, la brillante interpretación de Tom Hardy hace que valga la pena tragarte el cuento.
  • Una correcta interpretación de Leonardo DiCaprio, para mí opacada por Hardy.
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Oso, oso, oso!

En contra:

  • Un guión con bastantes baches:  1.-El tipo sobrevive al brutal ataque del oso, a que lo arrastren con el pie no sé si quebrado, dislocado, hacia una tumba mal cavada y le echen tierra encima, se mueve con heridas sin curar, cae al agua en el más crudo invierno y tampoco sufre de hipotermia, sobrevive a un encuentro con los franceses, con los indios, se da tiempo de rescatar a una india de una violación, cae de una altura considerable y, así, sucesivamente. Entrar a la convención de que el tipo sobrevivía al ataque de oso ya era ser generosos, ponerle todos esos perendengues y además durante casi tres horas, hizo que desee que el tal Glass muera de una puta vez. Volvé, Oso, volvé! 2.-Fitzgerald desde su primera escena hace bullying a Glass y a su hijo, se nota a la legua que es un tipo corrupto y de baja ralea, e igual confían en él para encargarse del pobre tipo. 3.-Fitz mata al hijo de Glass y lo deja por ahí botado, y Bridger jamás lo ve, cuando Glass sale de su tumba se arrastra un poquito y el pobre chico está ahí, a ojos vista. 4.- Fitz apuñala al indio porque lo pilla asfixiando al padre, y luego en lugar de terminar de asfixiar al padre, ¿lo deja ahí nomás? 5.-Al descubrir lo de la cantimplora, el capitán y un montón de crispines salen a buscar a quien sea que pueda estar vivo. Cuando resulta ser Glass y regresan al fuerte se descubre que Fitz robó la plata del capitán, por ende, la plata de TODO el fuerte y deciden ir  a buscar a ese ladrón, asesino, DOS personas: una, el poco experimentado capitán y otro, el casi charqueado Glass. 6.- La muerte del capitán, la trampa de Glass, la pelea final, el reencuentro con Powaqa, fueron recursos de manual y encima, cuando la platea ya está algo agotada de tanto tole tole.
Bonito, pero no, gracias
Bonito el flashback, pero no, gracias
  • Más allá de los huecos del guión, los excesivos flashbacks onda Gladiator también fueron innecesarios y redundantes. Además, había escenas en las que aparecía la mujer de Glass que se veían muy paupérrimas en cuanto al FX. La tipa colgada y el plano hacia arriba, pucha, no, no, no.
  • Lo que menos me gustó de El Renacido es que se plantea como una película hollywoodense que no se resigna a ser eso: una película hollywoodense, Iñárritu pringa el filme de un empalagoso misticismo para disfrazarlo.
  • La duración es otro gol en contra, pudo quedarse con media hora menos y no pasaba nada en cuanto a la historia, y ganaba en cuanto a sensaciones.

El Renacido

Sí, es verdad, la película tiene lecturas filosóficas, religiosas, artísticas, lo que quieran, cuando la paja es grande aguanta muchas interpretaciones: que si la piel de oso, que si el papel de los indios y de los colonos, que si el salto con el caballo, que si lo que murmuraban los indios , que si las técnicas de sanación, que si lo ancestral, lo salvaje y lo civilizado, que si la vida, el allá, el más allá y el acuyá. En mi interpretación El Renacido  grita y no dice mucho.

Es visualmente hermosa y definitivamente un espectáculo para ver y sopesar, pero termina siendo una película fría como la nieve por la que se arrastra Leo DiCaprio.

Mónica Heinrich V.

OSCAR 2016

De los 12 Oscar a los que postula, me gustaría que gane 4:

  • Mejor Actor: Leonardo DiCaprio, y sí, ya no importa si no es su mejor papel, entréguenselo. Si nominaron a Tom Hanks por El Naúfrago y se lo dieron a Julia Roberts por Erin Brokovich,  no pasa nada si se lo dan a DiCaprio. La Academia no siempre es justa, es oportunista. En este caso, habría algo de ambas. Aún me falta ver Trumbo para saber qué tantas posibilidades de arrebatárselo tiene Bryan Cranston, pero ya, Leonardo se arrastró, gimió, se cauterizó la garganta, y se comió un hígado de bisonte, yo digo: DENLE EL COSO DORADO DE UNA MALDITA VEZ.
  • Mejor Fotografía: Es indiscutible el enorme talento de Lubezki, y la propuesta fotográfica que tiene en El Renacido, siendo responsable en partes iguales de su lucimiento, y de su artificio.
  • Mejor Actor secundario: Sí, Tom Hardy la rompe. Si se lo dan a Stallone será una de esas veces en las que prima el oportunismo a la justicia.
  • Mejor Maquillaje y Peluquería: Ajá, las heridas de DiCaprio, la pelona de Hardy, los indios, todo muy bien lookeado.

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Lo mejor: el plano secuencia y lo del oso Lo peor:  el misticismo chafa y solemne que la impregna y pretende darle mayor trascendencia de la que en realidad tiene. La escena: oso, oso, oso Lo más falsete: los flashbacks El mensaje manifiesto: la venganza es un plato que se sirve frío El mensaje latente: y después de la venganza qué? El consejo: para verla en el cine y en idioma original El personaje entrañable: oso, oso, oso El personaje emputante: Glass, que no se moría El agradecimiento: por la fotografía y por Tom Hardy.

EXTRA

Acá la novela en PDF y español:LIBRO – Michael Punke

CURIOSIDADES

Revenant viene del Latin reveniens que significa regresando o retornando también está relacionada con la palabra francesa revenir que significa regresar.  Fantasma que retorna de no se sabe dónde.

Se filmó mayormente con la Arri Alexa 65 y algunas escenas con la Epic Dragon.

El rodaje tuvo un retraso y la nieve se derritió en la locación canadiense donde el equipo se encontraba, hubo que redirigir el rodaje a Argentina para continuar con el look invernal.

DiCaprio realmente se engulle el hígado de bisonte a pesar de que es vegetariano. También aprendió lenguas nativas, a disparar un mosquete, crear fuego, y estudió técnicas de curación antiguas. Dijo que fue el papel más desafiante de su carrera.

Se filmó cronológicamente en 80 días, aunque hubo un periodo de tomas de fotografía principal de casi 9 meses. Tardaron tanto debido a la decisión de dirección de filmar con luz natural en su mayor parte a excepción de una escena: donde encienden una hoguera y el viento movía el fuego. Pusieron luces alrededor para que diera el efecto que ellos querían.

Leonardo DiCaprio le pidió a Tom Hardy que lea el guión para ser parte del proyecto. Hardy aceptó y una vez leído el guión se quedó con el papel.

Se dice que Iñárritu es bastante atorrante y trata muy mal al crew, Hardy fue incapaz de soportar el maltrato y eso hizo que chocara con Iñárritu muchas veces, el mismo Hardy inmortalizó el conflicto con una imagen en la que se lo ve ahorcando a Iñárritu y que convirtió en polera.

Gente del Crew abandonó el proyecto o fue despedida  debido al explosivo carácter de Iñárritu.

DiCaprio estuvo a punto de hacer Steve Jobs, pero al final eligió El Renacido.

Las cicatrices de DiCaprio tardaron 5 horas en aplicarse.

Sean Penn era el actor que haría de Fitzgerald y al final por conflictos de agenda abandonó el proyecto.

Leonardo DiCaprio, Tom Hardy y Lukas Hass ya trabajaron juntos en El Origen.

Park Chan Wook (OH MY GOD!) estuvo interesado en dirigir esta adaptación y quería a Samuel L. Jackson como coprotagonista.

Si ya la viste,puntúa la película!

OSCAR 2016: La gran apuesta / The Big Short

Lo que te mete en problemas no es lo que no sabes, sino lo que crees que sabes con certeza y resulta no ser así

Mark Twain era un pendejo. En esas aciagas épocas derramaba más sabiduría que los tweets de Alejandro Jodorowsky (¡!).

Con esa sapiente frase abre The Big Short, porque claro, la película nos contará a lo largo de más de dos horas, cómo se desinfló, o más bien dicho: reventó la burbuja inmobiliaria en USA y creó la famosa crisis del 2008.

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Así es endeudados amigos, víctimas del sistema bancario, de la sociedad, del cochino dinero y de los illuminatis, la última película de Adam Mckay (The Stepbrothers, Anchorman 1 y 2, The other guys) se basa en hechos reales y usa grandes estrellas de Hollywood para darnos una clase didáctica de fenómenos macroeconómicos.

La comparación más obvia es la de El lobo de Wall Street, de Martin Scorsese, que también nadaba en las espesas y hediondas aguas de Wall Street, sin embargo, Scorsese se la jugaba y (hasta lo último) sus personajes, esos que coqueteaban con los millones de dólares y eran adictos no solo a ganarlos sino a gastarlos, guardaban cierta coherencia. No había redención para la corrupción, ni ñoños sentimentalismos.

McKay, por su parte, toma como base el libro homónimo de Michael Lewis, lo adapta y explica (como un paciente profesor) los orígenes del colapso financiero que hizo que millones de americanos se quedaran sin casa y empleo, y no se decide si está haciendo un película de humor negro o un filme con mensaje a la conciencia.

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En toda tragedia o crisis, hay alguien que ve venir la bola de nieve, la ve o la presiente, y, en la película que nos ocupa, Mckay agarra a los personajes que supuestamente se percataron de la endeble estructura hipotecaria y le sacaron partido. Dicho de otra manera, estos sujetos tomaron los limones que la vida les dio y se fabricaron las súpermegas caipiriñas.

Michael Burry (Christian Bale) es uno de esos fabrica-caipiriñas. Con imagen desaliñada, y un solo ojo, Burry fundó su compañía SION Capital LLC, y atrajo a inversionistas a los que trepó al bus de esperemosquelamierdaestalleyrecojamoslasganancias.

Pero no fue solo Burry, el cíclope, el que se benefició de la caída de un obvio castillo de naipes, también algunos analistas, corredores y advenedizos más.

Uno de ellos, el personaje de Ryan Gosling, es el hilo narrativo de la película y rompe la cuarta pared para contarnos cómo fue el despelote.

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Ok. En los primeros 15 minutos, The Big Short resume de qué y hacia dónde va. SPOILER ALERTA Lo demás es una caja de resonancia mezclada con aderezos como el personaje de Steve Carrel y su muy empelucado Mark Baum, que a pesar de que está salivando porque la huevada colapse, es aquejado por ataques de culpa, y nos enchufan unos flashbacks sobre el suicidio de su hermano bastante chotos.

Eso no le impide cobrar sus 200.000.000 $us. claro, ni a él ni a los dos muchachos que son ayudados por un hippie chic Brad Pitt, Ben Rickert, cuyo personaje está en contra de todo lo que termina haciendo en la película. FINAL DEL SPOILER

The Big Short trata de alivianar un cúmulo de información que es súper aburrida y técnica con la muletilla de: “Ahora, Verónica Larrieu nos explica cómo caen las acciones cual si fueran achachairuses en temporada”

No está mal, aunque para el público promedio sigue siendo un lenguaje poco accesible y dentro de los engranajes mismos de la película, todo se vuelve bastante repetitivo.

Desde el principio, Mckay toma partido porque parece incómodo con los grises, y reflexiona sobre lo sanguinario del sistema bancario, del gobierno que socapa a los creadores de la crisis, y de la impunidad.

Sí, McKay, entendimos.

Qué jodida es la vida y el ser humano.

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La gran apuesta está nominada a 5 premios Oscar:

1.- Mejor Película: No está mal, pero me resulta difícil situarla entre lo mejor que vi del año, porque a pesar de su aire irreverente es una película bastante políticamente correcta que tiene aspiraciones más grandes que sus resultados. El acelerado montaje disimula un poco la corrección política.

2.- Mejor Director: McKay incursiona en un género que aún contiene los visos humorísticos de su filmografía anterior, pero creo que no supo comprimir su historia y en términos de dirección termina dando demasiados mensajes moralistas sobre un hecho que el espectador puede juzgar por sí solo.

3.- Mejor Actor: Christian Bale hace una muy buena representación de Michael Burry, quizás no tenga mucho que ver con el verdadero, pero Bale sabe actuar. ¿Se llevará el Oscar? Creo que hay opciones más sólidas como Tom Hardy en El Renacido, estos días me queda ver Creed.

4.- Mejor Guión adaptado: The Martian y The Big Short me parecen las apuestas más débiles de este apartado. Aunque nunca sabe, a la Academia le gusta lavarse la cara con temáticas sociales como esta.

5. Mejor Edición: Su edición está muy buena y cubre parte de las falencias del guión, aunque, nuevamente, tiene rivales que son mejores.

En resumen: The Big short es una buena película con una interesante historia. A ratos, la palabra que se te viene a la mente es: inteligente…porque lo es, pero el tufillo conciliatorio arruina un poco la experiencia.

Ahora, Falkor, mi perro, les explicará con huesitos lo que trato de decir.

(…)

Mónica Heinrich V.

Lo mejor: es inteligente y didáctica Lo peor: repetitiva y moralista La escena: la de la Jenga y las intervenciones de los artistas invitados Lo más falsete: la supuesta culpa o remordimientos o tristeza de los personajes que esperaban que el sistema colapse para hacerse millonarios El mensaje manifiesto: si le das más poder al poder, más duro te van a venir a coger El mensaje latente: ponete vaselina El consejo: para ver en un horario en el que NO vayás a sucumbir de sueño El personaje entrañable: todos los que creyeron que las cosas saldrían bien adquiriendo casas sin tener cómo pagarlas El personaje emputante: Mark, el de Steve Carrell, porque fue el más moralizador de todos, con la cantaleta del hermano muerto y lo mal que se sentía de que la gente pierda sus casas. Sí, claro.  El agradecimiento: inteligente, a pesar de los peros que podás encontrarle.

CURIOSIDADES

  • “La verdad es como la poesía y la mayor parte de la gente odia la maldita poesía” es una frase que creó el mismo director, Adam Mckay, cuando no sabía qué frase decir sobre el bar de Washington.
  • Se basa en el libro homónimo de Michael Lewis, y es la segunda obra de Lewis que la productora de Brad Pitt produce, la primera fue Moneyball.
  • El estudio quería que los personajes sean menos odiosos, sin embargo, Mckay se impuso y quiso mantenerlos tal cual los vimos.
  • Es la primera aparición de Ryan Gosling desde que el 2013 anunció que se daba un respiro de la actuación.
  • El personaje de Christian Bale jamás comparte escena con ninguna de las otras estrellas principales.
  • Margot Robbie era la esposa del personaje de Leo Dicaprio en El lobo de Wall Street.
  • El verdadero Michael Burry tiene un cameo en la escena de las oficinas.
  • En el guión original las celebridades que explicaban los términos eran otras: Scarlett Johanson reemplazaba a Margot Robbie y Beyonce tenía el parlamento de Selena Gómez.
Si ya la viste,puntúa la película!

EN CARTELERA: Steve Jobs

Amantes de la manzanita, detractores de la manzanita, aspirantes a multimillonarios que siguieron la carrera de Steve Jobs con la esperanza de que se les peguen algunos dólares al absorber sus “enseñanzas”, estimados padawanes, lectores en general.

La nueva biopic del fundador de Apple ya está en cartelera para que todos vayan a verla, discutan cuán hijo de puta era el señor y busquen las biografías para constatar verdades o mentiras.

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Y muy al estilo binario con el que algunas personas ven la vida y el 2016, la película del británico Danny Boyle puede ser apreciada de dos maneras.

Como película a secas

Boyle no es un director muy prolífico, tiene casi 60 años y solo ha hecho 10 largometrajes, siendo lo mejorcito de su carrera lo que hizo al principio.

Con Tumbas al ras de la Tierra y Trainspotting parecía que Boyle estaba destinado a las grandes lides, pero el hombre ha ido de más a menos y aunque nunca deja de ser un cineasta interesante se podría decir que ha sido literalmente devorado por las exigencias de los estudios. Este es un ejemplo de cómo tu estilo y/o talento puede ser anulado miserablemente o cómo tu estilo y/o talento no evoluciona con vos.

No importa, igual ir al cine a ver una película de Danny Boyle es garantía de que pasarán cosas y sentirás cosas.

Boyle se junta con el guionista Aaron Sorkin y nos da una película entretenida, con excelentes actores, con una fotografía espectacular (Alwin Küchler: Hanna, Sunshine, Movern Callar, Divergente), con un muy buen montaje (Elliot Graham), con una excelente banda sonora (Daniel Pemberton: Operación U.N.C.L.E., The Counselor, In Fear) y, a pesar del aire sentimentaloide que nos ventea al final, hace salir del cine con la sensación de haber visto algo superior al promedio, de impecable factura.

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Si uno no se pone exquisito y pendejo con las comparaciones con el Steve Jobs real, puede ser una película muy disfrutable, gracias, sobre todo, a los diálogos que van y vienen de Aaron Sorkin.

Sorkin (Red Social, Moneyball), una vez más, muestra su pericia y audacia al lanzarnos una chorizada de texto que en ambientes más bien controlados (los lanzamientos de los nuevos productos de Steve Jobs) unen los hilos que conforman el perfil de un personaje tan lleno de capas como Jobs.

Y es que la biopic de Jobs parecía destinada al fracaso, sufriendo el abandono del director David Fincher en sus inicios, el rechazo de actores como Leonardo DiCaprio y Christian Bale, y quizás, la sensación de que era casi imposible abarcar con exactitud y precisión el proceso que convirtió a Apple en ese gigante de la tecnología.

Danny Boyle tomó ese desafío y eligió centrar la trama dando un repaso a la vida de Jobs a través de tres puntos claves: 1) Lanzamiento de la Macintosh 2) Lanzamiento de NeXT y 3) Lanzamiento de la Imac.

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El arco dramático va desde el aparente fracaso de Macintosh, la salida de Jobs de Apple y el retorno a Apple, todo esto condimentado o, más bien dicho, acentuado en la relación que el afamado ejecutivo llevó con su hija Lisa, que incluso sirve como vehículo para esbozar (falsamente) el nacimiento del Ipod.

Como película a secas lo compro. Compro el excelente desempeño de Michael Fassbender como un ficcional Jobs, compro la portentosa actuación de una Kate Winslet en su mejor forma, compro la ñoñez de los 20 minutos finales, compro el desfile de némesis/ex amigos/detractores que se le aparecían antes de cada lanzamiento, compro a Woz (Seth Rogen) mendigando reconocimiento ausente de su marca personal: el sentido del humor, compro los encuentros forzados para ponerse a charlar de cosas profundas y deudas antiguas, compro todo.

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Lo que no compro es que sea una buena biopic y ahí entramos en la manera número dos de ver este trabajo de Danny Boyle.

Como biopic o aproximación al personaje real

Físicamente, Fassbender no se parece en nada al verdadero Steve Jobs. Ni en joven, ni en viejo. Eso no importaría si el aura o la personalidad de Jobs estuvieran plasmados en otros aspectos. Desgraciadamente, Fassbender nos presenta un tiburón frío y despiadado, claramente obsesivo, que no digo que no sean características reales de Jobs, sino que el verdadero Jobs jugaba más a the nice guy, a tipo hippie, onda zen, coloquial en sus ademanes, un tipo más común, por decirlo de alguna manera.

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De hecho, hay biografías que cuentan que Jobs no era muy controlado en sus emociones sino más bien volátil, podía romper en llanto con tal de conseguir lo que quería, y ponerse histérico muy fácilmente. Con esto quiero decir que Fassbender le ha dado una elegancia al personaje que Jobs no tenía.

Hablando netamente de la fundación de Apple, sus problemas, los personajes que rodearon a Jobs, y los tres puntos que la película toca, es por demás decir que se han tomado bastantes libertades. Desde el énfasis en Lisa, que dicho sea de paso, vivió con Jobs a partir de los 14 años, pasando por la presencia constante de Johanna (Kate Winslet) que después de NeXT no siguió con Jobs, hasta la omisión de la segunda esposa de Jobs con quien se casó en 1991 y que en la película (cuya trama concluye en 1998) jamás es mencionada.

En la película Jobs (2013) protagonizada por Ashton Kutchner, los actores que representaron a los personajes reales sí tenían una similitud física más marcada. Kucthner y Josh Gad (Woz) eran muy parecidos a los dos chicos que juntos trabajaron en el garaje del papá de Jobs para fundar Apple. Jobs, sin embargo, languidecía ante una dirección de Joshua Michael Stern carente de imaginación y con un tono muy de telefilm de Lifetime.

Acá se omitía el papel relevante de Johanna y se daba más vuelo a las relaciones tempranas de Jobs con sus colaboradores, con la madre de Lisa, con el amigo con el que fue a la India y que luego dejó botado como una chancleta, con Woz, para luego siguiendo la fórmula hollywoodense contarnos su glorioso ascenso, mensajitos de autoayuda de por medio, y vendernos una imagen de superación, excesivamente amable del personaje.

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Por su parte, el documental Steve Jobs: The man in the machine profundiza un poco más. Alex Gibney, responsable de documentales como Freaknomics, Gonzo: Vida y hazañas de Hunther Thompson, La mentira de Lance Amstrong y Going Clear: Scientology and the prison of belief muestra el lado más oscuro tanto de Jobs como de Apple bajo el mando de Jobs.

Así sabremos de los 18 suicidios en un año que tuvo en una de sus fábricas, que se estacionaba siempre en la zona de discapacitados, las malas prácticas corporativas, la contaminación ambiental de Apple, la explotación de sus trabajadores, sus movidas ilegales para sacar dinero a paraísos fiscales, su ausencia absoluta de filantropía, su carácter vengativo, ya que estando a punto de morir de cáncer se dio tiempo para perseguir a un periodista por haber filtrado el nuevo Iphone, y otros.

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Lo que jode de The man in the machine es el tono de introspección que adopta Gibney para abordar la figura, las preguntas que se hace ante la masiva respuesta de las personas a la muerte de Jobs, ¿por qué la gente llora? ¿Por qué la gente hace cola durante horas por un teléfono? ¿Por qué Steve Jobs trascendió por encima de gente que sí eran ingenieros, técnicos o expertos en softwares? Y el cierre, onda filosófico existencial del documental, que juega a que no juzga al personaje, pero sin embargo se regodea en las zonas más polémicas del mismo.

Así que no, ni Jobs ni Steve Jobs: The man in the machine lo consiguieron tampoco.

Y si tenés como referencia o como comparación esos dos trabajos, Steve Jobs de Danny Boyle es una rueda más al carro que intenta retratar a este complejo personaje.

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Puede que algunos piensen que el trabajo de dirección de Boyle y el de guión de Sorkin, son más que suficientes para decir que la película es de lo mejorcito del año. Sin ir muy lejos, de las últimas películas de Boyle debe ser la más inspirada. Puede que también crean que Fassbender se merece su nominación al Oscar por una brillante actuación que no es precisamente tributo al personaje que recrea. Puede que sí, pero para los que busquen a Steve Jobs como tal, supondrá una mezcla de sentimientos. Un coitus interruptus.

Steve Jobs, no el de Ashton ni el de Fassbender, decía que no tenías que ser mejor que la competencia, sino diferente. Think Different era su lema, hasta el momento ninguno de los trabajos audiovisuales que intentan ahondar en su vida lo es.

Eso sí, la otra máxima que vendía como slogan: “cambiar el mundo”, para bien o para mal la cumplió con creces y las películas/documentales que salen unos detrás de otros, lo prueban.

Buenos días, esito sería. Cierro por unos instantes mi Mac.

Mónica Heinrich V.

EXTRA:

Acá el link de descarga de la biografía escrita por Walter Isaacson: Steve Jobs (Spanish Edition) – Walter Isaacson

Lo mejor: los elementos que componen una buena película están ahí: actuaciones, dirección inspirada, montaje, guión (incluso con su parte cursi) y arcos narrativos.

Lo peor: el Steve Jobs de Fassbender y de Boyle no es el Steve Jobs de Apple.

La escena: la primera secuencia introductoria al personaje, la de la coincidencia, las charlas con Scully estuvieron muy buenas.

Lo más falsete: lo de la hija, lo del ipod, lo de Woz todo el tiempo mendigando reconocimiento.

El mensaje manifiesto: Think Different

El mensaje latente: definamos Diferente

El consejo: Vela subtitulada, y sin exigir muchas similitudes con el Jobs real.

El personaje entrañable: Siempre sentí particular simpatía por Woz

El personaje emputante: la mamá de Lisa.

El agradecimiento: porque es amena y porque mueve a buscar mayor información sobre los personajes reales.

CURIOSIDADES

Tuvo un presupuesto de 30.000.000 $us.

Los espacios temporales de la película fueron filmados con diferentes técnicas para mostrar los avances de la tecnología, los inicios de Apple se filmaron en 16mm, luego en 35mm y la parte final en digital para que queden tácitamente marcados los 16 años que pasaron hasta la escena final del filme.

Fincher dejó la película porque no cumplieron sus dos exigencias: 10.000.000 $us. por dirigirla y tener absoluto control creativo del proyecto.

Steve Wozniak fue consultor del filme.

Las audiciones no se hicieron con el guión de Sorkin sino con escenas de Newsroom la serie de TV del mismo guionista.

Como la película está dividida en tres secuencias, la filmación se hizo igual. Se ensayó durante dos semanas, se filmó el primer pedazo durante otras dos. Se detuvo otras dos semanas en las que se ensayó la otra parte, y luego se filmó. Y lo mismo sucedió con la tercera parte.

El guión tenía alrededor de 180 páginas y Fassbender se lo memorizó.

Aaron Sorkin hace un cameo mientras Steve Jobs y Woz discuten en el teatro vacío. Es una de las personas que pasan por el fondo.

Si ya la viste,puntúa la película!
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